Illustration mit Blumendekoration

Beim Erstellen einer Illustration kann das Hinzufügen von Blumendekorationen eine interessante Idee sein. Wir können Elemente wie Blumen, Blätter oder Pflanzen einbeziehen, um die Komposition der Illustration zu bereichern. Neben der Verbesserung des visuellen Reizes können Blumendekorationen auch dazu beitragen, den Fokus des Betrachters auf die Hauptfigur zu lenken. Daher möchte ich ein paar Tipps teilen, die ich normalerweise verwende, da ich oft solche Illustrationen erstelle, um meine Kunstwerke zu schmücken.

1. Vorbereitung des Thumbnails oder der Silhouette

Plane zunächst das Thumbnail oder die Silhouette. Dieser Schritt hilft, die gesamte Komposition der Illustration zu bestimmen. Bevor du mit der Blumendekoration fortfährst, solltest du zuerst die Position des Charakters und die leeren Bereiche um ihn herum festlegen. Diese leeren Bereiche dienen später als Platz für die Blumendekoration.

Hauptgründe, warum Thumbnailing wichtig ist:

1. Es hilft dir zu planen, wo der Hauptfokus der Illustration liegen wird.

2. Es ermöglicht dir zu überprüfen, ob das Motiv auch aus der Entfernung klar erkennbar bleibt.

3. Es hilft dir abzuschätzen, wo leere Bereiche für spätere Dekorationen verfügbar sein werden.

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In diesem Beispiel ist die Leinwand in ein 3×3-Raster unterteilt. Diese Art von Raster wird häufig in der Komposition verwendet, da sie Künstlern hilft, das Motiv so zu platzieren, dass es ausgewogener und natürlicher wirkt.

 

Durch die Betrachtung der Silhouette innerhalb des Rasters wird es einfacher, die Größe und Position des Charakters anzupassen. Manchmal kann der Charakter zentriert sein, aber in anderen Fällen kann das Platzieren leicht zur Seite oder das Vergrößern eine interessantere Komposition schaffen.

 

Diese Methode hilft dir auch, bestimmte Bereiche bewusst leer zu lassen, die später für dekorative Elemente wie Blumen, Blätter oder andere Ornamente genutzt werden können, ohne dass die Illustration überladen wirkt.

2. Line Art

Sobald die Kompositionsplanung abgeschlossen ist, geht es mit der Line Art wie gewohnt weiter. Es gibt jedoch ein paar Dinge, die in diesem Stadium zu beachten sind, um den Prozess zu erleichtern und die Illustration übersichtlicher zu halten.

A. Teile die Line Art in drei Teile

Bevor du mit der Line Art beginnst, kannst du deine Ebenen zunächst in drei Hauptordner unterteilen: Vordergrund, Mittelgrund und Hintergrund. Der Charakter wird im Mittelgrund platziert.

Alles, was hinter dem Charakter erscheint, sollte im Hintergrundordner platziert werden, während alles, was vor dem Charakter erscheint oder nicht Teil des Charakters ist (in diesem Fall die Schmetterlinge), im Vordergrundordner platziert werden sollte. Du kannst die Ordner auch umbenennen oder ihnen Farbetiketten zuweisen, damit sie später leichter zu finden sind.

Dies von Anfang an zu planen, hat mehrere Vorteile. Es erleichtert die Bearbeitung erheblich, da du bereits weißt, wo sich jedes Element befindet. Es hilft auch sehr bei den Farbgebungs- und Finishing-Phasen, da die Farbgebung oft von der Kontrolle der Werte verschiedener Elemente abhängt. Wenn du dies nicht frühzeitig organisierst, kann der Prozess später viel schwieriger werden.

B. Den Charakter zeichnen

Für den Moment können wir die Blumendekorationen ignorieren. Denn... wenn man eine Illustration beginnt, ist das Erste, worauf man sich konzentrieren sollte, das Hauptmotiv, nicht die Dekorationen. Deswegen sollte man bei der Arbeit an der Line Art des Charakters sicherstellen, dass der Charakter auch ohne unterstützende Elemente als Hauptfokus für sich stehen kann.

Bei Charakterillustrationen wird die Aufmerksamkeit des Betrachters normalerweise auf das Gesicht gelenkt, daher ist es eine gute Idee, mehr Details um den Kopfbereich herum zu platzieren, wie Augen, Nase, Mund und Haare. In dieser speziellen Illustration sollte die Kleidung nicht das Highlight sein, daher habe ich die Details des Outfits einfacher gehalten.

C. Die Blumendekoration zeichnen

Dekoriere die leeren Bereiche. Wenn du vor einem Charakter dekorieren möchtest, lasse es den Fokus nicht ablenken, indem es vom Gesicht ablenkt oder für die Kamera zu sichtbar wird.

a. Verwendung von Asset-Pinseln

Übrigens, da Clip Studio Paint eine große Bibliothek an Blumen-Assets besitzt, werde ich diese für die Dekorationen verwenden. Dies ist das Asset, das ich für diese Illustration verwendet habe.

b. Hintergrund

Nun ist es Zeit, die Dekorationen hinzuzufügen. Plane zuerst, wo die floralen Elemente platziert werden, sowohl hinter als auch vor dem Charakter. Im Hintergrund gibt es etwas leeren Raum, sodass dieser Bereich genutzt werden kann, um Blumen auf der linken und rechten Seite des Kopfes des Charakters zu platzieren. Da diese Elemente im Hintergrund sind und weiter vom Betrachter entfernt erscheinen, sollte ihre Größe kleiner sein. Du kannst die Line Art auch dünner zeichnen, um ein stärkeres Gefühl von Tiefe zu erzeugen.

c. Vordergrund

Als Nächstes kommt der Vordergrundbereich. Hier verwende ich die gleiche Art von Blumen und Pinseln wie die im Hintergrund. Da diese Blumen näher am Betrachter sind, können sie größer gemacht werden, und die Line Art kann auch etwas dicker gezeichnet werden.

 

Ich habe die Blumen-Line Art jedoch nicht dicker als die des Charakters gemacht. Dies liegt daran, dass der Charakter der Hauptfokus bleiben soll, damit die Blumen im Vordergrund nicht zu dominant werden.

3. Grundfarbe

Als Nächstes kommen wir zur Farbgebungsphase. Ich teile die Ebenen in drei Kategorien: Grundfarbe, Schattierung und Beleuchtung, damit der Prozess einfacher zu handhaben ist.

Versuche für die Grundfarbpalette keine zu dunklen oder extrem gesättigten Farben zu wählen. Wenn du zum Beispiel möchtest, dass etwas schwarz erscheint, vermeide die Verwendung eines reinen Schwarz wie #000000, da sonst kein dunklerer Wert mehr für die spätere Schattierung übrig bleibt. Die Verwendung von etwas helleren oder sanfteren Farben gibt dir mehr Flexibilität beim Hinzufügen von Schatten in der nächsten Phase.

In der Grundfarbenphase kannst du beginnen, die Basisfarben auf deine Illustration anzuwenden. Hier möchte ich auch einen kleinen Tipp teilen, da ich Blumen-Vorlagenpinsel verwende und es eine spezielle Art und Weise gibt, wie ich sie normalerweise färbe. Da nicht jeder Vorlagenpinsel nur mit Line Art geliefert wird.

Zuerst kannst du die Blumen mit einem Vorlagenpinsel zeichnen. Danach dupliziere die Blume, sodass du zwei Ebenen hast.

 

Die obere Ebene wird als Line Art verwendet. Gehe zu Bearbeiten → Helligkeit in Deckkraft umwandeln, und die helleren Bereiche verschwinden automatisch, sodass nur die dunkleren Teile als Line Art übrig bleiben.

 

Die untere Ebene wird als Grundfarbe verwendet. Sperre die transparenten Pixel auf dieser Ebene und färbe sie dann wie gewohnt. Du kannst Werkzeuge wie den Fülleimer, Pinsel oder Lasso-Werkzeug verwenden.

 

Auf diese Weise kannst du deinen Vorlagenpinsel leicht umfärben, um ihn an deine eigene Farbpalette anzupassen.

4. Schattierung

Zuerst sprechen wir über den Wert. Der Wert bezieht sich darauf, wie hell oder dunkel ein Bereich in deiner Zeichnung ist. Die Kontrolle des Werts ist wichtig, da sie dazu beiträgt, Tiefe, Fokus und Volumen in einem Bild zu erzeugen. Wenn du die Werte richtig anordnest, können die Betrachter sofort verstehen, welche Objekte näher, welche weiter entfernt sind und wo der Hauptfokus der Szene liegt.

 

Normalerweise haben Objekte im Vordergrund stärkere Kontraste und klarere Werte. Der Mittelgrund hat einen moderaten Kontrast, während der Hintergrund tendenziell hellere Werte und einen geringeren Kontrast aufweist. Dieser Unterschied hilft, die Ebenen deines Bildes zu trennen und ein Gefühl von Distanz zu erzeugen.

 

In der digitalen Kunst beginnen Künstler oft damit, das Kunstwerk in Graustufen zu überprüfen, um zu sehen, ob die Wertestruktur bereits gut funktioniert. Wenn die Wertebalance in Graustufen klar ist, wirkt das endgültige Farbbild in der Regel solider und leichter lesbar.

Der erste Schritt beim Schattieren ist die Entscheidung für die Hauptrichtung der Lichtquelle. In dieser Illustration habe ich das Licht von oben links kommen lassen, weshalb die dunkleren Bereiche hauptsächlich auf der rechten Seite erscheinen.

 

Ich beginne normalerweise mit der Schattierung auf einer grauen Multiplikations-Ebene. Dabei überprüfe ich die Werte, indem ich eine schwarze Farbebene einschalte, sodass das Bild in Graustufen erscheint. Dies hilft mir zu sehen, ob die hellen und dunklen Bereiche ausgewogen sind.

 

Idealerweise sollten weiter entfernte Elemente, wie der Hintergrund hinter dem Charakter, etwas verblasster erscheinen, da sie weiter vom Betrachter entfernt sind. Diesen Effekt werde ich später in der Finishing-Phase mit Color Grading hinzufügen.

Um der Schattierung mehr Details zu verleihen, kannst du auch Aufpralllicht (Bounce Light) einbeziehen, das von den umliegenden Bereichen um den Charakter herum reflektiert wird. Du kannst dies mit einem weichen Airbrush hinzufügen, sodass die Dichte gering bleibt und der Effekt nicht zu stark oder ablenkend wirkt. Dies hilft, die Beleuchtung natürlicher und subtiler wirken zu lassen.

5. Beleuchtung

Als Nächstes kommt die Beleuchtungsphase. Bevor ich die Beleuchtungseffekte hinzufüge, wende ich zuerst eine Color-Grading-Ebene mit einer orangefarbenen Farbe, die auf „Multiplizieren“ eingestellt ist, an, um eine Spätnachmittagsatmosphäre zu erzeugen.

Ich reduziere die Deckkraft auf etwa 60–80 %, damit der Effekt nicht zu stark ist.

Danach erstelle ich eine neue Ebene mit dem Modus Hinzufügen (Glühen), um die Beleuchtung hinzuzufügen. Da die Hauptlichtquelle zuvor auf oben links eingestellt wurde, erscheint das stärkste Licht auf der oberen linken Seite des Charakters. Ich verwende hier einfach dieselben Vorlagen-Blumenpinsel, um diese Form zu erstellen.

Ich weiche die Kanten der Lichtform auch leicht mit dem Weichzeichner ab. Du kannst auch andere Lichteffekte hinzufügen, wie Lichtreflexe, Partikel oder benutzerdefinierte Pinsel, um die Illustration dynamischer und visuell interessanter wirken zu lassen.

Da hinten noch mehr leere Flächen sind, kannst du auch mehr Blattwerk hinzufügen. Mache es einfach wie eine Silhouette mit einer Volltonfarbe und achte darauf, einen helleren Wert als das Objekt davor zu wählen.

Als Nächstes bearbeiten wir den Hintergrund, um ein stärkeres Gefühl von Tiefe zu erzeugen. Da dieser Bereich weiter vom Betrachter entfernt und hinter dem Charakter liegt, füge einen weichen weißen Verlauf hinzu, der an den Schultern des Charakters beginnt und nach oben ausläuft. Dies hilft, das Gefühl der Distanz zu erzeugen.

Du kannst auch eine weitere orangefarbene Ebene im Modus „Hinzufügen (Glühen)“ hinzufügen, aber die Farbe verblasster als die Elemente im Vordergrund gestalten, damit der Hintergrund weiter entfernt wirkt. Zusätzlich kannst du einige zusätzliche florale Dekorationen in Silhouettenform einbeziehen, um der Szene mehr Ebenen zu verleihen und den Tiefeneffekt zu verstärken.

Für die Schmetterlinge im Vordergrund füge einen weichen weißen Airbrush um den Bereich hinzu, damit sie sich besser vom Hintergrund abheben. Dieses subtile Glühen hilft, die Aufmerksamkeit auf sie zu lenken, ohne sie zu ablenkend zu machen.

6. Filter

Zuletzt der Filter. Dieser Schritt ist optional, da nicht jeder gerne Filter zu seiner Illustration hinzufügt. Ich persönlich verwende sie gerne, weil sie dem Bild ein kinoähnlicheres Kamera-Gefühl verleihen können.

Zuerst alle Ebenen zusammenfügen und dann die zusammengefügte Ebene duplizieren. Die duplizierte Ebene ist diejenige, die den Filter erhält.

 

Da der Hauptfokus auf dem Gesicht des Charakters liegt, wende eine Weichzeichnung auf die umliegenden Bereiche an. Du kannst Filter → Weichzeichnen → Gaußscher Weichzeichner verwenden und die Weichzeichnungsintensität nach Bedarf anpassen.

 

Danach die Weichzeichnung um den Gesichtsbereich entfernen, damit die darunterliegende Originalebene sichtbar bleibt. Dadurch bleibt das Gesicht scharf, während die umliegenden Bereiche unscharf erscheinen.

Ergebnis

Und hier ist das Endergebnis. Es ist ziemlich einfach, da ich Vorlagenpinsel verwendet habe, um die Blumen zu dekorieren, was im Vergleich zum manuellen Zeichnen der floralen Line Art von Grund auf viel Zeit spart.

Hier ist ein weiteres Beispiel des Schritt-für-Schritt-Farbgebungsprozesses. Das Wichtigste, was ich jedoch hervorheben möchte, um diese Art von Illustration zu erleichtern, ist die Trennung von Hintergrund, Mittelgrund und Vordergrund von Anfang an.

 

Dies wird die Farbgebungs- und Bearbeitungsphasen später erheblich erleichtern.

Wenn du daran interessiert bist, Blumendekorationen für einen Webtoon im Romantik-Genre zu verwenden, kannst du meine anderen Beiträge ansehen oder mein Tutorial-Video auf meinem YouTube-Kanal ansehen.

Also Leute, das war's für diesen Beitrag. Ich teile tatsächlich ziemlich viel über meine Erfahrungen beim Erstellen von Webtoons, und ich lade auch mehrere Videos auf meinen YouTube-Kanal hoch. Schaut gerne vorbei und seht es euch an, wenn ihr interessiert seid!

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