Naoki Yoshibe, un famoso animador, ha aceptado compartir con nosotros en formato entrevista su técnica para lograr hacer una animación en un mes.

 

Entrevista cedida por Project BIGSHIP

 

¡No hay tiempo que perder, así que empecemos a animar!

—Primero, ¡veamos este vídeo!

 

—El creador de esta animación de cuatro segundos es Naoki Yoshibe, nuestro profesor. Antes que nada, ¿cuánto tiempo invirtió en hacer esta animación?

 

 

 

La hice específicamente para mostrar el proceso de creación, pero si no recuerdo mal, me llevó entre tres y cuatro horas de trabajo.

 

 

 

—¿¿Solamente cuatro horas?? Los que estén empezando en esto de la animación probablemente necesitarían como mínimo un mes de duro trabajo para hacer algo similar, ¿no crees?

 

 

 

No necesariamente. Siempre y cuando tengan claros los aspectos clave, no creo que les llevara más de una semana.

 

 

 

—¿En serio? Supongo que entonces deberíamos cambiar el "mes" del título a "semana"... Volviendo al quid de la cuestión, ¡por favor, comparte con nosotros cómo crear una animación!

 

 

 

¡Claro! Resumiendo, los procesos son los siguientes:

① Brainstorming

② Storyboarding (guion gráfico esquematizado)

③ Genga (fotogramas clave)

④ Intercalación (poses intermedias)

⑤ Color

Estos serían todos los pasos.

 

Recomiendo especialmente a los principiantes que escriban en papel todas las ideas que se les pasen por la cabeza. Empezad anotando todo tipo de ideas (por tontas que suenen) y posteriormente pensad en la animación o en qué escenas queréis crear.

 

Una vez que tengáis la idea general clara, esbozad el guion gráfico. Los guiones gráficos son los borradores de la animación. ¡Los profesionales los usan, así que echadles un vistazo si tenéis tiempo!

 

El truco no consiste en secuenciar minuciosamente nuestras ideas, sino en dibujarlas rápidamente en papel sin pararnos a pensar demasiado. Tras hacerlo, nos será más fácil entender qué tomas y efectos buscamos exactamente. El próximo paso es decidir cuántas imágenes por segundo usaremos.

 

 

 

—¿A qué te refieres exactamente con "imágenes por segundo"? Sé que es un término que se suele usar en el ámbito audiovisual, pero si nos lo puedes aclarar...

 

 

 

En pocas palabras, hace referencia a la cantidad de imágenes que se muestran por segundo. Los vídeos están compuestos por series de imágenes. Por ejemplo, las series o programas de televisión suelen contar con una cifra cercana a las 30 imágenes por segundo. En las películas, el estándar es 24.

 

La animación japonesa normalmente no necesita 30 imágenes por segundo, aunque depende de la escena y de las poses de los fotogramas clave.

 

En función del método y de la retención de los fotogramas, es posible conseguir una ilusión de movimiento usando solo entre seis y ocho fotogramas. Teniendo esto en cuenta:

Retención (unos, doses, treses...): Consiste en mostrar una misma imagen durante varios fotogramas. Por ejemplo, una animación de 24 fps hecha "a doses" necesitará 12 imágenes, "a treses" necesitará 8, y "a cuatros" necesitará 6.

 

 

 

—¿Cuánto tiempo haría falta en caso de hacer la animación a mano?

 

 

 

Suponiendo que ya tengo las ideas claras, dependerá de la longitud de la animación. Si estoy creando una animación de 10 segundos, la respuesta dependerá del tiempo que me lleve dibujar 10 x 8 = 80 imágenes.

 

Dado que el dibujo en sí es el paso que más tiempo consume, la cifra variará dependiendo del tipo de animación y la velocidad con la que el dibujante trabaja. Con estos datos sería posible calcular el tiempo necesario. También sería menester sopesar cuánto color hay que dar.

 

 

 

—Entonces, si pudieras dibujar tres fotogramas al día, te llevaría 27 días completar una animación de 10 segundos, ¿no?

 

 

 

En teoría, sí. Aunque en función de la composición y la dirección, podría ser menos. Una animación puede ser muy diferente según el número de fotogramas que se esté animando y del timing del movimiento. ¡Jugar con estos elementos es la parte más divertida! Usar CLIP STUDIO nos puede ayudar a agilizar mucho este proceso de trabajo.

 

Dicho esto, toca pasar a la acción.

Primero, vamos a animar un simple salto, con aterrizaje incluido.

 

La animación consta de tres imágenes, reproduciendo cada fotograma a la misma velocidad.

Lo cierto es que ya produce una clara sensación de movimiento, pero si añadimos otra imagen y ajustamos el timing...

 

 

 

—¡Ya veo!

 

 

 

He intentado exagerar el movimiento manteniendo el salto durante más tiempo, además de encadenar mejor el aterrizaje añadiendo un fotograma más a este.

 

Veamos otro ejemplo. Con un simple círculo...

...podemos crear ondulaciones y efectos similares si aceleramos su expansión y lo afinamos a medida que aumenta su tamaño.

 

Con esto en mente, vamos a intentar dibujar una explosión. Si contrastamos mucho el movimiento y hacemos que la explosión se expanda rápidamente (tratando de expresar la intensidad de la explosión), podremos dibujarla sin preocuparnos demasiado por los detalles.　

El objetivo principal es crear contraste ajustando el timing. Como se puede apreciar, el impulso inicial de ambos ejemplos es muy intenso.

 

 

 

—¡Vaya, acabas de cambiar mi forma de ver la animación...! Teniendo los bocetos ya terminados, ¿cuál sería el siguiente paso?

 

 

 

Vamos a usar la primera animación que hemos visto como ejemplo. Primero, esbozo los fotogramas clave, dibujando unas tres imágenes por segundo. Después, las reproduzco usando la velocidad (fotogramas por segundo) inicial y espaciadas uniformemente.

 

A continuación, perfecciono el movimiento. ¿Cómo? Ajustando el timing y haciendo uso de la intercalación con ayuda de las funciones de CLIP STUDIO PAINT (Línea de tiempo y Papel cebolla).

Timeline: Función que nos permite visualizar la animación completa en orden cronológico.

Papel cebolla: Función que facilita la gestión de los fotogramas mostrando los fotogramas previos y posteriores en diferentes colores.

Intercalación: Fotograma que conecta fotogramas clave.

 

Personalmente, suelo esbozar primero los fotogramas clave para después aplicar los ajustes necesarios y añadir efectos mientras los entinto, aunque esto depende de la forma de trabajar de cada uno. Por último, me centro en darles color y en el acabado.

 

 

 

—Entiendo... ¡Creo que ya lo voy pillando! Por cierto, ¿te gustaría compartir con nosotros algún consejo para crear animaciones GIF cortas?

 

 

 

Tan solo deja volar a tu imaginación. Algo que se te acabe de ocurrir o que te gustaría practicar, garabatos... ¡Cualquier cosa sirve!

 

También podrías centrarte en animar cosas que le gusten a tu público. En mi caso, que publico mis GIF en las redes sociales, he apreciado que a mis seguidores lo que más les suele gustar son las animaciones en bucle con movimientos muy contrastados, así que tengo en cuenta esta estructura al hacer animaciones para dichas plataformas.

 

 

 

—Interesante. ¡Muchas gracias por tus respuestas tan detalladas! ¡En la lección avanzada, veremos otras técnicas la mar de prácticas!

 

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■ Perfil de la artista: Naoki Yoshibe

Antiguo trabajador de Kamikaze Douga Co., Ltd. (2011-2016), actualmente autónomo. Entre sus obras se incluyen varias series de anime, vídeos musicales y vídeos publicitarios. Autoproclamado "Hombre de los GIF garabato", es especialmente conocido en Twitter por sus cortas animaciones GIF.

 

"Curso de creación de animaciones cortas - Trabajando con Naoki Yoshibe y CLIP STUDIO PAINT PRO/EX"

Autor: Naoki Yoshibe

Editorial: Gijutsu-Hyohron Co., Ltd.

 

▼ Información sobre el libro (solo en japonés)