Introduction
Hé-hé ! Je suis l'artiste AloneFlaver, et voici mon guide pour le concours Astuces du Mois de Clip Studio Paint ! Cette fois, j'aimerais vous expliquer comment je dessine les muscles dans Clip Studio. Les corps masculins, pour être plus précis. Pour ce guide, j'utiliserai la version iPad du programme. J'ai également préparé une version vidéo du tutoriel qui présente commodément l'ensemble du processus.
Ne perdons pas de temps et plongeons directement dans le vif du sujet !
Commencer avec un modèle 3D
Ma méthode de dessin est pratique pour les personnes ayant peu d'expérience dans la mise en forme des corps. Cette méthode est également unique à Clip Studio Paint car elle utilise plusieurs de ses fonctionnalités spéciales. La première est juste ici. Pour commencer, placez un modèle 3D humanoïde sur votre toile. Vous pouvez utiliser n'importe quel modèle que vous aimez ou celui qui correspond au personnage que vous voulez dessiner. Mais je m'en tiendrai au corps masculin par défaut de Clip Studio pour que ce guide reste valable pour le plus grand nombre de personnes possible. Positionnez-le comme vous le souhaitez.
À l'étape suivante, j'utilise une fonctionnalité exclusive à Clip Studio Paint EX appelée « Extraire les lignes ». Elle transforme en douceur le contenu de votre calque en dessin au trait. Cela fonctionne parfaitement avec les modèles car elle dispose de leurs données volumétriques pour extraire les lignes de la meilleure façon possible.
J'active « Extraire les lignes » dans la fenêtre Propriétés du calque et je l'active pour nettoyer la zone intérieure du corps.
Ensuite, via la même fenêtre, coloriez le corps avec une nuance de gris neutre. Puis pixellisez-le pour plus de commodité (vous pouvez garder une copie du modèle avant de le pixelliser si vous n'êtes pas sûr de son positionnement final).
Si vous n'avez pas la version EX, il existe des solutions de contournement. Par exemple, vous pouvez créer un nouveau calque et, en utilisant la sélection automatique sur le contour du modèle, remplir sa forme sur le nouveau calque. Mais je recommande honnêtement d'utiliser « Extraire les lignes ». Vous pouvez modifier votre modèle et sa position même avec la fonction activée car elle ne pixellise pas votre calque.
Préparation du matériel
Mon style de travail au pinceau
Nos préparatifs avec le modèle sont terminés. Maintenant, nous pouvons commencer à dessiner ! Enfin, presque. Tout d'abord, laissez-moi vous parler des outils que je vais utiliser pour cela.
Ma méthode de dessin s'apparente à la sculpture, comme diraient certains artistes. Nous construirons progressivement la forme du personnage, en allant des coups les plus larges aux plus petits et les plus précis. Cependant, quel que soit votre niveau de compétence actuel, vous devez connaître au moins quelques bases de l'anatomie humaine. Il n'y a pas de code de triche ni de solution facile, vous devez simplement savoir quoi dessiner dans la silhouette que nous avons préparée, en fonction de sa pose, de l'angle de vue et de l'emplacement de la source lumineuse. Laissez les références vous aider.
Les pinceaux que j'utilise
Je n'utiliserai que deux pinceaux pour préparer le corps de notre personnage.
Le premier est l'aérographe doux par défaut que vous pouvez trouver dans votre catalogue. Il a été légèrement modifié, mais vous pouvez le garder tel quel. La seule chose que vous ferez vraiment avec est de modifier sa dureté pour modeler les parties plus douces et plus rugueuses des muscles. Alternez-la constamment entre tous les niveaux pour une apparence plus complexe de votre travail au pinceau.
L'autre pinceau est un pinceau personnalisé. Je l'ai téléchargé sur Clip Studio ASSETS, vous pouvez donc facilement le télécharger. C'est un pinceau semi-doux avec des traits plus clairs. Je l'utilise pour les transitions d'ombre plus rugueuses et les plus petits détails.
Le seul autre paramètre que je mentionnerais pour les pinceaux est le mélange de couleurs perceptuel. C'est facultatif, mais je recommande fortement de l'activer pour la plupart de vos pinceaux pour un meilleur mélange de nuances plus naturel. Cela sera utile pour les étapes ultérieures lorsque nous commencerons à travailler avec la couleur.
Ne vous inquiétez pas, le mélange de couleurs n'affectera pas l'apparence de ces pinceaux si vous augmentez le curseur « Quantité de peinture » au maximum.
Dessinons !
Ne vous précipitez pas — marquez d'abord les formes principales
C'est exact, j'ai dit que la couleur viendrait plus tard. Nous travaillerons avec la gamme de gris au début. Je préfère commencer par cela, car travailler en monochrome permet une meilleure perception du volume et du clair-obscur.
Créez un nouveau calque au-dessus de la silhouette du corps et activez « Masque d'écrêtage » (Clip to layer below) afin que le contenu du nouveau calque ne s'affiche que dans la silhouette.
Maintenant, en utilisant l'aérographe doux et le deuxième pinceau, commencez à construire dessus ! Je commence généralement par ajouter les ombres de contour. Elles m'aident à comprendre le volume du corps.
Ensuite, je répartis des coups doux de base, indiquant les muscles principaux comme le grand pectoral (les muscles de la poitrine), les abdominaux, etc.
Étape par étape — réduisez progressivement les traits
Sur cela, je leur donne des bords plus distincts avec une nuance de gris plus foncée. Vous pouvez utiliser l'un ou l'autre des pinceaux, mais si vous utilisez l'aérographe doux, n'oubliez pas de le passer en mode plus dur.
Alternez entre les nuances plus claires et plus foncées pour correspondre à la position de votre source lumineuse et modelez progressivement les muscles. Vous êtes libre d'utiliser toutes les références anatomiques pour ne rien oublier. Le corps humain est une chose complexe, n'hésitez donc pas à faire des recherches et à regarder des images pour comprendre son fonctionnement et ce qui doit être représenté et où !
Et ne vous inquiétez pas si vous remarquez soudainement que l'anatomie que vous avez modelée est déformée. Vous pouvez toujours la corriger en utilisant les outils « Liquéfier » ou « Transformation de maillage ».
Ombre, lumière et équilibre
Le contraste est délicat. Ne faites pas trop ressortir vos muscles les uns des autres avec des bords sombres stricts. Rappelez-vous que nos corps ne sont pas constitués de blocs ou de cubes. Nous sommes plutôt doux de toutes sortes de manières, même en bonne forme physique. Nos muscles sont enveloppés dans une peau qui dilue encore plus les bords entre eux et les articulations. Assurez-vous donc d'interconnecter un peu des choses comme les abdominaux, ou les épaules avec les biceps, etc.
Bien sûr, un contraste élevé est nécessaire à certains endroits, mais utilisez-le dans un sens plus global, couvrant des zones entières plutôt que les bords de muscles distincts. Par exemple, le dentelé antérieur (muscles latéraux du torse) se situe sur un axe de volume différent de celui des abdominaux de la poitrine. Ils seront donc sur un plan différent pour la lumière.
C'est pourquoi, pour souligner la profondeur et le volume du corps, vous devriez les séparer en termes d'éclairage de la partie avant du corps.
Résumé du processus de travail au pinceau
Globalement, l'ensemble du processus est le suivant :
– Utilisez un modèle pour vous aider à créer la base
– Mélangez des traits doux avec des traits plus distincts, des grands avec des petits
– Soulignez le volume et la profondeur en alternant constamment entre plusieurs nuances de gris
– Utilisez des références, qu'elles soient biologiques ou artistiques
Si vous souhaitez voir plus en détail le processus non coupé de la façon dont j'ai dessiné le corps, veuillez envisager de regarder la version vidéo de mon guide jointe au début de l'article.
Coloration et édition
Correction des ombrages
Avant de donner à votre personnage une coloration appropriée, nous devons corriger l'équilibre de ses nuances. Il est assez difficile de créer une image en niveaux de gris parfaitement équilibrée avec des traits manuels. Allons donc dans Édition → Correction Tonale, et jouons avec les outils « Luminosité/Contraste », « Correction de Niveaux » et « Courbe de Teinte » pour atteindre l'effet désiré.
Il n'y a pas de valeurs strictes que je pourrais recommander, tout dépend des nuances que vous avez utilisées, de la façon dont vous les avez équilibrées et de l'effet que vous recherchez. Voici les paramètres que j'ai appliqués à ma pièce :
Après cela, je fusionne le calque avec les traits avec celui de la silhouette pour continuer.
Ajout de couleurs
Et maintenant, nous allons enfin colorer le personnage. Il existe de nombreuses façons de le faire, mais je m'en tiens généralement aux merveilleuses cartes de dégradé ! Le processus est simple. Je duplique le calque nouvellement fusionné avec le corps et je change la préférence du calque de la copie en « Couleur ».
Ensuite, avec ce calque sélectionné, je vais dans Édition → Correction Tonale → Carte de dégradé. À partir de là, vous pouvez utiliser toutes les cartes de dégradé que vous avez créées ou obtenues via les Assets.
Voici le jeu de nuances de peau de Kureihii que j'aime beaucoup utiliser :
J'applique la carte que je juge la meilleure pour l'illustration actuelle et je diminue l'opacité du calque à un degré qui rend la peau du personnage plus attrayante.
Vous pouvez également utiliser « Correspondance des couleurs » au lieu de « Carte de dégradé » dans le même menu. Cela aura un effet légèrement différent qui pourrait mieux répondre à vos besoins, et cela prend également en charge les ensembles de cartes de dégradé.
Mais la peau semblait un peu fade, alors j'ai dupliqué le calque « Couleur », j'ai changé sa préférence de calque en « Incrustation » et j'ai augmenté sa saturation pour créer une démarcation plus frappante entre les parties plus claires et plus foncées du corps (la zone également appelée Le terminateur). J'ai ensuite baissé son opacité encore plus pour ne pas sursaturer l'image.
Vous pouvez jouer avec diverses combinaisons de ces calques de correction. Vous pouvez combiner plusieurs cartes de dégradé avec plusieurs préférences de calque pour obtenir des résultats incroyables. Il en va de même pour la correction des niveaux et du contraste. Trouvez votre équilibre parfait de toutes ces choses !
La magie des petits détails
Nous y sommes presque ! Le corps est terminé et a été coloré. Mais pour le rendre plus « vivant », j'applique généralement plusieurs petites techniques supplémentaires. Laissez-moi vous parler de chacune d'elles.
Souligner la complexité de l'anatomie
Pour rendre le corps plus réaliste et complexe, vous pouvez utiliser de petits détails comme des veines ou des cicatrices. Les dessiner est facile. Choisissez simplement l'une de vos nuances plus claires et, avec un pinceau de petite taille, placez plusieurs « flux » de veines sur le corps. Vous pouvez les accentuer en ajoutant quelques traits plus foncés sur leurs côtés pour montrer leur volume.
La texture rend la peau plus naturelle
J'aime appliquer une texture de bruit spécifiquement à la peau de mes personnages. Vous êtes libre d'utiliser n'importe quel motif de bruit que vous pouvez trouver sur les Assets ou en ligne, mais je crée généralement les miens. C'est assez facile ! Créez simplement un nouveau calque et réglez-le sur « Lumière douce » (cette préférence ne permettra pas au bruit d'altérer de manière substantielle la luminosité et la saturation de nos couleurs, bien que vous puissiez également essayer la préférence « Incrustation »).
Maintenant, allez dans Filtre → Rendu → Bruit de Perlin.
À partir de là, vous devez ajuster les quatre premiers curseurs et vérifier quelle combinaison vous convient le mieux. Je n'ai pas de réglage spécifique car tout dépend des conditions. Mais je dirais que régler l'« Échelle » vers le bas, et l'« Amplitude » et l'« Atténuation » à presque le maximum est généralement un bon point de départ. Ensuite, appliquez-le et réduisez l'opacité de votre calque à un degré confortable.
Le réflexe et sa physique sont essentiels
Apprenez à utiliser le réflexe. Le réflexe est un effet physique où la lumière frappe un objet, rebondit dessus puis frappe un autre objet, l'éclairant légèrement avec la nuance du premier. Il peut sembler que nos corps ne sont pas si réfléchissants au point de CAUSER un réflexe et non seulement l'ACCEPTER, mais ce n'est pas le cas. Voyez comment je fais en sorte que ma main reflète la lumière de la fenêtre sur mon autre main, et comment la lumière est légèrement orangée à cause de la nuance de peau de la première main qu'elle a frappée.
Donc, si les parties du corps sont placées de manière à pouvoir refléter la lumière les unes sur les autres, vous devriez absolument le montrer ! Choisissez simplement une nuance légèrement plus claire que l'ombre et ajoutez le réflexe. Voici quelques exemples où je l'ai utilisé :
Les ombres créent du volume
Vous pouvez également améliorer la perception du volume de votre personnage en y ajoutant une autre ombre simple. Créez simplement un calque en mode « Produit » (assurez-vous qu'il est sous la texture de bruit et que « Masque d'écrêtage » est activé) et appliquez-y un dégradé d'une nuance neutre, allant du bord inférieur de la toile jusqu'à son point central environ.
Les résultats
Et c'est tout ! Je peux modifier certaines des étapes mentionnées en fonction de ce que je dessine et de la manière dont je le dessine (par exemple, je peux utiliser différentes cartes de dégradé ou des nombres différents dans les curseurs), mais les étapes et les principes principaux sont toujours les mêmes.
Et pour montrer comment ce corps que j'ai réalisé pourrait être utilisé dans une œuvre d'art, j'y ai ajouté quelques éléments scéniques pour imiter les conditions d'une œuvre d'art à part entière. C'est simple mais suffisamment efficace pour ce tutoriel.
Et voici quelques autres exemples et travaux en cours de la façon dont j'ai utilisé la même technique dans mes œuvres personnelles avec mes personnages originaux.
J'espère que ce guide vous a été instructif et utile, et qu'il vous aidera à dessiner les muscles les plus cools dans vos œuvres. Merci de votre temps ! ^-^
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