Introducción

Es común ver versiones de nuestros personajes favoritos estilo Cartoon o Super Deformed, donde las proporciones se exageran para darles ese adorable aspecto, ¡es casi como diseñar un peluche!

También encontramos en este estilo, aunque con menos frecuencia, vehículos, robots y otros objetos no orgánicos. ¡No importa, podemos darle ese carácter achuchable y divertido a cualquier cosa!

Sí, es un estilo divertido de trabajar y en cierto modo más rápido y fácil de hacer que una ilustración realista, pero también requiere de cierta práctica y conocimientos, en este tutorial aprenderás todo lo que necesitas saber para hacer una ilustración Cartoon/Super Deformed y qué funciones y herramientas de CLIP STUDIO PAINT te ayudarán en esa tarea.

En este caso tomaremos como base un vehículo militar, algo en principio frío y duro, ¡y lo convertiremos en una auténtica monada!

 

Antes de nada, unos consejos:

 

DOCUMENTACIÓN

Aunque puedes hacer un diseño de cabeza, siempre recomiendo, tanto a principiantes como a los más veteranos, utilizar documentación para inspirarte. Puedes elegir un tipo de vehículo (tanque, helicóptero, aeroplano, barco, etc…) y buscar unas cuantas imágenes con diseños que te llamen la atención. Recuerda, aunque tu diseño no tiene que ser funcional en este estilo, tener documentación a mano te ayudará a añadir detalles a tus diseños y hacer que sean más interesantes y creíbles. Puedes incluso diseñar un nuevo vehículo que mezcle dos tipos de vehículo, ¿quién ha dicho que los tanques no pueden volar?

 

NOMBRA TUS CAPAS

Es muy práctico tener los elementos de una ilustración separados en capas para poder editarlos independientemente, pero si hay muchos puede costar identificarlos rápidamente. Es importante nombrar tus capas para poder seleccionar rápidamente la capa que necesites, ahorrarás tiempo y la experiencia será mucho más agradable.

 

Paso 1 - PERSPECTIVA

Recuerda, en el estilo cartoon, tus diseños no necesitan ser realistas, pero sí creíbles. Aplicando una perspectiva básica te ayudará a que tus diseños tengan esa credibilidad que los hará destacar.

No hace falta que tenga mucho detalle, es símplemente para tener una referencia del volumen, un par de bloques sencillos pueden ser suficientes.

Paso 2 - INTERPRETAR FORMAS BÁSICAS

Ahora que vemos la hoja de papel como un espacio tridimensional en lugar de un plano, eso hora de hacer magia. Fíjate en el vehículo que quieras dibujar, o piensa en uno que te imagines. El truco aquí consiste en buscar cuáles son las formas básicas que componen el vehículo (principalmente esferas, cilindros, cubos...).

El cuerpo del tanque es como una caja, el cañón es un cilindro alargado, algunos aviones tienen el morro como una semi-esfera, etc.

Un vehículo puede parecer un objeto muy complicado, lleno de detalles, pero reducirlo a las formas básicas te ayudará a entenderlo mejor. Es es importante en un estilo realista, y aún más en estilo cartoon.

En una capa aparte, puedes hacer estudios de los vehículos en tu documentación, dibujando algunas de estas formas básicas sueltas, ¡para ir calentando motores!

 

Paso 3 - BOCETOS

¡La parte divertida! Una vez que sabes ver las formas básicas, es hora de jugar con ellas. Puedes utilizar la base de perspectiva y empezar a hacer el vehículo.

En este paso, la herramienta Lápiz Real da una sensación natural a tus trazos. Dibuja con trazos suaves y con soltura, no necesitas mucha precisión en este momento.

 

Es como hacer una caricatura de una persona. cuando haces una caricatura, exageras de manera cómica los rasgos del modelo según llamen tu atención: orejas grandes, nariz exageradamente pequeña, ojos saltones, cabeza grande, etc… pues aquí igual, exagerando las formas básicas puedes conseguir distintos efectos. Puedes hacer distintas versiones de un mismo vehículo para ver qué te gusta más.

 

Piensa en esas formas básicas como algo blando y elástico, dibuja sobre todo usando líneas curvas, las rectas transmitirán rigidez y dureza, úsalas sólo cuando sea necesario.

Ten en cuenta la base de perspectiva para plasmar las formas con un volumen tridimensional, pero no tienes que ajustarte a ella fielmente, es sólo una guía, lo principal es que quede un boceto suelto, relajado.

 

Aunque sólo sea el boceto, usa una línea más gruesa en las formas del primer plano para separarlas visualmente de otras que estén más al fondo, así conseguirás que tu diseño se entienda mejor y le dará más profundidad, haremos lo mismo a la hora de entintar.

 

Paso 4 - ENTINTADO

Ya tienes el diseño de tu vehículo cartoon, es el momento de entintarlo y definir bien esas formas antes de colorear.

 

Para empezar bajaremos la opacidad del boceto, también es recomendable bloquear la capa para no dibujar en ella por error.

Puedes ocultar la capa con la base de perspectiva para verlo más claro.

Crearemos una Capa de Vectores y utilizaremos una Pluma G para entintar. Esto nos permitirá modificar el trazado y el grosor de línea.

 

Una técnica común en este estilo es hacer más gruesas las líneas de contorno de las formas principales y más finas las líneas interiores. De esta forma puedes separar las formas más importantes y ayudarás a que se vea mejor el diseño.

 

¡CTRL+Z es tu amigo! Las mejores líneas son las que se hacen con soltura y seguridad, si vas despacito pueden quedar temblorosas, puedes utilizar utilizar CTRL+Z para deshacer el trazo y volverlo a intentar ¡pero no lo hagas demasiado o te acabará cansando! Recuerda que el boceto también es símplemente una guía, las líneas de entintado no tienen porqué caer justo encima de las del boceto, ¡entintar no es calcar! Reinterpreta tu boceto y dale un acabado limpio, procurando que las líneas estén cerradas para facilitar el coloreado posterior.

 

Puedes utilizar herramientas específicas para retocar vectores, como Corregir Ancho de Línea, para aumentar o reducir el grosor de la línea sin tener que redibujar.

 

Paso 5 - PREPARANDO LAS CAPAS PARA COLOREAR

Para facilitarnos la tarea de colorear recomiendo hacer una silueta del vehículo y utilizar la función de Ajustar a capa en las capas de color que vayamos añadiendo sobre ésta.

 

Una forma fácil de conseguir esa silueta es seleccionar el área transparente alrededor de la línea de entintado:

 

1. Utiliza la Selección Automática con los ajustes predeterminados y pincha en el área transparente.

2. Invierte la selección desde el menú Selección o con el atajo de teclado (ctrl+shift+i).

3. en una capa nueva, rellena con el cubo de pintura el área seleccionada, para el color recomiendo un gris medio.

 

Sitúa la capa de la silueta (si no lo está ya) bajo la capa de Línea.

Ahora, selecciona la capa de Línea y activa la función de Capa de referencia

 

Puedes hacer una nueva Capa Rasterizado y llamarla Color Base, debe estar entre la capa de Entintado y la capa de Silueta, y debe tener activada la opción Ajustar a capa inferior, que se encuentra en el Panel de Capas. Así podrás pintar sin preocuparte de salirte del dibujo.

 

Paso 6 - COLOR BASE

Es el momento de dar color, una forma rápida de dar el color base es usar el Cubo de Pintura.

 

Como hemos establecido la capa de Entintado como Capa de Referencia, puedes hacer uso de la función Referencia Múltiple>Capa de Referencia que se encuentra en las opciones del Cubo de Pintura.

Esto te permitirá rellenar áreas del dibujo a línea, pero en una capa aparte, manteniendo intacta la capa de línea, ¿no es genial?

¡Pues eso no es todo! Como la capa de entintado es una capa de vectores, también puedes activar la función Rellenar hasta el trazado del vector en las opciones de herramienta para que el área de color esté perfectamente rellena, ¡sin bordes blancos!

Nota: Para evitar esos bordes blancos en capas de línea rasterizadas, puedes usar la opción Escalado de Área al rellenar. Pero ya que estás trabajando con CLIP STUDIO PAINT, benefíciate del poder de la capa de vectores cuando trabajes a línea, ¡tiene muchas ventajas!

 

Paso 7 - CAPA DE SOMBRA

Lo primero es decidir el origen de la luz, en el ejemplo viene de la parte superior izquierda.

Esto es importante para decidir dónde ubicar las sombras y los brillos.

 

Puedes hacer una nueva capa de sombra creando una capa nueva y poniéndola en modo multiplicar.

 

Por el momento puedes ponerle 60% de opacidad, más adelante quizá quieras ajustarlo para tener sombras más suaves o más intensas.

Como hemos hecho anteriormente, es conveniente usar la función Ajustar a capa inferior para pintar la sombra sin preocuparnos de salirnos del dibujo.

 

Para simplificar el proceso he utilizado un mismo color para todas las sombras.

Puedes variar el color, pero asegurate de que sea un color frío y no muy saturado.

 

Puedes aplicar el color de varias formas, para empezar me gusta utilizar la herramienta Relleno con lazo, ya que por ahora no busco hacer sombras suavizadas sino aplicar un sombreado con bordes definidos, como el que se utiliza en animación.

 

Pensar en las formas como objetos en tres dimensiones en lugar de áreas planas no sólo te ayudará a la hora de dibujar, también es importante a la hora de dar luces y sombras, la forma del objeto y la dirección de la luz es lo que necesitas para saber dónde poner la sombra.

 

Una vez hecho eso, puedes suavizar los bordes de las sombras allí donde tengas formas redondeadas, para ello utiliza la herramienta Difuminar. En algunos casos te interesará dejar el borde de la sombra sin difuminar (o difuminado muy levemente) para indicar una superficie no redondeada o una sombra proyectada.

En el ejemplo puedes ver que he difuminado la parte anterior del ala, lo que hace que parezca más redondeada, pero la sombra que proyecta el ala sobre el resto del tanque es más bien cortante.

 

Cuando el perfil de la sombra es demasiado complejo, puedes hacer una selección con el Lazo y aplicar la sombra con el Aerógrafo, suave para sombras degradadas o duro para sombras más definidas, tal y como hemos explicado anteriormente.

 

Paso 8 - CAPA DE LUCES

Es muy parecido a preparar la capa de sombras, pero en lugar de Multiplicar utilizamos el modo de fusión Trama. La opacidad inicial debe ser algo menor, más o menos del 50%. Al igual que con las sombras, activa la opción Ajustar a capa inferior.

 

Para dar las luces, en lugar de la herramienta Lazo de relleno, puedes seleccionar el área con el Lazo o la Selección automática. Recuerda que la capa de Línea ha sido establecida como capa de referencia, en la herramienta Selección automática también puedes activar la opción Referencia múltiple, al igual que hicimos con el Cubo de pintura, para poder seleccionar áreas sin tener que cambiar de capa).

 

¡Ojo! Si hay una sombra dentro del área debemos restarla de la selección. Es muy fácil, sólo tienes que pinchar en la miniatura de la capa de Sombra mientras mantienes Ctrl+Alt.

 

Ahora sólo queda aplicar la luz, en ese caso con un Aerógrafo suave.

Otro ejemplo de sombreado:

1. Seleccionamos el área.

 

2. Restamos la sombra de la selección.

3. Aplicamos iluminación con aerógrafo.

Paso 9 - SOMBRAS DE OCLUSIÓN

Las sombras de oclusión se encuentran en aquellas zonas donde a la luz le cuesta más llegar.

Técnicamente es igual que hacer una nueva capa de sombra, como en el Paso 7, pero sombreando únicamente los recovecos y esquinas del modelo.

Ayudan a dar más profundidad y volumen a las formas. Las sombras de oclusión funcionan mejor cuando son sutiles, pero tienen un efecto notable.

Las sombras de oclusión son esenciales para un acabado realista, pero aunque estemos trabajando en estilo cartoon, le dará a tus diseños un nivel extra de credibilidad que los hará destacar.

 

En el siguiente ejemplo vemos como la sombra de oclusión bajo el ala hace que consigamos más profundidad. Además conseguimos que el cañón del primer plano se vea mejor.

 

Aquí vemos otro ejemplo de cómo separar formas añadiendo una pequeña sombra de oclusión.

Paso 10 - BRILLOS Y LUZ SECUNDARIA

Haz una capa nueva sobre la de oclusión, esta vez usaremos el modo de fusión Añadir (brillo) y utilizaremos esta capa para dos cosas:

• Por un lado añadiremos los brillos:

Los brillos, lógicamente, se encuentran allí donde la luz refleje más sobre el material. Al igual que las sombras, piensa en la forma tridimensional de la zona donde vas a aplicar el brillo. El brillo se concentra en las zonas curvas, cuanto más redondeadas, más se concentra el brillo. Las aristas, por ejemplo, son sitios donde los brillos se concentran mucho. Usa el Cuentagotas para tomar una muestra del color donde vas a aplicar el brillos, al pintar en la capa de Trama verás como el color resultante es mucho más claro. Quizá tengas que bajar la opacidad de la capa si el brillo sale muy intenso, según tu preferencia.

 

• Por otro lado, la luz secundaria.

La luz secundaria es aquella que refleja el ambiente. En esta escena bastará con una luz de ambiente azulada, como el cielo. Si hubiera objetos de otro color cerca, la luz secundaria del modelo podría estar tintada por el color de ese otro objeto.

 

Para pintar los brillos o la luz secundaria utiliza un aerógrafo y prueba a variar la dureza. Los brillos suelen tener bordes más duros y ser más pequeños, para la luz secundaria es mejor suavizar el borde y cubrir más área, a menos que se trate de un material pulido, como metal cromado, en ese caso la luz secundaria será más intensa y con bordes más duros.

 

Aquí vemos un claro ejemplo de dónde y cómo aplicar brillos y luz reflejada en un objeto esférico y muy reflectante.

 

Aunque el modelo sea un tanque volador y no veamos el terreno, la luz refleja en el propio suelo e ilumina la parte inferior levemente.

 

Como el metal es muy reflectante, incluso el cono de la turbina refleja luz, iluminando levemente el interior del anillo frontal. Fíjate también cómo el ala refleja luz sobre la parte inferior de la turbina.

Aquí tenemos un ejemplo de cómo las aristas concentran la luz, especialmente si el material es metálico o cromado.

 

Paso 11 - CAPAS DE AJUSTE

 

Ya tienes tus capas de color, sombra, oclusión y brillos. Puedes editar y ajustar cada capa por separado para dar más contraste, saturación, etc. pero hay una forma mucho más sencilla para hacer ajustes generales y mantener la integridad de las capas.

 

Abre el menú desde la esquina superior izquierda del Panel de capas o pulsa con el botón derecho sobre el mismo. En Nueva capa de corrección, encontrarás las dos capas de ajuste que usaremos en este paso:

 

Tono/Saturación/Luminosidad y Corrección de nivel.

El nombre de Tono/Satuación/Luminosidad habla por sí mismo, en este caso lo he utilizado para ajustar sólo la saturación del color ligeramente.

 

La Corrección de nivel permite ajustar la iluminación. Verás una línea con tres controladores triangulares bajo el gráfico en el apartado Entrada: el triángulo negro de la izquierda ajusta las sombras, el gris del centro los medios tonos, y el blanco de la derecha las luces. No hay reglas específicas para ajustar los niveles, depende de la ilustración y lo que quieras hacer. Quizá quieras lograr un mayor contraste, por lo que deberás reducir la distancia entre los manejadores, o símplemente oscurecer o aclarar los medios tonos. Juega con los manejadores y observa cómo afecta al resultado final, la ventaja de las capas de ajuste es que puedes hacer todas las pruebas que quieras sin modificar el resto de capas.

 

Unos ajustes sutiles pueden ser suficientes para hacer que el diseño sea más vistoso.

Paso 12 - PRESENTACIÓN Y AJUSTES FINALES

En lugar de presentar el dibujo en un fondo plano, dedicar unos minutos extra a hacerle un marco, un fondo u otro elemento de diseño puede darle una mejor presentación y hacer que resalte.

Puede ser suficiente con unas pinceladas expresivas de color tras el dibujo con un pincel de acuarela, en este caso he hecho un fondo recortado, dejando que el modelo sobresalga.

 

Para darle un aspecto de papel rasgado he utilizado un pincel personalizado y he borrado los bordes.

Con el Lazo de relleno he creado unas sencillas nubes, dándoles algo de volumen con una sombra en modo multiplicar, como hemos hecho con el dibujo.

 

Haciendo uso de la función Ajustar a capa inferior hemos integrado las nubes con el fondo azul del cielo.

Finalmente he hecho un leve degradado en el fondo dándole un color algo más oscuro que el del cielo.

Como norma general, un color de fondo debe ser menos saturado y menos brillante que el dibujo para que éste destaque.

 

También es buena idea utilizar el color complementario del color principal del dibujo. (Como son en este caso el amarillo y el azul).

 

Recuerda que en CLIP STUDIO ASSETS los miembros de la comunidad ponen a disposición de otros usuarios fondos y texturas que puedes utilizar para añadirlos a tu diseño o como inspiración.

Agradecimientos y enlaces

 

¡Gracias por seguir este tutorial! Espero que hayas aprendido algo nuevo y que te lo hayas pasado bien. Ahora que has terminado tu dibujo, te animo a que lo compartas con la comunidad desde CLIP STUDIO SHARE. ¡Enséñale al mundo de lo que eres capaz!

 

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