Einleitung

Als jemand, der traditionelle Kunst liebt, habe ich es immer gemocht, dass meine digitalen Illustrationen ein gewisses Maß an traditionellem Gefühl und Textur aufweisen. Daher werde ich in diesem Tutorial meine Techniken und Vorlieben zum Erstellen weicher Illustrationen teilen, die aussehen, als wären sie mit Buntstiften gezeichnet worden.

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Im ersten Teil dieses Tutorials erkläre ich alles, was Sie über Buntstifte wissen müssen, wie man sie benutzt und wie man ihren natürlichen Look in Ihrer digitalen Illustration erzielt.

 

 

Im zweiten Teil dieses Tutorials zeige ich Ihnen meinen Schritt-für-Schritt-Prozess, wie man eine Landschaftsillustration mit Buntstiften in CSP zeichnet, mit zusätzlichen Tipps in jedem Schritt.

Traditionelle Buntstifte

Bevor wir uns den digitalen Werkzeugen zuwenden, lernen wir mehr über traditionelle Buntstifte.

Diese Informationen helfen uns, sie digital nachzuahmen, um diese natürliche Atmosphäre und Textur in unseren Illustrationen zu erzeugen.

✦ 1. Was sind sie?

Buntstifte sind Zeichenwerkzeuge, die durch Mischen von Pigment mit einem Bindemittel (Wachs oder Öl) hergestellt und in einem Holzstift umhüllt werden.

Die Farbe wird durch Reibung, Druck und Schichtung auf Papier übertragen.

 

 

PS: Das Bindemittel ist die Substanz, die das Pigment als weich-harte Einheit (Bleistiftmine) zusammenhält, die aneinander und an der Zeichenfläche haftet und eine einzigartige Textur aus geschichtetem Pigment erzeugt.

✦ 2. Arten von Buntstiften

Die Typen unterscheiden sich je nach Bindemittel und Pigmentmenge.

Hier sind die beiden am häufigsten verwendeten Buntstifte:

Wachsbasierten Buntstifte

- Weicher Kern, reich an Pigmenten, glatt und cremig, hervorragend zum Verblenden und ermöglicht einen sanften Farbauftrag.

-Insgesamt verwendet für Schichtung und Verblendung.

 

 

Ölbasierte Buntstifte

-Harter Kern, mehr Bindemittel, präzise, hält die Spitze länger, ideal für saubere Details mit weniger Verschmieren.

-Insgesamt verwendet für Präzision und feine Details.

 

 

✦ 3. Wie man sie benutzt? Zeichen-, Schichtungs- und Verblendungstechniken

Buntstifte, sowohl traditionelle als auch digitale, können je nach Verwendungsweise unterschiedliche Stile und Texturen erzeugen.

 

 

Hier sind einige der bekanntesten Techniken zum Zeichnen mit Buntstiften:

1. Schichtung: Mehrere leichte Schichten auftragen, um satte Farben zu erzeugen.

 

 

Je nachdem, wie Sie Ihren Stift halten und wie viel Druck Sie ausüben, können wir zwei Arten der Schichtung unterscheiden:

A. Harte Schichtung (auch als Polieren bezeichnet)

-Sie bauen Töne auf, indem Sie mehrere „harte“ Schichten mit starkem Druck auf den Stift auftragen.

-Die Richtung der Bleistiftstriche spielt keine große Rolle, da das Ergebnis zu undurchsichtig ist, um einen Unterschied zu erkennen.

-Die Textur der Buntstifte geht bei dieser Methode aufgrund des starken Drucks und der undurchsichtigen Farbe oft verloren.

 

B. Graduelle Schichtung

-Sie bauen Töne auf, indem Sie mehrere „leichte“ Schichten mit schwachem Druck auf den Stift auftragen.

-Neigen Sie den Stift für einen sanften Farbauftrag.

-Diese Methode bewahrt mehr Textur.

2. Schraffur: Sie besteht aus parallelen Linien, die dicht beieinander gezeichnet werden, um Ton oder Textur aufzubauen.

Die Linien können lang und durchgehend oder kurz sein und den Farbraum des Objekts füllen.

In einigen anderen Variationen können die Linien richtungsabhängig von der Form des Objekts oder mehrdirektional für einen künstlerischeren Stil sein.

 

3. Kreuzschraffur: Sie besteht aus zwei Gruppen paralleler Linien in entgegengesetzter Richtung, die sich kreuzen. Schichten Sie sie übereinander, um einen dunkleren Wert oder Schatten zu erzeugen, und lassen Sie Platz zwischen den Linien, um einen helleren Wert oder helle Bereiche zu erzeugen.

4. Kreisen/Scumbling: Sie besteht aus winzigen, überlappenden Kreisstrichen. Führen Sie mehrere kreisförmige Bewegungen an derselben Stelle aus, um einen dunkleren Wert zu erzeugen, und lassen Sie Platz dazwischen für einen helleren Wert.

5. Punktieren: Sie besteht aus kleinen Punkten, die den Farbraum füllen. Zeichnen Sie mehrere Punkte dicht beieinander für einen dunklen Wert und eine reichere Farbe oder lassen Sie Platz dazwischen für einen helleren Wert.

6. Verblenden: Nachdem Sie mit einer der zuvor genannten Methoden gezeichnet haben, können Sie den Verblender in CSP, einen Papierwischer oder ein Lösungsmittel in der traditionellen Kunst zum Verblenden verwenden.

In einigen Fällen erzeugt auch die Verwendung eines weißen Buntstifts einen Verblendungseffekt.

Im Grunde gehen Sie mit dem gewählten Verblendungswerkzeug über die Zeichnung oder die Bereiche, die Sie verblenden möchten, hin und her, bis Sie sie geglättet haben.

Es gibt unendlich viele Möglichkeiten, Buntstifte zu verwenden, abhängig von Ihrer Kreativität. Ich ermutige Sie daher, zu experimentieren und weitere Techniken oder Kombinationen für Ihren persönlichen Stil zu entdecken.

Digitale Buntstifte

✦ 1. Was lässt einen digitalen Buntstift „echt“ wirken? Pinseleinstellungen

Um einen traditionellen Buntstift nachzuahmen, sollte ein digitaler Pinsel mindestens 4 dieser Einstellungen haben:

- Körnige Pinselspitze: Fügt eine glaubwürdige Zahnung und Bleistiftstrich hinzu.

 

 

Um diese oder eine der folgenden Einstellungen zu bearbeiten: Wählen Sie Ihren Pinsel in „Unterwerkzeug“, gehen Sie zur Registerkarte „Werkzeugeigenschaften“ und klicken Sie auf das Schraubenschlüsselsymbol, um die Registerkarte „Einstellungen“ oder „Details zum Unterwerkzeug“ zu öffnen, wählen Sie dann die Einstellung, die Sie ändern möchten, und bearbeiten Sie sie.

- Körnige Textur: Sie verleiht das Aussehen von rauem Papier oder einem Bleistiftstrich. Halten Sie die Dichte jedoch mittel, um „etwas“ des cremigen Effekts in den Bleistiftstrichen zu erhalten.

Ohne Textur wird der Bleistift zu cremig und bei Schichten noch undurchsichtiger, wodurch die Buntstiftfunktion verloren geht.

- Abstand zwischen den Strichen: Um den körnigen Effekt für spätere Schichten zu erhalten.

- Schwaches oder mittleres Anti-Aliasing: Hält Striche scharf und natürlich. Ein zu starkes Anti-Aliasing mildert die Kanten.

- Pinseldichte um 70-90%: Für einen subtilen Farbauftrag durch Schichtung.

 

 

Neben der Schichtung ermöglicht eine Pinseldichte von 70-90% auch das Mischen von Farben.

Wenn Sie beispielsweise eine Schicht in Blau und dann eine zweite Schicht in Gelb zeichnen, erhalten Sie eine grünliche Farbe, ähnlich wie bei traditionellen Buntstiften.

Dies hilft, neue Farbtöne und Farbvielfalt in Ihren Illustrationen zu erzeugen.

✦ 2. Stiftdruck

Der Stiftdruck bezieht sich darauf, wie fest Sie Ihren Stift auf das Tablet drücken.

Er beeinflusst:

- Deckkraft & Dichte:

Leichter Druck führt zu geringer Deckkraft (einer transparenteren Farbe) und geringer Dichte (mehr Textur), ideal zum Schichten und schrittweisen Aufbau von Farbe und Wert.

Starker Druck führt zu hoher Deckkraft (intensive, undurchsichtige Farbe) und hoher Dichte (körnigere, dichtere Textur, die oft zum Verlust der Textur führt).

- Größe: Einige Pinselstriche werden dicker, je fester Sie drücken, was das Verhalten eines echten Buntstifts nachahmt, und werden dünner, je leichter Sie auf den Stift drücken.

Im Grunde geht es von leichten und texturierten Linien bei geringem Druck auf den Stift zu scharfen, dichten Linien bei starkem Druck auf den Stift.

✦ 3. Neigung

Neigung erkennt den Winkel Ihres Stifts. Sie wird verwendet, um die Seite der Bleistiftspitze zu simulieren, was breite, weiche Schattierungen ermöglicht.

Beispiel: Wenn Sie mit der Seite eines traditionellen Bleistifts schattieren, erzeugen Sie breite, texturierte Spuren. In Clip Studio Paint reagiert ein neigungsempfindlicher Pinsel auf die gleiche Weise, wenn Sie Ihren Stift neigen.

PS: Nicht alle Tablets unterstützen die Neigungsfunktion.

Sie können sowohl den Stiftdruck als auch die Neigungsoption im Pinsel-Einstellungen-Bedienfeld anpassen:

- Wählen Sie einen Pinsel aus.

- Öffnen Sie die Unterwerkzeug-Details > Pinselgröße.

- Aktivieren Sie die Kontrollkästchen Druck und Neigung.

- Passen Sie die Diagramme an, um die Empfindlichkeit zu steuern.

Flache Kurve = minimale Reaktion

Steile Kurve = dramatische Reaktion

Versuchen Sie, Striche zu zeichnen, während Sie Ihren Stift neigen und den Druck variieren, und Sie werden den Effekt sofort sehen.

Gehen Sie dann zum Bereich Tinte: Deckkraft und tun Sie dasselbe.

✦ 4. Standard-Bleistiftpinsel in Clip Studio Paint

CSP enthält Standardpinsel, die gut als Buntstifte funktionieren. Diese finden Sie in der Unterwerkzeuggruppe: Bleistift (鉛筆) oder Skizze:

Einige Standardpinsel, die echte Buntstifte nachahmen:

- Druckbleistift: Körnig und reagiert auf Druck.

- Echter Bleistift: Hat eine leicht wachsartige, illustrative Qualität.

- Grober Bleistift: Texturiert und gut für ausdrucksstarke Skizzen.

 

Ändern Sie die Pinsel Farbe zu etwas wie Rot, Blau oder Grün, dann testen Sie das Schichten von Strichen. Sie werden bemerken, wie die Textur mit der Leinwand interagiert, abhängig vom Pinseldruck.

 

 

Wenn Sie diese Pinsel in Ihren Werkzeugen nicht finden können, können Sie sie aus den Assets herunterladen:

 

✦ 5. Buntstiftpinsel herunterladen

CSP verfügt über eine Bibliothek (Asset Store), die Hunderte von kostenlosen und kostenpflichtigen Pinseln anbietet.

So laden Sie herunter:

1- Öffnen Sie die Asset-Bibliothek in Ihrem Browser.

2- Geben Sie in die Suchleiste Schlüsselwörter wie: „Buntstift“, „Bleistiftpinsel“ oder „traditioneller Bleistift“ ein.

3- Klicken Sie auf den Pinsel, der Ihnen gefällt, und Sie werden zur Download-Seite weitergeleitet.

 

 

4- Klicken Sie auf „Herunterladen“.

 

 

Nachdem der Download abgeschlossen ist, überprüfen Sie Ihr „Material: Download“, wählen Sie Ihren heruntergeladenen Pinsel aus, halten Sie ihn gedrückt und ziehen Sie ihn auf die Registerkarte „Unterwerkzeug“ und legen Sie ihn dort ab.

Meine Favoriten sind:

-Pencil - Tilt, aus dem „Realistic pencil set“, der beste Ersatz für Wachsbuntstifte zum Schichten, Farbverlauf und Schattieren.

-Intoxicate pencil diffusion x4, aus dem „Intoxicate pencil set“, der beste Ersatz für ölige Buntstifte für Detaillierung, Schraffur und Kreuzschraffurtechniken.

-Pencil eraser, aus dem „Intoxicate pencil set“, ein großartiges Werkzeug zum Erzeugen von Textur, zum Radieren mit Textur und zum Setzen von Highlights.

 

 

Links:

✦ 6. Radiergummi im traditionellen Stil

In der traditionellen Buntstiftkunst sind Radiergummis nicht nur für Fehler da, sie werden zum Aufhellen, Erzeugen von Texturen und für Highlights verwendet.

In CSP können Sie diese Effekte mit dem standardmäßigen Knetradiergummi simulieren, da dieser eine Textur aufweist und keine scharfen Kanten und definierten Schnitte erzeugt.

Er eignet sich zum Abheben von Pigment und zum Korrigieren von Fehlern, während der natürliche Look der Zeichnung erhalten bleibt.

Sie finden ihn in den CSP-Unterwerkzeugen: Radiergummi

Eine weitere Alternative ist der Bleistift-Radiergummi, der im Intoxicate-Bleistiftpinsel-Set enthalten ist.

Dieser ist mein Favorit, weil er eine Bleistifttextur hat und wie ein weißer Buntstift wirkt.

✦ 7. Papiertextur

In der traditionellen Kunst beeinflusst die Textur Ihres Papiers, auch als seine „Zahnung“ bezeichnet, wie Buntstifte Pigmente auftragen.

Dasselbe Prinzip gilt für digitale Buntstifte.

Ein raues Papier nimmt mehr Farbe auf und zeigt Textur, während ein glattes Papier sauberere, verfeinerte Striche ermöglicht.

Die Farbe, Zahnung oder Maserung des Papiers beeinflusst auch die Farben sowie die Textur.

Leichte, glatte Oberflächen bewahren die Farbintensität, jedoch mit weniger Textur.

Eine neutrale beige (helle) texturierte Oberfläche bringt die Farben zur Geltung und fügt den Bleistiftstrichen Textur hinzu.

Und eine dunklere Oberfläche wird Ihre Farben entweder verstärken oder abdunkeln, je nachdem, welche Farben Sie verwenden.

Empfohlene Assets:

Es gibt unendlich viele Texturen in CSP Standard und Assets, also schauen Sie sich diese gerne an.

 

 

Das ist das Paket, das ich für dieses Beispiel verwendet habe.

Und das ist die Papiertextur, die ich in meiner Illustration verwenden werde.

Ich werde später in meinem Prozesstutorial genauer erklären, wie man es verwendet und das Beste daraus macht.

Lass uns eine Buntstiftillustration in CSP zeichnen

Bevor wir zum Prozess kommen, möchte ich über Farben sprechen und wie man sie bei der Verwendung von Buntstiften auswählt.

✦. Buntstiftfarben

Buntstifte gibt es heutzutage in einer sehr großen Palette, aber es ist sehr unwahrscheinlich, eine lebendige Illustration zu erstellen, es sei denn, man ist ein Profi. Deshalb ist es am besten, übermäßig gesättigte Farben zu vermeiden, um das traditionelle Buntstiftgefühl in Ihren Illustrationen zu bewahren.

Halten Sie Ihre Farbe also im mittleren Bereich oder näher an Weiß- und Grautönen, um eine ausgewogene Palette zu erhalten, unabhängig vom Zeichenwerkzeug, denn die Verwendung von zu vielen gesättigten Farben stört die Werte und das Gleichgewicht der Illustration.

Und wählen Sie eine neutrale, entsättigte Farbe für den Hintergrund, „falls“ Sie kein farbiges Papier oder keine Papiertextur verwenden, um anderen Farben zu helfen, hervorzustechen.

 

 

Kommen wir nun zum Zeichenprozess:

✦ Schritt 1: Skizze

- Zuerst habe ich eine neue Leinwand mit den Maßen 2000×1274 px, 300 dpi erstellt.

- Ich habe den Pinsel „Intoxicate pencil diffusion n.4“ für meine Skizze verwendet, mit einer kleinen Größe von etwa 7 und einem mittleren Druck auf den Stift, um definierte und doch texturierte Linien zu erhalten.

- Ich habe die Farben meiner Skizze entsprechend meinen Vorstellungen vom Endergebnis (Grün, Orange und Blau) ausgewählt, da ich die Skizzierebene nicht löschen werde, um das traditionelle Bleistifterlebnis und natürliche Ergebnisse beizubehalten.

- Ich habe die Skizze locker und natürlich gehalten.

✦ Schritt 2: Farbgebungsprozess

-Ich habe eine neue Rasterebene erstellt, indem ich auf das Plus-Symbol in der Ebenen-Registerkarte geklickt und sie unter die Skizzenebene gelegt habe, indem ich sie gehalten und nach unten gezogen habe.

Dann habe ich zwischen den Pinseln Pencil-Til und Intoxicate-Pencil gewechselt, um die Grundfarben aufzutragen.

Ich habe leichten Druck auf den Stift ausgeübt, um die erste Farbschicht transparent zu halten, damit später weitere Farben aufgebaut werden können.

Ich habe den Bleistift-Tilt hauptsächlich für große Flächen wie die Berge und den Himmel verwendet, wobei ich ihn auf ein oder zwei Schichten belassen habe, da ich beabsichtigte, später weitere Schichten mit anderen Techniken hinzuzufügen.

Ich habe den Intoxicate-Bleistift verwendet, um die Grundfarben für das Feld und den Baum mit linearen Markierungen aufzutragen.

Dann begann ich mit der Detaillierung:

Mit einer kleinen Größe von etwa 7-15 verwendete ich den Intoxicate-Bleistift, um weitere Farbschichten unter Anwendung verschiedener der zuvor erklärten Techniken hinzuzufügen:

Lineare und gerichtete Schraffur für die Bäume, Schrubben für die Büsche, Kreuzschraffur für das Haus, Hin- und Herbewegen für das Gras, lineare horizontale Schraffur für den Himmel und so weiter.

Erstens – Bei Schraffur- und Kreuzschraffurtechniken sollten Sie Ihre Striche schnell und präzise ausführen, damit sie nicht wackelig werden.

Zweitens – Die Linien beim Schichten, Schraffieren und Verwischen werden in dunklen Bereichen dicht beieinander gezeichnet, mit wenig Abstand zwischen den Strichen, und dann in helleren Bereichen mit mehr Lücken.

Drittens – Zeichnen Sie beim Schattieren nicht genau dasselbe Muster über die erste Ebene.

Versuchen Sie stattdessen, die Richtung Ihrer Linien mit jeder Ebene „leicht“ zu ändern, um Wert zu erzeugen und gleichzeitig die Textur beizubehalten, anstatt sie für den Rest der Zeichnung zu undurchsichtig zu machen.

 

 

✦ Schritt 3: Verblenden

Als ich das Gefühl hatte, dass meine Illustration Gestalt annahm, habe ich einige Bereiche ganz leicht mit einer Hin- und Herbewegung verblendet, damit die Gesamttextur nicht verloren geht.

Verblenden hilft, leere Bereiche zu füllen und notwendige Partien zu glätten, wo Linien zu scharf waren oder Farben durch Schichtung nicht gut gemischt wurden.

Für diesen Schritt habe ich den standardmäßigen strukturierten malerischen Verblender von CSP verwendet.

Stellen Sie sicher, dass Sie nicht zu stark verblenden und ihn nur dort verwenden, wo es nötig ist, so wie ich es getan habe.

✦ Schritt 4: Textur

Ich habe mit meinem Bleistift-Neigungspinsel eine erste Textur hinzugefügt:

Ich habe eine neue Ebene über meiner Illustration erstellt, die Pinselgröße erhöht und mit leichtem Druck in einem geneigten Winkel die gesamte Ebene in einer grauen Farbe gefüllt.

Dann habe ich den Ebenenmodus auf „Überlagern“ eingestellt, damit der Effekt auf meiner Illustration sichtbar wird und gleichzeitig meine Farben verstärkt werden.

 

 

Ich habe die Deckkraft auf 55% reduziert, damit es nicht zu körnig und digital aussieht.

Zurück zu „Wie man Papiertextur verwendet“:

Um Ihr fertiges Kunstwerk fühlbarer zu machen:

- Fügen Sie eine neue Rasterebene über Ihrem Kunstwerk hinzu.

- Ziehen Sie ein Papiertexturmaterial aus dem Materialfenster > Textur.

- Stellen Sie den Ebenenmodus auf Überlagern, Weiches Licht oder Multiplizieren ein.

- Reduzieren Sie die Deckkraft auf etwa 20–40%, je nach Ihrem Kunststil.

Dies ist ideal, um Ihrem flachen digitalen Werk ein natürliches Papierkorn-Aussehen zu verleihen, ohne das Pinselverhalten zu ändern.

Und versuchen Sie, mittlere Hintergrundfarben (hellbeige oder grau) zu verwenden, da dies dazu beiträgt, dass die Buntstiftfarben hervorstechen.

In meinem Prozess habe ich also ein weiteres Texturpapier hinzugefügt, um in einigen Bereichen einen Papiereffekt zu erzielen, da ich einen Teil davon löschen werde.

Ich habe die Deckkraft reduziert und die Textur in einigen Bereichen gelöscht, wo meine Farben dunkler waren.

Ich habe die Textur hauptsächlich um den Himmel und die Wolken herum belassen, wo sie am offensichtlichsten und realistischsten ist.

Es ist wichtig, dass Sie Texturen nicht überstrapazieren, denn zu viel davon führt zu einem „digitalen“ Effekt, anstatt traditionell auszusehen. Achten Sie also darauf, die Deckkraft zu reduzieren, um Ihre Originalfarben zu erhalten, und löschen Sie einen Teil der Textur dort, wo Sie sie bereits haben oder wo Sie sie nicht benötigen.

Ich habe bewusst einige Lücken gelassen, um das natürliche Buntstiftgefühl in der Illustration zu verstärken.

Und das ist das Endergebnis.

Fazit

Abschließend möchte ich sagen, dass die gleichen Pinsel zu völlig unterschiedlichen Stilen führen können, je nachdem, wie Sie sie verwenden.

Zum Beispiel habe ich dieselben Pinsel für die Erdbeere, die Hausskizze und die Landschaft verwendet, aber sie sehen alle etwas anders aus, weil ich verschiedene Techniken angewendet habe. Experimentieren Sie also ruhig und entdecken Sie Ihren Stil.

Das war meine Herangehensweise an Buntstiftillustrationen.

Lassen Sie mich wissen, was Sie aus diesem Tutorial gelernt haben.

Sieht es für Sie wie Buntstifte aus?

Die meisten meiner Illustrationen sind so gestaltet, dass sie traditionell oder malerisch aussehen, also schauen Sie sich gerne meine vorherigen Tutorials und sozialen Medien an.

Vielen Dank fürs Lesen bis hierher.