Bonjour ! Je m'appelle Kennedy, et c'est mon premier tutoriel ! Je dessine des portraits depuis près de 10 ans maintenant ; j'ai commencé par l'art traditionnel, et je suis passée au numérique en 2021. Pendant un certain temps, je me suis concentrée sur la création des portraits les plus réalistes possibles ; cependant, au cours de la dernière année, j'ai davantage cherché à recréer l'apparence des œuvres peintes traditionnellement qui mettent l'accent sur l'éclairage, l'expression et l'illusion du détail, plutôt que sur les détails réels pixel par pixel. Clip Studio a été le premier logiciel de dessin que j'ai essayé, et je n'ai jamais regretté ! Avec ses innombrables fonctionnalités et ses pinceaux infinis dans la boutique de ressources, vous pouvez créer des œuvres d'art époustouflantes qui imitent les pièces traditionnelles !

---

Partie I. Référence + Planification

La première étape est évidemment de trouver une référence ; pour ce tutoriel, j'utilise une simple photo que j'ai prise de moi-même.

Pour cette partie, vous pouvez utiliser la méthode de votre choix - j'ai tendance à utiliser un mélange de la méthode Loomis et de la méthode de la grille. La méthode Loomis est incroyable pour apprendre l'anatomie et le positionnement de la tête et de ses caractéristiques, tandis que la grille est excellente pour obtenir une meilleure précision. Pour des études de portraits rapides, je m'en tiens à la méthode Loomis, et pour des pièces plus grandes, j'utilise également la grille. Aux fins de ce tutoriel, j'utiliserai les deux :)

Lorsque j'utilise la méthode de la grille, j'aime que la référence et la toile aient la même taille, pour m'assurer que la grille est la même sur chacune. Ma référence est de 2000 x 2220, donc je vais faire ma toile de la même taille.

Comme je dessine sur mon ordinateur portable et que je n'ai qu'un seul écran, j'aime ancrer ma référence sur le côté afin de pouvoir la voir facilement. Pour ce faire, faites simplement glisser la photo sur le côté de votre choix, jusqu'à ce que la ligne rouge apparaisse, indiquant que vous pouvez la placer là ; tout comme réorganiser votre espace de travail !

Ensuite, configurons notre grille ; allez dans « Affichage » en haut de l'écran, et sélectionnez « Grille » dans le menu déroulant. Je n'aime pas la grille qu'il utilise automatiquement, alors je vais dans « Paramètres de la barre de grille/règle » (qui se trouve dans le même menu déroulant, juste en dessous de « Barre de règle ») et j'ajuste l'espacement pour l'adapter à l'image. Pour cette image, j'ai mis le nombre de divisions à 1 et réglé l'écart à 160. Vous pouvez utiliser n'importe quelle taille d'écart - une taille d'écart plus grande fait que la grille a moins de carrés, ce qui est plus facile à référencer et à suivre, mais moins précis. Une taille d'écart plus petite est l'inverse ; plus de carrés, ce qui peut être un peu plus difficile à suivre, mais plus de précision et d'exactitude.

Lorsque vous essayez de dessiner un portrait pour la première fois, la référence peut sembler accablante - les visages ont beaucoup de courbes et de caractéristiques différentes, et vous ne savez peut-être pas par où commencer. Quelque chose qui m'a toujours aidé au début était de simplifier d'abord la référence ; de cette façon, au lieu d'essayer de copier tout le visage, vous vous concentrez sur de petites étapes à la fois, et référencez d'abord des formes simples.

Dessiner sur la référence avec la méthode Loomis non seulement la simplifie, mais aide également à obtenir le flux et le placement général. Apparier des formes est bien plus facile qu'apparier des caractéristiques compliquées !

Une fois que nous avons tracé la forme générale de la tête, nous pouvons décomposer les caractéristiques et les détails en plus de formes. Maintenant, nous pouvons utiliser cela comme référence à la place !

---

Partie II. Esquisse

Maintenant que notre référence est prête et simplifiée, il est temps de commencer à esquisser !

En suivant la méthode Loomis et en utilisant la grille comme guide, nous pouvons esquisser notre base. Restez fidèle aux formes et aux lignes simples, ne vous souciez pas encore des détails.

Une fois notre base terminée, nous pouvons commencer à disposer les formes des caractéristiques. L'utilisation de la méthode Loomis est une excellente pratique, et la grille sert de bon guide si vous avez du mal avec le placement. L'esquisse peut prendre un certain temps, et ce n'est pas grave ! Je passe BEAUCOUP de temps sur l'esquisse - c'est une partie importante du processus. Obtenir les bonnes proportions et tailles est la partie principale de ce qui rend un portrait réaliste. Une esquisse simple avec des proportions correctes est meilleure qu'un portrait entièrement rendu avec de mauvaises. Prenez votre temps ici, ne vous précipitez pas ; profitez simplement du processus :)

Et voilà ! Une fois notre esquisse terminée, nous pouvons ramener le calque de la référence avec la photo réelle - nous n'avons plus besoin des formes simplifiées :)

Maintenant, nous pouvons commencer à esquisser les parties plus détaillées et à transformer les formes en caractéristiques ! Pendant la phase initiale de l'esquisse (la partie que nous venons de faire), je garde la toile dézoomée afin de pouvoir rester concentrée sur les formes principales et ne pas me laisser trop prendre par les plus petites ; mais maintenant, il est temps de faire exactement cela ! Il n'y a pas de règles ici pour la façon dont vous voulez esquisser le visage, vous pouvez faire ce qui vous convient le mieux ! J'ai tendance à commencer par l'œil droit, sans raison spécifique cependant.

Vous pouvez faire cela sur un calque séparé au-dessus des formes de base, ou vous pouvez simplement modifier/effacer l'esquisse sur le même calque. Je fais généralement toutes ces étapes sur un seul calque car je dessine des portraits si souvent, mais je ne le recommanderais pas si vous débutez avec les portraits. Garder les calques séparés garantit que vous avez toujours votre esquisse originale au cas où quelque chose se gâterait.

Une fois que vous êtes satisfait de votre esquisse, il est enfin temps de commencer à colorier !

---

Partie III. Couleurs + Rendu

Avant de commencer à colorier, il est important d'utiliser le bon pinceau, surtout pour recréer un aspect plus traditionnel. J'utilise le pinceau gouache par défaut de Clip Studio ; en appuyant plus fort, il dépose une excellente base. En utilisant une pression plus légère, il a une belle texture de style toile. Il se mélange également merveilleusement, ce qui le rend plus efficace à utiliser pour peindre.\n\nCommençons par choisir nos couleurs. Il est important de noter le nombre de nuances différentes que contient la peau ; les tons sous-jacents sont ce qui donne vie à un portrait. Différentes personnes ont des sous-tons différents - certains ont des tons froids (rose, rouge et bleu), certains ont des tons chauds (jaune, doré et olive), et certains ont des tons neutres (un équilibre des deux). Ne pas les inclure donnera un portrait plat.

Ensuite, nous pouvons commencer par la base de couleurs plates. Je commence par l'arrière-plan, qui est la seule partie à laquelle j'ajoute plusieurs couleurs à ce stade ; c'est parce que l'arrière-plan d'une photo affecte la façon dont les couleurs de la personne apparaissent. Dans le passé, je travaillais d'abord sur le visage, et j'ajoutais l'arrière-plan à la toute fin. Cependant, lorsque l'on utilise une référence avec un éclairage non standard, la peau ne sera pas faite de couleurs de peau typiques - au lieu de cela, elles pourraient être bleues, violettes, vertes, rouges, etc.

Sans l'arrière-plan et l'éclairage ambiant, vous pourriez penser que cela semble bizarre ou étrange, et cela pourrait sembler artificiel. Poser l'arrière-plan EN PREMIER empêchera cela de se produire !

Maintenant que l'arrière-plan est géré, nous pouvons bloquer les couleurs plates de tout le reste. Il est préférable de commencer par un ton moyen pour cela ; rien de trop clair ou de trop foncé, juste quelque part au milieu. Dans mon processus, je commence par la peau, puis les cheveux, suivis des vêtements, mais bien sûr, l'ordre n'a pas d'importance. Vous pouvez faire cela comme bon vous semble !\n\nJ'aime les séparer en différents calques - un pour la peau, un pour les cheveux, un pour les vêtements, et un pour toute autre chose dans la peinture. De cette façon, si je fais une erreur sur un calque, cela n'a pas d'impact sur les autres parties de la peinture. De plus, cela m'aide à rester organisée !

Une fois que nous avons notre base, je commence à ajouter plus de tons autour du visage - utilisez les ombres, les lumières et les sous-tons pour cartographier la profondeur et les parties de l'esquisse, afin que nous puissions lentement commencer à retirer l'esquisse. Cette photo en particulier n'a pas un éclairage très dramatique, donc les ombres et les lumières ne sont pas si intenses. Cependant, ce serait le stade pour poser ces zones sombres et claires.\n\nTout comme avec les formes de base de l'esquisse, nous voulons nous concentrer sur les couleurs et le placement généraux, plutôt que sur les détails fins. Garder la toile dézoomée pour cela vous aidera à rester sur la bonne voie.\n\nJ'ai tendance à faire ces parties sur les mêmes calques que leur base, car cela ressemble plus à la peinture traditionnelle. Cependant, si vous vous sentez plus à l'aise de l'avoir sur un calque séparé, allez-y ! Faites ce qui vous convient le mieux :)

Autre remarque pour créer des portraits à l'aspect pictural - faites attention à ne pas trop estomper et lisser la surface. La façon dont je procède est d'éviter d'utiliser des estompeurs ; au lieu de cela, j'estompe avec mon pinceau, en trouvant le ton moyen entre deux couleurs et en les mélangeant progressivement, comme on le ferait traditionnellement. Si je ressens le besoin d'utiliser un estompeur, j'en utiliserai un texturé pour conserver la bonne sensation, jamais le pinceau « flou ». Parfois, l'estompage n'est pas du tout nécessaire ; garder certains coups de pinceau non estompés aide à imiter l'aspect traditionnel :)\n\nRépétez ce processus pour toutes les autres parties de la peinture, en vous concentrant sur le mélange des couleurs, la profondeur et l'éclairage.

Avec les traits du visage qui deviennent plus définis, nous pouvons réduire l'opacité du calque d'esquisse.\n\nIl est maintenant temps pour le rendu, d'affiner les sections de la peinture et de se concentrer sur ces petits détails. Nous ferons la même chose que nous avons faite avec l'esquisse, et zoomerons sur les sections du visage. Vous pouvez aller aussi détaillé que vous le souhaitez pour cela - simple ou super détaillé, c'est à vous de choisir ! Pour recréer des portraits peints traditionnellement, j'essaie de ne pas me laisser trop prendre par tous les tout petits détails, et de me concentrer plutôt sur la création de leur illusion avec des coups de pinceau. J'essayais de recréer la référence EXACTEMENT en hyperréalisme, alors parfois il est difficile de ne pas se perdre à faire cela ; je dois constamment me rappeler que personne ne zoomera sur chaque pixel, scrutant tout comme je le fais :’)\n\nAux fins de ce tutoriel, je vais rester simple :)

Je suis le même ordre que pour l'esquisse, en commençant par l'œil droit, puis le nez, l'œil gauche, la bouche et tout le reste. Pas pour une raison particulière, c'est juste comme ça que j'ai toujours fait.\n\nLors du rendu de chaque section du visage, concentrez-vous sur l'affinage de ce que vous avez peint avec les tons, l'assombrissement des ombres et l'éclaircissement des lumières, et l'affinage des formes des traits.\n\nEncore une fois, répétez ce processus avec les cheveux, les vêtements et toute autre chose dans votre peinture.

Oups, je ne peux pas oublier les lunettes ! (...J'ai totalement oublié les lunettes)

Bien, nous arrivons aux étapes finales maintenant ! À ce stade, j'aime comparer ma peinture avec ma référence, trouver tout ce qui semble déplacé et le corriger. N'hésitez pas à faire de même !\n\nMaintenant, j'aime ajouter des touches plus texturées et peintes avec un autre pinceau texturé ! Pour cette partie, j'aime utiliser un pinceau plat sec d'un ensemble de pinceaux « Thick Coating » de la boutique de ressources, qui a malheureusement été supprimé depuis. Il a une merveilleuse texture sèche et agit comme une légère couche par-dessus sans se fondre avec les couleurs en dessous, ce qui lui donne un peu de peps supplémentaire :)

J'utilise ce pinceau pour améliorer encore plus les caractéristiques et affiner certains détails. J'ajoute également cela aux mêmes calques, mais n'hésitez pas à le faire sur un calque séparé. De cette façon, vous pouvez voir une comparaison avant et après. La différence peut être mineure, mais j'aime ce qu'il ajoute :)\n\nComme ce pinceau ne se mélange pas, je ne l'applique pas en petits mouvements circulaires comme je l'ai fait avec le pinceau gouache ; au lieu de cela, je suis les courbes du visage et du corps, ce qui ajoute plus de profondeur et de texture sans être trop envahissant ou trop voyant.

Pour les cheveux, comme j'en ai un peu trop fait aux stades précédents (oups), je n'ai pas eu besoin d'en ajouter beaucoup avec ce pinceau. Je suis juste repassée sur certaines des zones plus sombres et plus claires, et j'ai ajouté quelques mèches supplémentaires pour la variation. Ensuite, j'ai utilisé le pinceau « Gouache Sèche » par défaut de Clip Studio à une toute petite taille pour ajouter un tas de cheveux rebelles. Comme mes cheveux sont un désordre bouclé et frisotté, j'ai juste fait n'importe quoi et je les ai ajoutés partout :)

Ok, nous avons presque terminé !! Une fois que vous êtes satisfait de votre peinture, ajoutons quelques superpositions de textures !! Tout d'abord, ouvrez la fenêtre des matériaux. La mienne est ancrée sur le côté, mais si vous ne la trouvez pas, cliquez sur l'onglet « Fenêtre » en haut de l'écran, et trouvez « Matériau » près du bas du menu déroulant.

Clip Studio offre un tas de textures intégrées, mais si aucune d'entre elles ne correspond tout à fait à ce que vous recherchez, vous pouvez en trouver BEAUCOUP gratuitement sur l'Asset Store !!!

J'aime faire défiler toutes mes superpositions de textures préférées et les tester avec différents modes de fusion, opacité et combinaisons. J'utilise principalement les modes Incrustation et Lumière douce à faible opacité, selon la texture. J'utilise une combinaison, parfois 2, parfois 3, parfois 5 ! Cela dépend juste de ce que je recherche. Il n'y a pas de règles pour cette partie, amusez-vous et voyez ce que vous aimez le mieux :)

Pour ce portrait, ainsi que pour la plupart de mes autres, j'utilise les trois mêmes textures. Je les ai ajoutées dans une seule photo avec leurs ID de contenu si vous souhaitez les tester vous-même !

Et voilà !!!! Nous avons terminé !! J'espère que vous avez apprécié ce tutoriel, et j'espère qu'il vous a été au moins un petit peu utile !!! Passez une excellente journée ! :) <3