Introduction

Animer les expressions faciales d'un personnage peut sembler difficile au début, mais cela devient beaucoup plus facile une fois que vous maîtrisez les bases. La clé est d'apprendre à illustrer les émotions fondamentales comme la joie, la tristesse et la colère. Une fois que vous comprenez ces expressions fondamentales, donner vie au visage de votre personnage devient beaucoup plus fluide—et bien plus amusant.

Dans ce tutoriel, je vais vous montrer comment animer une variété d'expressions faciales et partager quelques astuces pour rendre vos animations plus crédibles et naturelles.

Dessiner des expressions faciales de base

Mais avant de vous lancer dans l'animation, il est important de vous concentrer d'abord sur l'illustration des émotions de votre personnage. Commencez par créer votre personnage et par pratiquer différentes expressions faciales. Cela vous aidera à vous familiariser avec ses traits et sa personnalité, ce qui facilitera grandement le dessin de réactions expressives, crédibles et cohérentes par la suite.

Dites bonjour au personnage que j'utiliserai pour la session d'aujourd'hui ! Je vais l'animer avec toutes sortes d'expressions faciales—mais avant de passer aux choses amusantes, apprenons à le dessiner faisant différentes grimaces :⁠-⁠)

Actuellement, l'expression de mon personnage est neutre—ou détendue. Ce type d'expression est généralement le point de départ de toute animation. Dessiner un visage neutre est super simple ! Vous pouvez représenter la bouche avec juste une ligne horizontale droite, comme cet emoji : '😐', et garder les yeux et les sourcils dans leur position naturelle et reposée.

Lorsque vous dessinez des expressions de personnage, les traits du visage changent beaucoup en fonction de l'émotion. Pour vraiment faire passer l'expression, voici les éléments clés sur lesquels vous devriez vous concentrer :

 

1. Les yeux 👁️👁️

La forme des yeux change avec chaque émotion !

 

Grands ouverts pour la surprise\/le choc

Plissés pour la colère ou la suspicion

Mi-clos pour l'ennui ou la fatigue

 

2. Les sourcils 🪄

La forme et la position des sourcils en disent long.

 

Levés et arqués = surpris

Froncés et inclinés vers le bas = en colère ou concentré

Inclinés vers le haut au milieu = triste ou inquiet

 

3. La bouche 👄

Les bouches sont super expressives—même avec des lignes simples !

 

Une courbe vers le haut = heureux

Une courbe vers le bas = triste

En zigzag ou irrégulière = confus ou nerveux

Une ligne droite = neutre ou impassible

 

4. Forme générale de la tête et détails supplémentaires 🧠

Parfois, toute la forme de la tête change avec l'émotion !

 

(Ajoutez des rides ou des plis sur le front, les joues ou autour de la bouche pour l'accentuation)

Une mâchoire tendue ou des joues gonflées peuvent également accentuer l'expression.

Astuce : Essayez de mimer l'expression devant un miroir—cela vous aide vraiment à repérer les détails subtils que vous pouvez ajouter à votre dessin !

Ce tutoriel couvrira les cinq expressions faciales de base :

Neutre

Joyeux

Triste

En colère

Surpris\/Choqué

 

Plongeons et explorons comment chacune d'elles donne vie aux personnages !

Heureux 😊

Le bonheur peut être exprimé de nombreuses façons—par un sourire, un rire, ou même un petit gloussement.

Pour dessiner un visage heureux, voici les principales caractéristiques faciales sur lesquelles se concentrer :

Sourire

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1. Yeux – Points ou courbes ; la forme montre l'émotion (ex. : courbés vers le haut = heureux).

2. Bouche – Courbe vers le haut pour le sourire ; large ou inclinée change l'ambiance.

3. Sourcils – Facultatifs mais puissants ; la forme modifie l'expression.

4. Joues\/rougissement (facultatif) – Ajoute de la chaleur ou de la mignonnerie.

Rire

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1. Yeux fermés ou plissés – Souvent courbés comme des U inversés.

2. Bouche grande ouverte – Grande courbe ou forme ovale, montrant parfois les dents.

3. Joues relevées – Rend les yeux plus plissés.

4. Suppléments facultatifs – Goutte de sueur, lignes de mouvement, ou tête inclinée pour l'emphase.

5. Rides\/plis faciaux – ajoutez des rides au bord de la bouche pour accentuer le sourire.

Note

Vous pouvez créer une expression hybride en mélangeant les détails faciaux clés de deux émotions différentes. Cette technique est cruciale pour faire transparaître la personnalité et les intentions de votre personnage à travers son expression naturelle. Par exemple, un sourire normal peut facilement devenir un sourire malicieux avec juste quelques changements subtils.

Colère 😠

La colère peut aller d'un léger regard furieux à une expression de rage totale. Vous pouvez même mélanger la colère avec la tristesse pour créer un look plus complexe et émotionnel sur votre personnage. Voici les principales caractéristiques à garder à l'esprit lors du dessin d'une expression de colère :

Regard furieux

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1. Sourcils anguleux – Inclinés vers le centre (froncés).

2. Yeux plissés ou perçants – Peuvent être acérés ou plissés.

3. Bouche froncée – Incurvée vers le bas.

4. Rides ou lignes – Sur le front ou entre les sourcils pour montrer la tension.

Rage

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1. Sourcils fortement froncés – Angle profond, souvent avec des rides.

2. Yeux grands ouverts et intenses – Parfois injectés de sang ou perçants.

3. Bouche ouverte avec dents découvertes – Aspect de cri ou d'hurlement.

4. Muscles faciaux tendus – Surtout autour de la mâchoire et du front.

5. Veines ou lignes de stress (facultatif) – Pour une intensité supplémentaire.

Vous pouvez toujours ajuster l'intensité d'une émotion pour rendre les expressions de votre personnage plus dynamiques et percutantes.

Triste 😔

La tristesse peut être manifestée de nombreuses façons—d'un léger froncement de sourcils à un deuil profond ou à des pleurs intenses. Voici les principales caractéristiques sur lesquelles se concentrer lors du dessin d'une expression triste :

Froncement de sourcils

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1. Sourcils intérieurs relevés – Crée un regard affligé.

2. Yeux tombants – À moitié fermés ou larmoyants.

3. Bouche froncée ou tremblante – Souvent incurvée vers le bas.

4. Traces de larmes ou yeux larmoyants – Facultatif mais émotionnel.

5. Tête baissée ou visage incliné – Ajoute à l'ambiance de défaite.

Pleurs\/sanglots

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1. Yeux remplis de larmes ou larmoyants – Le signe le plus évident des pleurs.

2. Sourcils arqués vers le haut au milieu – Montre la douleur émotionnelle.

3. Bouche tremblante ou ouverte – Souvent courbée vers le bas ou tremblante.

4. Yeux ou joues rougies – Ajoute du réalisme et du poids émotionnel.

5. Rides près des yeux et du nez – Dues au fait de contracter le visage en sanglotant.

Surprise 😲

La surprise peut être exprimée de nombreuses façons—d'un simple halètement à la terreur la plus totale. Voici sur quoi se concentrer lors de l'illustration d'une expression de surprise :

Surprise\/choc

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1. Yeux grands ouverts – Souvent avec les paupières supérieures relevées.

2. Sourcils levés – Fortement arqués pour montrer l'alarme.

3. Bouche ouverte – Généralement ronde ou légèrement entrouverte.

4. Expression tendue ou figée – Mouvement minimal, comme une pause soudaine.

5. Détails pâles ou de sueur – Facultatif, pour un effet dramatique accru.

Terrifié

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1. Yeux grands, tremblants – Les pupilles peuvent se rétrécir ; les yeux peuvent montrer du blanc.

2. Sourcils levés et froncés – Crée un air paniqué.

3. Bouche ouverte – Souvent étirée en un cri ou un halètement.

4. Muscles faciaux tendus – Surtout autour de la bouche et de la mâchoire.

5. Gouttes de sueur, peau pâle ou lignes tremblantes – Ajoute intensité et peur.

Fatigué (supplémentaire)

Note

Maîtriser le dessin d'expressions se résume à une chose : la pratique. Plus vous pratiquez, plus cela devient facile — jusqu'à ce que la mise en forme et le mélange des expressions deviennent une seconde nature. Dépassez-vous, stylisez vos personnages, créez des expressions hybrides, et surtout, ne cessez jamais de pratiquer !

 

 

Animer les expressions

Maintenant que nous avons appris à dessiner des expressions faciales, il est temps de leur donner vie par l'animation. Dans ce tutoriel, je vais vous guider à travers différentes animations d'expressions faciales que vous pouvez pratiquer—et vous montrer exactement comment aborder chacune d'elles.

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Préparation et flux de travail.

J'utilise Clip Studio sur Android pour tout ce qui est couvert dans ce tutoriel, mais vous pouvez toujours suivre en utilisant d'autres logiciels ou matériels. Ce guide se concentre sur les techniques d'animation, et non sur des outils spécifiques—donc les principes s'appliquent partout. Pour configurer votre toile d'animation dans Clip Studio Paint, appuyez sur l'icône 'Dessin' et allez dans 'Paramètres avancés'.

Après avoir appuyé sur l'icône 'Paramètres avancés', vous pourrez sélectionner 'Animation'. À partir de là, ajustez les paramètres de la toile à votre convenance. Pour ce tutoriel, voici les paramètres que j'utilise :

 

 

Dans les paramètres d'animation affichés (spécifiquement le panneau le plus à droite), voici ce que contrôlent les réglages de Temps de lecture et de Fréquence d'images :

 

Fréquence d'images (fps) :

 

Défini à 24 – Cela signifie que l'animation jouera 24 images par seconde, ce qui est la norme pour l'animation traditionnelle et le cinéma.

Un taux d'images plus élevé (par exemple, 30 ou 60) se traduit par un mouvement plus fluide, tandis qu'un taux plus bas (par exemple, 12) peut sembler plus saccadé ou stylisé.

 

Temps de lecture :

 

Défini à 48 – Cela détermine le nombre d'images que votre animation exécutera.

Avec un taux d'images de 24 fps et un temps de lecture de 48 images, la durée totale de votre animation sera de 2 secondes.

Après avoir créé votre toile, assurez-vous d'activer le timelapse et d'ajouter l'icône du timelapse au menu de la barre des tâches.

Lorsque vous créez une toile dans Clip Studio Paint, un dossier d'animation est automatiquement généré. Cependant, si vous souhaitez en créer un nouveau manuellement, allez dans Menu > Animation > Nouveau calque d'animation > Dossier d'animation. Ce dossier contiendra les calques—ou cellulos—que vous placerez dans votre timeline pour donner vie à votre animation.

Pour utiliser la fonction timelapse, appuyez sur l'icône Timelapse. Vous pourrez visualiser toutes vos images. Pour insérer un calque, appuyez et maintenez sur une image dans la timeline. Un menu contextuel apparaîtra, vous donnant les options d'Ajouter un nouveau cellulo, Supprimer un cellulo, ou Créer un nouveau cellulo.

Un autre réglage important à vérifier avant de commencer l'animation est le calque pelure d'oignon. Cette fonction vous permet de voir les dessins précédents et suivants, facilitant ainsi la cohérence. Elle est particulièrement utile lorsque vous travaillez sur des images intermédiaires, car elle vous aide à suivre le mouvement et le flux de votre animation.

 

Pour activer le calque pelure d'oignon, allez dans menu > animation > Afficher la cellule d'animation > activer calque pelure d'oignon.

Pour plus d'informations sur les fonctionnalités d'animation de base dans Clip Studio Paint, consultez le tutoriel officiel.

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Animation des yeux

Lorsqu'il s'agit d'animer des expressions faciales, la maîtrise de l'animation oculaire de base est cruciale pour créer des personnages crédibles et expressifs. Les yeux et les sourcils, ainsi que la bouche, jouent les rôles les plus importants dans la transmission de l'émotion. C'est pourquoi comprendre des mouvements oculaires simples comme le clignement, le regard autour ou le roulement des yeux peut améliorer considérablement la qualité et le réalisme de votre animation faciale globale.

Animer un simple clignement d'œil

Pour animer un simple clignement d'œil, seulement 4 images suffisent pour créer un effet fluide et attrayant. J'utilise une fréquence d'images de 24fps car cela me donne plus de flexibilité avec le timing—il y a plus d'images avec lesquelles jouer, ce qui permet un meilleur contrôle. La clé d'une bonne animation de clignement est un timing parfait—ni trop rapide, ni trop lent. Réussissez cela, et même un clignement rapide peut ajouter beaucoup de vie à votre personnage.

Dessiner les images

La première étape de la création d'une animation consiste à appliquer les principes de base en dessinant les positions initiale et finale d'un mouvement. Ces deux dessins suffisent à donner au spectateur une idée claire de ce qui se passe. On les appelle des images clés.

 

Pour commencer :

 

1. Ouvrez votre dossier d'animation et créez un nouveau calque.

2. Sur ce calque, dessinez les yeux ouverts.

3. Créez un autre calque dans le même dossier et dessinez les yeux fermés.

4. Déplacez le deuxième calque au point approprié sur la timeline pour montrer quand les yeux doivent se fermer.

5. Lancez l'animation pour vérifier si le timing semble naturel et ajustez si nécessaire.

Décomposition

Après avoir illustré les images clés, créez un nouveau calque pour dessiner l'image intermédiaire, qui est un dessin de transition entre les yeux ouverts et fermés. Utilisez la fonction pelure d'oignon pour guider votre dessin en affichant une image fantôme des images clés. Visualisez les yeux comme partiellement fermés et esquissez cet état.

 

Ensuite, faites glisser ce calque intermédiaire à une position sur la timeline entre vos deux images clés. Vous pouvez ajouter plusieurs dessins intermédiaires pour lisser le mouvement. Cependant, dans ce tutoriel, nous n'utiliserons que deux images intermédiaires, car le clignement est une action rapide—trop rapide pour que l'œil humain puisse capter chaque image.

 

Ces images intermédiaires sont appelées images de décomposition. Elles contribuent à rendre l'animation plus fluide et plus crédible en comblant le fossé entre les mouvements majeurs.

Pour créer une animation plus réaliste et organique, les animateurs utilisent souvent une technique appelée l'image de dépassement. Une image de dépassement est essentiellement une version exagérée de l'image clé finale, et elle est placée juste avant l'image clé finale dans la timeline.

 

Cette technique aide à transmettre l'intensité et la force derrière un mouvement. Plus la force ou l'émotion est grande, plus le dépassement est prononcé.

 

Pour une animation de clignement, vous pouvez ajouter une image de dépassement en dessinant les yeux dans une position plissée et fermée, plus intense qu'un clignement régulier, et en la plaçant juste avant l'image clé finale des yeux fermés. Ce petit détail peut communiquer beaucoup sur l'émotion derrière le clignement, qu'il s'agisse d'un doux clignement de fatigue ou d'un clignement énergique de frustration ou de surprise.

Voici le résultat de l'animation de clignement d'œil simple ébauchée.

Timing de l'animation

Le timing est l'un des éléments les plus cruciaux—et complexes—de l'animation. La plupart des clignements se produisent en moins d'une seconde, donc, lorsque l'on travaille à 24 images par seconde (fps), un clignement ne doit généralement pas dépasser la 24ème image.

Bien gérer le timing ne concerne pas seulement le réalisme—c'est aussi un excellent moyen d'exprimer des émotions. Un clignement rapide et vif pourrait montrer un choc ou une irritation, tandis qu'un clignement lent pourrait suggérer la fatigue ou le calme.

 

La timeline est votre principal outil pour contrôler le timing. Vous pouvez déplacer chaque calque le long de la timeline pour ajuster précisément quand les choses se produisent. Maîtriser la timeline vous permet également de créer des boucles fluides, ce qui est essentiel pour des animations sans accroc.

Lorsque vous travaillez sur le timing, assurez-vous toujours de comprendre le mouvement que vous essayez de réaliser, et n'oubliez pas de prévisualiser fréquemment votre animation pour affiner la sensation et le flux.

Animation du roulement des yeux

Une autre animation oculaire digne d'intérêt est le simple roulement des yeux. Il est couramment utilisé dans une variété d'expressions—telles que la réflexion, l'agacement ou le mépris. Bien qu'il puisse sembler subtil, il joue un rôle puissant dans la transmission de l'émotion et de l'attitude.

 

Le point clé est : le roulement des yeux est un détail essentiel lors de l'animation d'une expression faciale complète, ajoutant de la profondeur et du réalisme à la performance de votre personnage.

Dessin de l'image

Commencez par dessiner les yeux dans leur position naturelle, regardant vers l'avant. C'est votre première image clé.

Dessinez les yeux dans leur position roulée—généralement regardant vers le haut, mais vous pouvez les rouler latéralement ou en diagonale selon l'émotion (ex: mépris = roulement des yeux sur le côté). Dans ce tutoriel, je dessine les yeux roulés vers le haut, à gauche et à droite, dans des images distinctes, ces deux dessins servant de ma deuxième et troisième images clés.

Astuce :

Assurez-vous que les pupilles restent à l'intérieur de l'orbite oculaire pour plus de crédibilité.

Activez le mode pelure d'oignon pour voir un fantôme des deux images clés. Cela vous aide à maintenir des transitions fluides entre les images.

Dessinez 2 à 4 images intermédiaires où les pupilles se déplacent progressivement de la position de départ à la position finale.

Si vous visez un roulement d'yeux lent et dramatique, ajoutez plus d'images intermédiaires.

S'il s'agit d'un roulement rapide et sarcastique, 1 à 2 images suffiront.

Vous pouvez également déplacer légèrement les paupières ou les sourcils pour exagérer la sensation (par exemple, des sourcils levés pour la réflexion, des sourcils abaissés pour le mépris).

Dans mon cas, j'ai créé 2 à 3 décompositions entre mes images clés.

Astuce

Lorsque vous animez un roulement d'yeux, n'oubliez pas que le globe oculaire est une sphère. Utilisez l'outil Transformation libre ou Transformation de maillage pour ajuster son mouvement et maintenir une perspective réaliste.

Faites glisser chaque image à sa place sur votre timeline pour espacer le mouvement uniformément. Jouez avec le timing pour correspondre à l'émotion.

Lisez votre animation à plusieurs reprises. Ajustez le timing ou le dessin si quelque chose ne va pas. Un bon roulement d'yeux doit sembler naturel, sans effort et expressif.

Voici le résultat final de mon animation. N'hésitez pas à essayer cette pratique vous-même—vous pourriez même créer quelque chose d'encore mieux !

Animation simple des expressions faciales

Maintenant que nous avons abordé les bases des expressions humaines et les techniques d'animation simples, il est temps d'aller plus loin avec des expressions faciales complètes. Dans ce tutoriel, nous nous concentrerons sur quatre expressions clés : le sourire, le rire, la colère et le choc.

 

Je vais vous guider à travers ma façon d'aborder chacune d'elles, en détaillant les principes qui les sous-tendent. En comprenant ces techniques, vous serez équipé pour créer vos propres animations faciales plus complexes et expressives.

Animer un sourire

Nous utiliserons les mêmes principes d'animation de base que précédemment. Commencez par dessiner l'expression neutre comme votre première image clé, puis dessinez le visage souriant comme votre deuxième image clé. Portez une attention particulière aux changements de traits du visage qui se produisent lors du sourire—ceux-ci ont été abordés dans la première partie du tutoriel.

Maintenant, commencez à créer les dessins de décomposition. Comme un simple sourire se produit rapidement, une seule image de décomposition suffit pour l'intermédiaire. Lorsque vous le dessinez, relevez progressivement les joues et les lèvres, et positionnez les yeux entre un regard neutre et plissé. Assurez-vous que la pelure d'oignon est activée pour aider à assurer une transition fluide.

Astuce

Lorsque vous dessinez un visage souriant, veillez à relever la mâchoire du personnage—cela ajoute de l'intensité au sourire et rend l'animation plus naturelle et expressive.

Donnez un aspect plus naturel à votre animation en ajoutant une image de dépassement avant l'image finale.

Animation finale;

Animer un rire expressif

Comme toujours, commencez par les deux images clés : l'expression neutre et la pose de rire complète. Portez attention aux changements de caractéristiques clés—comme les yeux plissés, la bouche ouverte et les joues relevées.

Créez la décomposition de l'animation en utilisant la pelure d'oignon comme guide. Dessinez les images intermédiaires et positionnez-les avec précision sur la timeline pour une transition fluide.

 

 

Quand un personnage rit, il y a généralement un léger rebond ou un hochement de tête. Pour ajouter cet effet, dupliquez la dernière image et utilisez l'outil de transformation pour déplacer légèrement la tête vers le haut ou vers le bas. Ensuite, utilisez l'outil Lasso pour sélectionner le corps et augmenter subtilement sa taille avec l'outil de transformation—cela crée une sensation de déformation et d'étirement. Alternez l'image éditée avec l'image finale originale à intervalles réguliers sur la timeline. Répétez cette séquence jusqu'à la fin du rire. Enfin, lisez votre animation pour vérifier le timing et apporter les ajustements nécessaires.

 

 

Animation finale :

Animer une expression de colère

Commencez par dessiner les images clés : l'expression neutre et celle de colère. Lors de la création de la deuxième image clé, concentrez-vous sur des détails clés tels que les sourcils froncés, les dents serrées et les yeux plissés. Placez vos images clés aux bons endroits sur la timeline—utilisez l'essai-erreur et prévisualisez l'animation pour trouver le timing parfait.

Utilisez des dessins de décomposition pour fluidifier la transition. Pour cet exemple, j'ai créé deux intermédiaires pour améliorer le flux. J'ai transformé la deuxième décomposition en une image de dépassement et l'ai alternée avec l'image finale le long de la timeline. Cela crée un léger tressaillement des sourcils et un tressaillement continu de la bouche, ajoutant une intensité supplémentaire à l'émotion.

Animation finale

C'est incroyable comme on peut utiliser quelques dessins pour donner vie à un personnage, n'est-ce pas ?

Animer le choc

Pour l'animation de choc, j'ai créé quatre images clés, ajoutant un clignement pour accentuer l'expression surprise. J'ai commencé par dessiner le visage neutre comme première image clé, suivi de l'expression surprise comme deuxième. Les troisième et quatrième images clés montrent le visage surpris avec les yeux fermés puis rouverts. Après avoir terminé les images clés, je les ai placées sur la timeline à des intervalles soigneusement choisis pour obtenir le timing parfait.

 

 

Astuce

Lorsque vous dessinez l'expression choquée, assurez-vous d'abaisser la mâchoire de votre personnage, cela accentuera le choc et rendra l'animation globale plus naturelle.

Une fois les images clés terminées, il est temps de passer aux dessins intermédiaires. J'ai commencé par créer une décomposition pour l'animation de choc, en élargissant la bouche, en levant les sourcils et en ouvrant les yeux. Comme la plupart des changements d'expression se produisent rapidement, il n'est généralement pas nécessaire d'avoir trop de décompositions. Pour ce tutoriel, j'ai créé une seule décomposition entre l'image clé neutre et l'expression choquée.

Animer le clignement est simple—il suffit de suivre le même processus que nous avons abordé précédemment dans le tutoriel. Pour l'animation de clignement, l'accent principal lors du dessin des décompositions est mis sur les yeux. Chronométrez soigneusement vos décompositions pour créer le mouvement le plus naturel et le plus crédible possible.

Animation finale

Rendu de votre animation.

Il existe plusieurs façons de peindre et de rendre votre animation. Personnellement, je préfère la technique souvent utilisée par les animateurs d'anime, qui implique l'utilisation de lignes de séparation de couleurs pour définir les zones de lumière et d'ombre. Ces lignes aident à séparer clairement les lumières, les demi-teintes et les ombres, rendant le personnage net, expressif et facile à animer.

 

 

Avant de rendre votre animation, pensez à l'environnement où se déroule la scène—cela vous aidera à imaginer comment l'éclairage devrait affecter votre personnage. C'est une bonne idée d'illustrer votre arrière-plan tôt, afin de pouvoir l'ajouter facilement à la toile après l'animation. Pour cette animation, j'ai créé un arrière-plan simple à l'avance, ce qui m'a donné une idée claire de la façon dont l'éclairage fonctionnerait.

Ligne de séparation des couleurs

En animation—surtout dans l'anime—les lignes de séparation de couleurs sont utilisées pour diviser les zones de lumière et d'ombre avec des bords nets au lieu d'un mélange doux.

Les animateurs appliquent une couleur de base, puis ajoutent des ombres et des lumières en utilisant des formes nettes et à bords durs. Cette technique rend les personnages audacieux, maintient la clarté du mouvement et accélère la production.

 

Elle est principalement utilisée car elle est plus rapide, les zones de couleur plates étant plus rapides à peindre que les dégradés détaillés, et elle est plus facile à maintenir sur de nombreuses images et par de nombreux artistes.

 

Étapes typiques :

1. Dessiner un lineart propre.

2. Remplir les couleurs de base.

3. Ajouter des ombres et des lumières aux bords nets en fonction de l'éclairage.

4. Vérifier la cohérence entre les images.

Pour commencer ce processus, assurez-vous que votre lineart est propre—à moins que vous ne créiez intentionnellement une animation stylisée.

Pour les utilisateurs de Clip Studio Paint : transformez vos calques en dossiers en appuyant et maintenant les calques, puis en sélectionnant 'Créer dossier et insérer un calque'. Faites cela pour tous les calques impliqués dans l'animation.

La raison en est simple : dans Clip Studio, chaque dossier agit comme une seule image sur la timeline. De cette façon, vous pouvez ajouter de nouveaux calques à l'intérieur du dossier (comme vos lignes de séparation de couleurs) sans créer une nouvelle image, gardant votre animation organisée et efficace.

 

 

Créez un nouveau calque sous tous vos dossiers et nommez-le 'Ligne de séparation des couleurs'.

Utilisez le G-Pen par défaut de Clip Studio (ou tout autre stylo à bords durs) pour dessiner vos lignes de séparation.

Lorsque vous dessinez, utilisez le bleu pour délimiter les zones d'ombre et le jaune ou le rouge pour marquer les zones de lumière.

Répétez ce processus pour chaque image, puis lisez votre animation pour vous assurer que les lignes s'écoulent en douceur d'une image à l'autre.

Créez un autre calque sous le calque 'Ligne de séparation des couleurs' et utilisez-le pour remplir les zones délimitées.

Les sections remplies serviront de vos ombres et lumières.

Une fois que vous avez rempli toutes les images, lisez l'animation pour vous assurer que les transitions sont fluides et que tout s'aligne correctement.

Couleurs de base

Une fois la séparation des couleurs terminée, il est temps d'ajouter les couleurs de base.

Créez un nouveau calque sous le calque de Line Art et le calque de Ligne de séparation des couleurs.

Remplissez les couleurs de base, puis coupez le calque de séparation des couleurs sur le calque de couleur de base.

Cela appliquera proprement vos ombres et lumières sur la base, vous donnant un aspect net et professionnel.

 

 

Vous pouvez modifier la couleur de votre calque de séparation des couleurs en activant 'Verrouiller les pixels transparents'. Dans Clip Studio Paint, vous trouverez cette option en haut de la palette des calques—c'est l'icône qui ressemble à un petit damier.

Cela vous permet de peindre sur les lignes existantes sans déborder.

Une fois que vous êtes satisfait du rendu final, ajoutez votre arrière-plan et prévisualisez votre animation complète.

Animation complète;

Exporter votre animation

Allez dans Fichier > Exporter l'animation > Film (pour la vidéo) ou Fichier > Exporter l'animation > GIF animé (pour un GIF).

Définissez vos paramètres d'exportation, comme la résolution, la fréquence d'images et le format de fichier. Choisissez où enregistrer votre fichier et cliquez sur OK. Clip Studio rendra vos images en une animation finale prête à être partagée !

Astuce :

Si vous voulez une animation plus fluide, exportez-la en vidéo .mp4. Pour les boucles plus simples (comme pour les réseaux sociaux), le GIF fonctionne très bien !

Final

Et c'est tout pour ce tutoriel !

Nous avons couvert l'ensemble du processus—de l'animation brute au line art propre, en passant par la séparation des couleurs, le rendu et l'exportation finale.

Avec ces techniques, j'espère que vous pourrez créer des animations plus fluides et plus professionnelles dans Clip Studio Paint.

Continuez à pratiquer, expérimentez différents styles, et surtout, amusez-vous à donner vie à vos personnages ! Merci.