Gui Guimaraes_Concept Art con CLIP STUDIO PAINT

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Vídeo del proceso

 

[1] Introducción y pose

Me llamo Gui, aunque también se me conoce como [moonlight orange]. Hoy me gustaría enseñar el proceso que sigo para dibujar a mis Cyber Candy Girls. El programa que uso es CLIP STUDIO PAINT EX.

 

Llevo bastante tiempo usando CLIP STUDIO porque me parece utilísimo, sobre todo a la hora de generar ideas, por los trazos tan limpios y con tanta calidad que produce. Además, gestiona muy bien los recursos del sistema.

Ahora mismo, lo tengo abierto en una Cintiq Companion, que no es la tableta más potente de Wacom, y las líneas van muy fluidas.

Pinto un poco en esta capa, en la que he bloqueado los píxeles transparentes.

 

Estoy dibujando y componiendo la pose sin problemas. Es increíble la cantidad de opciones que ofrece para ajustar y configurar los pinceles. Los ilustradores y concept artists que estamos acostumbrados a otros programas de pintura digital notamos una gran diferencia cuando empezamos a usar CLIP STUDIO, que está bastante orientado a la parte del dibujo.

Incluye muchas herramientas integradas que en otros programas es necesario descargar en forma de plugins, como la corrección de línea de cada pincel que creamos. Básicamente, lo que hace es regular nuestro trazo: nos ayuda cuando queremos dibujar con precisión una curva o una forma circular, y si no necesitamos usarlo, lo podemos desactivar.

 

En general, me da la sensación de que mi tablet funciona muy bien con CLIP STUDIO. Además de lo que hemos dicho, cuenta con todos los ajustes y el sistema de capas que cabría esperar, pero cuando solo estoy dibujando, noto que se comporta con una rapidez impresionante. Seguro que quienes hacen demos ya lo saben, pero cuando estamos grabando la pantalla, y sobre todo si no contamos con un equipo muy potente, este se suele ralentizar un poco. Sin embargo, yo no tuve ningún problema.

 

Voy a hablar de los pasos que estoy siguiendo, y cuando considere que puede ser de ayuda, destacaré las funciones que más me sorprendieron en su día.

 

 

 

Si ha visto otros vídeos de mis procesos, se dará cuenta de que estoy traduciendo a CLIP STUDIO todo lo que hago con los demás programas. Empiezo con un boceto para ir tanteando el diseño del personaje.

 

He decidido dibujar una de mis Cyber Candy Girls, ya que me encanta dibujarlas y además así puedo concentrarme en el diseño. El proceso lo tengo interiorizado y tengo comprobado que da buenos resultados, pero es necesario definir el diseño.

 

Invierto más tiempo en crear un diseño que funcione que en otra cosa, de modo que para este primer boceto, mi objetivo es darle pistas al público sobre el personaje, sobre su personalidad. Esto se hace a través de la pose, del rostro y de la ropa.

 

Por ejemplo, aquí puede ver que le he puesto cinta adhesiva en las piernas. Siempre que dibujo a las Cyber Candy Girls me da la impresión de que son demasiado asépticas, por eso les añado desgaste, como si se estuvieran remendando ellas mismas, para darles un poco de vida y que no parezcan nuevas.

 

[2] Color blocking y máscaras de recorte

Cuando estoy satisfecho con el diseño, comienzo con el proceso de color blocking.

 

Estoy creando una máscara de la silueta del personaje. Como se puede apreciar, primero he usado la varita de Selección automática.

 

Algo que me gusta mucho de CLIP STUDIO es que permite rellenar huecos con la varita. De esta forma, aunque las líneas no estén del todo hechas, el programa cierra esos huecos.

 

Podemos elegir el tamaño del hueco, así que funciona incluso si las líneas son tan desastrosas como las mías. Yo solo tuve que pintar la selección para el pelo, el resto lo hizo el programa solo.

 

He creado la base en color naranja. Todas las demás capas no se saldrán de la forma de esta capa base. CLIP STUDIO permite hacer esto con un solo clic.

 

Voy a compartir un truco para hacerlo de forma más eficaz: después de crear esa primera capa donde activamos "Ajustar a capa inferior", en lugar de crear la siguiente capa encima, la creamos debajo, de modo que ya quedará ajustada a la capa base sin necesidad de ir cambiando el tipo de capa cada vez que creamos una nueva.

 

La barra naranja que aparece al lado de la miniatura de la capa significa que la opción está activada y depende de la capa inferior, usándola como el canal de transparencia. Aunque pinte con pinceladas muy amplias no se saldrán de la silueta.

 

He aplicado todos estos colores por separado, ya que quiero más libertad a la hora de ajustar los colores. También me permitirá cambiar cada uno de forma independiente en caso de que no me convenza alguno de ellos.

 

Estoy oscureciéndolo todo porque, en el caso de las Cyber Candy Girls, las luces que llevan es una de las partes más importantes y la mejor manera de que se vea el resplandor de las luces es oscureciendo todo lo demás.

 

He elegido este azul oscuro tan saturado para que todo el personaje tenga un matiz un poco más azulado.

 

[3] Limpiando el line art

Considero que los colores están bien, así que comienzo a limpiar las líneas.

Tengo la forma de las diferentes partes, los volúmenes y la expresión, pero será necesario concretar un poco más para no hacer la fase final más difícil.

 

Vuelvo a trazar las líneas mientras voy arreglando las partes que lo necesitan. Estoy intentando terminar el diseño definitivo y limpiar la pieza a la vez.

Mucha gente se salta este paso, pero para mí es muy práctico porque cuando estoy dibujando me centro en el diseño, y cuando estoy limpiando me centro en limpiar. No mezclo estos dos pasos para poder concentrarme en cada uno de ellos.

 

Sigo modificando algunos detalles del diseño, aunque intentando no cambiar de opinión en cuanto al diseño básico. Solo paso a entintar una vez que estoy satisfecho con el diseño, pues de lo contrario tendría que cambiarlo todo otra vez. Como puede ver, acabo de añadir un detalle en el cuello.

 

Este tipo de modificaciones sí están permitidas en la fase de entintado, pero los cambios más grandes es mejor hacerlos en el boceto. Dicho esto, tampoco hay que ponerse límites a uno mismo: si tengo una idea mejor, no la desaprovecho. Y recomiendo a todos que hagan lo mismo. Se permite cambiar la base si con ello llevamos la pieza hasta una nueva dimensión.

 

El pincel que uso es el mismo que usé para el boceto, pero trazando líneas más finas sin cambiar el tamaño del pincel. Este pincel se creó tomando como base un lápiz, y cambiando solo la opacidad, no el grosor. Si quiero una línea más gruesa, paso el pincel dos veces.

 

 

He retocado hasta algunas partes de las piernas, incluyendo el diseño de los zapatos, que claramente no estaba conseguido. Voy jugando con las formas y la perspectiva hasta conseguir algo que me convenza. No presté atención a los zapatos cuando estaba trazando este dibujo y creo que por eso han salido demasiado pequeños. Cuando empiezo a definir el dibujo, aprovecho para corregir estas cosas.

▲Desde el menú [Edición]→[Transformar]→[Escalar +/Escalar - /Rotar]

 

No puedo luchar en varios frentes a la vez.

 

Dado que voy a dar contraste a la zona del cuello y a la cabeza, agregué esos detalles a las rodilleras para no dejar las piernas vacías. Tienen algo de circuitería, así que tomé los motivos de circuitos que puse en la parte de arriba y los usé para las piernas para que se note que estas también son de robot, no solo los brazos. Trato de añadir contenido narrativo a la ilustración.

 

Estoy intentando que el diseño del personaje revele información sobre lo que este podría llegar a ser, tanto en el aspecto de la forma como en el narrativo.

 

Me gusta cómo están funcionando los diseños. Copio el brazo, lo coloco en el otro lado y lo transformo considerablemente. Esta técnica ayuda a concretar el diseño más rápidamente, puesto que los brazos son iguales.

 

He modificado el brazo al copiarlo para que los elementos no sean demasiado simétricos y que así haya variedad suficiente.

 

Estoy borrando partes del boceto original. A la derecha se puede apreciar que tengo dos capas, esta para el clean up y la primera, pero aun así dejo parte del boceto original.

 

[4] Ajustar las capas conectadas

Ahora he vuelto a la mancha naranja para retocar la silueta y ajustarla de nuevo, ya que he reducido el grosor de las líneas finales.

 

Le he añadido un mechón de pelo más, porque veía que faltaba algo en esta parte de la silueta. Cambié también un poco la pose de la mano.

 

Lo que estoy haciendo es, básicamente, repasar toda esta parte para asegurarme de que a la hora de pintar puedo usarla como base sin que la pintura sobresalga de los contornos.

 

Aquí puede ver que en los zapatos he cambiado más cosas del diseño, ya que estaban menos acabados, pero en general no he cambiado mucho de las demás secciones.

 

Puede parecer que estamos trabajando el doble, pero todo esto nos vendrá muy bien más adelante. Voy a repetir el proceso en todas las capas. Comprobaré si se salen de las partes donde deberían estar y retocaré un poco los bordes, además de extenderlos si hace falta.

 

Una de las cosas que más me gustaron de CLIP STUDIO cuando empecé a usarlo es que es posible crear atajos del teclado para cualquier cosa. Ya sea un pincel nuevo que hayamos creado o una acción, a todo se le puede asignar un atajo.

Y además, se puede usar el mismo atajo para dos cosas: Por ejemplo, para mi pincel principal tengo la tecla [B], pero para mi pincel suave también tengo [B]. Si pulso la tecla [B] una vez, se selecciona el pincel duro, y si la pulso otra vez, cambia al pincel suave. Una vez que te acostumbras, la fase del boceto y de la pintura se aceleran a pasos agigantados. Hay muchísimas opciones para configurar los pinceles, son completamente personalizables.

 

Pero a mí, personalmente, me gusta ceñirme a los pinceles estándar. Tengo el pincel redondo suave y el pincel redondo duro, siendo estos los únicos que uso. No uso el difuminado en la pintura, sino que voy controlando la presión del lápiz, cosa que con CLIP STUDIO funciona de maravilla. El control de la presión del lápiz es absoluto, y gracias a eso puedo conseguir un sombreado de calidad.

 

[5] Puliendo los colores, las luces y las sombras

Tras poner los colores y ajustar las capas, regreso para meter un poco de luz cenital y para aplicar color a partes más concretas, como la nariz.

 

Para conseguir la luz cenital pienso en las partes del dibujo con planos horizontales y, en este caso, las pinto de azul.

 

El modo de combinación de esta capa es [Trama], de modo que solo queden plasmadas en el lienzo las partes luminosas. Teniendo siempre en cuenta cómo se comportan la anatomía y los materiales, voy añadiendo pliegues y siguiendo también la estructura ósea.

Ahora mismo la luz es demasiado intensa, así que la reduciré para que apenas se note, pero conservando la suficiente para que se aprecien los volúmenes.

 

Añado un poco de oclusión, es decir, sombreo los bordes. Dado que prefiero pintar con luces, las sombras que añado son propias o contenidas, sin preocuparme demasiado por las sombras arrojadas.

 

Voy oscureciendo algunas partes, como el pelo o la parte interior de los muslos para conseguir un buen contraste.

 

Todavía no hemos llegado a la última capa de pintura. Estoy preparando el conjunto de la ilustración para poder abordar el último paso. Pinto un poco en esta capa, en la que he bloqueado los píxeles transparentes.

 

Asimismo, oscurezco un poco más el fondo para que el personaje vuelva a resaltar.

▲Desde el menú [Edición]→[Corrección tonal]→[Tono/Saturación/Luminosidad]

 

[6] Puliendo el conjunto

He creado una selección a partir de las líneas. Si ahora pulsamos Ctrl + clic en la capa, nos saldrá la selección. En este caso, he seleccionado el line art y la base naranja. Ahora todas las luces estarán dentro de estos límites. No he seleccionado solo la base naranja porque no tiene exactamente la misma forma que el line art. Si hago Ctrl + clic en la capa naranja y Ctrl + Mayús + clic en las líneas, la selección se extenderá a ambas.

 

La luz blanca de los contornos va encima del line art porque en estas zonas el line art no tiene que verse.

 

Volví sobre mis pasos para añadir unos tonos oscuros en las piernas y así hacer que la atención vaya a la parte de arriba del personaje.

 

También he añadido un tinte violáceo en el fondo. Ahora está muy oscuro, pero antes era completamente negro y, como el personaje tiene un tono azulado, el negro del fondo quedaba rojizo. Poner un poco de violeta en el fondo hace que el negro parezca más puro que el negro puro que había antes.

 

Ahora toca dar los últimos retoques de pintura. A este grupo de capas lo he llamado "Retoques".

Comienzo por el rostro, ya que esa es la parte que va a determinar cómo la audiencia percibe al personaje y además es de lo que más cambia a lo largo del proceso. Como estoy haciéndolo en un estilo anime, los rasgos están bastante simplificados. Al pintar estaremos añadiendo volumen y este volumen cambiará enormemente la base que teníamos. En este caso, la base eran básicamente líneas, y tan esquemáticas que resulta bastante difícil crear volumen. Sabiendo que el rostro va a cambiar, empiezo a pintar intentando que sea lo más cercano posible a la idea que tenía en principio. Trato de conseguir la imagen mental que tenía del personaje y trasmitirla al medio digital.

 

A veces, me ayuda imaginarme el personaje como si fuera una figura o un muñeco. Así es más fácil hacerse una idea de cómo sería el rostro en 3D. Si solo lo percibes como una ilustración plana, es más difícil ver el volumen que si lo ves como una figura. Podemos fijarnos en alguna figura que ya tengamos, o en fotos de figuras que encontremos en Internet. Ayuda mucho para comprender cómo se ha hecho la estilización. No tenga reparos en usar referencias.

 

Ahora estoy mezclando colores con el mismo pincel que usé para las líneas. ¿Ve cómo de fácil es mezclar con él? Podemos tomar los colores de otras partes como muestra y, como el software va tan rápido, nosotros seguimos: muestra, pincelada, muestra, pincelada. Los colores que puse como base son los que me sirven de muestra para toda la ilustración.

 

Los voy mezclando mientras controlo la presión del lápiz. A más presión, más opacidad, y a menos presión, menos opacidad. Con esta técnica y los pinceles suaves ya salen las mezclas como quiero. Recuerde que mi objetivo no era que quedara todo aerografiado, sino que quería que se notaran las pinceladas. Me encanta que se aprecien las pinceladas. En esta parte ha quedado precioso, porque los colores no se han ensuciado con la mezcla.

 

La forma en la que se mezclan los colores también se puede ajustar. Yo no lo he puesto en mi pincel, pero podemos ajustar el pincel para que, al aplicar la pintura, se mezcle con los colores que hay debajo. Si está buscando un efecto de pintura al óleo, esta es una forma muy sencilla de conseguirlo, y le da más vida al color del personaje. Es más realista, ya que los colores al mezclarse entre sí toman pigmentos del otro color y crean un tercero. Si usamos un tono más claro que el tono en el que estamos pintando, no lo comprometeremos.

 

En algunos programas, los colores no se mezclan del todo bien al jugar solo con la opacidad, pero CLIP STUDIO consigue mezclarlos a la perfección. Por ejemplo, si aplicamos azul encima de una mancha verde, aunque el azul tenga solo un 20 % de opacidad, podremos ver el verde que queda debajo del azul, lo cual es maravilloso, vibra. En otros programas, he visto que lo que hace es apagar el color y deja de parecer real, con lo cual hay que pintar encima el color que queremos, corrigiéndolos uno por uno. Aquí puede ver cómo, con un par de pinceladas, ya he conseguido una buena integración en la cinta adhesiva. Lo único que he hecho ha sido cambiar un poco el tono en cada una de ellas para que haya más textura.

 

Para lograr los reflejos del vestido de plástico, he usado básicamente un blanco al que le he ido bajando la opacidad, y la verdad es que no ha quedado nada mal. Es bastante rudimentario, pero funciona.

 

Para las piernas, estoy aplicando el mismo azul que he usado antes para la luz cenital. Ahora se aprecia mejor el violeta de los calcetines.

 

[7] Trabajo de contrastes

Tomo la parte más oscura como muestra y con ella pinto los pliegues. Hago lo mismo para las mallas. Ahora oscurezco un poco más para recuperar el contraste del rostro. Me estoy concentrando en la parte superior del personaje.

Puedo poner más pliegues en las piernas, pero con pinceladas más sueltas y menos detalladas que en la parte superior, controlando de esta forma dónde recae la atención: siempre donde haya líneas más definidas, más contraste y colores más vivos.

 

Puede ser un contraste conseguido por valores, tonos o saturación. Cuanto más contraste pongamos, más atención captará esa parte. En los zapatos hay contraste, pero el cuello y la cabeza también tienen líneas más definidas, y sobre todo los brazos, que se componen de elementos mecánicos complejos llenos de detalles con fuerte contraste.

 

Ahora vuelvo al rostro, ya que también le faltaba contraste, y le añado más sombras, como he explicado antes. Si una parte tiene mucho contraste, llamará la atención.

 

He añadido un poco de color en las pestañas usando un tono más luminoso.

 

[8] Brillos y retoques finales

Estoy contento con cómo me está quedando la pieza. El proceso de pintura digital está funcionando muy bien. A continuación, añadiré brillo a las partes que se iluminan.

En este momento tienen solo saturación, pero no brillan. He copiado la capa de los brillos, he cambiado su modo de combinación a [Trama] y le he añadido saturación. Como se puede apreciar, los colores brillan bastante.

▲Desde el menú [Filtro]→[Desenfocar]→[Desenfoque gaussiano]

 

Aquí hice lo mismo: copié la luz de los contornos y la difuminé con el filtro para que también brillara.

 

Estoy terminando el fondo para que no esté en uno vacío, y también dando los toques finales.

 

Otra cosa que me encanta es la herramienta de selección. La de CLIP STUDIO viene por defecto con el atajo Mayús + T asignado, y tiene una malla de transformación que nos permite modificar los detalles que se nos hayan pasado. En este caso, con el dibujo ya terminado, me parecía que la cabeza había quedado demasiado grande, así que la modifiqué.

▲Desde el menú [Edición]→[Transformar]→[Transformación de malla]

 

Así ha quedado después de los retoques finales en la fase de posproducción.

 

He disfrutado mucho haciendo esta ilustración con CLIP STUDIO. Lo he usado mucho para bocetos y conceptos, pero no tanto para pintar. Esta es mi segunda ilustración completa con él y estoy muy contento con el resultado; he tardado mucho menos de lo que pensaba. He conseguido reproducir exactamente mis pinceles preferidos y hasta en el proceso de acabado, donde añado ruido y pulo los detalles del dibujo, no me ha faltado de nada en CLIP STUDIO.

La verdad es que a la hora de pintar me he quedado muy impresionado con la fluidez, las formas que he conseguido sin complicaciones, el volumen y todo a la perfección.

 

Espero que lo haya disfrutado.

Esta es la ilustración final. Me lo he pasado muy bien dibujándola y espero que le haya servido de algo ver mi forma de trabajar y cómo uso CLIP STUDIO para crear una ilustración. ¡Muchas gracias!

 

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