Introduction

Bonjour. Je suis Gamheon, un auteur de webtoons en activité.

Pour terminer un manuscrit de webtoon d'environ 60 à 70 planches dans les délais impartis, je consacre généralement 3 à 4 jours à la coloration et à la post-édition.

Qu'il soit publié sur une plateforme ou qu'il s'agisse d'un travail personnel, pour gagner en popularité, une certaine qualité doit être garantie. Et pour y parvenir, je pense qu'il faut fondamentalement effectuer un travail répétitif assidu et avoir une bonne maîtrise de la coloration et des outils. Il faudra également s'entraîner à s'habituer au travail de haute intensité.

Cependant, la production de webtoons nécessite non seulement ces efforts, mais aussi des astuces d'efficacité.

La définition de l'« efficacité » sera probablement la méthode qui augmente la qualité et la lisibilité par rapport au temps investi. Cela inclura également la manière de la maintenir, n'est-ce pas ?

Comment maintenir une qualité livrable tout en respectant les délais ?

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Comment respecter les délais : Revoir le processus de travail et calculer le temps

Tout d'abord, avant de vous donner des astuces, je vais vous présenter une méthode de gestion du temps pour respecter les délais.

C'est une partie avec laquelle j'ai aussi beaucoup de mal, mais il faut constamment y faire attention et s'efforcer de ne pas être en retard…

Si vous avez des informations claires sur ce que vous voulez, vous pouvez ignorer cette section.

Les méthodes pratiques pour accélérer le travail étape par étape ont été divisées en sections ultérieures, vous pouvez donc choisir le contenu que vous souhaitez.

Cependant, si vous ne savez pas comment atteindre la période cible, revoyez le processus ci-dessous.

 

 

1. Mesurer et calculer le temps passé sur chaque étape du travail.

Le temps imparti est fondamentalement fixe, et vous devez le répartir. En divisant la coloration en étapes, c'est-à-dire couleur de base/ombres/post-édition, vous devez connaître le temps que vous passez sur chaque processus.

Par exemple, je consacre 5 heures à la couleur de base, un jour et demi aux ombres et un jour à la post-édition.

2. Ajuster pour consacrer plus de temps aux tâches nécessaires pour améliorer la qualité.

Une fois que vous avez accumulé des données sur le temps passé à chaque étape par la répétition du travail, vous devez trouver un moyen de répartir le temps entre les processus pour créer de meilleurs dessins dans le temps imparti. Par exemple, la couleur de base est une tâche répétitive simple où l'absence d'erreurs et la propreté sont primordiales, tandis que l'ombrage est l'étape la plus proche de l'acte de dessiner (?). En même temps, elle joue le rôle le plus important dans l'impression générale et la finition du manuscrit. La post-édition donne un contraste entre les scènes, donc on y consacre du temps principalement pour les scènes importantes, mais comme c'est l'étape de finition, il y a beaucoup de choses à surveiller comme les fautes de frappe ou la comparaison avec le storyboard, il faut donc s'assurer d'avoir un certain temps. (Ceci est mon exemple, et cela peut varier en fonction du style de dessin et du genre.)Dans ce cas, il est bon de terminer astucieusement la couleur de base, puis de consacrer plus de temps à l'ombrage. Accélérez les parties qui sont plus proches du travail répétitif que du dessin, afin de libérer du temps pour les étapes qui nécessitent un travail plus minutieux.

Les mangas ont aussi ce caractère d'omission et d'accentuation.

Optimisation de la coloration : 1. Flux et astuces pour l'étape de la couleur de base

Utilisation de modèles de calques

Comment appliquer rapidement la couleur de base

Pour unifier le processus de coloration, comme le mentionnent de nombreuses autres astuces, il est bon de définir des modèles de calques. Créez un format de calque qui vous convient, enregistrez-le comme matériel et faites-le glisser sur la toile. Et essayez de ne pas ajouter de calques supplémentaires à ce modèle autant que possible. Si vous ne savez pas comment diviser les calques, j'ai partagé le modèle de calques que j'utilise réellement pour mes webtoons, donc n'hésitez pas à l'essayer si vous le souhaitez.

Certains artistes travaillent toutes les couleurs de base sur un seul calque, tandis que d'autres les séparent par parties comme la peau, les cheveux, les yeux, etc. C'est à vous de choisir.

J'utilise fréquemment la fonction de sélection de zone dans les calques lorsque je change la couleur des ombres ou que je fais de la post-édition, donc je travaille en séparant les éléments pour faciliter la sélection.

Création de calques d'écrêtage

En créant un calque d'écrêtage qui définit la zone du personnage, vous pouvez appliquer plus rapidement les couleurs de base.

Il suffit de délimiter d'abord la zone du personnage, puis d'appliquer la fonction d'écrêtage par-dessus pour y superposer les couleurs de base.

Il existe deux méthodes pour travailler avec les calques d'écrêtage. Vous pouvez les créer avec l'outil Lasso ci-dessous, mais comme cet outil nécessite une réduction de 1 pixel pour que les pixels de couleur ne débordent pas des lignes et fonctionnent correctement, et que les espaces créés me dérangent, j'utilise l'outil de sélection automatique pour sélectionner la zone en dehors du personnage et inverser la sélection avec Ctrl+Maj+I pour remplir la zone du personnage.

De légers espaces apparaissent en raison du réglage de réduction des pixels.

Le travail de la zone du calque d'écrêtage est terminé.

Utilisation des palettes de couleurs

Ensuite, j'applique les couleurs de base tour à tour. La fonction d'extraction de couleur de la vue secondaire est également intuitive et utile, mais si le nombre de personnages augmente, la quantité d'informations à gérer augmente. C'est pourquoi j'utilise la fonction de palettes de couleurs.

Les palettes de couleurs sont une fonction qui permet d'enregistrer vos couleurs préférées, et comme elles sont gérées sous un groupe appelé « set », il est utile de les enregistrer selon les besoins pour chaque œuvre ! J'ai tendance à enregistrer toutes les couleurs de base fixes comme la peau et les cheveux du personnage, ainsi que les couleurs de vêtements utilisées dans un chapitre, les couleurs d'ombre et les couleurs utilisées pour la post-édition, dans un seul set. S'il y a trop de couleurs, vous pouvez les diviser par étapes, comme couleurs de base/ombres et post-édition.

Remplir rapidement les couleurs

Je travaille en séparant le line art pour toutes les parties sauf les traits du visage : Calque de ligne 1, et le line art des traits du visage : Calque de ligne 2. Non seulement cela facilite la modification du line art, mais cela accélère également la coloration.

 

Je définis le Calque de ligne 1 comme calque de référence, et j'utilise le pot de peinture avec le réglage qui fait référence à plusieurs calques de référence uniquement pour définir la structure principale. Il est bon de désigner la fonction de réglage du calque de référence comme raccourci.

Un outil Lasso qui remplit toujours, quelle que soit la couche ou la référence, est également très utile. J'utilise également cet outil pour les ombres.

J'ai assigné ces trois outils aux raccourcis numériques 4, 5 et 6 respectivement, et je les utilise en alternance pour remplir les couleurs selon les besoins.

Pour la zone de peau couverte par les cheveux, il suffit de ne pas s'en soucier et de la peindre largement. Il est beaucoup plus pratique de peindre les cheveux par-dessus. En effet, l'outil de coloration Lasso n'affecte pas les autres calques même si vous peignez en dehors de la zone.

Comme les calques sont séparés, si vous n'entourez que la zone des cheveux, cela n'empiétera pas sur la zone de la peau. En utilisant cette fonction, couvrez simplement la couleur de la peau.

Par conséquent, même si vous travaillez la couleur de base sur un seul calque, il est recommandé de créer d'abord d'autres calques pour travailler et de les fusionner ensuite.

Procédez de la même manière pour les autres parties. Les zones que le pot de peinture et les outils de sélection ne peuvent pas couvrir sont plus rapides à peindre directement au stylo. Il faut accepter qu'il est parfois plus rapide de faire les choses manuellement plutôt que de trop dépendre des outils…

Le travail de la couleur de base est terminé.

Optimisation de la coloration : 2. Flux et astuces pour l'étape des ombres

Il est temps d'appliquer les ombres.

Pour les ombres, je commence par une coloration solide (cell shading) avec une seule couleur sur un calque de multiplication, puis, une fois tous les détails terminés, je changerai la couleur des zones comme la peau ou les cheveux noirs.

Normalement, les ombres sont appliquées avec des couleurs désaturées comme le violet ou le gris. Si la même couleur est appliquée à la peau ou aux cheveux noirs, le résultat est terne et peu esthétique. C'est pourquoi je préfère les modifier.

Voici ma palette de couleurs pour les ombres.

Processus de coloration solide

Cet outil Lasso entre en scène une fois de plus.

Pour les ombres, il est préférable de s'assurer qu'elles ne dépassent pas les lignes.

Il arrive que la zone soit trop grande pour être sélectionnée d'un coup avec le Lasso. Dans ce cas, tracez d'abord les contours avec l'outil Plume et remplissez ! Faites preuve de flexibilité et utilisez la méthode adaptée à la situation.

La chose la plus importante dans le travail d'ombrage est d'augmenter le niveau de détail des parties que vous voulez mettre en valeur, et de regrouper les parties moins importantes en grandes masses. Quand je préparais mes examens d'entrée à l'université, j'ai appris ce concept sous le terme de « grandes surfaces et petites surfaces », mais vous pouvez le comprendre comme « augmenter la lisibilité et l'accentuation en utilisant le contraste de densité ».

Grâce à cela, vous pouvez réduire le temps de travail tout en créant des images faciles à lire en tant que bande dessinée.

Les ombres sont présentes sous forme de petits points de détail et de grandes masses.

Comme cette scène a une atmosphère romantique, le visage est la partie la plus importante. Dans la plupart des scènes où les personnages sont le sujet principal, le visage est le plus important. Plus on est près du visage, plus on augmente le niveau de détail, et on laisse les parties du corps inférieures plus estompées.

Pour la partie des cheveux, j'applique des détails au stylo, je travaille donc avec une sélection de zone.

Le détail est important, mais il faut d'abord définir les grandes masses en fonction de la direction de la lumière, puis dessiner les textures détaillées.

La coloration solide est terminée.

 

Pour les illustrations, il arrive que l'on commence par marquer les grandes zones en fonction du flux de lumière, puis qu'on les efface et qu'on les sculpte, mais pour les webtoons, cela prend trop de temps, donc je ne le recommande pas. Cela peut être difficile, mais une fois que vous avez une certaine compréhension de la lumière, entraînez-vous à dessiner la forme souhaitée dès le début et minimisez l'utilisation de la gomme pendant le processus d'ombrage. Après plusieurs essais, vous sentirez qu'il y a une certaine expression définie dans la façon de colorier.

Adoucir les ombres

Vous pouvez passer à l'étape suivante après avoir terminé la coloration solide, mais pour donner une impression plus douce, j'efface légèrement l'intérieur des bords des grandes surfaces et les extrémités des petites surfaces avec une gomme à faible dureté. Cela empêche les petites surfaces de ressortir trop. Si vous avez librement ajouté des détails en utilisant l'outil de flou uniquement là où c'était nécessaire, il est maintenant temps de changer les couleurs.

Changement de couleur des ombres : Utilisation des zones de sélection

Cliquez avec Ctrl sur la miniature du calque de la pièce souhaitée pour créer une sélection à partir du calque, puis verrouillez l'opacité et utilisez Alt+Suppr pour remplir la couleur.

J'ai sélectionné le calque de la peau.

Mais oh ! La couleur de la peau cachée par les cheveux a empiété sur la zone des cheveux, et la sélection n'a pas été faite correctement. Je voudrais exclure la partie des cheveux...

Dans ce cas, tout en maintenant la sélection, allez sur la partie que vous souhaitez exclure et faites Ctrl+Alt+clic pour exclure la partie des cheveux. Généralement, Alt a le caractère de soustraction, et Maj celui d'addition. Cela s'applique également à d'autres outils de sélection, alors gardez cela à l'esprit.

J'ai terminé de changer la couleur des ombres en utilisant judicieusement les zones de sélection et le verrouillage de l'opacité.

Astuces pour travailler le rougissement

Après avoir sélectionné la couleur de la peau, j'ai également travaillé le rougissement sur un calque de multiplication séparé. Si vous excluez le blanc des yeux, c'est plus net, et si vous incluez le blanc des yeux dans l'expression du rougissement, c'est… plus doux et plus onirique. Je préfère la netteté.

Côté où le blanc des yeux est exclu (veuillez ignorer les reflets de cheveux déjà faits).

Côté où le blanc des yeux a également été inclus dans le travail.

Optimisation de la coloration : 3. Flux et astuces pour l'étape de post-édition

Une fois le rougissement et le maquillage terminés, passons à la post-édition.

La post-édition est l'étape finale où l'on ajuste le ton de l'image et l'harmonie avec l'arrière-plan pour finaliser le manuscrit. L'objectif principal de la post-édition est de transformer le manuscrit en une œuvre achevée, et il ne faut pas oublier son rôle de mise en scène pour transmettre les émotions de l'histoire.

Structure et rôle des calques de post-édition

Pour une ambiance quotidienne, j'utilise trois calques d'effet pour la post-édition des personnages : Écran, Lumière douce, et Incrustation.

Et tous les effets sont utilisés en se distinguant uniquement par deux couleurs : une gamme chaude et une gamme froide, sauf cas particuliers. Ces couleurs doivent être définies à l'avance.

Écran : Reflets des cheveux ou des yeux. Parfois utilisé pour exprimer une lumière de remplissage de type 'pin light' dans des scènes importantes.

Lumière douce : Enrichit les couleurs des zones d'ombre.

Incrustation : Augmente la saturation et la luminosité des zones autres que les ombres pour donner du contraste.

Je travaille les reflets des cheveux sur un calque d'écran. Il est bon de les dessiner directement, mais l'utilisation d'un pinceau pour les reflets des cheveux créé en enregistrant la forme souhaitée sur la pointe du pinceau permet d'obtenir une meilleure qualité plus rapidement.

Cependant, si le pinceau de surbrillance ne tient pas compte de la taille, du flux de la texture ou de la forme de la tête, il peut paraître étrange, il faut donc veiller à bien l'adapter au line art.

Le travail des reflets des yeux, du nez et des lèvres est également terminé.

Une fois le travail d'écran terminé, créez une sélection à partir du calque des ombres.

Ensuite, appliquez directement l'effet de Lumière douce uniquement sur la zone des ombres. Selon la théorie des couleurs, les couleurs chaudes avancent, et les couleurs froides reculent. Par conséquent, pour que le visage important soit mis en valeur, la peau et le visage sont en couleurs chaudes, et le corps inférieur est en couleurs froides.

Une fois la Lumière douce terminée, inversez la sélection et appliquez un incrustation sur les zones autres que les ombres. Abuser de l'incrustation et de la lumière douce a tendance à empiéter sur la zone d'ombre, empêchant de maintenir l'obscurité et créant un effet flou. L'utilisation de la sélection de la zone du calque d'ombre permet de donner une impression beaucoup plus claire et nette.

Le bras, qui aurait dû être sombre, est devenu trop clair, j'ai donc ajouté de l'obscurité sur le calque d'ombres. C'est un petit détail qui améliore la qualité.

Correction de l'arrière-plan

L'arrière-plan est souvent sans importance dans la plupart des scènes quotidiennes. Pour la correction de l'arrière-plan, on utilise Multiplier, Écran et Incrustation. Le calque de multiplication donne de la profondeur, et l'écran éclaircit la partie supérieure pour séparer le personnage de l'arrière-plan tout en accentuant le personnage.

Comme l'écran augmente la luminosité et diminue la saturation, une utilisation excessive peut parfois rendre les couleurs ternes.

L'incrustation a pour rôle d'augmenter la saturation des zones ternies par l'écran, donnant une impression plus éclatante.

Mais la plante à l'arrière-plan est trop distrayante... elle attire l'attention.

De toute façon, le personnage est la partie importante de la scène, j'ai donc décidé de flouter l'arrière-plan avec un flou gaussien.

Appliquez Filtre > Flou > Flou gaussien.

Après avoir appliqué le flou, séparons davantage le personnage de l'arrière-plan.

Appliquez de la peinture blanche avec un aérographe sur le calque de correction d'arrière-plan (Écran). J'aime utiliser un pinceau de bruit sur les bords pour le rendre plus net et moins terne.

Normalement, je ne sépare pas autant, c'est une erreur de palette de couleurs. Les couleurs de l'arrière-plan et du personnage sont trop similaires.

En créant des calques d'effets Multiplier et Lumière vive au-dessus du personnage et de l'arrière-plan pour les unifier légèrement, et en ajoutant des particules sur un calque d'addition, on obtient une scène quotidienne douce et rêveuse.

Cependant, je ne travaille pas toujours sur des scènes aussi quotidiennes. Parfois, il faut exprimer des sentiments comme la peur ou la colère...

 

Même avec le même dessin, la post-édition peut créer une mise en scène complètement différente...!!!

Je décrirai également les méthodes de post-édition pour de tels cas si j'ai le temps. Pour l'instant, complétons joliment la scène de base. Merci d'avoir lu ce long article !