Das Kolorieren und Malen von Haut kann ziemlich knifflig sein. Viele Künstler kämpfen damit, da es sich beim digitalen Kolorieren der Haut so anders anfühlt. Mit Clip Studio Paint können wir jede Funktion nutzen, die beim Kolorieren digitaler Kunst hilft. Egal, ob Sie Anfänger oder erfahrener Digitalmaler sind, das Verständnis, wie man Haut koloriert und sie realistisch wirken lässt, während man gleichzeitig einzigartige Kunststile beibehält, wird Ihnen helfen, immersivere und glaubwürdigere Kunstwerke zu schaffen.

 

In diesem Leitfaden werde ich die Schritte zum optimalen Kolorieren der Haut behandeln und auch besprechen, wie man den Realismus der Hauttöne verbessert, indem wir Werte, Farbbeziehungen, reflektiertes Licht und Oberflächenstreuung sowie Videoprozesse dazu besprechen. Ich werde auch Pinseltechniken, Mischtipps und die Verwendung von Multiplizieren- und Bildschirm-Ebenen für effektives Schattieren einbeziehen!

Die Grundfarbe festlegen

Wählen Sie zunächst eine Grundfarbe, die den mittleren Hautton Ihres Charakters darstellt. Diese Basisschicht bildet die Grundlage für spätere Schattierungen und Glanzlichter. Wählen Sie eine Grundfarbe, die etwas heller ist als Ihr gewünschter Endton, da das Schichten sie auf natürliche Weise dunkler macht.

Daran werden wir heute arbeiten. Ich habe 4 separate Ebenen erstellt: Lineart, Haare, Kleidung und Haut.

Tipps für Ihr Lineart

Damit Ihre Linien weicher wirken und sich insgesamt besser an Ihre Hautfarbe anpassen, mache ich es normalerweise so:

1. Stellen Sie den Ebenen-Mischmodus auf Multiplizieren ein

2. Senken Sie die Deckkraft Ihrer Lineart-Ebene nach Belieben (ich bevorzuge normalerweise 60%-80%)

3. Aktivieren Sie „Transparente Pixel sperren“, um sicherzustellen, dass Sie nur über das Lineart zeichnen können

4. Wählen Sie schließlich eine dunklere Farbe des Hauttons Ihres Charakters und verwenden Sie einen harten Pinsel, um die Farbe über das gesamte Lineart aufzutragen

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Oberflächenstreuung

Oberflächenstreuung (Subsurface Scattering) ist das, was Haut in der digitalen Kunst weich und realistisch aussehen lässt. Wenn Licht auf die Haut trifft, prallt es nicht nur von der Oberfläche ab, sondern dringt etwas ein, streut darin herum und tritt in benachbarten Bereichen wieder aus. Das Ergebnis ist, dass Bereiche wie Ohren oder Nasen oft einen warmen, leicht glühenden roten oder rosa Farbton haben, wenn Licht durch sie scheint.

Um dies in der digitalen Kunst nachzuahmen, können Sie subtile Rot- oder Orangetöne mit einem weichen Airbrush hinzufügen, um die Haut lebendiger und natürlicher wirken zu lassen.

Der Airbrush ist unter „Sprühwerkzeug“ > „Weich“ zu finden.

Für eine einfachere Kolorierung empfehle ich, „Transparente Pixel sperren“ auf Ihrer Grundfarben-Ebene zu aktivieren (ähnlich wie zuvor bei der Vorbereitung des Linearts), damit Ihr Airbrush nicht über die Hautgrundebene hinausgeht.

Schatten hinzufügen

In der digitalen Kunst, obwohl man es manuell machen kann, wäre der optimalste Weg, Schatten hinzuzufügen, die Nutzung von Mischmodi. Dafür werden wir den Ebenen-Mischmodus Multiplizieren wieder zur Hilfe nehmen.

Erstellen Sie zuerst eine neue Ebene über Ihrer Hautgrundfarbe. Maskieren Sie dann die neue Ebene auf die darunterliegende (Hautschicht).

Wählen Sie einen dunkleren, entsättigteren Farbton Ihres gewählten Hauttons und füllen Sie die gesamte Ebene mit dieser Farbe. Ändern Sie dann den Ebenen-Mischmodus auf Multiplizieren.

 

Hier erweisen sich die Mischmodi als nützlich, da sie Ihnen eine Schattenfarbe gegeben haben, die sowohl zum Hautton als auch zur von Ihnen gewählten Farbe passt.

Haut existiert nicht isoliert, sie reflektiert und absorbiert Farben aus ihrer Umgebung. Wenn Sie möchten, dass sich Ihr Charakter in seiner Szene zugehörig fühlt, müssen Sie Umgebungslichtreflexionen berücksichtigen. Das Spiel mit Farbvielfalt wird dazu beitragen, Ihren Charakter stärker in seine Umgebung einzutauchen.

Eine Sache, die Sie beachten sollten, ist, dass Schatten, wenn Sie einen realistischen Look anstreben, niemals stärkere oder reinere Farben als die Mitteltöne haben sollten, es sei denn, Sie treffen eine bewusste künstlerische Entscheidung. Bei realistischer Beleuchtung tendieren Schatten dazu, gedämpfter zu sein, weil sie Licht absorbieren statt reflektieren, was eine natürliche Entsättigung verursacht.

 

Mitteltöne hingegen tragen die lebendigsten Farbinformationen, da sie direkte Beleuchtung erhalten, ohne wie Glanzlichter überbelichtet zu werden, da Licht auch dazu führen kann, dass Farben an Sättigung verlieren. Wenn Sie zu viel Sättigung in Schatten einführen, kann dies die Beleuchtung unnatürlich wirken lassen und das gesamte Farbgleichgewicht überwältigen. In stilisierten Arbeiten oder dramatischen Lichtverhältnissen, wie farbigen Bühnenlichtern oder Leuchtreklamen, können stärkere Farben in Schatten jedoch die Stimmung und das Storytelling verbessern.

Lichtquelle bestimmen & Licht aus dem Schatten herausarbeiten

Nachdem Sie eine Multiplizieren-Ebene für Schatten erstellt haben, bestimmen Sie die Lichtquelle und ihre Eigenschaften. Berücksichtigen Sie ihre Richtung—kommt sie von oben, von der Seite oder von hinter dem Objekt? Bestimmen Sie ihre Intensität; starkes Licht erzeugt harte Schatten, während weiches Licht allmähliche Übergänge bewirkt. Die Lichtmenge beeinflusst, wie viel Haut im Schatten bleibt. Das Verständnis dieser Faktoren stellt sicher, dass die Schattierung innerhalb der Szene kohärent und realistisch bleibt.

Die Bedeutung des Wertes beim Kolorieren der Haut

Da wir mit Schatten und Lichtern beginnen, spielt der Wert (die relative Helligkeit oder Dunkelheit einer Farbe) eine entscheidende Rolle, um die Haut realistisch erscheinen zu lassen. Hier sind einige Dinge, die wir beachten sollten:

-Stärkeres Licht bedeutet stärkeren Kontrast

Starke Lichter werfen stärkere, dunklere, kräftigere Schatten im Vergleich zu einer weicheren Lichtquelle. Bei indirektem Sonnenlicht beispielsweise haben die Glanzlichter und Schatten einen ausgeprägteren Unterschied im Vergleich zu einer bedeckten oder Innenumgebung, wo der Kontrast weicher ist.

- Vermeiden Sie eine Überbetonung der Mitteltöne

Viele Künstler verlassen sich fälschlicherweise auf Mitteltöne zur Formdefinition, was zu einem stumpfen und flachen Aussehen führt. Lassen Sie stattdessen die Übergänge zwischen Licht und Schatten die Form erzeugen. Dies kann auch bei zu vielen weichen Schatten passieren, da dies die Farben undurchsichtig wirken lassen kann.

(Ja, das linke Bild ist mein alter Versuch, Haut mit einer Lichtquelle von unten zu kolorieren. Kunst bedeutet Übung und niemals aufgeben!)

- Beibehalten konsistenter Wertunterschiede

Wenn der Wertunterschied zwischen Glanzlicht und Grundton 2 beträgt, sollte der Unterschied zwischen Grundton und Schatten ebenfalls 2 betragen. Dies hält den Kontrast ausgeglichen und verhindert unnatürliche Verschiebungen im Erscheinungsbild der Haut.

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Nun zurück zum Zeichen ~~brett~~ Bildschirm, nachdem Sie die Lichtquelle bestimmt haben. In diesem Beispiel werde ich eine Lichtquelle einer warmen Lampe von unten rechts des Bildes platzieren.

Um unseren Ausgangspunkt festzulegen, senken Sie die Multiplizieren-Schattierungsebene entsprechend Ihrem Beleuchtungsszenario. Denken Sie daran, je stärker die Lichtquelle, desto höher der Kontrast und desto dunkler die Schatten in diesen Szenarien.

Was ich als Nächstes gerne mache, ist, einen weichen Airbrush zu verwenden, um die vom Licht getroffenen Stellen nur ganz leicht zu radieren.

Um dies zu tun, wählen Sie den weichen Airbrush („Sprühwerkzeug“ > „Weich“) und wählen Sie diese transparente Farbe, um den Pinsel in einen Radiergummi zu verwandeln. Dies ist eine meiner Lieblingsfunktionen in Clip Studio Paint, die so oft nützlich ist und mir das Leben insgesamt leichter macht.

Mit dem weichen Airbrush-Radiergummi radieren Sie leicht einige Schatten in lichtexponierten Bereichen weg.

Nun zum lustigen (und stressigen) Teil! Nachdem Sie mit dem Airbrush etwas Abwechslung geschaffen haben, beginnen Sie, größere Schatten aus den vom Licht exponierten Bereichen zu radieren. In diesem Fall verwende ich den „Runden Mischpinsel“ mit transparenter/keiner Farbe (Details zu meinen Pinseln finden Sie in einem späteren Kapitel). Beginnen Sie mit großen Abschnitten mit einem harten Pinsel und verfeinern Sie ihn schrittweise. Achten Sie genau auf Gesichtsflächen, breite Bereiche sollten zuerst korrigiert werden, bevor Sie sich auf kleinere Details konzentrieren. Der Asaro-Kopf ist eine großartige Referenz zum Verständnis von Gesichtsflächen, und viele Online-Ressourcen ermöglichen es Ihnen, die Lichtquelle umzuschalten, um zu studieren, wie sie verschiedene Oberflächen beeinflusst.

Und ich kann es nicht genug betonen, aber bitte beginnen Sie mit großen Formen und großen Schatten. Ich habe genug neu koloriert, weil ich gleich zu kleineren, detaillierteren Schatten überging und am Ende schlammige Farben hatte. Kleinere, weniger undurchsichtige Schatten können danach hinzugefügt werden, wenn wir die allgemeine Vorstellung davon haben, wohin das Licht fällt, und die Schatten allmählich herausarbeiten und radieren.

Nachdem Sie die Platzierungen für unsere Schatten und Mitteltöne festgelegt haben, können Sie nun mit weicheren und kleineren Schatten arbeiten. Für diesen Teil verwende ich denselben Pinsel wie zuvor, aber mit einer geringeren Deckkraft. Dies gibt mir die Möglichkeit, Farben zu schichten oder Schatten Stück für Stück zu radieren.

 

Dieser Schritt ist auch der, wo Werkzeuge wie Verwischen oder Weichzeichnen nützlich sein werden, um die harten Schatten, die Sie eingerichtet haben, aufzuweichen. Es ist eher eine persönliche Präferenz, aber ich habe immer das Gefühl, dass Verwischen meine Farben etwas zu sehr vermischt, also verwende und empfehle ich Ihnen, stattdessen Weichzeichnen zu verwenden.

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Harte vs. weiche Schatten im Gesicht

Nicht alle Schatten im Gesicht sollten gleich behandelt werden: Einige Bereiche erfordern scharfe, definierte Kanten, während andere weiche, verblendete Übergänge benötigen. Das Verständnis, wo jede Art von Schatten platziert werden muss, verleiht Ihrem Gemälde mehr Realismus und Tiefe.

Verwenden Sie harte Schatten für Bereiche, in denen Objekte das Licht direkt blockieren, wie zum Beispiel:

- Der Schlagschatten unter der Nase.

- Der Schatten des oberen Augenlids auf dem Augapfel.

- Die Kieferlinie bei starker Beleuchtung.

- Haare, die einen Schatten auf Stirn oder Gesicht werfen.

 

Verwenden Sie weiche Schatten für Bereiche, in denen das Licht sanft übergeht, wie zum Beispiel:

-Die Seiten des Gesichts, wo das Licht allmählich verblasst.

-Der Bereich unter den Wangenknochen (außer bei grellem Licht).

-Schatten am Hals, die oft eine Mischung aus weichen und harten Kanten aufweisen.

 

Diese Bedingungen hängen natürlich von Ihrem gewählten Beleuchtungsszenario ab. Eine gute Faustregel ist: Schatten, die näher an der Lichtquelle liegen, neigen zu weicheren Kanten, während Schatten, die von festen Objekten geworfen werden, schärfer sind. Sie können einen harten Pinsel für scharfe Schatten und einen Airbrush für weiche Schatten.

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Terminator, um Ihre Farben lebendig zu machen

Nein, nicht die Roboter... Terminatoren sind die Stellen, an denen Licht in Schatten übergeht, und sie spielen eine Schlüsselrolle dabei, die Haut lebendiger und dimensionaler wirken zu lassen. Anstatt einen flachen Übergang zu haben, können Sie am Terminator sattere Farben einführen, um nachzuahmen, wie Licht im echten Leben streut.

Anstatt einen flachen Übergang zu haben, können Sie am Terminator sattere Farben einführen, um nachzuahmen, wie Licht im echten Leben streut. Dieser Effekt ist besonders bei Haut aufgrund von Oberflächenstreuung bemerkbar, wo etwas Licht die Oberfläche durchdringt, bevor es zurückprallt. Der Terminator hat oft einen wärmeren, gesättigteren Farbton im Vergleich sowohl zum Glanzlicht als auch zum Schatten. Wenn das Licht beispielsweise kühl ist, kann der Terminator einen warmen, rötlichen Farbton aufweisen, bevor er in den kühleren Schatten übergeht. Sie können diesen Effekt verstärken, indem Sie eine gesättigtere Farbe sanft entlang der Terminatorlinie lasieren, um die Haut natürlicher und lebendiger aussehen zu lassen.

 

Der beste Weg, den ich dafür gefunden habe, ist die Verwendung eines weichen Airbrushes mit dem Mischmodus „Überlagern“ in einer neuen normalen Ebene oder die Verwendung einer neuen maskierten Ebene, die auf Überlagern eingestellt ist.

Um den weichen Airbrush mit Überlagern-Modus zu erhalten, können Sie zuerst Ihren weichen Airbrush auswählen (oder duplizieren) und auf das Schraubenschlüsselsymbol unten rechts in den Werkzeugeigenschaften klicken. Das unten gezeigte Bild wurde im Clip Studio Paint Studio-Modus auf einem Tablet erstellt.

Gehen Sie dann zu „Tinte“ > Wählen Sie den Mischmodus „Überlagern“.

Jetzt können Sie die Terminatorfarbe sanft auf Ihre Hauttöne auftragen! Beachten Sie, dass es besser ist, diesen Pinsel in einer neuen Ebene mit dem Mischmodus „Normal“ zu verwenden, die auf Ihre Hautgrundfarbe und Schattierungsebene maskiert ist.

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Nach dieser kurzen Pause kann ich nun die Terminatorfarbe mit dem weichen Überlagern-Airbrush auf meine Beispielarbeit anwenden. In diesem Fall habe ich eine sehr lebendige orangerote Farbe verwendet.

Ta-da!

Lichter hinzufügen

Wie Sie vielleicht bemerkt haben, haben wir unsere helleren Töne noch nicht hinzugefügt, da wir bisher nur die Schatten und Mitteltöne festgelegt haben. Um dies zu tun, können wir genau dasselbe tun wie zuvor mit den Schatten.

Erstellen Sie eine neue Ebene über unserer Hautgrundfarbe und den Schatten (plus der Terminatorebene), aktivieren Sie die Schnittmaske, und anstatt den Ebenen-Mischmodus auf Multiplizieren einzustellen, stellen Sie ihn entweder auf „Raster“ oder „Hinzufügen“ ein. Raster erzeugt subtilere Lichter, wählen Sie also entsprechend Ihrem Beleuchtungsszenario.

So sollte Ihre Ebenenanordnung aussehen:

Wenn das erledigt ist, können wir nun hellere Töne auf die Bereiche anwenden, wo das Licht stärker wäre, normalerweise näher an der Lichtquelle, und die Deckkraft der Ebene anpassen. Verwenden Sie einen harten Pinsel mit weichen Kanten; ich verwende während dieses Zeichenprozesses nur einen Pinsel (außer Airbrush), den Runden Mischpinsel, dessen Details unten aufgeführt werden.

Beachten Sie bei der Farbwahl, welche Lichtquelle vorhanden ist und welche Farbe diese hätte. In diesem Beispiel verwende ich eine hellgelblich-warme Farbe, passend zu der warmen Lampenlichtquelle, die ich im Sinn hatte.

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Glanzlichter auf dunkleren Hauttönen rendern

Eine allgemeine Faustregel besagt, dass dunklere Hauttöne in Glanzlichtbereichen dazu neigen, mehr Licht zu reflektieren, wodurch ein stärkerer Kontrast zwischen Licht und Schatten entsteht. Dies bedeutet, dass Glanzlichter ausgeprägter erscheinen können, während Mitteltöne und Schatten sorgfältig verblendet werden sollten, um Tiefe zu erhalten.

 

Zusätzlich weist dunklere Haut oft reichere Untertöne auf, wie warme Rottöne, tiefe Brauntöne oder kühle Violetttöne, die subtil in die Schattierung integriert werden können, um den Realismus zu verbessern. Beim Rendern von Glanzlichtern sollte man einen etwas gesättigteren oder wärmeren Ton anstelle von reinem Weiß verwenden, um die natürliche Lebendigkeit der Haut zu erhalten.

Rendern & Fertigstellen

Nachdem alle Werte und Farben festgelegt wurden, ist der nächste Schritt das Übermalen, bei dem Sie das Werk verfeinern und vereinheitlichen, indem Sie über die Lineart malen. Diese Phase hilft, Kanten zu verblenden, Farben anzupassen und letzte Details hinzuzufügen, um den Realismus zu verbessern.

 

Sie können auch unter die Lineart malen, um anderen Elementen, wie dem Augenweiß, den Pupillen, den Lippen oder anderen Bereichen, die Grundtöne benötigen, Basisfarben hinzuzufügen. Dies stellt sicher, dass alle Teile des Kunstwerks kohärent und natürlich integriert wirken.

 

Um diesen Prozess weiter zu veranschaulichen, hier ein Speedpaint dessen, was ich getan habe:

Scheuen Sie sich nicht, Farben nach Bedarf hinzuzufügen oder zu entfernen: Wenn Bereiche Schatten fehlen, fügen Sie sie hinzu; wenn ihnen Licht fehlt, fügen Sie es hinzu; wenn ihnen Farbe fehlt, verstärken Sie sie. Fühlen Sie sich nicht durch Ihre Lineart oder Grundfarben eingeschränkt. Anpassungen und Verfeinerungen werden dazu beitragen, Ihrem Werk mehr Leben und Tiefe zu verleihen.

Sobald die Haut fertig ist, ist es Zeit, die restlichen Elemente wie Haare, Kleidung und Hintergrund zu rendern. Viele der für die Haut verwendeten Techniken, wie Multiplizieren- und Raster-Ebenen, können auch hier angewendet werden, aber denken Sie daran, dass verschiedene Materialien auf einzigartige Weise mit Licht interagieren. In diesem Fall können wir ableiten, dass:

 

-Haare haben keinen Terminator oder Oberflächenstreuung wie Haut. Stattdessen reflektieren sie Licht in Strähnen und Büscheln, wodurch oft scharfe Glanzlichter entstehen.

-Stoff variiert je nach Textur – Seide reflektiert mehr Licht, während Baumwolle es absorbiert. Passen Sie Ihre Schattierung entsprechend an.

-Der Hintergrund bestimmt die Gesamtstimmung, stellen Sie also sicher, dass seine Beleuchtung und Farben das Motiv ergänzen.

 

Ich werde auch ein Speedpaint anhängen, um zu zeigen, wie ich den Rest der Zeichnung gemacht habe:

Als letzten Schliff habe ich auch Verflüssigen verwendet, um die Proportionen zu korrigieren, Farbanpassungen vorgenommen und Streulicht hinzugefügt, was ich weiter ausführen werde.

Streulicht und Farbvielfalt in Schatten

Sie haben vielleicht bemerkt, wie am Ende meines Speedpaints einige Violetttöne auftauchten, wo ich etwas Streulicht hinzugefügt habe. Schatten sind nicht nur eine dunklere Version der Grundfarbe, sie fangen oft Farben aus der Umgebung auf, was sie dynamischer und realistischer macht. Dies wird als Streulicht (Bounce Light) bezeichnet, bei dem Licht von nahegelegenen Oberflächen reflektiert wird und die Farbe von Schatten subtil beeinflusst.

Nachdem ich die Hintergründe erstellt hatte, entschied ich, dass die warme Atmosphäre einige Streulichter auf die Schatten werfen würde. Angesichts des Rots der Vorhänge im Hintergrund wollte ich etwas von dieser Farbe hinzufügen und das Gefühl des Charakters vermitteln, nachts draußen zu sein, daher das sanfte, kühle violette Streulicht. Einige Hautpartien, wie der Brustbereich und näher am oberen Bereich, haben ebenfalls Streulichter von den Rottönen des Vorhangs und des Hemdes eingefangen.

Wo man nach Streulicht suchen sollte:

-Schatten im unteren Gesichtsbereich können Wärme vom Hautton oder der nahegelegenen Kleidung aufnehmen.

-Wenn ein Charakter sich in der Nähe eines hellfarbigen Objekts befindet (wie einem roten Hemd), können die schattierten Bereiche seiner Haut einen weichen Rotstich annehmen.

-Außenbeleuchtung fügt Schatten oft kühle Töne hinzu, da der blaue Himmel in sie reflektiert wird.

Wie man Streulicht anwendet:

-Fügen Sie schattierten Bereichen mit einem Pinsel geringer Deckkraft einen subtilen Farbauftrag hinzu.

-Halten Sie das Streulicht subtil. Wenn es zu stark ist, kann es die Hauptlichtquelle überstrahlen.

-Verwenden Sie Streulicht, um Kontrast zu erzeugen und zu verhindern, dass Schatten stumpf oder matschig aussehen.

 

Streulicht sorgt nicht nur für Abwechslung, sondern lässt die Haut auch lebendiger und stärker mit ihrer Umgebung verbunden wirken.

Pinsel: Einstellungen & Druck

Hauptpinsel

Wie bereits erwähnt, habe ich nur 1 Pinsel zum Kolorieren, 1 Airbrush und 1 Weichzeichner-Werkzeug verwendet. Für den Pinsel verwende ich den „Runden Mischpinsel“, einen Standardpinsel aus Clip Studio Paint, der direkt nach dem Herunterladen der Anwendung installiert sein sollte.

 

Sie finden diesen Pinsel unter „Dicke Farbe“ > „Runder Mischpinsel“.

Wenn Sie ihn nicht finden oder versehentlich gelöscht haben, klicken Sie einfach mit der rechten Maustaste auf ein Werkzeug (oder halten Sie es gedrückt, wenn Sie ein Tablet oder Smartphone verwenden) im Bereich „Dicke Farbe“ und klicken Sie auf „Aus Standard hinzufügen“, wie unten gezeigt.

Bei meinen Einstellungen für den Runden Mischpinsel mag ich persönlich die Farbwechselfunktion nicht, da sie meine Farben gemischt und matschig aussehen lassen kann. Ich aktiviere auch immer eine leichte Druckempfindlichkeit für die Deckkraft. Weniger Druck bedeutet also geringere Deckkraft und umgekehrt.

Um auf die Pinselleinstellungen zuzugreifen, wählen Sie Ihren Runden Mischpinsel aus und klicken Sie auf das Schraubenschlüsselsymbol unten rechts im Fenster „Werkzeugeigenschaft“. Wenn Sie „Werkzeugeigenschaft“ nicht finden können, klicken Sie einfach auf „Fenster“ und aktivieren Sie „Werkzeugeigenschaft“.

 

Sobald Sie darauf klicken, öffnet sich das Bedienfeld „Unterwerkzeug-Details“, wo Sie mit Ihren Pinselleinstellungen herumspielen können.

Gehen Sie zu „Tinte“ und deaktivieren Sie die Option „Farbmischung“, um sie auszuschalten.

Um Ihrem Pinsel eine Druckempfindlichkeit für die Deckkraft hinzuzufügen, klicken Sie auf das Pfeilsymbol neben „Deckkraft“, das sich im Abschnitt „Tinte“ befindet.

Sobald Sie darauf klicken, öffnet sich das Bedienfeld „Deckkraft-Dynamik“. Hier aktivieren Sie die Stiftdruckoption. Von dort aus können Sie nun die Druckempfindlichkeit der Deckkraft Ihres Pinsels über das Diagramm in der unteren linken Ecke anpassen. Erstellen Sie eine leichte Kurve in den Stiftdruckeinstellungen, um den Effekt zu erzielen.

So sollte das Endergebnis aussehen, nichts Besonderes, aber ein sehr vielseitiger Pinsel!

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Airbrush

Für den Airbrush verwende ich einfach den standardmäßigen weichen Airbrush von Clip Studio Paint ohne Änderungen.

Sie finden diesen weichen Airbrush unter „Sprühwerkzeug“ > „Weich“.

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Weichzeichnen

Zum Weichzeichnen verwende ich ebenfalls ein Standardwerkzeug von Clip Studio Paint ohne Änderungen. Wie bereits erwähnt, ziehe ich Weichzeichnen dem Verwischen vor, da es die von mir aufgetragene Farbe nicht vermischt.

Sie finden das Werkzeug unter „Verblenden“ > „Weichzeichnen“.

Textur

Perfekt glatte Haut kann ein Gemälde künstlich wirken lassen, da echte Haut aufgrund von Poren, feinen Haaren und natürlichen Farbvariationen eine subtile Textur aufweist. Das Hinzufügen eines leichten Rauschfilters kann helfen, übermäßig glatte Bereiche aufzubrechen und eine natürliche Rauheit einzuführen, wodurch die Haut lebensechter wirkt.

Um dies in Clip Studio Paint (Tablet) zu tun, klicken Sie auf „Filter“ und wählen Sie „Effekte“.

Klicken Sie dann auf „Auf alle anwenden (zusammengeführte Ebene erstellen)“, um alle Ihre Ebenen zu einer neuen zusammenzuführen, damit Ihr Fortschritt nicht ruiniert wird.

Scrollen Sie als Nächstes ganz nach rechts und wählen Sie „Farbrauschen“. Damit wendet Clip Studio Paint eine Schicht farbiges Rauschen an, um nicht nur Textur, sondern auch subtile Farbvielfalt hinzuzufügen.

Passen Sie die Stärke des Rauschens nach Belieben an. Ich habe nur 10 verwendet, da zu viel Rauschen die Klarheit Ihres Kunstwerks ruinieren und die Dateigröße erheblich erhöhen kann. Wie Sie sehen können, hat die Haut nun eine natürlich aussehende Textur.

Diese subtile Textur verhindert, dass die Haut plastisch aussieht, vereinheitlicht verblendete Bereiche und verbessert den Realismus, ohne übermäßige Detaillierung zu erfordern. Dies ist besonders nützlich bei hochauflösenden Gemälden, bei denen übermäßig weiches Rendering die Haut unnatürlich erscheinen lassen kann.

Fazit

Durch sorgfältige Berücksichtigung von Beleuchtung, Wert, reflektiertem Licht und Oberflächenstreuung können Sie realistische Hauttöne erstellen, die sich natürlich in ihre Umgebung einfügen. Anstatt einen Einheitsansatz zu verwenden, analysieren Sie Ihre Szene, stellen Sie sich die Lichtquelle vor und passen Sie Ihre Farben entsprechend an. Mit Übung und Liebe zum Detail werden Ihre Charaktere nicht mehr aussehen, als befänden sie sich in einer Studio-Umgebung, sondern fügen sich nahtlos in ihre Umgebung ein.

 

Dieser Arbeitsablauf ist sehr optimal und effizient im Vergleich zu allen anderen Kolorierungsmethoden, die ich zuvor ausprobiert habe. Ich hoffe sehr, dass dieses Tutorial einigen Künstlern da draußen helfen wird. Hinterlassen Sie mir gerne Kommentare, wenn Sie Fragen oder Feedback haben, ich werde sie gerne entgegennehmen. Vielen Dank! ^^