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[1] Preparación

■ Tamaño del lienzo

El tamaño del [Lienzo] que usaremos para este dibujo será de [1440px * 1920px].

Este tamaño es la proporción vertical más larga que permite que una imagen vertical se muestre completa en X (antes Twitter) sin que la miniatura se deforme al publicarla individualmente, aprovechando así las ventajas de las ilustraciones verticales.

No es estrictamente necesario usar el mismo tamaño que el ejemplo. Siempre que la relación de aspecto sea la misma, no habrá problemas en el trabajo.

■ Pinceles

En este tutorial, utilizaremos únicamente los pinceles de las categorías [Lápiz] y [Pincel] que vienen por defecto en CLIP STUDIO PAINT.

 

Para los pinceles incluidos en [Pincel], cambiaremos algunos ajustes para lograr un efecto similar a la acuarela.

Pulsa [F5] o ve al menú superior [Ventana] > [Detalle subherramienta] para abrir los ajustes del pincel. A continuación, marca [Borde de acuarela] y cambia [Efecto de borde] de [Estándar] a [Vívido].

[2] Concepto

■ Concepto del diseño de personajes

En esta ocasión, diseñaremos un personaje de bruja tomando como elementos principales <Sombrero>, <Capa> y <Bastón>, propuestos como ejemplo por CLIP STUDIO en septiembre de 2026.

1. Diseño sencillo

Primero, definiremos la forma general del personaje.

 

Si quieres captar la forma fácilmente, puedes usar como referencia los pictogramas de personas que se utilizan en los baños de mujeres, por ejemplo.

 

Los pictogramas con forma humana, emojis y otros elementos que encontramos en la vida diaria son formas humanas simplificadas y deformadas (deformé).

 

Por lo tanto, si empiezas con estas formas simples y añades detalles poco a poco, podrás definir la forma del personaje reduciendo la presión en comparación con dibujar una anatomía compleja desde el principio.

Añadiremos las palabras clave iniciales, <Sombrero>, <Capa> y <Bastón>, como elementos básicos del diseño del personaje.

 

Sin embargo, si estos fueran los únicos elementos de diseño, podría ser un poco difícil crear un personaje único y atractivo. Por eso, a partir de esta etapa, pensaremos en palabras clave adicionales que puedan hacer al personaje más encantador.

Yo añadí elementos como un gato y cascabeles a partir de la palabra clave <Bruja>.

 

Aquí, transformé la capa para que se pareciera más a una túnica y evolucioné el concepto del gato hacia una chica con orejas de gato.

 

Al añadir el atributo de chica gato, la personalidad del personaje también se fue concretando.

Los gatos suelen tener una imagen relajada y lánguida, y es fácil imaginarlos durmiendo.

 

Basándome en esta imagen, creé un personaje de bruja semihumana gato a la que le gusta la siesta y tiene el cabello un poco largo y despeinado, como si no se lo cuidara mucho.

 

En el siguiente paso, añadiremos colores aproximados, detalles y puntos destacados para que el personaje resalte.

Mientras buscaba una flor vistosa para dar variedad manteniendo un ambiente general negro, encontré la Belladonna.

'Belladonna' significa 'mujer hermosa' en italiano y también es una planta con una fuerte toxicidad.

Pensé que estas características encajaban bien con la imagen de una bruja, así que la adopté como elemento de diseño.

Y como sentía que el esquema de color general estaba demasiado inclinado hacia el negro, cambié el color del cabello a una gama que va del plateado al gris ceniza.

 

Como consejo, al decidir los colores, intenta que los grupos de colores principales no superen los cinco.

 

Si hay demasiados tipos de colores en una sola pantalla, la relación entre ellos se vuelve compleja y puede ser difícil guiar la mirada.

 

Especialmente si aún no estás familiarizado con el diseño de personajes, es mejor practicar diseñando dentro de una gama limitada de colores en lugar de usar muchos desde el principio.

 

Por lo tanto, recomiendo a quienes aún no dominen el diseño de personajes que usen un máximo de cinco grupos de colores principales.

 

Ahora, definamos el diseño detallado basándonos en esto.

2. Diseño detallado

Basándonos en el diseño sencillo que dibujamos arriba, ahora definiremos los detalles del personaje.

 

En esta etapa, en lugar de intentar completar todos los detalles desde el principio, decidiremos primero las proporciones y la forma general del personaje y luego añadiremos gradualmente los elementos detallados.

 

Si la silueta y las palabras clave creadas en la etapa de diseño sencillo son el “esqueleto” del personaje, el diseño detallado es el proceso de decidir qué tipo de cuerpo y vestimenta se le pondrá a ese esqueleto.

Como este personaje tiene la característica de ser una bruja y a la vez una semihumana gato, es importante pensar no solo en la anatomía humana, sino también en un físico y una postura que transmitan su personalidad.

 

Por ejemplo, si fuera un personaje activo y seguro, podría usar una postura con el cuerpo expandido; pero como es un personaje relajado y lánguido, es mejor usar una postura de pie cómoda, relajando un poco los hombros y los brazos.

 

Reflejar la personalidad en la postura permite transmitir el ambiente del personaje hasta cierto punto sin necesidad de explicaciones adicionales.

Una vez decidido el físico, dibuja a grandes rasgos el cuerpo y los puntos de referencia básicos que servirán de guía para el dibujo.

Por puntos de referencia nos referimos a los puntos principales que determinan las proporciones y la posición del personaje, como la cabeza, los hombros, el pecho, la pelvis, las rodillas, las manos y los pies.

 

En esta etapa no es necesario dibujar detalles minuciosos como la cara o las arrugas de la ropa.

 

Al contrario, si añades estos detalles demasiado pronto, será difícil corregirlos si las proporciones generales están mal, por lo que es mejor verificar primero el tamaño de la cabeza, la longitud del torso y la longitud y posición de las extremidades.

 

Especialmente al dibujar personajes de cuerpo completo, la impresión cambia mucho solo con variar el tamaño de la cabeza o la longitud de las piernas, por lo que es recomendable acostumbrarse a verificar las proporciones generales antes que los detalles.

Una vez definida la anatomía básica, daremos una forma concreta a la vestimenta y los adornos basándonos en el diseño sencillo previo.

 

Definiremos cómo se posicionarán el <Sombrero>, la <Capa> y el <Bastón> en el cuerpo del personaje real.

 

Por ejemplo, no se trata solo de pensar que “tiene una capa”, sino de decidir su longitud, dónde se abrocha, cuánto cubre el cuerpo o qué silueta crea al moverse.

 

Lo importante aquí es no perder las características del diseño sencillo inicial.

 

Al añadir elementos detallados, el diseño puede volverse complejo y alejarse de la imagen original del personaje.

 

Por lo tanto, cada vez que añadas un nuevo detalle, pregúntate: “¿Este elemento refuerza la personalidad o el concepto del personaje?”.

 

Si la forma general está decidida, añade detalles a las partes que se sientan vacías o incompletas, o modifica ligeramente las formas existentes.

 

Sin embargo, no siempre es mejor tener más detalles.

 

En lugar de añadir adornos en todas partes, es mejor concentrarlos en las áreas donde quieres que se dirija primero la mirada.

 

Por ejemplo, si pones relativamente muchos detalles en zonas que muestran bien las características del personaje, como alrededor de la cara, el pecho o las manos, y mantienes el resto simple, evitarás que el diseño general se vea recargado.

 

Al marcar esta diferencia entre zonas con muchos y pocos detalles, las características importantes del personaje resaltarán más.

Una vez organizada la forma, realizaremos un boceto de color basado en los colores del diseño sencillo para verificar la composición cromática general.

 

En esta etapa no es necesario pintar a la perfección.

 

Basta con colorear lo suficiente para verificar rápidamente la relación de color y luminosidad de cada parte, como el color del pelo, de la ropa o de los adornos.

 

Especialmente en diseños con muchos colores oscuros como este, es crucial comprobar que los colores no se vean empastados.

 

Incluso si usas colores similares, como ropa negra y pelo grisáceo, puedes diferenciar las formas ajustando ligeramente la luminosidad o la saturación.

 

Si en la etapa de boceto de color no te convence el equilibrio cromático o la forma, corrígelo antes de pasar a la fase de acabado.

 

Cuanto mejor organices la sensación de forma y la composición de color en este paso, más tiempo ahorrarás durante el proceso de finalización del dibujo.

 

Con esto, el diseño básico del personaje está completo.

 

En el siguiente paso, dibujaremos la ilustración propiamente dicha basándonos en este diseño.

[3] Proceso de ilustración

■ Configuración de pantalla

Ahora dibujaremos la ilustración real basándonos en el diseño de personaje completado anteriormente.

 

Primero, crea un nuevo lienzo y traslada las imágenes del diseño sencillo y detallado al lado izquierdo de la pantalla.

 

Tener las imágenes de referencia cerca al trabajar no solo facilita la comprobación del diseño del personaje, sino que también evita que te desvíes del diseño original mientras dibujas.

 

Para mover la imagen, haz clic en la barra de estado del lienzo y, sin soltar, arrastra hasta que la barra lateral se vuelva roja; en ese momento, suéltala.

■ Concepto del boceto

Primero, cambia la propiedad de la capa donde dibujarás el boceto a color azul claro.

 

Puedes hacerlo pulsando el botón situado más a la derecha en [Efecto] dentro de [Propiedad de la capa], o mediante el botón en la parte superior derecha de la ventana de [Capa].

 

La razón para cambiar el color del boceto a azul claro es para distinguirlo fácilmente de las líneas que dibujaremos después.

Ahora, dibuja rápidamente varias composiciones que se te ocurran en tamaño miniatura.

 

Lo importante aquí no es dibujar bonito, sino decidir rápido dónde se ubicará el personaje en la pantalla, qué tamaño tendrá, hacia dónde mirará, etc.

 

Hay dos formas: dibujar primero un rectángulo con una proporción similar a la pantalla y colocar al personaje dentro, o dibujar primero la figura completa del personaje y luego colocar el marco de la pantalla.

 

Cualquiera de los dos métodos es válido; elige el que te resulte más cómodo.

 

Recomiendo crear varias composiciones rápidamente para compararlas en lugar de pensar solo en una.

 

Si intentas completar una sola composición desde el principio, tardarás mucho tiempo en corregir las partes que no te gusten; pero si creas varias opciones en miniatura, podrás elegir la mejor comparándolas entre sí.

 

Además, recomiendo no borrar de inmediato los diversos bocetos que hagas, aunque no encajen con el personaje actual o no te gusten.

 

Podrías usarlos como nuevas composiciones para otros dibujos más adelante o, al volver a verlos después de un tiempo, podrías descubrir buenas ideas que no viste en su momento.

 

Pensar en crear varios bocetos no es hacer varios fracasos, sino un proceso para asegurar opciones para el dibujo final.

De los dos bocetos, me gusta más la opción 1 de la izquierda, así que usaré esa.

 

Primero, usa [Transformar (Ctrl + T)] para aumentar el tamaño del boceto hasta que se ajuste a todo el lienzo.

Luego, para pulir el boceto, aumenta el tamaño de la goma de borrar y borra suavemente toda la pantalla.

 

El método para organizar el boceto varía según la persona.

Otros prefieren bajar la [Opacidad] de la capa y dibujar líneas nuevas encima para organizar el dibujo.

 

Yo prefiero la sensación de ir “tallando” el boceto poco a poco al principio, por lo que suelo usar el método de la goma de borrar.

 

Por supuesto, ningún método es necesariamente mejor que el otro. Elige el que mejor se adapte a tu forma de trabajar.

A base de borrar, tallar y volver a dibujar, la forma final puede acabar siendo bastante diferente del boceto inicial.

 

Pero esto también es un proceso natural.

 

El objetivo del boceto no es predecir con exactitud el dibujo terminado desde el principio, sino encontrar mejores formas y composiciones a medida que avanzas.

 

En mi caso, la forma ha terminado siendo muy distinta a la del boceto inicial, pero como no difiere mucho de la imagen general que tenía en mente, continuaré con el trabajo.

Ahora, puliremos un poco más la composición de la pantalla.

 

Prueba a inclinar el ángulo de visión o ajustar el tamaño del personaje para encontrar una configuración que dé una impresión atractiva o tierna al espectador.

 

En este proceso, es mejor pensar en el espacio negativo de la pantalla junto con el espacio que ocupa el personaje, en lugar de simplemente colocarlo en el centro.

 

Al ajustar la composición, puede que parte del cuerpo (excepto la cara) quede cortada o que parte de la vestimenta que tanto costó diseñar se salga de la pantalla.

 

Pero esto no es un problema que deba evitarse a toda costa.

 

En una pantalla 2D solo se puede mostrar una vista desde un punto de vista, por lo que es difícil mostrar todos los lados del personaje y su ropa en una sola imagen.

 

De hecho, si aprovechas adecuadamente el recurso de cortar partes fuera de la pantalla, puedes lograr que el personaje se vea más grande y centrar mejor la atención.

 

Por lo tanto, en lugar de obsesionarte con mostrar todas las partes del personaje, decide la composición pensando primero en qué es lo que más quieres mostrar en este dibujo.

 

Una vez decidida la composición general, organiza el boceto por última vez.

Ahora, basándote en este boceto, puedes proceder con el lineart y el coloreado propiamente dicho.

■ Trabajo principal

Vamos a empezar el trabajo principal basándonos en el boceto completado anteriormente.

Primero, crea un nuevo lienzo y haz [Copiar + Pegar] del boceto que dibujaste.

 

Luego, para dibujar el lineart, baja la opacidad del boceto a unos 50.

 

Aunque el boceto sea azul y se distinga de las líneas oscuras, si el boceto permanece muy nítido, puede haber demasiada información visual y la pantalla se sentirá recargada al entintar.

 

Por eso, es mejor dejar el boceto en un estado en el que “solo se vea lo suficiente para servir de referencia”.

Para el lineart usaré el pincel [Lápiz de dibujo] y ajustaré la luminosidad del color a unos 15.

 

En las ilustraciones generales se suele usar un color cercano al negro puro para el lineart, pero en este dibujo usaré un color un poco más claro.

 

Es una elección de estilo personal para expresar la atmósfera suave de la acuarela.

 

Debido a las características del papel y los pigmentos, el color en la acuarela no suele ser un negro completamente uniforme, sino que a menudo se ve con diferentes colores y valores debido a la textura del papel, la difusión del agua y la influencia de los colores circundantes.

 

Por lo tanto, en este trabajo usaremos un color ligeramente más claro en lugar del negro puro para que el lineart no resalte demasiado en el conjunto del dibujo.

Ahora, dibuja el lineart tomando el boceto como referencia.

En esta etapa, más que intentar que todas las líneas sean perfectamente limpias, lo importante es dibujar de modo que la forma del personaje y la estructura de la ropa se transmitan con claridad.

 

Especialmente porque vamos a resaltar la textura de acuarela en este dibujo, es recomendable usar líneas que tengan algo de presión y textura en lugar de líneas mecánicamente uniformes.

Una vez terminado el lineart, pulsa [Cambiar color de capa] en la parte superior izquierda de la ventana de [Capa] para asignar un color al lineart.

Esta función es muy práctica para distinguir y organizar capas, ya que permite cambiar el lineart al color deseado de una sola vez.

Yo suelo usar este método a menudo incluso en mis trabajos habituales.

Ahora, pintemos las sombras ligeramente.

 

Crea una [Nueva capa] sobre la capa del lineart, cambia su modo a [Multiplicar] y pinta las sombras generales del personaje.

 

En este trabajo, he colocado la capa de sombras sobre el lineart.

 

Este es uno de los métodos para representar digitalmente el proceso de la acuarela analógica real, donde se pintan los colores sobre las líneas ya dibujadas.

 

Al usar una capa en modo Multiplicar, las líneas de abajo siguen siendo visibles mientras los colores se superponen.

 

De esta forma, el lineart no queda completamente oculto por el color, pero se consigue la sensación de que la pintura está sobre las líneas.

 

No obstante, este no es el único método para representar el estilo acuarela.

 

La sensación de acuarela se crea mediante varios elementos como la textura del pincel, la mezcla de colores y la opacidad, por lo que puedes cambiar la estructura de las capas según tu propio método.

Al pintar las sombras, piensa primero en la dirección general de la luz.

 

Si decides por dónde entra la luz y distingues entre las partes que reciben luz directa y las que quedan ocultas, podrás crear la tridimensionalidad del dibujo más fácilmente.

 

En este dibujo, he pintado las sombras con colores de tonos fríos.

 

En mi época de estudiante, cuando aprendía acuarela, solía usar como base una mezcla de azul ultramar (Ultramarine) y marrón Van Dyke (Van Dyke Brown) para las sombras, y el color que uso ahora es similar a aquel.

 

Por eso, tengo la impresión de que estos son los colores básicos para las sombras en acuarela.

 

Sin embargo, no es obligatorio pintar las sombras con tonos fríos.

 

El color de las sombras puede variar mucho según el color del entorno o de la fuente de luz, así que puedes elegir los colores que mejor se adapten al ambiente que desees para tu dibujo.

En la misma capa donde pintaste las sombras, aplica los colores correspondientes a cada parte con un [Pincel de acuarela].

 

En esta ocasión, pintaremos en la misma capa de las sombras sin añadir capas de color adicionales.

 

Al pintar en la misma capa, los diferentes colores se superponen y mezclan de forma natural, lo que facilita crear esa sensación de pigmentos que se difunden y mezclan, a diferencia de los colores claramente separados típicos de la ilustración digital.

 

Si es necesario, utiliza la herramienta [Mezclar color] para suavizar y mezclar los bordes de color creados al pintar con el [Pincel de acuarela].

 

Pero no es necesario suavizar todos los bordes incondicionalmente.

 

La acuarela es un medio donde coexisten zonas donde el color se difumina y otras donde permanece nítido, por lo que es importante distinguir qué bordes dejar y cuáles mezclar.

 

Deja relativamente nítidas las partes que deben mostrar la forma con claridad y conecta suavemente con la herramienta Mezclar color aquellas donde los diferentes colores deban fluir de forma natural.

 

Repite este proceso para llenar de color base a todo el personaje.

Una vez aplicados todos los colores base, verifica de nuevo la forma y el color general del dibujo.

 

Ahora, añade algunos detalles en las partes necesarias.

 

En esta etapa, recomiendo no detallar minuciosamente todo desde el principio, sino centrarse en las partes donde se dirige primero la mirada al ver el dibujo.

 

Concentra los detalles en áreas que muestren bien las características del personaje, como la cara, el pelo o los adornos de la ropa, y mantén las partes menos importantes más simples.

 

Así evitarás que el dibujo se vea demasiado recargado y al mismo tiempo resaltarás el encanto del personaje.

Al revisar el color general, noto que se ve un poco apagado, así que crearé una capa en modo [Superponer] para añadir tonos cálidos.

 

Aplica ligeramente colores cálidos cercanos al naranja, centrándote en las partes que reciben luz y alrededor de la cara.

 

Recomiendo ir acumulando el color poco a poco manteniendo la opacidad baja, en lugar de pintar con fuerza de una sola vez.

 

Esto se debe a que la acuarela combina bien con el proceso de crear el color deseado superponiendo colores claros varias veces, en lugar de aplicar un color intenso de golpe.

 

Especialmente al añadir colores cálidos alrededor de la cara, puedes lograr que la piel y el rostro del personaje destaquen de forma natural sobre el fondo o la ropa.

Ahora, para darle un aspecto más parecido a una pintura de acuarela, añadiremos una textura de papel.

 

He usado la textura [Japanese Paper 02] que viene por defecto en CLIP STUDIO PAINT.

 

Crea la capa de textura en la parte superior del dibujo y ajusta la opacidad.

 

Si aplicas la textura con demasiada intensidad, puede ocultar los colores y formas del dibujo, por lo que es importante encontrar un punto en el que se sienta la textura del papel sin arruinar la imagen.

 

Yo configuré la opacidad a 11.

 

No obstante, el valor adecuado puede variar según el pincel o los colores del dibujo, por lo que no es obligatorio usar el mismo número.

 

Luego, crea una nueva capa sobre dicha capa de textura, aplícale una máscara de recorte y cambia su modo a [Superponer].

 

Selecciona la herramienta [Degradado], concretamente [De color de dibujo a transparente], y úsala de arriba hacia abajo para añadir un toque más cálido a todo el dibujo.

 

De esta forma, conseguirás un tono y una atmósfera unificados en todo el dibujo, más allá de simplemente poner la textura.

Por último, revisamos el fondo.

 

Como el fondo se siente un poco vacío, usaremos un color amarillento claro y daremos unos toques con el [Pincel de acuarela].

 

En este punto, no describas el fondo con demasiado detalle; exprésalo solo lo suficiente para que el personaje resalte.

 

Dado que el personaje es el protagonista del dibujo, si el fondo tiene demasiados detalles, podría ser difícil concentrarse en él.

 

Una vez comprobados el color y la textura generales por última vez, el dibujo estará terminado.

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