*️⃣ Introduction

Ce tutoriel se concentre sur la création d'un portrait réaliste à l'aide de Clip Studio Paint. Nous allons examiner la décomposition du processus de dessin de portrait en étapes gérables, en nous concentrant sur des techniques clés pour capturer les caractéristiques uniques d'une personne. Par conséquent, le tutoriel d'aujourd'hui est intitulé

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‎"Améliorez votre dessin de portrait numérique dans [CSP] 🎨🔥".

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‎Ce tutoriel vous guidera à travers la création d'un portrait réaliste dans Clip Studio Paint. Nous allons décomposer le processus en étapes gérables, en nous concentrant sur les techniques pour capturer la ressemblance d'une personne.

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‎Mais avant cela, assurons-nous que vous avez les outils et les paramètres nécessaires configurés dans Clip Studio Paint pour optimiser votre expérience de dessin.

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1️⃣ Outils personnalisables de CSP pour les dessins de portrait

‎En utilisant vos ensembles d'outils, votre espace de travail et vos préréglages de toile personnalisés de CSP, vous pouvez maintenir sans effort une esthétique cohérente pour tous vos projets de portraits numériques. Ce processus simplifié favorise l'efficacité et vous permet de vous concentrer sur ce qui compte vraiment : votre expression créative.

‎A. Pinceaux essentiels pour le dessin de portrait 🖌️ :

Nous allons explorer les pinceaux essentiels de Clip Studio Paint pour le dessin de portrait, y compris leurs paramètres pour des résultats optimaux. Cette section couvrira la sélection des pinceaux pour l'esquisse, le line art, l'ombrage, la texturation et le mélange. Avant même de PENSER à dessiner, configurons vos pinceaux CSP.

Considérez cela comme la préparation de votre arsenal d'armes ultime. Ce sont vos armes ! Pinceaux, crayons, outils d'estompe – le tout. Vous avez probablement vos favoris pour l'esquisse, l'encrage et la coloration. Peut-être un pinceau spécial pour ces reflets étincelants supplémentaires ✨. Expérimentez et trouvez ce qui convient le mieux à votre style ! Nous parlons du mélange parfait de pinceaux, de la façon dont nous pouvons les utiliser et de leurs paramètres spécifiques :

i) Outil d'esquisse :

‎J'aime souvent utiliser un pinceau léger et esquissé pour poser la structure de base. Quelque chose avec un peu de texture, vous savez ? [comme celui du crayon ou de l'outil secondaire crayon mécanique] ✨

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ii) Précision du Line Art :

J'utilise un pinceau net et propre pour ces lignes précises [comme celui du G-pen ou parfois de l'outil secondaire marqueur]. Pensez à une précision de niveau anime avec de beaux bords pixelisés durs ! 🎯

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‎La plupart du temps, je néglige souvent le processus de line art et je me contente d'utiliser mon processus d'esquisse, car cela me donne le sentiment d'utiliser mon crayon naturel et de dessiner sur du papier traditionnel.

 

Mais vous n'êtes pas moi, alors je vous conseille de faire ce qui vous convient le mieux ou vous met le plus à l'aise, car c'est le but principal ici.

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Si vous souhaitez en savoir plus sur les particularités entre l'outil secondaire crayon et l'outil secondaire stylo, vous pouvez lire cet article de tutoriel dont le lien est ci-dessous.

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iii) Avantages des calques et techniques de mélange des pinceaux :

‎Calques :

Permet l'édition non destructive (corrections faciles), organise votre travail, facilite l'expérimentation, crée de la profondeur et de la dimension. Prenez cet exemple ci-dessous :

 

(1- L'utilisation de trois calques plaçant les différentes valeurs de couleur dans différentes couches séparées).

 

Techniques de mélange des pinceaux :

Comprendre le mélange des pinceaux est crucial pour créer des transitions fluides, des textures réalistes et une finition soignée en art numérique.

 

Dans Clip Studio Paint, il existe des pinceaux que nous pouvons explorer et qui peuvent mélanger les couleurs de manière transparente et créer des transitions douces.

 

Voici quelques techniques clés :

 

(‎2- J'utilise le flou pour adoucir les bords afin de créer des apparences réalistes, aidant aux transitions de peau et aux éléments d'arrière-plan pour une pièce finale cohérente. Les outils CSP que nous pouvons utiliser pour ajouter l'effet de flou sont le filtre de flou gaussien ou le pinceau de l'outil secondaire flou).

(‎3- L'estompe ajoute une qualité organique et des transitions douces, améliorant la profondeur et le mouvement de l'œuvre. Un outil CSP comme le pinceau de l'outil secondaire mélangeur de peintre peut être utilisé ici).

 

‎(4- L'étalement implique d'adoucir les bords et de créer des transitions fluides. Et j'utilise le pinceau de l'outil secondaire peinture à l'huile sèche pour cette partie).

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Par conséquent, nous visons cette ambiance photoréaliste. Considérez cela comme une transition de couleurs à l'aide de la magie du mélange ! 💨

iv) Utilisation des fonctions de mélange des couleurs du pinceau :

‎C'est une fonctionnalité essentielle qui aide à mélanger les couleurs pour obtenir leurs équivalents naturels.

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Pour activer cette fonction [CSP] pour votre pinceau d'outil secondaire, commencez par sélectionner simplement le pinceau, ouvrez la Palette Détails de l'outil secondaire depuis la fenêtre Propriétés de l'outil (icône de clé à molette), allez dans l'onglet Encre, vous y trouverez l'option Mélange de couleurs, activez la fonction Mélange de couleurs. Vous pouvez ensuite ajuster le mélange de couleurs sur Mélanger, Couleur courante ou Estomper.

 

Pour cela, je choisis principalement l'option Estomper.

[Vous verrez plus tard pourquoi dans la prochaine partie du tutoriel]

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Maintenant, ajustez le mode de mélange de Standard à Perceptuel, afin d'influencer la façon dont les couleurs se mélangent sur le même calque, ce qui donnera aux portraits une sensation de peinture traditionnelle plus intuitive.

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Remarque🔹 Le mélange de couleurs ne fonctionne que lorsque les couleurs sont sur le même calque.

 

De plus, l'activation de la pression du stylet peut personnaliser davantage la fonction de mélange des couleurs dans les paramètres de l'outil secondaire.

Si vous souhaitez en savoir plus sur la fonction de mélange des couleurs, vous devez consulter cet article, le lien est ci-dessous.

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‎v) Détails de texturation :

L'incorporation de détails de texturation complexes peut élever l'esthétique générale d'un design, ajoutant de la profondeur et de l'intérêt. Ces éléments peuvent aller de motifs subtils à des contrastes audacieux, chacun contribuant de manière unique à l'apparence finale.

 

Pour le réglage, j'ai activé le mélange de couleurs et je l'ai réglé sur [étalement]. J'ai ensuite réglé le mode de fusion du pinceau sur [remplacer alpha]. Enfin, j'ai réglé le mode de mélange sur [perpétuel] et la coloration de luminosité sur [niveau élevé].

 

Utilisez les pinceaux [skin soft] pour ajouter ces détails subtils — pensez aux pores de la peau,

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Mèches de cheveux et matière des plis de vêtements.

 

Voici le [avant],

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Et [Après] l'ajout d'effets de textures sur les cheveux et les vêtements.

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C'est dans les détails de texture les plus fins que tout se joue ! 🧐

vi) Palette de mélange de couleurs :

CSP dispose d'une palette de mélange de couleurs dédiée qui vous permet de mélanger les couleurs sur une toile séparée, ce qui facilite la visualisation de votre mélange.

 

Pour activer la palette de mélange de couleurs, cliquez simplement sur la sélection de fenêtre > Mélange de couleurs > le tableau de bord de la palette de mélange de couleurs apparaîtra, vous permettant ainsi de mélanger vos couleurs et de comprendre comment les différentes couleurs réagissent.

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B. Configuration de votre espace de travail Clip Studio Paint ‎

C'est votre champ de bataille ! Comment organisez-vous vos palettes, vos calques et vos sous-outils ? Préférez-vous une configuration minimaliste ou une explosion chaotique d'options ?

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‎Considérez les différents modes d'espace de travail de Clip Studio Paint [CSP] :

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‎Mode Studio : Un environnement complexe et riche en fonctionnalités pour un travail détaillé, offrant de nombreux outils et options aux utilisateurs expérimentés. Tandis que,

 

‎Mode Simple : Un espace de travail épuré et simplifié pour une peinture rapide et ciblée, idéal pour les débutants.

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Pour ce tutoriel, j'utiliserai le mode simple.

 

Grâce à la dernière future version 4.0 de [CSP], le passage d'un mode à l'autre se fait désormais en un seul clic, à l'aide du bouton de changement de mode.

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Une autre fonctionnalité très importante récemment ajoutée à la dernière version de CSP est celle de l'image de référence marine, cette fonctionnalité vous permet de garder l'image de référence de la personne que vous souhaitez dessiner sur un côté agissant comme un guide pendant que vous dessinez.

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Un espace de travail bien organisé permet un accès rapide aux pinceaux et aux ensembles de couleurs, car les artistes de tous niveaux peuvent utiliser librement les différents outils selon leurs préférences. La clé est l'efficacité – trouvez un arrangement qui vous maintient concentré et minimise les distractions, comme par exemple mon arrangement. 🧘‍♀️

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‎Cette configuration peut également inclure la personnalisation de votre interface sur les tablettes et les PC, la configuration de raccourcis et l'organisation des palettes.

 

Donc, si vous souhaitez en savoir plus sur ces aspects, vous pouvez utiliser le lien ci-dessous pour en savoir plus.

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‎C. Résolution de l'image et taille de la toile ‎

Ce sont vos plans de bataille ! Avoir différentes tailles de toile et résolutions prêtes est une bouée de sauvetage. Vous pouvez même configurer des préréglages avec des arrière-plans colorés spécifiques ou des guides pour améliorer votre flux de travail.

 

Pour le tutoriel d'aujourd'hui, nous utiliserons la toile de portrait,

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Avec la taille de toile comme suit :

 

Largeur - 1575 px

Hauteur - 2100 px

Résolution - 300

Conseil🔹 essayez de rendre la taille de la toile aussi grande que possible, car il est préférable qu'elle soit plus grande que petite.

Maintenant, enregistrez la taille de la toile en l'ajoutant aux préréglages pour une utilisation future.

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Et si vous voulez l'utiliser, vous pouvez simplement le localiser en cliquant sur la barre de préréglages et vous le trouverez en bas du mini tableau de bord des préréglages.

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Considérez cela comme la mise en place de la scène parfaite pour votre chef-d'œuvre numérique ! 🖼️

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‎2️⃣ Le processus de dessin de portrait : Comment représenter les caractéristiques d'une personne :

Pour représenter le caractère d'une personne dans un dessin de portrait, concentrez-vous sur des éléments clés tels que leurs poses distinctives, leurs expressions faciales exagérées et les vêtements qui reflètent leur personnalité ou leur statut.

Qu'est-ce qui rend un visage féminin ou masculin ?

Cette question nous incitera alors à observer un aspect particulier avant de plonger dans le dessin proprement dit.

• Effectuer une observation :

Parlons de ce qui rend un visage féminin féminin et un visage masculin masculin.

Voici quelques éléments qui aident à distinguer le visage masculin du visage féminin :

 

1) Mâchoire : Les hommes ont généralement une mâchoire plus proéminente et carrée, tandis que les femmes ont normalement un menton et une mâchoire plus doux, ronds et faibles.

 

2) Sourcils : Les sourcils des hommes ont tendance à être plus épais et plus droits, tandis que ceux des femmes sont souvent plus arqués.

 

3) Pommettes : Les femmes ont généralement des pommettes plus hautes et plus prononcées.

 

4) Lèvres : Les femmes ont généralement des lèvres plus pulpeuses, tandis que les hommes ont des lèvres plus définies.

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5) Forme générale : Les visages des hommes sont souvent plus anguleux, tandis que ceux des femmes sont généralement plus ronds ou en forme de cœur.

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Maintenant, avant d'aller plus loin, j'aimerais souligner que chaque fois que vous voulez dessiner un portrait, que vous soyez un nouvel utilisateur ou un ancien, vous devez savoir ceci ;‎

‎• Faites de la référence votre meilleur ami :

‎Ayez toujours la photo de référence là où les yeux peuvent la regarder. Une observation attentive est essentielle. N'ayez pas peur de zoomer et d'analyser ces minuscules détails. 👀

Pour afficher votre guide de référence lorsque vous dessinez, vous devez d'abord activer le tableau de bord de la sous-vue et pour ce faire, cliquez simplement sur l'option fenêtre > sous-vue > le panneau de sous-vue s'affichera alors,

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Avec le panneau maintenant affiché, vous pouvez ensuite cliquer sur l'icône importer de la bibliothèque sous le tableau de bord, ce qui vous mènera à votre bibliothèque où vous pourrez sélectionner l'image que vous souhaitez utiliser comme guide de référence, puis l'importer dans votre espace de travail.

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‎• Délimiter les espaces négatifs :

Cette technique aidera à saisir la composition globale et l'équilibre de la proportion corporelle du personnage. En vous concentrant sur les zones entourant les traits, vous pourrez mieux comprendre la proportion et l'espacement, ce qui mènera à une représentation plus précise.

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A) Processus de dessin de portrait structurel 101 : Comment placer les traits du visage 🧑‍🎨

Cet aspect se concentre sur l'importance de comprendre la structure anatomique sous-jacente du visage humain pour créer des portraits précis et expressifs.

 

L'art du portrait est une danse captivante entre la perception et la construction, un voyage où la Méthode Visuelle et la Méthode Structurelle s'engagent dans un dialogue perpétuel et enrichissant. Ainsi, par exemple,

‎• La méthode visuelle (Accent sur la perception) :

Cette méthode consiste à vraiment regarder votre sujet, sans blague. 🧐 Il s'agit d'abandonner l'idée d'un visage "parfait" et de simplement s'adapter aux formes et aux angles que vous voyez réellement. Vous seriez moins concentré sur la structure sous-jacente et plus sur la capture des informations visuelles des zones de lumière et d'ombre.

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Considérez cela comme la déconstruction d'un visage en formes de base, un peu comme des LEGO, en vous concentrant sur la façon dont la lumière et l'ombre frappent ces plans. 🧱💡 Cette méthode est simple et change la donne ! Votre observation (Méthode visuelle) vous dit quoi construire. Vous observez, vous construisez,

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Vous observez davantage, vous ajustez la structure, et vous répétez. C'est ce va-et-vient épique, un cycle constant de raffinement qui rend vos portraits légitimes. 💯 Il ne s'agit pas seulement de dessiner ce que vous voyez, mais de comprendre pourquoi vous le voyez ainsi. C'est un mouvement de grand cerveau pour les artistes ! 🧠🎨

Ensuite, il y a,

• La méthode de structuration (Accent sur l'anatomie) :

Cette méthode (que l'on peut aussi appeler la méthode Loomis) consiste essentiellement à construire le portrait à partir du squelette. 💀 Vous commencez par la structure osseuse de la tête, puis vous ajoutez les muscles et les tissus, couche par couche. Il s'agit de comprendre la forme 3D et comment tout s'assemble. C'est comme construire un modèle 3D génial avant même de commencer à peindre. 🏗️

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Ainsi, la structure (méthode anatomique) sert de plan pour construire à la fois le visage et le corps entier en général. Cette structure aide à donner une mesure logique, mais la plupart du temps pas précise à 100 %, de l'emplacement des diverses caractéristiques faciales et corporelles, ce qui peut être vu comme suit :

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‎• Posture dynamique :

‎Des épaules voûtées ou affaissées peuvent suggérer l'insécurité, tandis que des épaules carrées impliquent la confiance.

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Obtenez les bonnes proportions, et le reste se mettra en place.

 

[Comme pour ce personnage féminin, je lui donne des épaules carrées pour montrer sa confiance].

‎Alors, allez-y et jouez avec cette posture autant que vous le souhaitez.

‎• Ajout des expressions faciales et ajustements courants exagérés :

Une fois la construction établie, concentrez-vous sur les détails uniques. Comme ces formes de sourcils originales, la forme carrée inclinée pour former les yeux, la forme de cale 3/4 utilisée pour former le nez, la courbure des oreilles, la façon dont leurs lèvres se courbent et les rides... c'est ce qui rend un portrait spécial. ✨

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Essayez de capturer cette personnalité sur votre photo de référence, car les différentes caractéristiques faciales définissent la façon dont vos spectateurs perçoivent votre personnage de portrait.

• Cheveux de bébé :

La plupart des artistes pensent que ce n'est pas important lors de la peinture d'ajouter des éléments comme les cheveux de bébé. Mais les cheveux de bébé ajoutent du réalisme et de l'intérêt à votre œuvre.

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Même en regardant l'image de référence, vous pouvez remarquer quelques petits cheveux de bébé sur le front de la fille sur l'image.

‎• Regard :

La direction de leurs yeux, qu'elle soit directe, baissée ou de côté, contribue de manière significative au message global du portrait.

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En comprenant la structure et en observant avec précision le sujet, vous pouvez créer des portraits à la fois structurellement solides et visuellement saisissants !

Si vous souhaitez en savoir plus sur la façon d'exagérer ou de modifier la posture et l'expression de votre personnage, je vous conseille de consulter cet article car il contient de nombreux conseils utiles à ce sujet.

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‎3️⃣(a) Conseils sur mon processus de rendu des couleurs d'un portrait ‎

‎• Définir les directions de lumière et d'ombre :

‎Créez une vignette où la lumière et l'ombre jouent un rôle crucial dans la définition de la forme et du volume en utilisant uniquement les couleurs noir, gris et blanc pour simplifier et faciliter les choses. Observez la référence, en cherchant comment la lumière tombe sur le visage, créant des lumières et des ombres en fonction de ce que vous avez observé.

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Car l'utilisation de différentes couleurs complique généralement les choses pour les jeunes débutants et même la plupart du temps pour les artistes expérimentés comme moi.

Maintenant, en prêtant une attention particulière à la vignette sphérique que j'ai créée, vous remarquerez quelques aspects du rendu que j'ai appliqués dans mon processus d'ombrage de sphère.

 

La zone de lumière est composée du point lumineux, de la lumière, de la demi-teinte,

Quant à la zone d'ombre, elle est composée de l'ombre principale, de l'ombre (ombre de forme), de l'ombre portée, de la lumière ambiante et enfin de la lumière réfléchie.

 

Ci-joint, le processus étape par étape (côté droit) :

Cette section démontre comment construire progressivement l'ombrage ;

 

Étape 1 : Commencez par un cercle plat, uniformément ombragé et une ombre portée de base.

 

Étape 2 : Introduisez des zones de lumière et d'ombre distinctes sur la sphère, commençant à montrer la forme.

 

Étape 3 : Développez l'ombre principale et affine les transitions entre clair et foncé, ajoutant plus de profondeur.

 

Étape 4 : Montre la sphère entièrement rendue avec tous les éléments de lumière et d'ombre définis, mélangés en douceur, obtenant une apparence tridimensionnelle réaliste.

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En substance, comprendre l'ombrage sphérique peut grandement aider à servir de guide pratique aux débutants comme aux artistes expérimentés pour améliorer sans effort leur processus de coloration de portrait.

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Le processus de coloration de sphère est l'une des formes les plus élémentaires de coloration, utilisée au fil des ans pour étudier comment ajouter de la couleur à vos sujets.

Si vous saisissez pleinement comment les composants de lumière et d'ombre peuvent être représentés sur la sphère, je suis convaincu que vous pourrez colorer n'importe quoi.

 

Lorsqu'une ombre se forme sur le corps d'un personnage ou un objet, elle prend la forme ou le contour de l'objet en raison de la propre forme du sujet (donc pas d'un objet bloquant le rayon lumineux), ce concept est connu sous le nom d'Ombre de forme. Une caractéristique clé soulignée est que ces ombres de forme ont un "bord doux", ce qui signifie que la transition de la lumière à l'ombre est progressive et lisse, comme montré sur la sphère et les traits faciaux détaillés du personnage, comme pour les joues et la surface supérieure du nez, entre autres.

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Pendant ce temps, prenez une Ombre Portée, qui se forme lorsqu'un objet bloque une source de lumière, projetant sa silhouette sur une autre surface, tandis que la caractéristique distinctive d'une ombre portée, comme montré dans l'image ci-dessous pour la sphère, a son "bord de transition net", ce qui signifie que la limite entre les zones éclairées et ombragées est nette et bien définie. Cela peut être vu dans l'aspect du nez projetant une ombre sur la surface de la joue.

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Ainsi, lorsque nous rendons la couleur de notre personnage, cet aspect que nous venons de parcourir et les concepts nécessaires que nous devons prendre en considération.

‎• Ajout des valeurs de couleur : Capturez l'ambiance de votre personnage

avant de commencer ma coloration, je change d'abord la couleur du line art en rouge, puis je règle le mode de fusion du calque sur [multiplier] et je réduis l'opacité du calque de line art à 60%.

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Maintenant, avant tout, j'ai soigneusement choisi ma palette de couleurs que j'utiliserais pour mon processus de coloration de portrait.

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La manière dont vous pouvez choisir l'ensemble de vos couleurs dans votre référence de portrait sans sélectionner des couleurs au hasard est de cristalliser l'image et la manière dont je procède est la suivante :

 

Allez dans Filtre > Effet > Cristalliser,

Ajustez le paramètre de cristallisation pour faire ressortir les couleurs définies sur l'image de référence, ce qui nous permettra alors de voir les différentes présences de couleurs dans l'image.

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Avec votre palette de couleurs maintenant sélectionnée, vous pouvez utiliser un pinceau d'outil secondaire doux pour ajouter la couleur de base,

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Construisez progressivement les valeurs en ajoutant vos couleurs couche par couche pour créer une forme structurelle tridimensionnelle, assurez-vous que la taille du pinceau est grande et appliquez-les doucement.

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Lorsque vous ajoutez des couleurs de votre palette de couleurs au visage de votre personnage de portrait, il est très important de garder à l'esprit la température de couleur du visage, cet aspect m'aide aussi sérieusement dans ce processus de coloration de portrait. Par conséquent

• Placements de la température de couleur :

Cette technique décrit l'utilisation de la température de couleur pour améliorer le réalisme des portraits.

• Les couleurs chaudes comme le jaune sont appliquées aux reflets du front, tandis que les rouges sont utilisés sur les joues et le nez pour un rougissement naturel.

 

• Les tons plus froids comme le bleu sarcelle/gris définissent les ombres sur le menton et les paupières. L'orange ajoute de la chaleur à la lèvre inférieure, le blanc désaturé met en valeur l'arête du nez et le rose rehausse les lèvres.

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Cette application stratégique de couleurs chaudes et froides crée profondeur, dimension et une apparence réaliste.

Ensuite, définissez la forme de la personne que vous peignez, ajoutez la couleur de la lumière et de l'ombre, cet aspect aide à montrer la direction de la source de lumière et où l'ombre tombera, comme je l'ai mentionné précédemment.

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‎• Ajout de détails et de rendu de texture :

Affinez les détails à l'aide de pinceaux plus petits. Faites attention aux changements subtils de valeurs et de textures. Essayez d'ajouter quelques détails identifiants au visage, comme une peau chatoyante, ou de rapprocher mes lignes parallèles sur le revers du T-shirt,

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‎En utilisant l'outil secondaire textures rugueuses pour ajouter de la texture, vous pouvez suggérer si elle est robuste ou simplifier l'individu avec les détails complexes de son design montrant sa complexité, des détails comme des fleurs pour le T-shirt et des points de pulvérisation pour le pantalon, ce qui, en essence, superpose sa personnalité et sa préférence pour les choses attachées à la nature.

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Maintenant, envisagez d'ajouter plus de détails comme des taches de rousseur, des rides ou des mèches de cheveux, ainsi que quelques follicules pileux. En utilisant l'un de mes nouveaux outils secondaires préférés, connu sous le nom d'outil secondaire peau douce, j'ajoute de la texture de follicules pileux à la peau, ce qui lui donne l'apparence de follicules pileux de la peau d'où poussent les cheveux.

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‎• Créer un décor de composition d'arrière-plan :

L'arrière-plan est un mélange harmonieux de nature et de design moderne. À gauche, un feuillage vert luxuriant crée un décor naturel et vibrant. À droite, un élément architectural contemporain avec des lignes horizontales distinctes offre un contraste structuré. Toute la scène est illuminée par une lumière solaire chaude et tachetée, créant une atmosphère visuellement attrayante et invitante.

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Pour que cette pièce ait un contraste approprié lorsqu'elle est vue par les spectateurs, j'aime faire quelques petites choses.

 

Allez dans filtre > effet > Aberration chromatique, ajustez le réglage de l'aberration chromatique et cliquez sur le bouton OK,

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Pour l'activer sur l'arrière-plan, donnez à l'arrière-plan une sorte d'effet chromatique.

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‎Conseil de pro : Contraste de l'arrière-plan 🔹

Maintenez le contraste de l'arrière-plan bas pour éviter qu'il n'entre en concurrence avec le sujet principal (la personne). Cela aide le sujet à "RESSORTIR" et à être le centre du portrait. 🥳

 

Pour y parvenir, allez simplement dans filtre > flou > Flou de l'objectif, et ajustez les différents paramètres sur le mini tableau de bord du flou qui apparaîtra, puis cliquez sur le bouton OK,

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Et enfin, créez un nouveau calque, réglez le mode de fusion sur [densité linéaire (ajout)] (glow dodge), ajoutez un subtil détail lumineux pour faire RESSORTIR la pièce de portrait.

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‎#️⃣ Conclusion

‎En bref, créer un portrait réaliste dans Clip Studio Paint implique une combinaison de compétences techniques et d'intuition artistique. En personnalisant vos outils et votre espace de travail, en comprenant l'anatomie faciale et en maîtrisant la lumière et l'ombre, vous pouvez élever votre dessin de portrait à de nouveaux sommets.

 

N'oubliez pas que la pratique et l'expérimentation sont essentielles pour développer votre style unique. N'hésitez pas à explorer différentes techniques et paramètres pour trouver ce qui vous convient le mieux. Avec patience et dévouement, vous pourrez capturer non seulement la ressemblance, mais aussi l'essence de votre sujet. Continuez à perfectionner votre art et profitez du voyage créatif ! Adöv vous salue…

 

Au revoir pour l'instant