Hallo! Mein Name ist Kennedy, und dies ist mein erstes Tutorial! Ich zeichne jetzt seit fast 10 Jahren Porträts; ich habe mit traditioneller Kunst angefangen und bin 2021 zur digitalen Kunst gewechselt. Eine Zeit lang konzentrierte ich mich darauf, die realistischsten Porträts zu erstellen, die ich konnte; im letzten Jahr habe ich jedoch mehr versucht, das Aussehen traditionell gemalter Werke zu rekonstruieren, die sich auf Beleuchtung, Ausdruck und die Illusion von Details konzentrieren, anstatt auf tatsächliche Pixel-für-Pixel-Details. Clip Studio war die erste Zeichensoftware, die ich ausprobiert habe, und ich habe es nie bereut! Mit seinen unzähligen Funktionen und endlosen Pinseln im Asset Store können Sie atemberaubende Kunstwerke schaffen, die traditionelle Stücke nachahmen!

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Teil I. Referenz + Planung

Der erste Schritt ist natürlich, eine Referenz zu finden; für dieses Tutorial verwende ich ein einfaches Bild, das ich von mir selbst gemacht habe.

Für diesen Teil können Sie jede beliebige Methode verwenden – ich neige dazu, eine Mischung aus der Loomis-Methode und der Rastermethode zu verwenden. Die Loomis-Methode ist hervorragend geeignet, um die Anatomie und Platzierung des Kopfes und seiner Merkmale zu lernen, während das Raster für eine bessere Genauigkeit großartig ist. Für schnelle Porträtstudien bleibe ich bei der Loomis-Methode, und für größere Arbeiten verwende ich zusätzlich das Raster. Für die Zwecke dieses Tutorials werde ich beides verwenden :)

Bei der Rastermethode mache ich die Referenz und die Leinwand gerne gleich groß, um sicherzustellen, dass das Raster auf beiden gleich ist. Meine Referenz ist 2000 x 2220, also mache ich meine Leinwand genauso groß.

Da ich auf meinem Laptop zeichne und nur einen Bildschirm habe, docke ich meine Referenz gerne an der Seite an, damit ich sie leicht sehen kann. Ziehen Sie dazu das Foto einfach auf die Seite, die Sie bevorzugen, bis die rote Linie erscheint, die anzeigt, dass Sie es dort platzieren können; genau wie beim Umorganisieren Ihres Arbeitsbereichs!

Als Nächstes richten wir unser Raster ein; gehen Sie oben auf dem Bildschirm zu „Ansicht“ und wählen Sie „Raster“ aus dem Dropdown-Menü. Mir gefällt das automatisch verwendete Raster nicht, also gehe ich in die „Raster-/Lineal-Einstellungen“ (die sich im selben Dropdown-Menü, direkt unter „Lineal“ befindet) und passe den Abstand an das Bild an. Für dieses Bild habe ich die Anzahl der Unterteilungen auf 1 und den Abstand auf 160 eingestellt. Sie können jede beliebige Rastergröße verwenden – eine größere Rastergröße führt zu weniger Quadraten, was einfacher zu referenzieren und zu verfolgen ist, aber weniger präzise ist. Eine kleinere Rastergröße ist das Gegenteil; mehr Quadrate, die etwas schwieriger zu verfolgen sein können, aber mehr Präzision und Genauigkeit bieten.

Wenn Sie zum ersten Mal versuchen, ein Porträt zu skizzieren, kann die Referenz überwältigend wirken – Gesichter haben viele verschiedene Kurven und Merkmale, und Sie wissen vielleicht nicht, wo Sie anfangen sollen. Etwas, das mir beim Anfang immer geholfen hat, war, die Referenz zuerst zu vereinfachen; auf diese Weise konzentrieren Sie sich, anstatt zu versuchen, das ganze Gesicht zu kopieren, auf kleine Schritte auf einmal und beziehen sich zuerst auf einfache Formen.

Das Zeichnen über die Referenz mit der Loomis-Methode vereinfacht nicht nur, sondern hilft auch, den Fluss und die allgemeine Platzierung zu erfassen. Formen abzugleichen ist viel einfacher, als komplizierte Merkmale abzugleichen!

Sobald wir die Gesamtform des Kopfes skizziert haben, können wir die Merkmale und Details in weitere Formen unterteilen. Jetzt können wir dies stattdessen als Referenz verwenden!

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Teil II. Skizzieren

Nachdem wir unsere Referenz eingerichtet und vereinfacht haben, ist es Zeit, mit dem Skizzieren zu beginnen!

Indem wir der Loomis-Methode folgen und das Raster als Hilfslinien verwenden, können wir unsere Basis skizzieren. Halten Sie sich an einfache Formen und Linien, kümmern Sie sich noch nicht um die Details.

Sobald unsere Basis fertig ist, können wir beginnen, die Formen der Merkmale festzulegen. Die Verwendung der Loomis-Methode ist eine großartige Übung, und das Raster dient als gute Anleitung, wenn Sie Probleme mit der Platzierung haben. Die Skizze kann eine Weile dauern, und das ist in Ordnung! Ich verbringe VIEL Zeit mit der Skizze – sie ist ein wichtiger Teil des Prozesses. Die richtigen Proportionen und Größen zu finden, ist der Hauptgrund, warum ein Porträt realistisch aussieht. Eine einfache Skizze mit richtigen Proportionen ist besser als ein vollständig gerendertes Porträt mit den falschen. Nehmen Sie sich hier Zeit, überstürzen Sie nichts; genießen Sie einfach den Prozess :)

Und voilà! Sobald unsere Skizze fertig ist, können wir die Referenzebene mit dem eigentlichen Foto zurückholen – wir brauchen die vereinfachten Formen nicht mehr :)

Jetzt können wir beginnen, die detaillierteren Teile zu skizzieren und die Formen in Merkmale zu verwandeln! Während der Anfangsphase der Skizze (dem Teil, den wir gerade gemacht haben) halte ich die Leinwand herausgezoomt, damit ich mich auf die Hauptformen konzentrieren und mich nicht zu sehr in den kleineren verlieren kann; aber jetzt ist es Zeit, genau das zu tun! Es gibt hier keine Regeln dafür, wie Sie das Gesicht skizzieren möchten, Sie können tun, was für Sie am besten funktioniert! Ich neige dazu, mit dem rechten Auge zu beginnen, allerdings ohne besonderen Grund.

Sie können dies auf einer separaten Ebene über den Grundformen tun, oder Sie können die Skizze einfach auf derselben Ebene ändern/löschen. Ich führe all diese Schritte normalerweise in einer Ebene aus, da ich so oft Porträts zeichne, aber ich würde es nicht empfehlen, wenn Sie gerade erst mit Porträts anfangen. Wenn Sie die Ebenen getrennt halten, stellen Sie sicher, dass Sie immer Ihre Originalskizze haben, falls etwas schief geht.

Sobald Sie mit Ihrer Skizze zufrieden sind, ist es endlich Zeit, mit dem Kolorieren zu beginnen!

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Teil III. Farben + Rendering

Bevor wir mit dem Kolorieren beginnen, ist es wichtig, den richtigen Pinsel zu verwenden, insbesondere um einen traditionelleren Look zu erzielen. Ich verwende den Standard-Gouachepinsel von Clip Studio; bei stärkerem Druck legt er eine großartige Basis. Bei leichterem Druck hat er eine tolle leinwandartige Textur. Er lässt sich auch wunderbar mischen, was das Malen effizienter macht.

 

Zuerst wählen wir unsere Farben aus. Es ist wichtig zu beachten, wie viele verschiedene Farbtöne die Haut enthält; die zugrunde liegenden Töne sind es, die einem Porträt Leben einhauchen. Verschiedene Menschen haben unterschiedliche Untertöne – einige haben kühle (rosa, rot und blau), einige haben warme (gelb, golden und oliv) und einige haben neutrale (ein Gleichgewicht aus beiden). Werden diese nicht berücksichtigt, entsteht ein flach aussehendes Porträt.

Als Nächstes können wir mit der Basis der flachen Farben beginnen. Ich beginne mit dem Hintergrund, der der einzige Teil ist, dem ich in dieser Phase mehrere Farben hinzufüge; dies liegt daran, dass der Hintergrund eines Fotos die Art und Weise beeinflusst, wie die Farben der Person erscheinen. Früher habe ich zuerst am Gesicht gearbeitet und den Hintergrund ganz am Ende hinzugefügt. Wenn man jedoch eine Referenz mit nicht-standardmäßiger Beleuchtung verwendet, besteht die Haut nicht aus typischen Hautfarben – stattdessen könnten sie blau, lila, grün, rot usw. sein.

Ohne den Hintergrund und die umgebende Beleuchtung könnten Sie denken, dass es seltsam oder falsch aussieht, und es könnte sich unnatürlich anfühlen. ZUERST den Hintergrund zu legen, verhindert dies!

Nachdem der Hintergrund erledigt ist, können wir die flachen Farben für alles andere blockieren. Am besten beginnt man mit einem Mittelton; nichts zu hell oder zu dunkel, einfach irgendwo in der Mitte. In meinem Prozess beginne ich mit der Haut, dann den Haaren, gefolgt von der Kleidung, aber die Reihenfolge spielt natürlich keine Rolle. Sie können dies tun, wie es Ihnen gefällt!

 

Ich teile diese gerne in verschiedene Ebenen auf – eine für die Haut, eine für die Haare, eine für die Kleidung und eine für alles andere im Gemälde. Auf diese Weise, wenn ich einen Fehler auf einer Ebene mache, hat dies keine Auswirkungen auf die anderen Teile des Gemäldes. Außerdem hilft es mir, organisiert zu bleiben!

Sobald wir unsere Basis haben, beginne ich, mehr Töne um das Gesicht herum hinzuzufügen – verwenden Sie Schatten, Glanzlichter und Untertöne, um die Tiefe und Teile der Skizze zu kartieren, damit wir die Skizze langsam entfernen können. Dieses spezielle Foto hat keine sehr dramatische Beleuchtung, daher sind die Schatten und Glanzlichter nicht so intensiv. Dies wäre jedoch die Phase, um diese dunklen und hellen Bereiche anzulegen.

 

Genau wie bei den Grundformen der Skizze wollen wir uns auf die Gesamtfarben und die Platzierung konzentrieren, anstatt auf die feinen Details. Wenn Sie die Leinwand hierfür herausgezoomt lassen, bleiben Sie auf dem richtigen Weg.

 

Ich neige dazu, diese Teile auf denselben Ebenen wie ihre Basis zu tun, da es sich mehr wie traditionelles Malen anfühlt. Wenn Sie sich jedoch wohler fühlen, es auf einer separaten Ebene zu haben, tun Sie es! Tun Sie, was für Sie am besten funktioniert :)

Ein weiterer Hinweis zum Erstellen von malerisch aussehenden Porträts – achten Sie darauf, nicht zu stark zu verblenden und die Oberfläche zu glätten. Ich mache das, indem ich das Verwenden von Mischern vermeide; stattdessen mische ich mit meinem Pinsel, finde den Mittelton zwischen zwei Farben und mische sie allmählich zusammen, wie man es traditionell tun würde. Wenn ich das Bedürfnis habe, einen Mischer zu verwenden, benutze ich einen strukturierten, um das richtige Gefühl zu bewahren, niemals den „Weichzeichner“-Pinsel. Manchmal ist überhaupt kein Mischen nötig; das Beibehalten einiger unvermischter Pinselstriche hilft, den traditionellen Look nachzuahmen :)

 

Wiederholen Sie diesen Vorgang für alle anderen Teile des Gemäldes, wobei Sie sich auf Farbmischung, Tiefe und Beleuchtung konzentrieren.

Da die Merkmale des Gesichts definierter werden, können wir die Deckkraft der Skizzenebene verringern.

 

Jetzt ist es Zeit für das Rendering, das Verfeinern der Bereiche des Gemäldes und das Konzentrieren auf kleinere Details. Wir machen dasselbe wie bei der Skizze und zoomen in die Bereiche des Gesichts hinein. Sie können so detailliert vorgehen, wie Sie möchten – einfach oder super detailliert, es liegt an Ihnen! Um traditionell gemalte Porträts nachzubilden, versuche ich, mich nicht zu sehr in all den winzigen Details zu verlieren, sondern mich stattdessen darauf zu konzentrieren, die Illusion davon mit Pinselstrichen zu erzeugen. Früher habe ich versucht, die Referenz im Hyperrealismus EXAKT nachzubilden, daher ist es manchmal schwierig, sich dabei nicht zu verlieren; ich muss mich ständig daran erinnern, dass niemand auf jedes Pixel heranzoomen und alles so genau prüfen wird, wie ich es tue :’)

 

Für die Zwecke dieses Tutorials halte ich es einfach :)

Ich folge derselben Reihenfolge wie bei der Skizze, beginnend mit dem rechten Auge, dann der Nase, dem linken Auge, dem Mund und allem anderen. Nicht aus einem bestimmten Grund, sondern einfach, weil ich es schon immer so gemacht habe.

 

Konzentrieren Sie sich beim Rendern jedes Abschnitts des Gesichts darauf, das mit den Tönen Gemalte zu verfeinern, Schatten zu verdunkeln und Glanzlichter aufzuhellen sowie die Merkmale weiter zu formen.

 

Wiederholen Sie diesen Vorgang erneut mit Haaren, Kleidung und allem anderen in Ihrem Gemälde.

Huch, die Brille dürfen wir nicht vergessen! (....Ich habe die Brille total vergessen)

Gut, wir nähern uns den Endstadien! An diesem Punkt vergleiche ich mein Gemälde gerne mit meiner Referenz, finde alles, was fehl am Platz aussieht, und korrigiere es. Tun Sie dasselbe!

 

Jetzt füge ich gerne mit einem weiteren strukturierten Pinsel mehr Textur und malerisches Gefühl hinzu! Für diesen Teil verwende ich gerne einen trockenen Flachpinsel aus einem Thick Coating Brushset aus dem Asset Store, der leider inzwischen gelöscht wurde. Er hat eine wunderbare trockene Textur und wirkt als leichte Schicht darüber, ohne sich mit den darunterliegenden Farben zu vermischen, was dem Ganzen ein bisschen zusätzlichen Pfiff verleiht :)

Ich verwende diesen Pinsel, um die Merkmale noch mehr hervorzuheben und einige Details zu schärfen. Ich füge dies auch denselben Ebenen hinzu, aber Sie können es gerne auf einer separaten Ebene tun. So können Sie einen Vergleich von vorher und nachher sehen. Der Unterschied mag gering sein, aber ich mag, was er hinzufügt :)

 

Da dieser Pinsel nicht mischt, trage ich ihn nicht in kleinen kreisenden Bewegungen auf, wie ich es mit dem Gouachepinsel getan habe; stattdessen folge ich den Kurven des Gesichts und Körpers, was mehr Tiefe und Textur hinzufügt, ohne aufdringlich zu wirken oder zu sehr hervorzustechen.

Für die Haare, da ich in den früheren Stadien etwas übertrieben habe (ups), musste ich mit diesem Pinsel nicht viel hinzufügen. Ich bin einfach über einige der dunkleren und helleren Stellen gegangen und habe noch ein paar Strähnen für Variation hinzugefügt. Dann habe ich den Standard-„Trockene Gouache“-Pinsel von Clip Studio in einer winzigen Größe verwendet, um eine Menge fliegender Haare hinzuzufügen. Da meine Haare ein lockiges, krauses Chaos sind, habe ich einfach hemmungslos überall welche hinzugefügt :)

Okay, wir sind fast fertig!! Sobald Sie mit Ihrem Gemälde zufrieden sind, fügen wir einige Textur-Overlays hinzu!! Öffnen Sie zunächst das Materialfenster. Meins ist an der Seite angedockt, aber wenn Sie es nicht finden können, klicken Sie oben auf dem Bildschirm auf die Registerkarte „Fenster“ und finden Sie „Material“ fast ganz unten im Dropdown-Menü.

Clip Studio bietet eine Menge integrierter Texturen, aber wenn keine davon genau das ist, wonach Sie suchen, finden Sie VIELE kostenlos im Asset Store!!!

Ich scrolle gerne durch all meine Lieblings-Textur-Overlays und teste sie mit verschiedenen Mischmodi, Deckkraft und Kombinationen aus. Ich verwende meistens „Überlagern“ und „Weiches Licht“ mit geringer Deckkraft, je nach Textur. Ich verwende eine Kombination, manchmal 2, manchmal 3, manchmal 5! Es hängt einfach davon ab, was ich erreichen möchte. Es gibt keine Regeln für diesen Teil, spielen Sie einfach herum und sehen Sie, was Ihnen am besten gefällt :)

Für dieses Porträt, wie auch für die meisten meiner anderen, verwende ich dieselben drei Texturen. Ich habe sie in einem einzigen Foto mit ihren Inhalts-IDs hinzugefügt, falls Sie sie selbst ausprobieren möchten!

Und voilà!!!! Wir sind fertig!! Ich hoffe, Ihnen hat dieses Tutorial gefallen, und ich hoffe, es war zumindest ein klein wenig hilfreich!!! Haben Sie einen schönen Tag! :) <3