*️⃣ Einleitung

Dieses Tutorial konzentriert sich auf die Erstellung eines realistischen Porträts mit Clip Studio Paint. Wir werden den Prozess des Porträtzeichnens in überschaubare Schritte unterteilen und uns auf Schlüsseltechniken konzentrieren, um die einzigartigen Merkmale einer Person einzufangen. Daher trägt das heutige Tutorial den Titel

 

„Verbessere dein digitales Porträtzeichnen in [CSP] 🎨🔥“.

🍿🍿🍿

Dieses Tutorial führt dich durch die Erstellung eines realistischen Porträts in Clip Studio Paint. Wir unterteilen den Prozess in überschaubare Schritte und konzentrieren uns auf Techniken, um die Ähnlichkeit einer Person einzufangen.

 

Zuvor stellen wir jedoch sicher, dass du die notwendigen Werkzeuge und Einstellungen in Clip Studio Paint konfiguriert hast, um dein Zeichenerlebnis zu optimieren.

 

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1️⃣ Anpassbare CSP-Werkzeuge für Porträtzeichnungen

Durch die Verwendung deiner angepassten CSP-Werkzeugsätze, des Arbeitsbereichs und der Leinwandvoreinstellungen kannst du mühelos eine kohärente Ästhetik in all deinen digitalen Porträtprojekten beibehalten. Dieser optimierte Prozess fördert die Effizienz und ermöglicht es dir, dich auf das Wesentliche zu konzentrieren: deinen kreativen Ausdruck.

A. Wesentliche Pinsel für Porträtzeichnungen 🖌️:

Wir werden essentielle Clip Studio Paint Pinsel für Porträtzeichnungen untersuchen, einschließlich ihrer Einstellungen für optimale Ergebnisse. Dieser Abschnitt behandelt die Pinselauswahl für Skizzieren, Lineart, Schattieren, Texturieren und Verblenden. Bevor wir überhaupt ANS ZEICHNEN DENKEN, lass uns deine CSP-Pinsel einstellen.

Stell dir vor, du bereitest dein ultimatives Waffenarsenal vor. Das sind deine Waffen! Pinsel, Bleistifte, Verwischwerkzeuge – die ganze Sache. Du hast wahrscheinlich deine bevorzugten Werkzeuge zum Skizzieren, Tuschen und Kolorieren. Vielleicht einen speziellen Pinsel für diese extra glühenden Glanzlichter ✨. Experimentiere und finde heraus, was am besten zu deinem Stil passt! Wir sprechen über die perfekte Mischung von Pinseln, die Art und Weise, wie wir sie verwenden können, und ihre spezifischen Einstellungen:

i) Skizzierwerkzeug:

Ich verwende oft gerne einen leichten, skizzenhaften Pinsel, um die Grundstruktur zu legen. Etwas mit ein bisschen Textur, weißt du? [wie der Bleistift oder das Feinminenstift-Hilfswerkzeug] ✨

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ii) Lineart-Präzision:

Ich benutze einen knackigen, sauberen Pinsel für diese scharfen Linien [wie der G-Pen oder manchmal das Marker-Hilfswerkzeug]. Denk an Anime-Präzision mit schönen harten, pixeligen Kanten! 🎯

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Meistens vernachlässige ich den Lineart-Prozess und gehe einfach mit meinem Skizzierprozess voran, da ich mich dabei meistens fühle, als würde ich meinen natürlichen Bleistift benutzen und auf normalem traditionellem Papier zeichnen.

 

Aber du bist nicht ich, daher rate ich dir, das zu tun, was dir am besten passt oder dich am wohlsten fühlen lässt, denn das ist das Hauptziel hier.

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Wenn du mehr über die Einzigartigkeit zwischen dem Bleistift und dem Stift-Hilfswerkzeug erfahren möchtest, kannst du diesen Tutorial-Artikel lesen, dessen Link unten angegeben ist.

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iii) Vorteile des Layering und Pinsel-Mischtechniken:

Ebenen (Layering):

Ermöglicht nicht-destruktives Bearbeiten (einfache Korrekturen), organisiert deine Arbeit, ermöglicht Experimente, erzeugt Tiefe und Dimension. Siehe dieses Beispiel unten:

 

(1- Die Verwendung von drei Ebenen, die die verschiedenen Farbwerte in separaten Ebenen platzieren).

 

Pinsel-Mischtechniken:

Das Verständnis des Pinselmischens ist entscheidend für die Erstellung glatter Übergänge, realistischer Texturen und eines polierten Finishs in der digitalen Kunst.

 

In Clip Studio Paint gibt es Pinsel, die wir erkunden können, um Farben nahtlos zu mischen und weiche Übergänge zu erzeugen.

 

Hier sind einige Schlüsseltechniken:

 

(‎2- Ich verwende das Weichzeichnen (Blurring), um Kanten zu glätten und lebensechte Erscheinungen zu erzeugen, was bei Hautübergängen und Hintergrundelementen für ein kohärentes Endstück hilft. CSP-Werkzeuge, die wir zum Hinzufügen des Weichzeichnungs-Mischeffekts verwenden können, sind der Gaußsche Weichzeichner-Filter oder der Weichzeichner-Unterwerkzeugpinsel).

(‎3- Verwischen (Smudging) fügt organische Qualität und glatte Übergänge hinzu und verbessert Tiefe und Bewegung im Kunstwerk. CSP-Werkzeuge wie der Maler-Mischpinsel können hier verwendet werden).

 

‎(4- Verschmieren (Smearing) beinhaltet das Glätten von Kanten und das Erzeugen glatter Übergänge. Und ich verwende hierfür den Pinsel für trockene Ölfarbe).

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Daher streben wir diesen fotorealistischen Vibe an. Stell es dir vor wie das Überblenden von Farben mit Hilfe von Mischmagie! 💨

iv) Verwendung der Pinsel-Farbmischfunktionen:

Ist eine essentielle Funktion, die beim Mischen von Farben hilft, um ihre natürlichen Gegenstücke zu erreichen.

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Um diese [CSP]-Funktion für dein Unterwerkzeug (Pinsel) zu aktivieren, wähle einfach den Pinsel aus, öffne die Unterwerkzeug-Detailpalette aus dem Fenster „Werkzeugeigenschaften“ (Schraubenschlüssel-Symbol), gehe zum Tab „Tinte“, dort findest du die Option „Farbmischung“, schalte die Farbmischfunktion ein. Du kannst dann die Farbmischung entweder auf „Verblenden“, „Fließende Farbe“ oder „Verschmieren“ einstellen.

 

Dafür wähle ich meistens die Option „Verschmieren“.

[Du wirst später im kommenden Teil des Tutorials sehen, warum]

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Passe nun den Mischmodus von „Standard“ auf „Perzeptuell“ an, um zu beeinflussen, wie die Farben auf derselben Ebene gemischt werden, da dies den Porträts ein intuitiveres, traditionelles Malgefühl verleiht.

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Hinweis🔹 Farbmischung funktioniert nur, wenn sich die Farben auf derselben Ebene befinden.

 

Auch das Aktivieren des Stiftdrucks kann die Farbmischfunktion in den Unterwerkzeugeinstellungen weiter anpassen.

Wenn du mehr über die Farbmischfunktion erfahren möchtest, solltest du diesen Artikel lesen, der Link ist unten angegeben.

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v) Texturdetails:

Die Einbindung komplexer Texturdetails kann die Gesamtästhetik eines Designs erhöhen, Tiefe und Interesse hinzufügen. Diese Elemente können von subtilen Mustern bis zu kühnen Kontrasten reichen, wobei jedes einzigartig zum endgültigen Erscheinungsbild beiträgt.

 

Für die Einstellung habe ich die Farbmischung aktiviert und auf [Verschmieren] gesetzt. Dann habe ich den Mischmodus des Pinsels auf [Alpha ersetzen] eingestellt. Zuletzt habe ich den Mischmodus auf [perpetuell] und die Helligkeitskolorierung auf [hohes Niveau] gesetzt.

 

Verwende Pinsel [Haut weich] zum Hinzufügen dieser subtilen Details – denk an Hautporen,

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Haarsträhnen und Falten im Stoff der Kleidung.

 

Hier ist das [Vorher],

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Und [Nach dem] Hinzufügen von Textureffekten zu den Haaren und der Kleidung.

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Die feineren Texturdetails sind das A und O! 🧐

vi) Farbmischpalette:

CSP verfügt über eine spezielle Farbmischpalette, mit der du Farben auf einer separaten Leinwand mischen kannst, was die Visualisierung deiner Mischung erleichtert.

 

Um die Farbmischpalette zu aktivieren, klicke einfach auf die Fensterauswahl > Farbmischung > das Farbmischpaletten-Dashboard wird angezeigt, wo du nun deine Farben mischen und verstehen kannst, wie die verschiedenen Farben reagieren.

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B. Konfigurieren deines Clip Studio Paint Arbeitsbereichs

Das ist dein Schlachtfeld! Wie du deine Paletten, Ebenen und Unterwerkzeuge anordnest. Bevorzugst du ein minimalistisches Setup oder eine totale Chaos-Explosion an Optionen?

 

Betrachte die verschiedenen Clip Studio Paint [CSP] Arbeitsbereichsmodi:

 

‎Studio-Modus: Eine komplexe, funktionsreiche Umgebung für detaillierte Arbeiten, die viele Werkzeuge und Optionen für erfahrene Benutzer bietet. Indessen,

‎Einfacher Modus: Ein sauberer, optimierter Arbeitsbereich für schnelles und konzentriertes Malen, ideal für Anfänger.

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Was dieses Tutorial betrifft, werde ich den einfachen Modus verwenden.

 

Dank der neuesten zukünftigen Version 4.0 von [CSP] ist der Wechsel zwischen den Modi jetzt nur noch einen Fingertipp entfernt, mithilfe der Moduswechsel-Schaltfläche.

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Und eine weitere sehr wichtige Funktion, die kürzlich zur neuesten CSP-Version hinzugefügt wurde, ist die der Referenzbild-Anzeige. Diese Funktion ermöglicht es dir, das Referenzbild der Person, die du zeichnen möchtest, auf einer Seite als Leitfaden zu behalten, während du zeichnest.

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Ein gut organisierter Arbeitsbereich ermöglicht schnellen Zugriff auf Pinsel und Farbsets, da Künstler aller Niveaus die verschiedenen Werkzeuge frei nach ihren Vorlieben nutzen können. Der Schlüssel ist Effizienz – finde eine Anordnung, die dich konzentriert hält und Ablenkungen minimiert, wie zum Beispiel meine Anordnung. 🧘‍♀️

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Dieses Setup kann auch die Anpassung deiner Oberfläche auf Tablets und PCs, das Einrichten von Tastenkombinationen und die Organisation von Paletten umfassen.

 

Wenn du mehr über diese Aspekte erfahren möchtest, kannst du den untenstehenden Link verwenden, um mehr darüber zu erfahren.

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C. Bildauflösung und Leinwandgröße

Das sind deine Schlachtpläne! Verschiedene Leinwandgrößen und Auflösungen bereit zu haben, ist ein Lebensretter. Du kannst sogar Voreinstellungen mit bestimmten Farbhintergründen oder Hilfslinien einrichten, um deinen Workflow zu verbessern.

 

Für das heutige Tutorial werden wir die Porträtleinwand verwenden,

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Mit den folgenden Leinwandgrößen:

 

Breite - 1575 px

Höhe - 2100 px

Auflösung - 300

Tipp🔹 Versuche, die Größe der Leinwand so groß wie möglich zu wählen, denn es ist besser, wenn sie größer als klein ist.

Speichere die Leinwandgröße nun, indem du sie zur Voreinstellung für die zukünftige Verwendung hinzufügst.

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Und wenn du es verwenden möchtest, kannst du es einfach finden, indem du auf die Voreinstellungsleiste klickst und es am unteren Rand des Mini-Dashboards für Voreinstellungen lokalisierst.

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Stell es dir vor, wie die perfekte Bühne für dein digitales Meisterwerk zu schaffen! 🖼️

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2️⃣ Der Porträtzeichenprozess: Wie man die Merkmale einer Person darstellt:

Um den Charakter einer Person in einer Porträtzeichnung darzustellen, konzentriere dich auf Schlüsselelemente wie ihre unverwechselbaren Posen, übertriebene Gesichtsausdrücke und Kleidung, die ihre Persönlichkeit oder ihren Status widerspiegelt.

Was lässt ein Gesicht feminin oder maskulin wirken?

Diese Frage wird uns dazu anregen, zunächst einen bestimmten Aspekt zu beobachten, bevor wir uns dem eigentlichen Zeichnen widmen.

• Eine Beobachtung durchführen:

Sprechen wir darüber, was ein weibliches Gesicht weiblich und ein männliches Gesicht männlich aussehen lässt.

Hier sind ein paar Dinge, die helfen, zwischen männlichen und weiblichen Gesichtern zu unterscheiden:

 

1) Kieferlinie: Männer haben typischerweise eine markantere und quadratischere Kieferlinie, während Frauen normalerweise weichere, rundere, schwächere Kinne und Kiefer haben.

 

2) Augenbrauen: Männeraugenbrauen sind tendenziell dicker und gerader, während Frauenaugenbrauen oft stärker gewölbt sind.

 

3) Wangenknochen: Frauen haben im Allgemeinen höhere und ausgeprägtere Wangenknochen.

 

4) Lippen: Frauen haben in der Regel vollere Lippen, während Männer definiertere Lippen haben.

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5) Gesamtform: Männergesichter sind oft kantiger, während Frauengesichter typischerweise runder oder herzförmiger sind.

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Nun, bevor ich fortfahre, möchte ich darauf hinweisen, dass du dies wissen solltest, wann immer du ein Porträt zeichnen möchtest, sei es als neuer oder alter Benutzer:

• Mach Referenzen zu deinem besten Freund:

Halte das Referenzfoto immer dort, wo die Augen es sehen können. Sorgfältiges Beobachten ist der Schlüssel. Scheue dich nicht, hineinzuzoomen und diese winzigen Details zu analysieren. 👀

Um deinen Referenzleitfaden während des Zeichnens anzuzeigen, musst du zuerst das Unteransicht-Dashboard aktivieren. Klicke dazu einfach auf die Option „Fenster“ > „Unteransicht“ > das Unteransicht-Panel wird dann angezeigt,

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Mit dem nun angezeigten Panel kannst du dann auf das „Importieren aus Bibliothek“-Symbol unter dem Dashboard klicken, wodurch du zu deiner Bibliothek gelangst, wo du das Bild auswählen kannst, das du als Referenzleitfaden verwenden möchtest, und es dann in deinen Arbeitsbereich importieren kannst.

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• Negative Räume markieren:

Diese Technik hilft dabei, die Gesamtkomposition und das Gleichgewicht der gesamten Körperproportion des Charakters zu erfassen. Indem du dich auf die Bereiche um die Merkmale konzentrierst, kannst du Proportionen und Abstände besser verstehen, was zu einer genaueren Darstellung führt.

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A) Struktureller Porträtzeichenprozess 101: Wie man Gesichtsmerkmale platziert 🧑‍🎨

Dieser Aspekt konzentriert sich auf die Bedeutung des Verständnisses der zugrunde liegenden anatomischen Struktur des menschlichen Gesichts, um präzise und ausdrucksstarke Porträts zu erstellen.

 

Die Kunst der Porträtmalerei ist ein fesselnder Tanz zwischen Wahrnehmung und Konstruktion, eine Reise, bei der die visuelle Methode und die Strukturierungsmethode in einem ständigen, bereichernden Dialog stehen. Also, so,

• Die visuelle Methode (Wahrnehmungsfokus):

Bei dieser Methode geht es darum, dein Motiv wirklich anzusehen, ohne Ausnahme. 🧐 Es geht darum, die Vorstellung eines „perfekten“ Gesichts aufzugeben und einfach mit den Formen und Winkeln zu schwingen, die du tatsächlich siehst. Du würdest dich weniger auf die zugrunde liegende Struktur konzentrieren und mehr darauf, die visuellen Informationen der Licht- und Schattenbereiche zu erfassen.

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Stell es dir vor, ein Gesicht in grundlegende Formen zu zerlegen, ähnlich wie Legosteine, wobei du dich darauf konzentrierst, wie Licht und Schatten auf diese Ebenen treffen. 🧱💡 Diese Methode ist einfach und ein absoluter Game-Changer! Deine Beobachtung (visuelle Methode) sagt dir, was du bauen sollst. Du beobachtest, du baust,

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Du beobachtest mehr, verfeinerst die Struktur und wiederholst. Es ist dieses epische Hin und Her, ein ständiger Zyklus der Verfeinerung, der deine Porträts authentisch aussehen lässt. 💯 Es geht nicht nur darum, zu zeichnen, was du siehst, sondern zu verstehen, warum du es so siehst. Das ist ein großer Gedankenschritt für Künstler! 🧠🎨

• Die Strukturierungsmethode (Anatomie-Fokus):

Bei dieser Methode (die auch als Loomis-Methode bezeichnet werden kann) wird das Porträt im Grunde vom Skelett ausgehend aufgebaut. 💀 Du beginnst mit der Knochenstruktur des Kopfes und fügst dann Schicht für Schicht Muskeln und Gewebe hinzu. Es geht darum, die 3D-Form zu verstehen und wie alles zusammenpasst. Es ist, als würde man ein tolles 3D-Modell bauen, bevor man überhaupt mit dem Malen beginnt. 🏗️

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Daher dient die Struktur (anatomische Methode) als Bauplan dafür, wie das Gesicht und der gesamte Körper im Allgemeinen aufgebaut werden. Diese Struktur hilft, eine logische, aber meistens nicht 100% genaue Messung dafür zu geben, wo die verschiedenen Gesichts- und Körpermerkmale sein sollten, was wie folgt aussieht:

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• Dynamische Haltung:

Ein Buckel oder herabgesunkene Schultern können Unsicherheit andeuten, während quadratische Schultern Selbstvertrauen implizieren.

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Wenn du die Proportionen richtig hast, fügt sich der Rest von selbst zusammen.

 

[Wie bei dieser weiblichen Figur gebe ich ihr quadratische Schultern, um ihr Selbstvertrauen zu zeigen].

• Hinzufügen von Gesichtsausdrücken und üblichen übertriebenen Verfeinerungen:

Sobald du die Konstruktion beherrschst, konzentriere dich auf die einzigartigen Details. Wie diese skurrilen Augenbrauenformen, die quadratische Form, die geneigt ist, um die Augen zu bilden, die 3/4-Keilform, die zur Bildung der Nase verwendet wird, die Krümmung der Ohren, die Art und Weise, wie ihre Lippen sich krümmen und Falten werfen... das macht ein Porträt besonders. ✨

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Versuche, diese Persönlichkeit auf deinem Referenzfoto einzufangen, da die verschiedenen Gesichtsmerkmale definieren, wie deine Betrachter deine Porträtfigur sehen.

• Babyfrisur:

Die meisten Künstler denken, es sei nicht wichtig, beim Malen Dinge wie Babyhaare hinzuzufügen. Aber Babyhaare verleihen deinem Werk Realismus und Interesse.

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Sieh dir sogar das Referenzbild an, du kannst ein paar Babyhaare an der Stirn des Mädchens auf dem Bild erkennen.

• Blick:

Die Blickrichtung ihrer Augen, ob direkt oder gesenkt, oder seitlich, trägt erheblich zur Gesamtaussage des Porträts bei.

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Durch das Verständnis der Struktur und die genaue Beobachtung des Motivs kannst du Porträts erstellen, die sowohl strukturell fundiert als auch visuell fesselnd sind!

Wenn du mehr darüber erfahren möchtest, wie du die Körperhaltung und den Ausdruck deines Charakters übertreiben oder anpassen kannst, rate ich dir, diesen Artikel durchzulesen, da er viele nützliche Tipps dazu gibt.

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3️⃣(a) Tipps zu meinem Farbrenderungsprozess eines Porträts

• Licht- und Schattenrichtungen definieren:

Erstelle ein Thumbnail, bei dem Licht und Schatten eine entscheidende Rolle bei der Definition von Form und Volumen spielen, indem du nur Schwarz, Grau und Weiß verwendest, um die Dinge vereinfacht und leicht zu halten. Beobachte die Referenz und achte darauf, wie das Licht auf das Gesicht fällt und basierend auf deinen Beobachtungen Glanzlichter und Schatten erzeugt.

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Da die Verwendung verschiedener Farben die Dinge für junge Anfänger und selbst für alte Künstler wie mich oft kompliziert macht.

Wenn du nun genauer auf die von mir erstellte sphärische Miniaturansicht achtest, wirst du einige Aspekte der Renderung bemerken, die ich in meinem Kugel-Schattierungsprozess angewendet habe.

 

Der helle Bereich besteht aus dem Glanzlicht, dem Licht, dem Mittelton,

während der Schattenbereich aus dem Kernschatten, dem Schatten (Formenschatten), dem Schlagschatten, dem Umgebungslicht und zuletzt dem reflektierten Licht besteht.

 

Parallel dazu ist der Schritt-für-Schritt-Prozess (rechte Seite):

Dieser Abschnitt demonstriert, wie die Schattierung schrittweise aufgebaut wird;

 

Schritt 1: Beginne mit einem flachen, gleichmäßig schattierten Kreis und einem einfachen Schlagschatten.

 

Schritt 2: Führe deutliche Licht- und Schattenbereiche auf der Kugel ein, die beginnen, Form zu zeigen.

 

Schritt 3: Entwickle den Kernschatten und verfeinere die Übergänge zwischen Licht und Dunkelheit, wodurch mehr Tiefe hinzugefügt wird.

 

Schritt 4: Zeigt die vollständig gerenderte Kugel mit allen definierten Licht- und Schattenelementen, die sanft gemischt sind, um ein realistisches dreidimensionales Aussehen zu erzielen.

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Im Wesentlichen kann das Verständnis der Kugel-Schattierung sowohl Neulingen als auch erfahrenen Künstlern als praktischer Leitfaden dienen, um ihren Porträt-Farbgebungsprozess mühelos zu verbessern.

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Der Kugel-Farbgebungsprozess ist eine der grundlegendsten Formen der Farbgebung, die über die Jahre verwendet wurde, um zu lernen, wie man seinen Motiven Farbe hinzufügt.

Wenn du vollständig verstehst, wie die Licht- und Schattenkomponenten auf der Kugel dargestellt werden können, glaube ich, dass du alles kolorieren kannst.

 

Ein Schatten, der sich auf dem Körper eines Charakters oder eines Objekts bildet, nimmt aufgrund der eigenen Form des Motivs die Form oder Gestalt des Objekts an (also nicht durch ein Objekt, das den Lichtstrahl blockiert). Dieses Konzept wird als Formenschatten bezeichnet. Ein hervorgehobenes Schlüsselmerkmal ist, dass diese Formenschatten eine „weiche Kante“ haben, was bedeutet, dass der Übergang von Licht zu Schatten allmählich und glatt ist, wie sowohl auf der Kugel als auch auf den detaillierten Gesichtsmerkmalen des Charakters, wie Wangen und oberer Nasenrücken, unter vielen anderen gezeigt wird.

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Betrachten wir derweil einen Schlagschatten, der entsteht, wenn ein Objekt eine Lichtquelle blockiert und seine Silhouette auf eine andere Oberfläche projiziert, wobei das definierende Merkmal eines Schlagschattens, wie im Bild der Kugel unten gezeigt, seine „harte Übergangskante“ ist, was bedeutet, dass die Grenze zwischen den beleuchteten und schattierten Bereichen scharf und gut definiert ist. Dies ist im Aspekt der Nase zu sehen, die einen Schatten auf die Wangenoberfläche wirft.

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Wenn wir also die Farbe unseres Charakters rendern, müssen wir diesen Aspekt, den wir gerade besprochen haben, und die notwendigen Konzepte berücksichtigen.

• Farbwerte hinzufügen: Die Stimmung deines Charakters einfangen

Bevor ich mit dem Kolorieren beginne, ändere ich zuerst die Farbe der Lineart auf Rot, stelle dann den Mischmodus der Ebene auf [Multiplizieren] und reduziere die Deckkraft der Lineart-Ebene auf 60%.

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Bevor ich überhaupt etwas tue, habe ich sorgfältig meine Farbpalette ausgewählt, die ich für meinen Porträt-Farbgebungsprozess verwenden würde.

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Die Art und Weise, wie du die Farben aus deiner Porträtreferenz auswählen kannst, ohne zufällig Farben zu wählen, ist, das Bild zu kristallisieren, und das mache ich wie folgt:

 

Gehe zu Filter > Effekt > Kristallisieren,

Stelle die Kristallisierungseinstellung so ein, dass die festgelegten Farben auf der Bildreferenz zum Vorschein kommen, damit wir dann die verschiedenen Farbvorkommen im Bild sehen können.

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Mit deiner nun ausgewählten Farbpalette kannst du einen weichen Unterwerkzeugpinsel verwenden, um die Grundfarbe hinzuzufügen.

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Baue die Werte schrittweise auf, indem du Schicht für Schicht Farben hinzufügst, um eine dreidimensionale strukturelle Form zu erzeugen. Achte darauf, dass die Pinselgröße groß ist und trage die Farben sanft auf.

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Wenn du Farben aus deiner Farbpalette auf das Gesicht deines Porträtcharakters aufträgst, ist es äußerst wichtig, die Farbtemperatur des Gesichts zu beachten. Dieser Aspekt hat mir auch bei diesem Porträtkolorierungsprozess sehr geholfen. Daher

• Farbtemperaturplatzierungen:

Diese Technik beschreibt die Verwendung von Farbtemperatur zur Steigerung des Realismus in Porträts.

• Warme Farben wie Gelb werden auf Stirn-Glanzlichter aufgetragen, während Rot auf Wangen und Nase für eine natürliche Röte verwendet wird.

• Kühlere Töne wie Türkisblau/Grau definieren Schatten an Kinn und Augenlidern. Orange verleiht der Unterlippe Wärme, entsättigtes Weiß hebt den Nasenrücken hervor und Pink betont die Lippen.

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Diese strategische Anwendung von warmen und kühlen Farben schafft Tiefe, Dimension und ein lebensechtes Aussehen.

Als Nächstes definierst du die Form der Person, die du malst, fügst die Licht- und Schattenfarben hinzu. Dieser Aspekt hilft, die Richtung der Lichtquelle zu zeigen und wohin der Schatten fallen wird, wie ich bereits oben erwähnt habe.

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• Detailliertes und Textur-Rendering hinzufügen:

Verfeinere die Details mit kleineren Pinseln. Achte auf subtile Änderungen in Werten und Texturen. Versuche, dem Gesicht einige identifizierende Details wie schimmernde Haut oder den parallelen Linien auf der Hand des T-Shirts hinzuzufügen.

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Mit dem Unterwerkzeug für raue Texturen kannst du Texturen hinzufügen, um anzudeuten, ob sie robust ist oder eine einfache Person mit den komplexen Details ihres Designs, die ihre Komplexität zeigen, wie zum Beispiel Blumen für das T-Shirt und Sprühpunkte für die Hose, die im Wesentlichen ihre Persönlichkeit und Vorliebe für naturnahe Dinge widerspiegeln.

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Betrachte nun das Hinzufügen weiterer Details wie Sommersprossen, Falten oder Haarsträhnen, zusammen mit einigen Haarfollikeln. Mit einem meiner neuen Lieblings-Unterwerkzeuge, bekannt als das „skin soft sub tool“, füge ich Hautfollikel-Textur hinzu, um es wie Haarfollikel der Haut aussehen zu lassen, aus denen die Haare wachsen.

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• Eine Hintergrundkompositionseinstellung erstellen:

Der Hintergrund ist eine harmonische Mischung aus Natur und modernem Design. Links schafft üppiges grünes Laub eine lebendige, natürliche Kulisse. Rechts bietet ein zeitgenössisches Architekturelement mit deutlichen horizontalen Linien einen strukturierten Kontrast. Die gesamte Szene wird von warmem, gefiltertem Sonnenlicht beleuchtet, was eine visuell ansprechende und einladende Atmosphäre schafft.

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Um dieses Stück für die Betrachter kontrastreich zu gestalten, mache ich ein paar Dinge.

 

Gehe zu Filter > Effekt > Chromatische Aberration, passe die Einstellung der chromatischen Aberration an und klicke auf die OK-Schaltfläche,

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Um es auf den Hintergrund anzuwenden, gib dem Hintergrund eine Art chromatischen Effekt.

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Pro-Tipp: Hintergrundkontrast 🔹

Halte den Kontrast des Hintergrunds niedrig, damit er nicht mit dem Hauptmotiv (der Person) konkurriert. Dies hilft dem Motiv, „HERAUSZUSTECHEN“ und der Fokus des Porträts zu sein. 🥳

 

Um dies zu erreichen, gehe einfach zu Filter > Weichzeichnen > Objektivunschärfe und passe die verschiedenen Einstellungen im erscheinenden Mini-Dashboard für Weichzeichnung an und klicke auf die Schaltfläche OK.

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Und schließlich, erstelle eine neue Ebene, stelle den Mischmodus auf [Leuchten abwedeln] ein, füge ein subtiles Glühdetail hinzu, um das Porträt hervorzuheben.

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#️⃣ Fazit

Zusammenfassend lässt sich sagen, dass die Erstellung eines realistischen Porträts in Clip Studio Paint eine Kombination aus technischen Fähigkeiten und künstlerischer Intuition erfordert. Durch die Anpassung deiner Werkzeuge und deines Arbeitsbereichs, das Verständnis der Gesichtsanatomie und die Beherrschung von Licht und Schatten kannst du dein Porträtzeichnen auf neue Höhen heben.

Denke daran, Übung und Experimente sind entscheidend für die Entwicklung deines einzigartigen Stils. Zögere nicht, verschiedene Techniken und Einstellungen zu erkunden, um herauszufinden, was für dich am besten funktioniert. Mit Geduld und Hingabe wirst du in der Lage sein, nicht nur die Ähnlichkeit, sondern die Essenz deines Motivs einzufangen. Bleibe dran und genieße die kreative Reise! Adöv verabschiedet sich…

Bis bald