Mapeo del rostro

En el dibujo tradicional, existen diversos métodos para representar el rostro, desde marcos geométricos estrictos hasta enfoques más orgánicos basados en la anatomía. Estos sistemas son especialmente útiles para principiantes: ayudan a entrenar la mano, comprender la forma y recordar su comportamiento en el espacio.

 

Por ejemplo, las cuadrículas geométricas como el método Loomis se basan en líneas y ángulos simples, creando un marco sólido para la proporción y la orientación, una especie de "estructura alámbrica" que mantiene el dibujo estable a medida que se añaden detalles. Otros sistemas, como el método Reilly, se basan en líneas fluidas y rítmicas que siguen la anatomía y transmiten el movimiento y el volumen naturales del rostro.

 

Sistemas más académicos, como el método Bammes, se centran en una comprensión anatómica profunda de los huesos, los músculos y las proporciones.

Como suelo crear los detalles gradualmente en lugar de construir la cabeza completa primero, mostraré un enfoque más rápido que puede ser útil para artistas con conocimientos de anatomía.

 

Puedes usar pinceles suaves sencillos como “Pintar y aplicar” o “Marcador plano”, ambos integrados en Clip Studio Paint, o cualquier pincel suave para bloquear las sombras en la cara base.

Como puedes ver, simplemente colocando puntos de sombra ya puedes obtener un buen boceto sobre el que construir. Todo lo demás consiste simplemente en añadir color y definir las zonas de luz.

Transmitiendo emociones

Las caras son conjuntos de grupos de músculos cubiertos de piel, así que piense en ellas como superficies moldeables y flexibles.

Cada área resaltada se mueve para expresar emociones. Si alguna vez has visto o trabajado con un modelo 3D manipulado, ya sabes cómo se ve en movimiento.

 

Si no, como artista, debes tomarte el tiempo para observar. Recopila referencias que muestren cómo se mueven los músculos faciales con la emoción, o simplemente estudia la actuación en el cine.

También quiero señalar algo que a menudo pasa desapercibido: tu estilo limita o amplía tu expresividad. En el arte más simple o estilizado, puedes exagerar libremente. Piensa en los personajes de dibujos animados.

 

En el arte estilizado, incluso una ligera exageración puede cambiar drásticamente la forma en que se interpreta la emoción. Juega con las proporciones, expande o comprime los rasgos para aumentar la expresividad.

 

Con esto, quiero señalar que en los estilos caricaturescos puedes usar el espacio de todo el contorno del rostro o incluso ir más allá, mientras que en los retratos realistas, te limitarías a la estructura ósea real. Para crear arte realista creíble, sugiero observar las microexpresiones en personas reales. Como la vida real suele ser más sutil, trabajar con referencias o incluso modelos vivos te será de gran ayuda.

*Ejemplos de cambio entre proporciones más realistas y proporciones menos realistas para transmitir emociones.

En el arte estilizado, incluso una pequeña exageración marca una diferencia notable en la percepción de la emoción. Ampliar el tamaño de los rasgos te permitiría, como artista, experimentar con la expansión de la expresión.

Pensamiento final

El estilo por sí solo no define la expresividad de tus personajes, pero la observación sí. Una vez que te sientas cómodo con la anatomía en general, sin necesidad de consultar referencias, deberías empezar a experimentar con las expresiones faciales en tus bocetos.