Introduction

Bien dessiner le corps humain n'est pas une tâche facile, surtout pour les débutants qui la trouvent souvent difficile. Au-delà d'une pratique intensive du croquis et des images de référence, existe-t-il une approche plus simple ? Dans cet article, je partagerai comment décomposer le corps humain en composants clés et vous guiderai pas à pas pour réaliser un dessin de silhouette fort.

Bonhomme allumette - Capturer une bonne posture de silhouette

Lorsque je commence un dessin de silhouette, je commence toujours par un simple bonhomme allumette pour capturer une pose gracieuse ou toute autre pose désirée. Voici mon approche simplifiée :

-La tête, le torse supérieur (cage thoracique) et le torse inférieur (bassin) sont représentés par des boîtes basiques.

-Les clavicules sont composées de 2 segments, dessinés en ligne droite.

-Les bras sont composés de 2 segments, dessinés en ligne droite.

-La jambe est composée de 3 segments, notez que le genou est légèrement angulé pour un flux naturel. Vous pouvez penser à la jambe comme une forme en S.

-Les mains, étant la partie la plus complexe et polyvalente, sont décomposées en 3 blocs clés : la paume, le groupe de doigts et le pouce.

Je crois que la plupart des gens connaissent intuitivement les limites de mouvement de leur corps – si vous n'êtes pas sûr, vous pouvez le tester vous-même en bougeant simplement votre corps. Mais voici un détail clé souvent négligé : Les deux clavicules bougent indépendamment : Chacune peut s'élever (monter) ou s'abaisser légèrement (descendre), ce qui a un impact direct sur la dynamique des épaules et de la poitrine dans vos dessins.

En utilisant des bonhommes allumettes, nous pouvons rapidement esquisser plusieurs poses dynamiques en quelques minutes. Par exemple, si mon thème est de dessiner un modèle féminin, je peux esquisser plusieurs poses qui correspondent au tempérament du personnage en quelques minutes seulement. Si vous n'êtes pas familier avec les poses féminines, il est recommandé de chercher des références en ligne.

L'essentiel est de capturer rapidement le rythme dynamique et l'essence de la pose, et non de rechercher des détails parfaits.

Contrapposto

Le contrapposto (contre-pose) est une technique classique pour accentuer les courbes élégantes d'un torse féminin en créant une opposition dynamique entre les épaules et les hanches. On peut aussi l'imaginer comme une torsion du torse et de la tête en une courbe en C ou en S dynamique.

Centre de gravité

Le centre de gravité est le point pivot où le poids d'un objet s'équilibre uniformément. Souvent, les dessins de silhouette des débutants semblent instables, presque comme si la figure était sur le point de tomber. Si nous pouvons identifier le centre de gravité, nous pouvons rendre nos poses plus ancrées et équilibrées.

Le centre de gravité varie selon l'objet. Pour une figure humaine mesurant six têtes ou plus, il est généralement situé autour de l'abdomen. Une fois que vous avez trouvé le centre de gravité, tracez une ligne droite vers le bas à partir de ce point.

Une fois que nous avons marqué un point sur le sol, nous pouvons ensuite placer les pieds sur ce point.

Nous pouvons également placer les deux pieds loin du centre de gravité, tant que les deux pieds ne sont pas du même côté (gauche ou droit) du centre de gravité, ou qu'un pied n'est pas beaucoup plus étiré que l'autre.

C'est la pose de modèle féminin que j'ai dessinée. Je l'ai intentionnellement placée dans une position déséquilibrée car je prévois d'ajouter des notes ou des croquis explicatifs à côté d'elle pour vous aider à mieux comprendre. J'ai tracé une ligne droite pour représenter un mur — à la fois pour séparer le dessin des notes et pour lui donner quelque chose sur quoi s'appuyer pour l'équilibre.

Dans la première étape, j'ai déjà défini la pose de la figure. Pour la suite, je n'ai plus à me soucier de la pose.

Forme simple

À ce stade, je me concentre sur la capture de la forme, de la silhouette et des proportions générales.

À ce stade, j'utilise des lignes simples pour construire la forme humaine — essentiellement des courbes en C, des courbes en S et des lignes en I tournées dans n'importe quelle direction. Personnellement, j'évite d'utiliser trop de lignes car cela peut faire perdre au dessin un sens clair de la direction. Plus mes lignes sont longues, plus je me sens confiant, et ma vitesse de dessin augmente naturellement.

Mon approche est fondamentalement simple : je décompose chaque partie du corps en formes géométriques de base, faciles à retenir. Le processus est beaucoup moins compliqué qu'il n'y paraît.

Par exemple, la tête est essentiellement de forme ovale, similaire à un œuf.

 

Le torse peut être divisé en trois parties : la partie supérieure est de forme ovale représentant la cage thoracique, la partie inférieure est en forme de sous-vêtement, représentant le bassin, et la partie médiane est la taille flexible — elle n'a pas de forme fixe, il suffit donc de relier les parties supérieure et inférieure en douceur.

 

Le sein est en forme de goutte d'eau.

 

Les bras peuvent être divisés en trois sections : le bras supérieur est comme une forme ovale légèrement tranchée, le bras moyen est un cylindre effilé, et l'avant-bras est quelque chose comme un ovale plus un cylindre.

 

Les jambes sont également divisées en trois parties : la cuisse est comme un cylindre effilé, la partie médiane (le genou) est un bloc rectangulaire, et la jambe inférieure est également un cylindre effilé. Généralement, plus on descend le long de la jambe, plus elle devient étroite.

 

Les pieds ont deux parties : la partie supérieure est une forme rectangulaire effilée, et la partie inférieure est comme un triangle asymétrique.

J'ai déjà établi la pose de la figure à la première étape. Diminuez l'opacité du calque du bonhomme allumette et créez un nouveau calque. Maintenant, il me suffit de dessiner la forme et la silhouette de chaque partie du corps en me basant sur le geste du bonhomme allumette en dessous.

À la deuxième étape, j'ai terminé de définir la forme, la silhouette et les proportions générales du corps. Dans l'étape suivante, je n'ai plus à me soucier de ces aspects et peux me concentrer uniquement sur le dessin des muscles.

Os sous-jacents visibles

Avant de dessiner les muscles, il est important de noter que certaines zones du corps manquent de muscle sur les os, rendant la structure squelettique sous-jacente assez visible sous la peau. Il y a sept zones en particulier où cela est très évident. Si vous touchez ces zones, vous pouvez clairement sentir ces os sous la peau.

Ces zones sont :

-Clavicule (os de la clavicule)

-Olécrane (coude)

-Ulna (côté petit doigt du poignet)

-ASIS (os pelvien)

-Grand trochanter (articulation de la hanche)

-Patella (genou)

-Tibia (os du bas de la jambe)

-Fibula (os du bas de la jambe)

Vous n'avez pas à dessiner ces os ; je les ai dessinés ici juste pour plus de clarté dans ce tutoriel. Vous n'avez qu'à retenir ces huit zones, et ce n'est pas grave si vous ne connaissez pas les termes techniques. Plus tard, lorsque je dessinerai le line art, je ferai ressortir ces os sous-jacents.

Forme musculaire

Il existe de nombreux muscles dans le corps humain, avec des couches externes et internes. Apprendre tous pourrait prendre de nombreuses années, voire toute une vie. En ce qui concerne le dessin de webtoons ou de mangas, je crois personnellement qu'il suffit de se concentrer sur les muscles clés.

Pour vous aider à voir chaque muscle plus clairement, j'ai créé un diagramme détaillé des muscles clés. Vous pouvez le télécharger et zoomer pour y regarder de plus près.

 

 

Ce n'est pas grave si vous ne voulez pas mémoriser tous les noms des muscles puisque nous ne sommes pas médecins — rappelez-vous simplement combien de muscles clés et d'os sous-jacents visibles il y a dans chaque partie du corps. Par exemple, la zone du cou a 4 muscles, le bras supérieur a 4 muscles, et le bas de la jambe a 3 muscles ainsi que 2 os sous-jacents visibles.

Si les termes techniques vous distraient, reportez-vous simplement au diagramme ci-dessous et mémorisez les formes musculaires. J'ai déjà tout codé par couleur pour plus de clarté : le rose pour la zone du cou, l'orange pour le haut des bras, le jaune pour les avant-bras, le sarcelle pour le haut du torse, le bleu-cyan pour le milieu et le bas du torse, le bleu-violet pour le haut des jambes, le bleu-vert pour le bas des jambes, et le noir pour les os.

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Désactivez le calque du bonhomme allumette, réduisez l'opacité du calque de la forme simple et créez un nouveau calque pour dessiner les muscles et les os importants avec une couleur différente.

Croquis et Line art

Après avoir dessiné les muscles, je réduis l'opacité des calques de forme simple et de forme musculaire, et je crée un nouveau calque pour le line art. Si vous n'êtes pas très familier avec le dessin de visages ou de vêtements, vous pouvez les esquisser d'abord, puis créer un autre nouveau calque pour le line art final. Comme je suis déjà familier avec le dessin de visages et que le vêtement de sport est très simple à dessiner, je vais passer directement au line art.

Lorsque vous dessinez des muscles, vous n'avez pas besoin de délimiter délibérément chaque muscle — sinon, cela pourrait paraître un peu étrange, à moins que ce ne soit le style artistique spécifique que vous recherchez. Personnellement, je pense que les lignes musculaires peuvent être dessinées plus doucement lorsque l'on dessine des personnages féminins, et plus définies ou rigides lorsque l'on dessine des personnages masculins.

Comparé à l'image ci-dessus, n'est-ce pas beaucoup plus doux ? Je préfère suggérer subtilement les muscles avec quelques lignes.

 

Par exemple, si vous regardez les muscles du cou, je n'ai dessiné que les portions de début et de fin, laissant la partie médiane vide. Sur le bras — comme le deltoïde — je n'ai pas dessiné le point de départ, mais me suis plutôt concentré sur le milieu et un peu sur la fin. Pour l'avant-bras, je n'ai dessiné que le début, omettant complètement le milieu et la fin.

Quant aux abdominaux, j'ai bien délimité toute la forme, y compris le début, le milieu et la fin — mais j'ai quand même laissé quelques espaces entre, plutôt que de tout relier par une seule ligne.

Personnellement, lorsque je dessine des abdominaux féminins, j'évite généralement de définir entièrement tous les six packs parce que je pense que cela convient mieux aux personnages masculins. Pour les femmes, je pense personnellement que juste suggérer les abdominaux latéraux et les obliques est déjà magnifique.

C'est la même chose pour les jambes. Par exemple, si vous regardez les muscles de la cuisse, je n'ai dessiné que la partie finale. Pour le genou, j'ai délimité toute la forme avec quelques petits espaces. Quant au mollet, je n'ai dessiné que la section médiane.

En fait, tant que vous ne délimitez pas entièrement chaque muscle et laissez certaines parties vides, les muscles apparaîtront naturellement plus doux.

Vous vous souvenez que j'ai mentionné plus tôt qu'il y a 8 parties des os sous-jacents qui sont particulièrement proéminentes ? Lorsque je dessine le line art, je fais légèrement saillir ces zones — ce qui signifie qu'elles apparaissent comme de subtiles bosses sur la peau.

Après avoir terminé le line art, désactivez tous les calques précédents, ne laissant visible que le calque du line art.

Ajustement des proportions

Quand j'ai regardé le line art, j'ai réalisé que les proportions étaient un peu fausses. Son bras droit est un peu court et petit, bien que la main elle-même soit de la bonne taille.

Lorsque j'ai besoin d'ajuster une partie spécifique du corps, j'utilise l'outil Lasso pour sélectionner la zone que je veux modifier, puis j'utilise la Transformation Libre ou la Transformation de Maillage pour ajuster les proportions. Dans ce cas, j'ai étiré et agrandi son bras droit.

 

 

Ses jambes semblaient aussi un peu courtes. Comme elle porte des talons hauts, ses jambes devraient paraître plus longues, j'ai donc également étiré ses deux jambes.

J'ai également remarqué que le bas de sa jambe gauche semblait légèrement plus court que le droit, j'ai donc également étiré le bas de la jambe gauche pour qu'il corresponde au droit.

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Avant et après ajustement.

Colorisation (style webtoon)

La colorisation de style Webtoon peut également être appelée colorisation de style graphique. En d'autres termes, vous n'avez besoin que d'environ 2 à 4 tons, car les Webtoons ou les bandes dessinées nécessitent généralement de dessiner de nombreuses images, nous ne pouvons donc pas passer trop de temps sur une seule illustration.

Comme vous pouvez le voir sur l'image ci-dessus, la colorisation de style Webtoon ou bande dessinée présente de forts contrastes. Il n'y a que quelques tons et les bords sont nets. Notez qu'il n'y a pas de ton intermédiaire.

Mon personnage est asiatique, donc le teint de la peau est plus clair. J'ai choisi un beige clair pour la base. Pour la couleur de l'ombre, j'ai opté pour un ton légèrement plus foncé avec une pointe de rouge. Dans le style Webtoon, les couleurs sont généralement assez vibrantes et variées. D'autre part, pour des styles comme la peinture épaisse ou l'aquarelle, qui sont plus réalistes, les couleurs ont tendance à pencher vers les gris et les valeurs sombres.

Remplir la couleur de base

Il existe plusieurs méthodes pour appliquer la couleur de base. Ma méthode consiste à placer d'abord le calque du line art au-dessus, puis à définir le calque du line art comme calque de référence. Ensuite, je crée plusieurs calques en dessous pour chaque sujet afin d'appliquer la couleur.

 

 

Dans la dernière version de Clip Studio Paint 4.0, l'outil Lasso dispose d'une nouvelle fonction 'Lasso Magnétique'. Sélectionnez l'outil Lasso et activez 'Lasso Magnétique'. Réglez la force à 1 ou 2 ; il n'y a pas besoin d'une force élevée puisque le line art est déjà propre et complet.

Utilisez l'outil magnétique pour sélectionner la zone que vous souhaitez colorier, par exemple ici, je veux colorier son bras gauche.

Après avoir sélectionné la zone, je choisis le calque du teint de la peau et je le remplis d'une couleur beige clair.

L'avantage de cette nouvelle fonctionnalité est que la couleur de base peut être entièrement remplie. Si vous désactivez le line art, il n'y aura presque pas d'espaces. Si vous utilisez l'outil Pot de peinture, il y a plus de chances de manquer des zones, et vous devrez remplir ces espaces manuellement.

Je divise la couleur de base en trois calques : un pour les cheveux, un pour la peau, et un pour les vêtements et les talons hauts.

Ombre et Lumière

Créez un nouveau calque, clipsez-le au calque de couleur de base en dessous, puis utilisez un pinceau à bords durs pour dessiner les formes des ombres. J'utilise uniquement le stylo G pour dessiner les formes d'ombre.

Dans le style Webtoon, l'éclairage et l'ombrage ne nécessitent pas le même niveau de réalisme que dans des styles plus réalistes, comme la peinture épaisse ou l'aquarelle. Par exemple, dans les styles réalistes, l'ombre doit refléter la direction de la lumière. Cependant, dans le style Webtoon, l'ombre n'a pas toujours à suivre parfaitement la source de lumière.

En gros, dans le style webtoon, la colorisation peut être plus flexible et créative, tant que la forme générale de la couleur est visuellement agréable et ne s'éloigne pas trop de la logique générale de la lumière et de l'ombre. Par exemple, dans mon cas, la source de lumière vient d'en haut à droite, donc les ombres tombent principalement vers le bas à gauche.

Après avoir terminé les ombres de la peau, j'ai continué à ombrer le vêtement de sport.

Pour les cheveux, j'aime personnellement utiliser l'outil Dégradé pour éclaircir subtilement les sections supérieure et inférieure des cheveux. C'est juste mon goût.

Ensuite, j'ai également ajouté de la couleur aux yeux et à la bouche.

Après avoir ajouté les ombres, je crée un nouveau calque et le clipse au calque d'ombre en dessous. Ensuite, je sélectionne la couleur blanche pour ajouter des reflets sur la poitrine, les deltoïdes et les jambes. Quant aux cheveux, je préfère utiliser une couleur rouge clair.

Entrelacement de couleurs chaudes et froides

Une technique que j'aime utiliser lorsque je peins la peau de mon personnage de Webtoon est de mélanger une couleur légèrement plus froide dans l'ombre chaude existante. Pour trouver la couleur plus froide, choisissez la couleur d'ombre de la peau puis déplacez-vous légèrement vers la gauche sur la roue chromatique, vers la zone grisâtre. Alternativement, vous pouvez baisser les chiffres de saturation et de valeur sur le curseur de couleur pour obtenir un ton légèrement plus froid.

Ensuite, je sélectionne à nouveau le calque d'ombre de la peau et verrouille les pixels.

Pour mélanger doucement la couleur froide, j'utilise l'aérographe doux et mélange délicatement la couleur froide dans la couleur d'ombre chaude. Je choisis généralement à la fois des couleurs chaudes et froides pour basculer facilement entre elles et expérimenter avec la couleur de la peau de l'ombre.

Personnellement, j'aime beaucoup l'effet subtil de l'entrelacement des couleurs chaudes et froides dans les ombres de la peau.

Cette technique de coloration peut également être utilisée dans d'autres zones, comme les cheveux et les vêtements. Ici, je ne l'utilise que sur la peau.

Line art colorisé

Après avoir terminé la coloration, j'aime changer la couleur du line art. Pour ce faire, je verrouille les pixels du calque et le remplis d'un ton rouge foncé.

Peinture par-dessus

Parfois, je veux ajouter de nouveaux détails au line art ou dessiner des éléments supplémentaires, mais je ne veux pas modifier les calques existants. Dans de tels cas, je crée un nouveau calque tout en haut (avec le calque de line art juste en dessous), afin de pouvoir dessiner librement sans modifier les calques précédents.

Je lui ai ajouté du maquillage, épaissi ses cils et appliqué du rouge à lèvres. J'ai aussi dessiné quelques mèches de cheveux sur son visage. Je pense qu'elle est encore plus belle maintenant.😍

Tout est fait ! Que pensez-vous du résultat ?

Conclusion

Les muscles sont en fait l'aspect le moins important lorsqu'il s'agit de dessiner une silhouette. Cela ne signifie pas qu'ils ne sont pas importants, mais plutôt qu'ils devraient être la dernière étape à considérer. Si les bases du corps humain — telles que la pose, la forme et les proportions — ne sont pas correctes, peu importe la qualité du dessin des muscles, la silhouette aura toujours l'air étrange.

 

Par conséquent, mon approche personnelle pour le dessin de silhouette est la suivante :

Pose > Forme > Proportions > Muscles.

 

Si vous avez eu du mal avec le dessin de silhouette pendant un certain temps, je vous encourage à essayer cette approche, qui est l'ensemble du processus décrit dans ce tutoriel.

 

Merci d'avoir lu mon tutoriel. J'espère que vous avez appris des connaissances utiles. À la prochaine fois !😊