J'ai posté un tutoriel similaire il y a quelque temps, mais j'ai depuis mis à jour ma façon d'utiliser les photos pour créer des arrière-plans.

Je vais partager avec vous comment utiliser vos propres photos pour faire des arrière-plans si vous voulez un moyen plus facile de les dessiner, car je sais que beaucoup ont du mal à dessiner des paysages en général.

 

Je vais vous montrer comment vous pouvez le faire avec un style lineart, un style manga ou une peinture !

Perspective et Règle de perspective

Nous allons d'abord voir brièvement les différents types de grilles de perspective existantes.

Je n'entrerai pas trop dans les détails et je parlerai des bases pour l'instant, mais suffisamment pour que vous ayez une compréhension fondamentale de la perspective.

Perspective à 1 point

La grille de perspective à un point est utile pour ajouter de la profondeur à un croquis en vue latérale. Elle permet de générer une perspective de gauche à droite et de haut en bas d'une manière simple à contrôler. Cela facilite le transfert des proportions, car elles restent en un à un et n'ont besoin d'être réduites qu'à mesure qu'elles s'éloignent. Cependant, contrôler la profondeur d'un objet en perspective à un point peut être plus difficile, car il peut parfois paraître peu profond ou inintéressant.

 

Dans cette perspective, ni les lignes verticales ni les lignes horizontales ne convergent. Cela rend la perspective à un point rapide et simple à mettre en place et à utiliser.

 

Cela dit, n'oubliez pas que dans chaque type de perspective, il y aura toujours des points de fuite et une ligne d'horizon.

Comme vous pouvez le voir ici, la ligne verte représente la ligne d'horizon, et la croix jaune marque le point de fuite unique de la scène. Tous les objets ou personnages convergeront vers ce point de fuite. Cependant, gardez à l'esprit que les points de fuite peuvent changer en fonction de la rotation d'un objet dans la scène, car chaque rotation peut créer ses propres points de fuite.

Perspective à 2 points

En perspective à deux points, toutes les lignes parallèles convergent, à l'exception des verticales. Les lignes verticales restent verticales et ne convergent pas, restant perpendiculaires à la ligne d'horizon. Cela rend le dessin en perspective à deux points rapide et facile.

Le problème principal survient si les points de fuite sont placés trop près les uns des autres, car cela peut entraîner une distorsion et un aspect non naturel du dessin. Pour cette raison, il est généralement préférable d'éloigner les points de fuite, souvent en les étendant au-delà des bords de la toile, comme montré ici.

Perspective à 3 points

La perspective à trois points est souvent utilisée pour créer des vues dynamiques et dramatiques. Elle n'est pas trop difficile à utiliser ou à contrôler, et parmi les trois principaux types de perspective, elle tend à paraître la plus naturelle. Comme pour la perspective à deux points, il est généralement préférable de maintenir les points de fuite plus éloignés, à moins que vous ne visiez intentionnellement un effet plus exagéré ou très dynamique. Cette perspective est particulièrement utile pour représenter des bâtiments élevés, des angles extrêmes ou des scènes vues d'en haut ou d'en bas.

Comment configurer la grille de perspective

La configuration d'une grille de perspective est assez simple. Allez dans vos règles, sélectionnez la règle de perspective, puis cliquez sur la toile. Les deux premiers clics placeront un point de fuite pour la perspective à un point.

Un nouveau clic ajoutera un deuxième point de fuite pour la perspective à deux points, et un troisième clic créera une perspective à trois points.

En bref : un point de fuite équivaut à une perspective à un point, deux points de fuite à une perspective à deux points, et trois points de fuite à une perspective à trois points.

Lorsque vous cliquez sur la toile, vous pouvez vous déplacer pour contrôler la perspective. Vous pouvez toujours modifier la grille de perspective après l'avoir configurée : il vous suffit de sélectionner l'outil objet et de cliquer dessus. Vous pouvez ensuite déplacer les points de fuite à votre guise.

Si vous voulez que votre stylo s'accroche à la perspective lorsque vous dessinez, cliquez sur l'icône d'accrochage aux règles en haut de votre écran ; vous pouvez la désactiver quand vous le souhaitez.

Si votre stylo ne s'accroche pas à la grille de perspective, même si cette icône est bleue, allez dans les paramètres de votre pinceau et assurez-vous que l'option d'accrochage est cochée.

Utiliser vos images pour créer des arrière-plans avec la règle de perspective

Je vais vous montrer comment j'utilise mes propres photos pour créer des arrière-plans lorsque je n'ai pas envie de les peindre entièrement à partir de zéro.

 

Je vais vous présenter trois styles différents :

• Un qui fonctionne bien pour le manga,

• Un qui se concentre principalement sur le line art mais peut aussi être utilisé pour les webcomics colorés,

• Et un qui a un aspect plus pictural.

 

Bien que je ne montre que ces trois styles, n'hésitez pas à expérimenter et à essayer de tout mélanger ou de combiner tous les styles, ainsi vous pourriez obtenir un résultat spécifique que vous préférez.

Arrière-plans pour Mangas

Je vais vous montrer comment j'ai fait cela en utilisant une photo de la maison de Rosa Bonheur, qui est une peintre française, et cet endroit était près de la maison de mes grands-parents, alors j'ai pris beaucoup de photos quand j'y suis allée, car j'étais vraiment inspirée par l'architecture même si c'est assez courant en France.

Ceci est facultatif, mais je vous recommande vraiment de prendre des photos partout où vous allez. De cette façon, vous pouvez toujours avoir des références pour vos peintures même si vous n'utilisez pas directement une image dans votre dessin, vous pouvez toujours utiliser les lieux que vous avez visités comme source d'inspiration.

Ici, j'ai commencé par effacer le ciel. Je l'aurais peut-être gardé s'il y avait eu plus de nuages, mais il faisait ensoleillé dehors et j'ai donc pensé que je pourrais simplement remplacer le ciel plus tard. Généralement, j'utilise l'outil de sélection automatique ou je vais dans Sélection et je choisis la gamme de couleurs de cette manière : cela sélectionnera tout ce qui est de la couleur que vous avez choisie.

Ensuite, je sélectionne la règle de perspective et j'essaie d'aligner les points de fuite et la ligne horizontale sur la perspective de l'image.

De cette façon, si je dois dessiner par-dessus ou ajouter d'autres objets, cela restera dans la même perspective que l'image et tout restera cohérent.

Ensuite, allez dans Nouveau calque de correction en haut de votre écran, puis sélectionnez Courbe de tonalité. Ajustez la courbe pour augmenter le contraste de votre image afin que, une fois convertie en monochrome, elle apparaisse plus nette. Les réglages exacts dépendront de l'éclairage de votre photo, votre résultat peut donc varier. L'objectif est de rendre l'image très contrastée tout en conservant des détails visibles dans les zones les plus sombres.

Ensuite, j'accentue la netteté de l'image, car je la convertirai en noir et blanc plus tard. Cette étape permet de garantir que les valeurs sont nettes et définies afin que l'image ne paraisse pas désordonnée une fois désaturée. Pour ce faire, allez dans Filtre > Netteté > Accentuer la netteté, et généralement je l'applique plus d'une fois. J'utilise également le Masque flou avec mes réglages préférés.

 

Votre résultat devrait ressembler à ceci, bien qu'il puisse varier en fonction de l'éclairage de votre image originale. Vous devrez peut-être ajuster légèrement les réglages, mais l'objectif est d'obtenir des valeurs claires et fortes afin que, en noir et blanc, l'image commence déjà à ressembler à un line art.

Ensuite, je vais dans les propriétés de mes calques et je change la couleur d'expression de 'couleur' à 'monochrome'. De cette façon, vous pouvez voir comment cela commence déjà à ressembler à un lineart. C'est généralement désordonné à ce stade, vous devrez donc le nettoyer.

Vous pouvez voir comment l'ajustement des curseurs produit des résultats différents—cela dépend vraiment de vos préférences personnelles et de la quantité de contraste que vous souhaitez. Je garde généralement les curseurs au milieu. Une fois satisfait du résultat, je crée un nouveau calque au-dessus du calque monochrome et je le fusionne avec.

 

Souvent, je duplique le calque monochrome en deux calques distincts : un pour les zones blanches et un pour les zones noires. De cette façon, je peux les éditer et les ajuster séparément pour plus de contrôle.

 

Pour ne conserver qu'une seule couleur, il suffit de double-cliquer sur l'icône de la boîte noire ou blanche au-dessus des curseurs.

J'utilise ensuite manuellement l'outil gomme pour supprimer toutes les lignes dentelées ou désordonnées provenant du calque monochrome. Parfois, les ombres peuvent paraître trop sombres, entraînant la perte de détails. Dans ces cas, vous devrez nettoyer certaines zones à la main pour rétablir la clarté.

Comme vous pouvez le voir, c'est un effort fastidieux, mais vous pouvez utiliser certains outils pour faciliter le processus, par exemple vos outils de sélection comme le rectangle ou la polyligne peuvent également s'accrocher à votre grille de perspective. Assurez-vous que l'accrochage est à nouveau activé dans leurs paramètres, et vous pouvez supprimer les parties désordonnées en utilisant les outils de sélection.

Je l'ai fait ici pour ces fenêtres, par exemple.

De nouveau, pour ces fenêtres ici ou chaque fois qu'il y a une forme totalement noire parce que le calque monochrome a rendu chaque ombre trop sombre, allez cliquer sur Sélection en haut de votre écran, puis Réduire la zone sélectionnée, puis supprimez la sélection, et cela créera un line art naturel.

Si votre image semble un peu encombrée ou désordonnée, allez en haut de votre écran et sélectionnez Filtre > Correction > Supprimer la poussière. Cela supprime les particules ou les points irréguliers sur l'image, la rendant plus propre. Il y a aussi un curseur qui vous permet d'ajuster l'effet, car l'utiliser trop fortement peut parfois supprimer des détails importants.

En utilisant les outils de figure, je sélectionne généralement aussi la ligne droite, mais vous pouvez aussi simplement utiliser votre stylo. À ce stade, je redessine tous les bords des objets qui ont été perdus pendant la transformation de la photo. Chaque bordure et contour qui a besoin de définition doit être refait. Par exemple, ici je redessine les bordures des planches en bois qui soutiennent le bâtiment.

Voici à quoi cela ressemble après l'avoir nettoyé. Je pourrais aller beaucoup plus en profondeur, mais j'ai pensé que c'était suffisant.

Comme je l'ai dit précédemment, j'ai conservé un duplicata de la photo originale, je vais donc l'utiliser et la convertir directement en noir et blanc en allant dans le calque, les propriétés et en cliquant sur «ton» (tonalité).

Avec les curseurs sous la postérisation, vous ajustez les tons pour que les valeurs correspondent à ce que vous préférez.

Ici, j'importe une autre photo du ciel et la place derrière la maison pour remplacer la précédente. Ce nouveau ciel a plus de nuages, ce qui rend la scène plus intéressante. Je prévois de le convertir en monochrome, bien que vous puissiez également l'ajuster selon votre style préféré. Je commence par le convertir en tons et ajuster les valeurs à l'aide des curseurs. Ensuite, j'applique à nouveau une Courbe de tonalité pour augmenter le contraste et faire ressortir un peu plus l'image.

Ensuite, j'ajoute du brouillard derrière les objets ou des oiseaux volant dans la scène. Vous pouvez toujours ajouter plus de détails si vous le souhaitez, mais l'avantage de travailler avec des tons est qu'ils préservent les détails même après conversion. C'est ainsi que je crée un arrière-plan en noir et blanc à l'aide d'une photo.

Créer un arrière-plan avec du *line art*

Je vais maintenant vous montrer comment créer ce type d'arrière-plan, que ce soit pour des webcomics ou d'autres projets. J'ai utilisé une photo que j'ai prise lors de la visite d'un château près de la ville de mes grands-parents, ce qui montre comment vivaient de nombreux nobles fortunés à l'époque.

 

Il existe de nombreux styles que vous pouvez utiliser, mais ici je démontre un style line art plus basique avec un ombrage simple. La quantité de couleurs que vous y mettez dépend de vous ; vous pourriez aussi le tracer entièrement en noir comme les bandes dessinées à l'ancienne. N'hésitez pas à utiliser les conseils de ce tutoriel, mais vous n'avez pas à les suivre parfaitement. Vous pouvez toujours ajouter votre propre style et vos touches personnelles.

Encore une fois, je commence par configurer une grille pour mesurer la perspective. Comme vous pouvez le voir, je change l'arrière-plan en supprimant les rideaux, ainsi que la table et la chaise qui se trouvaient au milieu de la scène, y compris le rez-de-chaussée. Je ne voulais pas reproduire la photo exactement, je voulais créer de l'espace pour l'animation des personnages dans la scène. Je ne voulais pas que la chaise bloque le centre, mais si vous préférez garder des éléments plus proches de l'original, n'hésitez pas à l'ajuster à votre guise.

Je place l'image originale sur la toile, et sur un nouveau calque, je commence à tracer en suivant le guide de perspective. Vous n'avez pas besoin de correspondre parfaitement à la photo originale, car les angles de caméra peuvent parfois déformer la perspective. Certains objets peuvent ne pas s'aligner exactement, et c'est normal.

 

Vous pourriez utiliser la même méthode que précédemment – convertir la photo en monochrome – mais pour le style artistique plus net que je recherche, cette approche prendrait plus de temps et pourrait paraître trop désordonnée. Cependant, si vous voulez un résultat plus stylisé, vous pouvez certainement utiliser la méthode monochrome.

L'un des grands avantages de la grille de perspective, bien que cela ne fonctionne qu'avec une grille de perspective à trois points, est qu'une fois configurée, vous pouvez glisser-déposer des objets 3D dans votre scène, et ils s'adapteront automatiquement à la perspective. Par exemple, ici, j'ai placé une fenêtre, un miroir et une épée dans ma scène, et ils se sont alignés correctement avec la grille.

Je fais un clic droit sur le calque 3D et je choisis Convertir en lignes et tons. Cela génère automatiquement les lignes de vos objets. Si votre version n'a pas cette option, vous pouvez toujours utiliser la méthode monochrome : dupliquez votre calque 3D et assurez-vous que les lignes des objets 3D sont claires. De cette façon, lorsque vous convertirez les lignes en tons, les bords resteront nets et bien définis. Pour cet exemple, j'ai choisi de ne pas appliquer les tons.

Ou vous pourriez aussi simplement dessiner vos lignes par-dessus manuellement.

Voici mon line art maintenant. Comme vous le voyez, j'ai pris quelques libertés et ajouté plus d'éléments qu'il n'y en avait sur l'image originale. N'hésitez donc pas à ajouter ce que vous voulez dans votre scène, même si ce n'est pas sur votre image originale.

En utilisant la règle symétrique, je crée ma propre texture de carreaux parce que je voulais quelque chose de différent pour le sol. Après avoir terminé le design, je supprime la règle symétrique et fais un clic droit sur le calque pour le convertir en calque de matériau. Cela me permet de rendre la texture tileable (répétable) et de l'accrocher à la grille de perspective, afin qu'elle s'aligne correctement sur le sol de ma peinture.

L'objet sélectionné, je clique sur la grille de perspective que j'ai configurée précédemment et j'active les trois grilles dans les propriétés de l'outil. Cela facilite la visualisation des points de convergence des lignes et m'aide à accrocher la texture de sol que je viens de créer à la perspective correcte. Vous pouvez également utiliser l'outil Transformation libre pour l'accrocher manuellement. Si vous avez la dernière mise à jour, allez dans le menu supérieur, sélectionnez Affichage > Accrochage, et activez Accrocher à la grille ou Accrocher aux règles. Cela rend l'alignement des objets à la perspective encore plus facile.

Dans ce cas, après avoir soigneusement accroché les carreaux de sol le long de la grille de perspective, j'ai dupliqué le calque du sol et converti le nouveau calque en noir et blanc. Je voulais que les carreaux aient également un contour, j'ai donc réglé ce calque en mode Multiplier.

Je duplique l'image originale pour ne pas perdre le calque de base, puis j'exécute une auto-action sur la copie. Cela donne à la photo un aspect plus illustratif, bien que je l'utilise principalement comme point de départ plutôt que comme résultat final. J'inclurai également une autre auto-action gratuite ci-dessous que vous pourrez essayer.

Ensuite, je nettoie les parties dont je n'ai pas besoin et commence à coloriser les objets 3D que j'ai inclus. Comme vous pouvez le voir, j'ai conservé quelques détails de l'image originale, comme les ornements sur la cheminée et l'âtre où le bois est placé. J'ai également nettoyé toute la cheminée car je prévois d'y dessiner un motif personnalisé.

Ensuite, je commence à dessiner des fissures stylisées dans la pierre, ajoutant de la texture et des détails supplémentaires. Pour les couleurs, j'ai prélevé des tons des ornements existants afin de maintenir la cohérence avec le design original.

J'ai également appliqué un filtre artistique aux piliers en bois supportant le plafond parce que je trouvais qu'ils semblaient trop nets et précis par rapport au reste de la scène. Vous pouvez appliquer cet effet en allant dans le menu supérieur et en sélectionnant Filtre > Effet > Artistique.

En utilisant les mêmes couleurs que j'ai choisies parmi les ornements originaux, j'ai peint de la saleté et de l'usure sur les pierres de la cheminée. Cela lui donne un aspect un peu plus vieilli et utilisé, ajoutant du réalisme à la scène.

N'hésitez pas à utiliser également les matériaux photo de la bibliothèque d'assets. Par exemple, j'ai pris un matériau d'image de nuage en noir et blanc et, en utilisant la grille de perspective, je l'ai accroché pour qu'il corresponde à la perspective du sol. Cela rend le sol plus sale et plus texturé.

Après avoir accroché le matériau nuage pour qu'il s'adapte à la perspective du sol, je suis allé dans Édition > Convertir en couleur de dessin et l'ai changé en une tonalité brun chaud. J'ai ensuite réglé le calque en mode Multiplier et réduit son opacité pour qu'il soit à peine visible. De cette façon, l'effet est subtil mais donne au sol un aspect plus usé et vieilli.

Il est maintenant temps de peindre les ombres. D'abord, j'utilise l'outil de sélection automatique avec d'autres outils de sélection pour faciliter le processus. Je commence généralement par sélectionner un mur entier, puis j'utilise un pinceau doux ou l'outil dégradé pour appliquer l'ombre. La couleur dépend de vous ; ici, j'ai choisi un ton bleuté pour créer un dégradé naturel sur les murs. J'applique généralement le dégradé dans les zones où la lumière est la plus faible, généralement près du plafond ou plus loin de la fenêtre.

Je le ferai également sur le sol, mais gardez à l'esprit que je ferai les murs et le sol séparément afin que les ombres ne se chevauchent pas.

Je peins également les ombres des objets 3D et de tous les autres objets de ma scène, en conservant la même couleur bleue et en mettant le calque en mode Multiplier.

Après avoir terminé les ombres, je fais un clic droit sur le calque d'ombre et je choisis Sélectionner à partir du calque, puis je crée la sélection. Une fois la sélection active, je vais dans Édition > Convertir en couleur de dessin et je choisis une couleur légèrement plus saturée. Ici, j'ai choisi un ton jaune-orange.

Cela peut devenir un peu désordonné, je recommande donc de créer le contour sur un calque séparé au-dessus de votre calque d'ombre. Une fois le contour en place, j'applique généralement un Flou gaussien en allant dans Filtre > Flou > Flou gaussien. Je nettoie également manuellement toutes les lignes désordonnées, en particulier sur les murs et le sol, pour garder l'image nette et claire.

Ensuite, je crée un calque d'écrêtage au-dessus de mon line art et je peins des couleurs plus claires pour correspondre à l'éclairage. L'utilisation d'un masque d'écrêtage garantit que tout ce que vous peignez reste contenu dans les limites du calque sur lequel il est écrêté, empêchant les couleurs de déborder.

Cette étape est facultative – vous n'êtes pas obligé de la faire. En fin de compte, cela dépend du style que vous visez et de vos préférences personnelles, ainsi que du degré de stylisation ou de réalisme que vous souhaitez pour l'image finale. Le résultat dépend également de la façon dont vous ombrez et de la façon dont vous utilisez votre line art et vos couleurs individuelles.

J'ai utilisé les modes de fusion Éclaircir (Lumière douce) et Ajouter (Luminosité) pour améliorer la lumière provenant de la fenêtre et du feu. Ensuite, à l'aide de l'outil Transformer, j'ai ajouté un léger reflet de la lumière de la fenêtre sur le sol, en m'assurant qu'il s'aligne toujours correctement avec la grille de perspective.

Créer un arrière-plan peint

Enfin, je veux vous montrer ma méthode préférée : utiliser l'une de vos photos pour donner à un arrière-plan un aspect plus pictural. Cela demande un peu plus de travail, car il faut peindre et estomper davantage, mais je pense que le résultat final est le meilleur. Commencer par une photo vous donne une base solide pour des éléments comme l'éclairage et la perspective, puis vous pouvez la modifier et la styliser pour la rendre plus unique.

Encore une fois, je commence par configurer la grille de perspective afin que tous les objets que je peins ou dessine s'alignent correctement. J'ajuste également un peu la Courbe de tonalité pour rendre l'image plus claire et un peu plus stylisée. Ensuite, j'exécute l'auto-action que j'ai montrée plus tôt ; je l'utilise généralement à chaque fois car elle facilite grandement le démarrage de la base.

Ensuite, en utilisant les couleurs que je prélève dans les zones les plus sombres de la photo, je commence à rendre les bordures plus nettes. Par exemple, le long de la table, j'affine les bords et je m'assure que l'accrochage à la perspective est activé afin que tout s'aligne correctement ; je désactive l'accrochage pour les objets plus organiques. Je nettoie et définis également les bords autour de la plupart des objets de la scène, comme les bols et les pots ici.

Je continue également à affiner tous les bords des objets, comme cette barre métallique au milieu de la pièce, ainsi que les murs et les fenêtres. J'utilise des tons plus colorés et vibrants pour faire ressortir ces détails et les distinguer de la photo originale.

Ajouter des contours à vos objets rendra la scène plus caricaturale, ce qui est exactement ce que nous voulons ici puisque nous passons du réalisme au style pictural. Nous essayons de nous éloigner de quelque chose qui ressemble trop à la photo originale. L'ajout de quelques contours ici et là y contribue. Ils n'ont pas besoin d'être parfaitement droits – des lignes légèrement tremblantes ajoutent en fait au charme et donnent à la scène une sensation de dessin à la main, picturale.

J'accentue également généralement les ombres et les lumières sur les objets de la scène, comme les reflets sur la table et les citrouilles. Les ombres sont également un peu plus stylisées, vous pouvez le voir ici avec les ombres du blé et les ombres des pots sur la table.

Puisque nous passons d'une photo réaliste à un style pictural, il est important de styliser vos ombres et vos lumières. Je rends mes couleurs beaucoup plus vibrantes qu'elles n'apparaîtraient dans la vie réelle, et je garde les ombres plus nettes mais plus claires ; si elles sont sombres, elles tirent généralement vers le gris. Aux bords de certaines ombres, je rends également les couleurs plus saturées qu'elles ne le seraient naturellement, ce qui ajoute de la profondeur et donne à la scène un aspect plus dynamique et pictural. Cette approche aide à créer une sensation douce, presque aquarelle, tout en maintenant l'image vivante et visuellement intéressante.

Je remplace également le feuillage qui semblait un peu désordonné après l'auto-action précédente par un pinceau de feuillage standard. Ensuite, j'ajoute un autre ajustement de Courbe de tonalité pour rendre l'image plus claire, légèrement plus contrastée et plus lumineuse. Cela aide à éloigner davantage l'aspect de la photo originale, lui donnant une sensation plus fantaisiste et picturale.

Je vais répéter le même processus ici avec une autre photo que j'ai prise. Comme il y a beaucoup de feuillage sur celle-ci, je dois principalement le repeindre, car l'auto-action ne gère pas très bien les feuilles. Pour m'assurer de ne pas trop m'éloigner des valeurs originales, je place la photo originale côte à côte – convertie en monochrome – afin de bien voir les principales ombres et zones de lumière. Cela me sert de référence pendant que je peins.

Pour le feuillage, je n'utilise pas de pinceaux spéciaux – juste ceux de base dans Clip Studio (bien que vous puissiez essayer des pinceaux d'assets si vous préférez). Je prélève les couleurs du feuillage de la photo après avoir exécuté l'auto-action, puis je peins par-dessus. Je commence généralement par le feuillage le plus foncé, puis j'ajoute des tons plus clairs par-dessus.

Je pourrais également utiliser Sélectionner la gamme de couleurs en allant dans le menu supérieur, en cliquant sur Sélection > Sélectionner la gamme de couleurs. Cela sélectionnera tous les objets ou couleurs de votre scène qui correspondent, ou sont similaires, à la couleur que vous choisissez. Ensuite, je vais dans Édition > Convertir en couleur de dessin et je la change pour la couleur que je souhaite.

 

Pour les couleurs du feuillage, j'aime être légèrement coloré : un brun chaud pour certaines zones, des tons gris ou bleus pour styliser les ombres, un vert vibrant pour les zones plus claires, et un vert très clair, presque jaune ou proche du blanc – pour les lumières les plus vives. Superposer les couleurs de cette manière ajoute de la profondeur et donne au feuillage un aspect plus pictural.

Je vais également configurer à nouveau la grille de perspective afin de pouvoir tracer des bords plus nets, comme les sommets des bâtiments, les murs en pierre et les fenêtres. J'utilise la grille pour me guider lors de la création du pont au-dessus de la tour. L'utilisation de la grille de perspective aide à maintenir tout ancré dans la scène et garantit que les proportions restent correctes.

Pour tout affiner, j'accentuerai les reflets, en utilisant le mode de fusion Éclaircir (Densité couleur).

Si vous souhaitez que la palette de couleurs diffère de la photo originale ou que la scène ait un aspect plus fantaisiste et stylisé, je vous recommande d'utiliser Correspondance des couleurs ou Cartes de dégradé. C'est ce que j'ai fait ici pour donner à ma photo une palette plus bleutée et des tons plus jaunes.

 

Pour ce faire, allez dans Édition > Correction tonale > Carte de dégradé ou Correspondance des couleurs. J'ai utilisé Correspondance des couleurs ici, mais cela dépend de l'aspect que vous souhaitez, je vous recommande donc d'expérimenter avec différents dégradés. Vous pouvez en télécharger d'excellents depuis la bibliothèque d'assets ou créer les vôtres.

J'ai relancé l'auto-action et j'ai commencé à peindre directement sur la photo. J'ai utilisé un pinceau aquarelle pour accentuer les ombres, comme les ombres des arbres sur le sol et le mur de pierre plus proche de la caméra. Je recommande parfois de simplifier les ombres et les valeurs, car des ombres plus définies rendent les valeurs globales plus claires et plus faciles à lire.

Une fois de plus, j'ai utilisé la règle de perspective pour m'assurer que les bords des bâtiments et du château étaient corrects et plus faciles à peindre. J'ai également simplifié les formes du feuillage et de leurs ombres, en les stylisant par un aplat de couleurs pour donner à la scène un aspect plus net et plus pictural.

Ensuite, je continue et j'ajoute plus de détails, en me concentrant sur la création de reflets plus forts et plus stylisés. Gardez à l'esprit que dans la vie réelle, même dans les ombres très sombres, vous pouvez souvent voir quelques détails, mais comme il s'agit d'une peinture, vous n'avez pas toujours besoin de dessiner chaque détail dans les zones les plus sombres. Par exemple, les buissons sont déjà assez sombres, donc je ne me soucie pas de dessiner chaque feuille dans leurs ombres.

L'utilisation de dégradés est un moyen très rapide de donner à votre image un aspect un peu plus stylisé immédiatement. L'auto-action ou le filtre artistique peuvent aider à l'améliorer davantage, mais au final, vous devrez toujours nettoyer, corriger ou repeindre manuellement certaines parties de votre arrière-plan. La grille de perspective est particulièrement utile pour les scènes urbaines, car la plupart des objets ont des lignes et des bords droits. Elle est excellente pour corriger tout problème de line art que l'auto-action, la conversion en lignes ou les modes monochromes pourraient manquer.

Vous pouvez également simplement utiliser vos photos comme référence pour pratiquer les valeurs et les ombres. Placez la photo côte à côte avec votre dessin, et si vous ne pratiquez que les ombres, utilisez l'image originale comme guide. Prélevez les couleurs des ombres, mais ajustez les couleurs pour qu'elles correspondent à votre style de dessin, en l'utilisant essentiellement comme une étude.

 

J'aime aussi utiliser cet outil de la bibliothèque d'assets car parfois la grille de la règle de perspective peut être difficile à voir. Le fait de la glisser-déposer dans votre grille de perspective existante peut rendre les lignes convergentes beaucoup plus claires.

Merci d'avoir lu !

J'espère que cela a pu vous aider d'une manière ou d'une autre ! J'ai d'autres tutoriels disponibles si vous êtes curieux et voici mon compte Instagram où je poste la plupart de mes créations. Merci d'avoir lu et à la prochaine fois.🦦