Introducción
¡Hola! Soy el artista AloneFlaver, ¡y esta es mi guía para el concurso TIPS del mes de Clip Studio Paint! Esta vez, me gustaría contarte cómo dibujo músculos en Clip Studio. Cuerpos masculinos, para ser más específico. Para esta guía, usaré la versión para iPad del programa. También he preparado una versión en video del tutorial que muestra convenientemente todo el proceso.
¡No perdamos el tiempo y vayamos directo al grano!
Empieza con un modelo 3D
Mi método de dibujo es conveniente para personas con poca experiencia en dar forma a cuerpos. Este método también es único de Clip Studio Paint, ya que utiliza varias de sus características especiales. La primera está aquí. Para empezar, coloca un modelo 3D humanoide en tu lienzo. Puedes usar cualquier modelo que te guste o el que coincida con el personaje que quieras dibujar. Pero me ceñiré al cuerpo masculino predeterminado de Clip Studio para que esta guía sea válida para la mayor cantidad de personas posible. Posiciónalo como quieras.
En el siguiente paso, utilizo una función exclusiva de Clip Studio Paint EX llamada “Extraer línea”. Convierte suavemente el contenido de tu capa en un dibujo lineal. Funciona perfectamente con modelos, ya que tiene sus datos volumétricos para extraer líneas de la mejor manera posible.
Activo “Extraer línea” en la ventana Propiedad de capa y lo activo para limpiar la zona interior del cuerpo.
A continuación, a través de la misma ventana, colorea el cuerpo con un tono gris neutro. Luego rásterízalo para mayor comodidad (puedes guardar una copia del modelo antes de rásterizarlo si no estás seguro de su posicionamiento final).
Si no tienes la versión EX, hay algunas soluciones. Por ejemplo, puedes crear una nueva capa y, usando la selección automática en el contorno del modelo, rellenar su forma en la nueva capa. Pero sinceramente recomiendo usar “Extraer línea”. Puedes modificar tu modelo y su posición incluso con la función activada, ya que no rásteriza tu capa.
Preparación de los materiales
Mi estilo de pincelada
Nuestras preparaciones con el modelo están hechas. ¡Ahora podemos empezar a dibujar! Bueno, casi. Primero, déjame hablarte sobre las herramientas que voy a usar para esto.
Mi método de dibujo es similar a esculpir una escultura, como dirían algunos artistas. Iremos construyendo gradualmente la forma del personaje, yendo desde los trazos más grandes hasta los más pequeños y precisos. Sin embargo, a pesar de lo altas o bajas que sean tus habilidades actuales, necesitas conocer al menos algunos conceptos básicos de anatomía humana. No hay un truco o una solución fácil, simplemente necesitas saber qué dibujar dentro de la silueta que hemos preparado, dependiendo de su pose, ángulo de visión y ubicación de la fuente de luz. Deja que las referencias te ayuden.
Los pinceles que uso
Solo usaré dos pinceles para preparar el cuerpo de nuestro personaje.
El primero es el aerógrafo suave predeterminado que puedes encontrar en tu catálogo. Ha sido ligeramente modificado, pero puedes mantenerlo tal cual. Lo único que harás con él es cambiar su dureza para dar forma a las partes más suaves y más rugosas de los músculos. Cámbiate constantemente entre todos los niveles para una apariencia más compleja de tu pincelada.
El otro pincel es uno personalizado. Lo he subido a CLIP STUDIO ASSETS, así que puedes descargarlo fácilmente. Es un pincel semi-suave con trazos más claros. Lo uso para transiciones de sombra más ásperas y los detalles más pequeños.
El único otro parámetro que mencionaría para los pinceles es la mezcla de color perceptual. Es opcional, pero recomiendo encarecidamente activarlo para la mayoría de tus pinceles para una mezcla de tonos mejor y más natural. Será útil para las etapas posteriores cuando empecemos a trabajar con el color.
No te preocupes, la mezcla de colores no afectará la apariencia de estos pinceles si aumentas el deslizador de “Cantidad de pintura” al máximo.
¡A dibujar!
No te apresures, marca primero las formas principales
Así es, dije que el color vendría después. Al principio trabajaremos con la gama de grises. Prefiero empezar con ella, ya que trabajar en monocromo resulta en una mejor percepción del volumen y el claroscuro.
Crea una nueva capa por encima de la silueta del cuerpo y activa “Recortar a la capa inferior” para que el contenido de la nueva capa solo se registre dentro de la silueta.
Ahora, usando el aerógrafo suave y el segundo pincel, ¡empieza a construir sobre él! Normalmente empiezo añadiendo primero las sombras del contorno. Me ayudan a comprender el volumen del cuerpo.
Luego voy extendiendo trazos suaves básicos, indicando los músculos principales como el pectoral mayor (los músculos del pecho), los abdominales, etc.
Paso a paso: haz los trazos más pequeños gradualmente
Sobre eso, les doy bordes más distintos con un tono de gris más oscuro. Puedes usar cualquiera de los pinceles, pero si procedes con el aerógrafo suave, no olvides cambiarlo a un modo más duro.
Alterna entre tonos más claros y más oscuros para que coincidan con la posición de tu fuente de luz y da forma gradualmente a los músculos. Puedes usar cualquier referencia de anatomía para no olvidar nada. El cuerpo humano es algo complejo, ¡así que no dudes en investigar y mirar imágenes para ver cómo funciona y qué y dónde debe representarse!
Y no te preocupes si de repente notas que la anatomía que has estado dando forma está distorsionada. Siempre puedes corregirla usando las herramientas “Licuar” o “Transformación de malla”.
Sombra, luz y equilibrio
El contraste es algo delicado. No hagas que tus músculos sobresalgan demasiado unos de otros con bordes oscuros estrictos. Recuerda que nuestros cuerpos no consisten en bloques o cubos de algún tipo. Somos bastante suaves en todos los sentidos, incluso cuando estamos en buena forma física. Nuestros músculos están envueltos en piel que diluye aún más los bordes entre ellos y las articulaciones. Así que asegúrate de interconectar un poco cosas como los abdominales, o los hombros con los bíceps, etc.
Claro, el alto contraste es necesario para ciertos lugares, pero úsalo en un sentido más global, cubriendo áreas enteras en lugar de los bordes de músculos separados. Por ejemplo, los Serratos anteriores (músculos laterales del torso) están en un eje de volumen diferente al de los abdominales del pecho. Por lo tanto, estarán en un plano diferente para la luz.
Es por eso que, para enfatizar la profundidad y el volumen del cuerpo, debes separarlos en términos de iluminación de la parte frontal del cuerpo.
Resumen del proceso de pincelada
En general, todo el proceso es básicamente:
– Usa un modelo para ayudarte a crear la base
– Mezcla trazos suaves con otros más definidos, grandes con pequeños
– Enfatiza el volumen y la profundidad alternando constantemente entre múltiples tonos de gris
– Usa referencias, ya sean biológicas o artísticas
Si quieres ver más del proceso sin cortes de cómo dibujé el cuerpo, considera ver mi versión en video de la guía adjunta al principio del artículo.
Coloreado y edición
Corrección de sombreado
Antes de darle a tu personaje un color adecuado, necesitamos corregir el equilibrio de sus tonos. Es bastante difícil crear una imagen en escala de grises perfectamente equilibrada con trazos manuales. Así que vayamos a Edición → Corrección tonal, y juega con las herramientas “Brillo/Contraste”, “Corrección de nivel” y “Curva de tonos” para lograr el efecto deseado.
No hay valores estrictos que pueda recomendar, todo depende de los tonos que usaste, cómo los equilibraste y qué efecto buscas. Estos son los parámetros que apliqué a mi pieza:
Después de eso, fusiono la capa con los trazos con la de la silueta para continuar.
Añadiendo colores
Y ahora finalmente vamos a colorear el personaje. Hay muchas maneras de hacer esto, ¡pero yo suelo usar los maravillosos mapas de degradado! El proceso es simple. Duplico la capa recién fusionada con el cuerpo y cambio la preferencia de capa de la copia a “Color”.
Luego, con esta capa seleccionada, voy a Edición → Corrección tonal → Mapa de degradado. Desde allí puedes usar cualquier mapa de degradado que hayas creado u obtenido de los Assets.
Aquí está el conjunto de tonos de piel de Kureihii que me gusta mucho usar:
Aplico el mapa que considero mejor para el arte actual y bajo la opacidad de la capa hasta un grado que hace que la piel del personaje luzca más atractiva.
También puedes usar “Coincidencia de color” en lugar de “Mapa de degradado” en el mismo menú. Tendrá un efecto ligeramente diferente que podría funcionar mejor para tus necesidades, y también es compatible con conjuntos de mapas de degradado.
Pero la piel se veía un poco simple, así que dupliqué la capa de “Color”, cambié su preferencia de capa a “Superponer” y aumenté su saturación para crear un paso más llamativo entre las partes más claras y más oscuras del cuerpo (la zona que también se llama El terminador). Luego bajé su opacidad aún más para no sobresaturar la imagen.
Puedes jugar con varias combinaciones de dichas capas de corrección. Puedes combinar varios mapas de degradado con varias preferencias de capa para lograr resultados asombrosos. Lo mismo ocurre con la corrección de nivel y contraste. ¡Encuentra tu equilibrio perfecto de todas esas cosas!
La magia de los pequeños detalles
¡Ya casi estamos! El cuerpo está hecho y ha sido coloreado. Pero para que se sienta más “vivo”, suelo aplicar varias técnicas pequeñas más. Déjame contarte sobre cada una de ellas.
Enfatiza la complejidad de la anatomía
Para que el cuerpo se vea más realista y complejo, puedes usar pequeños detalles como venas o cicatrices. Dibujarlas es fácil. Simplemente elige uno de tus tonos más brillantes y, con un pincel de pequeña escala, coloca varios “flujos” de venas por el cuerpo. Puedes enfatizarlas añadiendo un par de trazos más oscuros en sus lados para mostrar su volumen.
La textura hace que la piel se sienta más natural
Me gusta aplicar textura de ruido específicamente a la piel de mis personajes. Eres libre de usar cualquier patrón de ruido que puedas encontrar en los Assets o en línea, pero yo suelo hacer los míos. ¡Es bastante fácil! Simplemente crea una nueva capa y configúrala en “Luz suave” (esta preferencia no permitirá que el ruido altere sustancialmente el brillo y la saturación de nuestros colores, aunque también puedes probar la preferencia “Superponer”).
Ahora ve a Filtro → Renderizar → Ruido de Perlin.
Desde allí, debes ajustar los primeros cuatro deslizadores y verificar qué combinación funciona mejor para ti. No tengo un conjunto específico para ello, ya que todo depende de las condiciones. Pero diría que establecer la “Escala” en el lado inferior, y la “Amplitud” y la “Atenuación” casi al máximo suele ser un buen punto. Luego aplícalo y baja la opacidad de tu capa a un grado cómodo.
El reflejo y su física son esenciales
Aprende a usar el reflejo. El reflejo es un efecto físico cuando la luz incide sobre un objeto, rebota en él y luego golpea otro objeto, iluminándolo un poco con el tono del primero. Podría parecer que nuestros cuerpos no son tan reflectantes como para CAUSAR reflejo y no solo ACEPTARLO, pero ese no es el caso. Mira cómo hago que mi mano refleje la luz de la ventana en mi otra mano, y cómo la luz es ligeramente anaranjada debido al tono de piel en la primera mano que golpeó.
Así que, si las partes del cuerpo están colocadas de tal manera que podrían reflejar luz unas sobre otras, ¡deberías mostrarlo absolutamente! Simplemente elige un tono ligeramente más claro que la sombra y añade el reflejo. Aquí tienes un par de ejemplos donde lo usé:
Las sombras crean volumen
También puedes mejorar la percepción del volumen de tu personaje añadiéndole otra sombra simple. Simplemente crea una capa de “Multiplicar” (asegúrate de que esté debajo de la textura de ruido y con “Recortar a la capa inferior” activado) y aplícale un degradado de un tono neutro, yendo desde el borde inferior del lienzo hasta aproximadamente su punto central.
Los resultados
¡Y eso es todo! Puedo alterar algunos de los pasos mencionados dependiendo de qué y cómo esté dibujando (por ejemplo, puedo usar diferentes mapas de degradado o números en los deslizadores), pero los pasos y principios principales son siempre los mismos.
Y para mostrar cómo este cuerpo que hice podría usarse en una obra de arte, le añadí algunos elementos escénicos para imitar las condiciones de un arte completo. Es simple pero lo suficientemente efectivo para este tutorial.
Y aquí hay un par de ejemplos y trabajos en progreso de cómo usé la misma técnica en mis obras personales con mis personajes originales.
Espero que esta guía haya sido informativa y útil, y que te ayude a dibujar los músculos más geniales en tus obras. ¡Gracias por tu tiempo! ^-^
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