1. Wie man Geschichten mit digitalen Texturen erzählt

Wenn wir über Kunst sprechen, sind die ersten Bilder, die uns in den Sinn kommen, oft die klassischen Gemälde, die wir in Büchern oder Museen gesehen haben. Wir assoziieren Ölmalerei und andere traditionelle Techniken häufig mit komplexer Ausführung oder hohem künstlerischem Wert. Ein grundlegender Punkt ist jedoch, dass es als Künstler auch darum geht, die Medien und Materialien zu wählen, die Ihre Vision am besten unterstützen.

 

Wenn Sie dieses Tutorial lesen, ist Ihr bevorzugtes Medium wahrscheinlich digital.

 

Digitale Kunst ist ein zeitgenössisches Medium, besitzt aber die einzigartige Fähigkeit, andere Techniken, Materialien und Medien wie Aquarell, Acrylmalerei oder Collage zu emulieren. Diese Flexibilität ermöglicht es Ihnen, Ihrem Werk jede gewünschte Erzählung zuzuordnen (und das, ohne ein Vermögen für physische Materialien auszugeben!).

 

In der Kunst trägt jedes Material dazu bei, eine Geschichte zu erzählen. Deshalb wählen Künstler spezifische Werkzeuge, um ihre Botschaft dem Publikum zu vermitteln.

 

In diesem Tutorial werden wir eine der vielseitigsten Funktionen in Clip Studio Paint erkunden: Texturen. Mit ihnen ist es möglich, die Wahrnehmung desselben Bildes vollständig zu verändern. Zum Beispiel:

 

Vintage-Papier: Verwandelt eine Zeichnung in ein historisches Relikt oder ein antikes Meisterwerk.

Betonwand: Kontextualisiert das Werk als Street Art oder Graffiti.

Aquarell: Bietet eine zarte, fließende und organische Ästhetik.

 

Aber bevor wir beginnen, müssen wir uns fragen: „Welche Geschichte möchte ich erzählen?“. Die Antwort auf diese Frage wird Ihre Texturwahl leiten und einen kraftvollen visuellen Subtext für Ihre Kunst schaffen.

2. Die digitale Mal-„Leinwand“

Viele Künstler überspringen die anfängliche Einrichtungsphase und beginnen sofort mit dem Zeichnen, aber bei einem auf Texturen fokussierten Projekt ist die Dateivorbereitung das, was den Unterschied zwischen einem digitalen „Rauschen“ und einer physischen Faser ausmacht.

 

 

2.1. Auflösung und Skalierung (DPI)

Damit die feinen Details einer Aquarelltextur oder die Maserung von Vintage-Papier sichtbar werden, benötigt Ihre Leinwand „Platz“.

 

Der größte Tipp: Arbeiten Sie mit mindestens 300 DPI.

 

Wenn Sie Ihre Datei auf 72 DPI einstellen, hat Clip Studio weniger Pixel, um die Texturdetails zu rendern, was zu einem unscharfen oder verpixelten Aussehen führt. Textur ist Detail, und Detail erfordert Auflösung.

 

 

➤ 2.1.1. So stellen Sie die DPI in Ihrem Dokument ein:

Beim Erstellen eines neuen Dokuments: Sie können die 300-DPI-Auflösung direkt in den Grundeinstellungen unter der Option Auflösung auswählen (ich bevorzuge die Arbeit mit 600DPI).

In einem bestehenden Dokument: Gehen Sie zum Menü Bearbeiten und wählen Sie Bildauflösung ändern.

2.2. Farbkonfiguration: Die „Papier“-Ebene

Absolutes Weiß (HEX: #FFFFFF) existiert selten in der Natur oder auf Künstlerpapieren. Abgesehen davon, dass es die Augen ermüdet, „überstrahlt“ reines Weiß das Licht und erschwert die Interaktion von Mischmodi (wie Multiplizieren).

 

Tipp: Doppelklicken Sie auf Ihre Papierebene (die standardmäßige Hintergrundebene in CSP) und wählen Sie einen leicht grauen oder farbigen Ton.

 

Es kann ein sehr helles Graubeige oder ein warmes Grau sein. Dies ermöglicht der Software, eine Tonbasis zur Berechnung von Lichtern und Schatten beim Anwenden von Texturen und Farben zu haben, wodurch der Übergang zwischen Kunst und Untergrund viel organischer und realistischer wird.

 

 

➤ 2.2.1. So definieren Sie Ihre Papierebene

Beim Erstellen eines neuen Dokuments: Sie können die Farbe der Papierebene direkt in den Grundeinstellungen unter der Option Papierfarbe auswählen.

In einem Dokument ohne Papierfarben-Ebene: Greifen Sie auf das Menü Ebene zu und wählen Sie Neue Ebene > Papier, um Ihre Papierebene hinzuzufügen.

2.3. Ausgangspunkt für die Auswahl von Texturen

Um dieses Tutorial zu demonstrieren, habe ich ein Basisbild im Jugendstil erstellt.

 

In seiner ursprünglichen Form verwendet diese Technik keine Texturen. Dies erleichtert das Verständnis der Unterschiede, die das Anwenden einer Textur innerhalb einer neuen Erzählung erzeugen kann. Das folgende Bild dient als Basis für alle unsere Texturanwendungen, um eine Geschichte zu erzählen.

➤ Verwendete Materialien und Pinsel (sehr empfohlen)

3. Mischmodi für Texturen

Textur ist nicht nur eine Ebene über allem; Sie müssen verstehen, wie sie mit Licht und Schatten interagiert. In Clip Studio Paint helfen Ihnen Mischmodi, Lichter, Schatten oder beides hervorzuheben.

 

Eine einzelne Textur kann sich je nach dem von Ihnen gewählten Modus völlig unterschiedlich verhalten: Dasselbe Papierbild kann Ihr Kunstwerk im Modus Multiplizieren abdunkeln und altern lassen oder subtile Lichter und Reliefs erzeugen, wenn es auf Überlagern eingestellt ist. Das Geheimnis liegt nicht nur im Texturbild selbst, sondern im Experimentieren damit, wie diese Modi die Wahrnehmung von Tiefe, Kontrast und Beleuchtung in Ihrer Arbeit verändern.

 

 

Für Texturen können wir sie basierend auf der erzählerischen Absicht in drei Hauptgruppen unterteilen:

3.1. Mischmodi: Abdunkeln & Multiplizieren

Verwenden Sie diese mit Texturen, die einen überwiegend hellen oder weißen Hintergrund haben, aber subtile Details wie Flecken oder dunklere sichtbare Fasern enthalten.

 

Ideale Beispiele:

Vintage-Papiere: Gealterte und vergilbte Texturen.

Farbige Papiere: Kraftpapier, Recyclingpapier oder Naturfaserpapiere.

Staubscans: Texturen von Staub und Kratzern mit hellem Hintergrund.

 

Wann zu verwenden: Wenn Sie einen weißen oder hellen Hintergrund haben und möchten, dass er diesen „von der Zeit vergilbten“ Look oder die Flecken von Recyclingpapier annimmt, verdunkelt der Multiplizieren-Modus, während die Eigenschaften des Papiers erhalten bleiben.

➤ Verwendete Materialien und Pinsel (sehr empfohlen)

3.2. Mischmodi: Aufhellen & Raster

Im Gegensatz zur vorherigen Gruppe sollten Sie hier nach Texturen mit einem überwiegend dunklen oder schwarzen Hintergrund suchen. Das Geheimnis liegt in den hellen Details: Suchen Sie nach Bildern mit kleinen Partikeln oder subtilen Kratzern.

 

Ideale Beispiele:

Schwarze Papiere: Dunkle Papiertexturen, die Reliefs nur in den beleuchteten Fasern zeigen.

Scanner-Texturen: Analoge „Fehler“ wie Staubspuren und digitales Rauschen.

Staubscans: Staub- und Kratztexturen mit dunklem Hintergrund.

 

Wann zu verwenden: Diese Modi fügen den Schattenbereichen Ihrer Arbeit hochwirksame Texturen und taktile Details hinzu. Im Raster-Modus ignoriert Clip Studio Paint Schwarz und behält nur die hellen Teile bei, wodurch natürliche Abnutzung simuliert wird.

➤ Verwendete Materialien und Pinsel (sehr empfohlen)

3.3. Kontrast-Mischmodi: Überlagern, Weiches Licht und Hartes Licht

Diese Gruppe funktioniert besser mit tonal neutralen Texturen, Bildern, die weder zu hell noch zu dunkel sind (nahe 50 % Grau). Der Schlüssel hier ist eine gleichmäßige Beleuchtung: kleine Details, die weder zu hell noch zu dunkel sind.

 

Ideale Beispiele:

Rauschen: Um dieses Filmkorn oder die Kamera-ISO-Vibration zu erzeugen.

Rasterpunkte: Perfekt für einen industriellen Druck oder Comic-Look.

Zerknülltes oder gefaltetes Papier: Wo die Falten subtile Lichter und Schatten erzeugen.

 

Wann zu verwenden: Perfekt zur Integration Ihrer Illustration. Während andere Gruppen sich nur auf Lichter oder Schatten konzentrieren, arbeiten Überlagern oder Weiches Licht gleichzeitig an beidem, wodurch das Relief des Papiers oder der Wand wie ein Teil des Originalgemäldes aussieht.

➤ Verwendete Materialien und Pinsel (sehr empfohlen)

3.4. „Textur überlagern“ in den Ebeneneigenschaften

Anders als bei manuellen Mischmodi verfügt Clip Studio Paint über eine Funktion im Bedienfeld „Ebeneneigenschaften“, die sich „Textur überlagern“ nennt. Sie wurde speziell für diejenigen entwickelt, die die Textur eines Materials schnell und nicht-destruktiv anwenden möchten.

 

So verwenden Sie es in der Praxis:

• Importieren Sie Ihr Texturbild oder wählen Sie ein Papier-Asset aus.

• Wählen Sie die Textebene aus und gehen Sie zum Bedienfeld „Ebeneneigenschaften“.

• Klicken Sie auf das Symbol „Textur überlagern“ (das Symbol, das wie eine kleine Farbrolle über einem Gitter aussieht).

 

Farberhaltung: Im Gegensatz zu Standard-Mischmodi konzentriert sich diese Funktion darauf, das Relief und die „Zahnung“ des Papiers anzuwenden, ohne Werte oder Sättigung drastisch zu verändern.

 

Volle Kontrolle: Sie können den Stärkeregler anpassen, um zu definieren, ob die Textur subtil (wie Seidenpapier) oder grob (wie Beton oder Pappe) sein soll.

Was, wenn die Option „Textur überlagern“ nicht erscheint?

 

Die Schaltfläche Textur überlagern ist nur für Ebenen sichtbar, die CSP als Bildmaterial erkennt. Wenn Sie eine Standard-Rasterebene erstellt, darauf gemalt haben und diese nun als Textur fungieren soll, wird CSP die Option nicht anzeigen, da es sie als Zeichnungsebene und nicht als „Unterstützung“ identifiziert.

 

So beheben Sie das Problem (Schritt für Schritt), wenn Sie ein Foto importiert oder Ihre eigene Textur auf einer Rasterebene erstellt haben:

 

• Klicken Sie in Ihrer Ebenenliste mit der rechten Maustaste auf die Textebene.

• Wählen Sie Ebene konvertieren.

• Ändern Sie im sich öffnenden Menü den Typ in Bildmaterialebene.

• Klicken Sie auf OK. Wenn Sie nun das Bedienfeld Ebeneneigenschaften betrachten, ist das Rollen-Symbol (Textur überlagern) verfügbar.

4. Thematische Workflows: Erzählerische Praxis

Nachdem wir die Techniken gemeistert haben, wenden wir sie an!

 

In diesem Abschnitt erfahren Sie, wie Sie drei völlig unterschiedliche Erzählungen mit einer Vielzahl von Texturtechniken erstellen.

4.1. Die Zartheit des Aquarells – Fine Art Stil

Um traditionelle Aquarelle zu simulieren, liegt das Geheimnis in der Weichheit und dem Gleichgewicht zwischen Papiertextur, Farbverdünnung und der Unvollkommenheit der Kanten.

 

 

Schritt 1: Die Papiertextur

 

Feinkörnige Textur: Wählen Sie eine weiche Papiertextur (nahe 50 % Grau) und stellen Sie den Mischmodus auf Weiches Licht ein. Passen Sie die Deckkraft an, um die Textur bei Bedarf subtiler zu gestalten.

 

Fasertextur: Fügen Sie eine Ebene mit Staub oder organischen Fasern im Modus Multiplizieren hinzu.

 

Pro-Tipp: Stellen Sie die Farbe der Faserebene auf ein dunkles Braun oder die Farbe Ihrer Lineart ein (in meinem Fall verwende ich ein dunkles, gesättigtes Braun). Passen Sie die Deckkraft nach Bedarf an.

Schritt 2: Aquarellpinsel-Effekte für die Fertigstellung

 

Physisches Aquarell hat Pinselstrichstrukturen, die das Papier ungleichmäßig einfärben; es ist auch schwierig zu kontrollieren und „blutet“ oft über die Linien hinaus. Wir werden diese Effekte mit texturierten Pinseln nachbilden.

 

Transparenz zur Enthüllung von Textur nutzen: Wenden Sie eine Ebenenmaske auf Ihre Farbebene an. Maskieren Sie das gesamte Bild (füllen Sie die Maske mit Schwarz), damit Sie die Farben mit einem Aquarellpinsel nach und nach enthüllen können.

 

Die Maske malen: Wählen Sie einen Aquarellpinsel und „malen“ Sie Weiß auf die Maske. Dies bringt die charakteristische Textur jedes Pinselstrichs in die Farbmasse und simuliert Transparenzschichten.

 

Der Blutungseffekt: Erstellen Sie eine Ebene im Normal-Modus zwischen der Lineart und der Grundmalerei. Verwenden Sie Aquarellpinsel, um an strategischen Stellen leicht über die Kanten der Lineart zu malen, als ob die Farbe „ausläuft“ oder blutet.

 

 

Unser erstes texturiertes Kunstwerk ist fertig!

➤ Verwendete Materialien und Pinsel (sehr empfohlen)

4.2. Wandmalerei und Street Art

Im Gegensatz zu Aquarellpapier hat eine Wand ein aggressives Relief, das direkt mit Licht und Schatten der Farbe interagiert. Wir werden die Technik der Reliefverschiebung nutzen, um diese Dreidimensionalität zu erzeugen.

 

Schritt 1: Das Wandrelief erstellen

• Erstellen oder importieren Sie eine Wandtextur-Ebene (mittelgrau) und duplizieren Sie diese.

• Stellen Sie die erste Ebene auf den Mischmodus Überlagern ein.

• Wählen Sie die zweite Ebene aus, rastern Sie sie und gehen Sie zu Bearbeiten > Tonwertkorrektur > Verlauf invertieren. Ändern Sie dann den Mischmodus dieser zweiten Ebene in Hartes Licht.

• Wählen Sie die Ebene Hartes Licht aus und verschieben Sie sie mit dem Verschieben-Werkzeug leicht (etwa 1 oder 2 Pixel zur Seite oder nach oben).

 

Der Effekt: Die erste Ebene erzeugt einen gesättigten Schatten, während die zweite (invertiert und verschoben) einen Glanzpunkt genau dort erzeugt, wo das Relief aus der Wand „herausspringt“. Dies verleiht der Textur einen realistischen 3D-Look.

Schritt 2: Kontrast und Texturfarbe anpassen

In Bereichen, in denen die Kunstwerkfarben sehr hell sind, reicht der Überlagern-Modus möglicherweise nicht aus, um die dunkle Textur anzuzeigen.

 

• Wählen Sie die helleren Teile der Kunst aus und fügen Sie die gewünschte Textur hinzu, wobei Sie den Mischmodus auf Multiplizieren einstellen.

• Um die narrative Kohärenz zu wahren, habe ich die Texturfarbe auf Dunkelblau (oder einen kühlen Ton) anstelle von Schwarz eingestellt.

Schritt 3: Hintergrundintegration

Damit das Bild nicht nur wie eine über eine Zeichnung gelegte Textur aussieht, bauen wir eine Szene:

 

Atmosphäre: Fügen Sie Sonnenstrahlen und Schatten hinzu, die über die Wand projiziert werden.

Umgebung: Simulieren Sie Wasser auf dem Boden, indem Sie Reflexionen hinzufügen, die an der Wand „hochsteigen“.

Blattwerk: Platzieren Sie Sträucher oder Blätter im Vordergrund, die Teile des Gemäldes verdecken, und wenden Sie dann den Effekt Linsenunschärfe an. Dies erzeugt Tiefe und vermittelt die Idee, dass die Kunst in einer urbanen Umgebung oder einer Ruine „versteckt“ ist.

➤ Verwendete Materialien und Pinsel (sehr empfohlen)

4.3. Ausschneiden und Einfügen – „Mixed Media“ Stil

Bei dieser Technik behandeln wir jedes Element der Illustration als ein physisches, ausgeschnittenes Objekt. Das Geheimnis liegt in der Ebenenorganisation und der Verwendung von Masken, um das Relief überlappender Papiere zu simulieren.

 

Schritt 1: Ebenenvorbereitung und -trennung

Anders als bei anderen Prozessen ist die Organisation hier entscheidend. Ich begann mit vier Hauptblöcken:

• Charakter-Lineart

• Charakterfarben

• Hintergrund-Lineart

• Hintergrundfarben

 

Jeder Block enthält mehrere Ebenen mit unterschiedlichen Mischmodi; viele gleichzeitig aktive Ebenen ermöglichen es jeder, einen einzigartigen Effekt beizutragen.

Schritt 2: Hintergrund mit zerrissenem oder geschnittenem Papier

Anstatt digitale Farben zu verwenden, „ersetzen“ wir die Füllungen durch echte Texturen, Fotos oder gescannte Materialien.

 

Manuelles Ausschneiden: Wählen Sie die Farbbereiche des Hintergrunds aus und wenden Sie auf jeden eine Papiertextur an. Verwenden Sie eine Ebenenmaske und zeichnen Sie die Kanten mit einem unregelmäßigen Pinsel, damit es aussieht, als wäre das Papier von Hand zerrissen oder geschnitten worden. Für Blumen oder kleine Details verwenden Sie geradere, „unvollkommene“ Schnitte, um ein hastiges Ausschneiden mit der Schere zu simulieren.

 

Tiefe: Ich habe dunklere Papiere hinten und hellere Papiere vorne platziert, um ein Gefühl von Tiefe zu erzeugen.

Schritt 3: Tiefenschatten – Der Collage-Effekt

Damit die Ausschnitte nicht „flach“ wirken, müssen wir die Dicke des Papiers simulieren. Das Geheimnis ist der Schatten, den ein Papier auf das darunterliegende wirft.

 

Schatten erstellen: Erstellen Sie eine neue Ebene im Modus Multiplizieren direkt unter jedem Papierausschnitt.

 

Licht erzeugen: Falls erforderlich, fügen Sie eine Ebene im Modus Überlagern hinzu und malen Sie bestimmte Bereiche gelb, um einen Lichteffekt auf dem Papier zu erzeugen.

 

Schnellfülltechnik: Eine effiziente Methode hierfür ist, Ihren Papierbereich auszuwählen (halten Sie Strg gedrückt und klicken Sie auf die Miniaturansicht der Ebenenmaske). Gehen Sie bei aktiver Auswahl zu Ihrer Schattenebene und drücken Sie Alt+Entf, um sie automatisch mit der gewählten Farbe zu füllen.

 

Erzähl-Tipp: Anstatt reines Schwarz zu verwenden, habe ich ein sehr dunkles, entsättigtes Blau verwendet. Dies verleiht ein natürlicheres Gefühl und fügt dem Schatten Tiefe hinzu.

 

Volumen und Weichzeichnung: Nach dem Füllen wenden Sie einen Gaußschen Weichzeichner an, um die Kanten weicher zu machen.

Schattenvariationen: Je nach gewünschter „Höhe“ des Papiers müssen Sie möglicherweise die Schatten Größe anpassen oder verschiedene Weichzeichnungs- und Deckkraftstufen verwenden.

Schritt 4: Goldakzente und Zeitungs textur

In dieser Phase füge ich verschiedene Texturen aus verschiedenen Materialien hinzu, die der Collage unterschiedliche Kontexte verleihen: den luxuriösen Glanz von Gold und das einfache, preiswerte Gefühl von bedrucktem Papier.

 

Blattgold: Ich wählte die spezifischen Bereiche aus, in denen ich den metallischen Effekt wollte, und wendete ein Goldtexturmaterial an.

 

Metallische Reflexion: Um das Metall zum Leben zu erwecken, erstellte ich eine Ebene über der Textur im Modus Leuchten hinzufügen. Mit einem weichen Pinsel fügte ich punktuelle Glanzlichter in den hellen Bereichen hinzu. Dies simuliert die spiegelnde Reflexion von Goldfolie, die auf die Umgebungsbeleuchtung reagiert.

 

Zeitung: Ich importierte eine Zeitungsdrucktextur und passte die Tonwerte (PUNKT 5) oder den Kontrast an, sodass der weiße Hintergrund verschwand und nur die schwarzen Buchstaben und Tintenflecken übrig blieben.

 

Druckeffekt: Ich stellte diese Ebene im Modus Multiplizieren über die Hintergrundfarben. Dadurch sieht der Text aus, als wäre er direkt auf die Papiere der Collage gestempelt oder gedruckt worden.

Schritt 5: Trockenpastell-Effekt und Charakter-Ausschnitt

 

Ausschnittkante: Unter den Farben des Charakters erstellte ich eine vollflächige weiße Ebene, die etwas größer als die Zeichnung ist. Ziel ist es, dass es wie ein physischer Aufkleber oder Ausschnitt aussieht, der auf die Szene geklebt wurde. Ich verwendete dieselbe Ebene, um eine gängige Papiertextur für Kreide aufzutragen, um sicherzustellen, dass ich die Textur später bei Bedarf austauschen kann. Vergessen Sie nicht, einen Schatten unter der weißen Ebene hinzuzufügen, um die Tiefe des Aufklebers zu simulieren.

 

Kreidetextur: Ich wandte eine Ebenenmaske auf die Farbebene des Charakters an und maskierte sie vollständig (mit Schwarz gefüllt). Dann verwendete ich einen trockenen Gouache-Pinsel auf der Maske, um die Farbe nach und nach zu enthüllen. Dies erzeugt diese charakteristische Körnung, bei der das Pigment die „Täler“ des Papiers nicht vollständig ausfüllt.

Tiefe und Volumen: Um mehr Dimension hinzuzufügen, duplizierte ich die Kreideebene und löschte ihre Maske, um sie erneut mit dem Pinsel zu enthüllen. Ich stellte diese Ebene auf den Modus Multiplizieren ein, was es mir ermöglicht, eine überlappende zweite Pastellschicht zu simulieren, um Schatten zu erzeugen. Ich beendete die Arbeit, indem ich einen weißen Pinsel verwendete, um spezifische Glanzlichter zu erzeugen.

 

Integrierte Lineart: Für die Lineart der Zeichnung entfernte ich mich von der perfekten digitalen Linie und wendete denselben Textur Effekt an, der für die Farben verwendet wurde.

 

Druckspuren: Ich fügte eine weitere Textebene hinzu, die Kratzer simuliert, die von einem „minderwertigen“ Pastellstift hinterlassen wurden. Dies lässt es so aussehen, als ob die Kreide fest auf das poröse Papier gedrückt wurde.

Schritt 6: Finalisierung und visuelle Vereinheitlichung

Da dieses Projekt viele verschiedene Materialtexturen verwendet (Zeitung, Gold, Kreide, verschiedene Papiere), musste ich die Komposition „zusammenbinden“:

 

Verlaufszuordnung: Oben auf den Hintergrundebenen habe ich eine Verlaufszuordnung mit 50 % Deckkraft angewendet. Ich war vorsichtig, einen Verlauf zu wählen, der die charakteristische Farbe des Blattgolds beibehielt und gleichzeitig den Rest der Palette vereinheitlichte.

➤ Verwendete Materialien und Pinsel (sehr empfohlen)

5. Erweiterte Einstellungen: Tonwertanpassung mit Tonwertkorrektur

Oft finde ich die perfekte Textur, aber sie verdunkelt meine Farben zu sehr oder „wäscht“ meine Palette aus. Um dies zu lösen, verwende ich eine Tonwertkorrektur-Ebene.

 

Obwohl Sie dies direkt auf das Texturbild anwenden können, ziehe ich es vor, nicht-destruktiv zu arbeiten, indem ich eine spezifische Einstellungsebene erstelle. Dies ermöglicht es mir, meine Meinung jederzeit zu ändern, ohne die Originaldatei zu beschädigen.

 

Was ist eine Tonwertkorrektur-Ebene?

Ich verwende diese Technik, um die volle Kontrolle zu behalten, ohne einen Teil meiner Arbeit zu verlieren. Wenn ich am Ende der Illustration das Gefühl habe, dass die Wandtextur mehr Aufmerksamkeit auf sich zieht als mein Charakter, muss ich nichts löschen. Ich doppelklicke einfach auf meine Tonwertkorrektur-Ebene und mildere die Töne, bis ich die perfekte Balance gefunden habe.

 

• Erstellen der Ebene: Wählen Sie die Textebene aus und gehen Sie zum oberen Menü: Ebene > Neue Korrekturebene > Tonwertkorrektur.

• Schnittmaske: Sobald die Einstellungsebene erscheint, klicke ich in der Ebenenpalette auf das Symbol „An Ebene darunter clippen“. Dies stellt sicher, dass die Tonwertanpassung nur meine Textur und nicht die gesamte Zeichnung betrifft.

Anpassen des Histogramms

Im sich öffnenden Fenster sehen Sie ein Diagramm (das Histogramm). Ich verwende die drei Schieberegler (die Knoten) unter dem Diagramm:

 

Linker Knoten (Schwarzwerte): Ich ziehe diesen nach rechts, wenn ich möchte, dass die Flecken und Schatten der Textur intensiver werden.

Rechter Knoten (Weißwerte): Ich ziehe diesen nach links, um den Hintergrund der Textur aufzuhellen und ihn in Modi wie Multiplizieren unsichtbar zu machen.

Mittlerer Knoten (Mitteltöne): Ich verschiebe diesen, um die gesamten Mitteltonwerte der Textur anzupassen.

Ausgabe: Dieser Schieberegler steuert den gesamten Ausgabebereich und begrenzt die maximale Helligkeit oder Dunkelheit der Ebene.

 

Schnittmaske: Sobald die Einstellungsebene erscheint, klicke ich in der Ebenenpalette auf das Symbol „An Ebene darunter clippen“. Dies stellt sicher, dass die Tonwertanpassung nur meine Textur und nicht die gesamte Zeichnung betrifft.

Fazit: Textur als Erzählung

In diesem Tutorial haben wir nicht nur einfache Filter angewendet. Wir haben untersucht, wie die Wahl einer bestimmten Materialtextur, sei es die Zartheit von Aquarellpapier, die Rohheit einer Betonwand oder die Komplexität einer Mixed-Media-Collage, tatsächlich eine erzählerische Entscheidung ist.

 

Mein größter Tipp für Sie ist: Haben Sie keine Angst vor Unvollkommenheit. Diese Details emulieren die „menschlichen Fehler“, die in physischen Materialien zu finden sind, und verleihen der digitalen Arbeit Seele.

 

Ich hoffe, dieser Leitfaden hat Ihnen geholfen, Clip Studio Paint nicht nur als digitale Malsoftware zu sehen, sondern als einen Raum, in dem Sie jedes Material simulieren können, das Ihre Fantasie begehrt.

 

Vielen Dank fürs Lesen bis hierher! Bitte kommentieren Sie unten und lassen Sie mich wissen, was Sie denken (und weisen Sie auf meine Tippfehler hin! Ich übersetze mit Google TT__TT).

 

Danke euch allen!

EDIT 1: Ich habe das Video, einige Informationen zu Mischmodi, einige Bilder hinzugefügt und einen Link entfernt, der nicht zum TIPP passte.