Dans cet article et cette vidéo, découvrez des façons d'attirer l'attention sur vos personnages dans des compositions en pleine page ! Ces astuces peuvent également être appliquées aux illustrations à mi-corps et aux portraits ! ^^

Intro ! >:D

Si vous voulez des astuces et des techniques de composition époustouflantes, à couper le souffle, à incorporer dans vos illustrations, alors VOUS ÊTES AU BON ENDROIT ! >:D

 

Salut, Étoiles Filantes ! Je m'appelle Dreamer ! :D

 

Et dans cet article, je vais parler de la composition et vous montrer quelques méthodes que vous pouvez utiliser pour les incorporer dans vos illustrations afin de transmettre efficacement cet élément dans vos illustrations en pleine page ! Bien que ces astuces puissent également être appliquées aux illustrations à mi-corps et aux portraits. ^^

 

Maintenant, nous avons BEAUCOUP de terrain à couvrir, alors sans plus attendre, commençons ! >:D

Qu'est-ce que la composition ? :0

D'accord, pour ceux qui sont nouveaux dans l'art, vous vous demandez peut-être : « Qu'est-ce que la composition ? :0 »

 

Eh bien, pour le dire en termes simples – je n'ai absolument pas cherché de clarification ou quoi que ce soit ; *HEM !* – la composition est un élément de l'art, et c'est la façon dont une illustration est assemblée, ou composée, pour créer une pièce cohérente ou complète.

 

En gros, vous prenez différentes pièces d'un puzzle – votre point focal principal, votre arrière-plan, vos couleurs, etc. – et vous les combinez en une seule illustration qui attire l'œil du spectateur et a du sens ; même si l'art lui-même est abstrait.

Pourquoi est-ce important ? :/

Maintenant, une autre question que vous vous posez peut-être : « Pourquoi est-ce important ? :\/ »

 

Croyez-le ou non, la composition est une partie vitale d'une illustration ; elle aide à s'assurer que les éléments s'accordent dans une illustration, aide à garantir que le point focal est perceptible, maintient les yeux du spectateur voyageant comme vous le souhaitez... c'est l'un de ces héros méconnus, vous savez ? ^^

 

Donc, tout cela étant dit, je vais me plonger dans les différentes façons de donner à vos personnages l'attention dont ils ont besoin dans vos illustrations ! Encore une fois, gardez à l'esprit que ce sont des illustrations en pleine page que je vous montre ; mais les mêmes méthodes peuvent être appliquées pour des pièces à mi-corps, des portraits, et même des œuvres d'art sans personnages !

 

D'accord, c'est parti ! >:D

Deux catégories principales pour la composition !

Maintenant, la façon dont je le vois, il y a deux catégories dans lesquelles vous pouvez séparer la composition d'une illustration :

 

L'espacement et le contraste.

 

Vos aspects « spatiaux » concerneront la façon dont certains personnages ou éléments sont placés sur la toile ; tandis que vos aspects de « contraste » de la composition concerneront généralement les choses relatives à la valeur ou à la couleur de l'illustration.

Je vais passer en revue les deux catégories avec vous ; en commençant par l'espacement ! ^^

Espacement !

Regardons cette illustration. On peut supposer que le personnage qui marche dans la direction opposée est le centre d'attention, mais il est un peu difficile pour vos yeux de se fixer sur lui quand il est si proche de tout le reste, n'est-ce pas ?

 

 

C'est là que notre premier aspect de l'espacement de votre composition entre en jeu ! >:D

Croyez-le ou non, c'est l'espacement !

Votre espacement dans la composition artistique est essentiellement la façon dont les éléments sont rapprochés ou éloignés sur la toile pour attirer l'attention — ou la détourner — sur certaines choses de l'œuvre.

 

La façon la plus simple de composer l'espacement de vos personnages dans une illustration est :

La règle des tiers !

La règle des tiers consiste à diviser votre toile en trois colonnes et trois rangées ; et les points d'intersection et les lignes verticales sont des repères pour l'endroit où vous pouvez placer les personnages et les éléments de votre illustration pour les mettre en évidence ou non.

 

Pour cette illustration, je veux que l'attention soit portée sur Torren. Donc, pour m'assurer qu'il est le point focal, je vais l'éloigner davantage pour l'isoler et attirer l'œil du spectateur vers son emplacement. Il est déjà un peu sur les lignes, mais je vais le déplacer un peu plus ! :D

En divisant la toile en trois rangées et trois colonnes avec l'outil ligne, je vais ensuite déplacer Torren vers l'un des points d'intersection, loin de la foule, pour m'assurer qu'il reçoit l'attention qu'il mérite.

 

(Pour une ligne droite, maintenez la touche MAJ enfoncée !)

Et, BAM ! Composition instantanée ! L'espace négatif [une partie de l'illustration avec de l'espace vide, comme un ciel ouvert] est un excellent moyen de mettre en évidence votre personnage comme la partie principale d'une illustration. :)

Mais ça pourrait être un peu mieux, non ? La foule attire toujours l'attention, car il y a trop de détails sur elle. :\/

 

C'est là qu'intervient notre prochain aspect ! >:D

Perspective !

Vous pouvez utiliser la perspective pour facilement attirer l'attention sur les éléments que vous souhaitez que le regard du spectateur suive dans votre illustration en imaginant leur regard comme un objectif d'appareil photo !

 

Vous savez comment votre appareil photo floute automatiquement les éléments trop proches de lui pour se concentrer sur le point focal sur lequel vous zoomez ? C'est exactement ce qui peut être utilisé ici ! :D

 

Si vous voulez vous assurer que l'œil du spectateur reste sur le point focal, estompez toutes les distractions qui pourraient détourner son regard ! Un moyen simple de le faire est d'ajouter un flou gaussien aux éléments que vous voulez mettre hors de mise au point ; c'est ce que j'ai fait à la foule dans cette illustration !

 

Pour l'effet de flou gaussien, sélectionnez [FILTRE], puis [FLOU], puis [FLOU GAUSSIEN] !

J'ai essayé de l'enregistrer pour que vous puissiez le voir, mais la résolution du GIF est un peu floue. Mes excuses, j'espère que vous pourrez quand même voir où aller à partir de cela ! >_<

Et, voilà ! C'est ainsi que vous avez appris à ajouter de la perspective à votre illustration pour mettre en évidence le personnage !

 

C'est une technique *très* efficace ; je vous la recommande vivement ! :D

Une autre façon d'incorporer la perspective dans votre composition est d'ajuster l'aspect suivant de la composition spatiale !

Échelle !

Disons que vous avez ces deux personnages côte à côte.

 

(Je sais que j'ai dit en pleine page, mais soyez indulgents. -w-)

 

Mais vous voulez que le Personnage A (vers lequel la flèche pointe) se démarque plus que le Personnage B.

Maintenant, une façon simple de faire cela est de rendre la tenue du Personnage A d'une couleur différente de celle du Personnage B et de l'environnement, mais cela ne met pas vraiment l'accent sur le fait que le spectateur devrait se concentrer le plus sur ce personnage, car ils partagent toujours la même taille et la même perception de la profondeur.

Donc, si vous voulez vraiment transmettre que le Personnage A est celui auquel les spectateurs doivent prêter attention, vous pouvez le rendre plus grand ou plus proche de la caméra proportionnellement au Personnage B, en veillant ainsi à ce que l'œil du spectateur se dirige d'abord et avant tout vers lui avant toute autre chose sur l'illustration !

Ensuite, vous pouvez ajouter des couleurs et des flous de perspective pour renforcer davantage l'attention portée au Personnage A, ainsi que des éléments de l'environnement.

Et, pour en revenir à ce que j'ai dit précédemment, si vous changez d'avis et que vous voulez mettre l'accent sur le Personnage B au lieu du Personnage A, tout ce que vous avez à faire est d'ajouter un flou de perspective à ce dernier pour vous concentrer sur le premier, de changer les couleurs de leurs tenues et des éléments environnementaux, et le tour est joué ! Même effet ; taille et personnage différents. :)

La prochaine façon de situer vos personnages pour la composition artistique est d'utiliser…

Formes !

Si vous ne le savez pas déjà, différentes formes transmettent différentes significations au spectateur.

Les formes avec des lignes plus dentelées et des bords nets sont généralement utilisées pour transmettre des sentiments de danger, de pouvoir, d'agressivité ou d'excitation.

Tandis qu'une forme avec plus de courbes et des bords arrondis est typiquement utilisée pour transmettre des sentiments de calme, de confort, de paix ou de sécurité ! ^^

Donc, si vous voulez que votre personnage dégage une certaine ambiance ou tonalité dans votre illustration, considérez les formes dans lesquelles il est posé !

Exemple !

Disons que je veux transmettre une ambiance plus éthérée, rêveuse, réconfortante. Pour cela, j'utiliserais un langage de formes plus rondes pour la pose de mon personnage ; comme un ovale ou un cercle ! :D

 

Pour cet environnement, je voulais qu'un ange soit au milieu des cieux dans une tonalité apparemment onirique ou surréaliste. Un ange devrait être gracieux et calme, n'est-ce pas ? Alors, je vais poser son corps avec une forme ronde, lui donnant un cadre souple et détendu.

Vous pouvez également utiliser d'autres éléments de l'environnement pour indiquer au spectateur la tonalité générale de l'illustration ! Les nuages doux sont utilisés pour renforcer la paix, l'éthéré et le calme de l'œuvre.

Et, voilà ! Doux, surréaliste et plein de grâce. -w-

Cela peut prendre un certain temps pour s'y habituer – je sais que j'ai moi-même du mal avec ça – mais cela peut vraiment être un excellent moyen de poser vos personnages et votre environnement pour ajouter une certaine tonalité à vos illustrations ! Si vous avez du mal avec la pose de personnages, les modèles 3D sont un excellent moyen de vous donner une idée de l'apparence que vous voulez leur donner dans l'illustration (j'utilise personnellement l'application Magic Poser pour la pose de personnages, ainsi que les modèles 3D de CSP pour les bâtiments) ; mais vous n'aurez peut-être même pas besoin de poser votre personnage comme ça !

En cas de doute ?

Le simple fait de positionner l'environnement pour transmettre les mêmes émotions avec ces formes fera la même chose, tant que votre point focal se trouve à un endroit qui avertit le spectateur qu'il est, en fait, le centre de l'œuvre ! :D

 

Et, en cas de doute, l'espace négatif au milieu d'un environnement bondé est toujours un excellent moyen de positionner votre personnage pour qu'il soit le composant principal. -w-

D'accord, nous avons donc appris que la règle des tiers, la perspective et les formes dans lesquelles un personnage est posé ou autour de lui peuvent aider à créer une composition qui le met en évidence comme point focal.

 

Mais ce n'est que la moitié du processus de composition : vous devez également comprendre comment l'éclairage et les couleurs peuvent aider à attirer l'attention sur votre personnage !

 

C'est là qu'intervient la seconde moitié du processus : le contraste ! >:D

Contraste !

Lorsque nous débutons dans l'art numérique, nous voulons toujours utiliser beaucoup de couleurs pour que les spectateurs se concentrent sur ce que nous voulons. Mais, s'il y a quelque chose de plus important que la couleur pour transmettre l'attention dont nous avons besoin, c'est…

Valeur !

Il y a une confusion compréhensible entre la valeur et la couleur (dont nous parlerons plus tard) ; mais alors que la couleur est une certaine teinte utilisée à partir des échantillons primaires ou secondaires — ou de mélanges des deux — la valeur est la clarté ou l'obscurité de cette teinte.

 

Ainsi, vous pouvez avoir la même teinte — comme le bleu, par exemple — mais elle peut avoir une valeur, ou une nuance, différente.

Je sais que cela semble un peu déroutant, mais je vous promets que vous utiliserez les valeurs comme un pro après cela ! ^^

 

Le but principal de la composition est d'organiser les aspects de votre illustration comme vous le souhaitez sur la toile afin qu'elle paraisse naturelle et attire le regard du spectateur vers le point focal principal de l'œuvre ; ce qui, dans ce cas, serait la forme du personnage.

 

Donc, si vous voulez attirer l'attention sur leur pose parmi toutes les valeurs sombres — ou vice versa — tout ce que vous avez à faire est de vous assurer que leurs valeurs sont plus sombres ou plus claires que leur environnement, et BAM ! L'œil du spectateur comprend immédiatement que vous voulez que son attention soit principalement portée sur le personnage, et non sur son environnement.

 

Pour vérifier la valeur de votre illustration, vous pouvez toujours ajouter un nouveau calque au-dessus de votre dessin, changer le mode de fusion en [COULEUR], et remplir tout ce calque avec du blanc ! Cela vous donnera une idée de la progression de votre ombrage, et cela vous aidera à décider si vous devez ajuster l'éclairage de votre point focal ! :D

C'est aussi une raison pour laquelle certains artistes disent de « se concentrer sur le développement d'un œil pour les valeurs avant les couleurs » — parce qu'une fois que vous comprenez l'éclairage et la perception de la profondeur pour le spectateur, vous pouvez alors utiliser les couleurs pour aider à souligner ce que l'ombrage a déjà mis en évidence.

 

... Sans jeu de mots. ._.

 

Bref, ON CONTINUE ! >:D

 

La dernière chose que vous pouvez utiliser pour augmenter le contraste de votre personnage dans votre composition est…

Couleur !

Donc, votre personnage se démarque déjà par la seule différence de valeur. Excellent ! :D

Mais que se passe-t-il si vous voulez aller plus loin ? Que se passe-t-il si vous voulez vraiment vous assurer que vos spectateurs accordent à votre personnage l'attention qu'il mérite ? :\/

C'est là que la COULEUR entre en jeu, mon ami ! >:D

Il existe une pléthore de schémas de couleurs que l'on peut utiliser pour la composition de l'illustration [monochromatique, analogue, triadique, tétradique pour n'en nommer que quelques-uns] ; mais puisque nous parlons d'apporter du *contraste* à un personnage afin qu'il se démarque de son environnement, celui sur lequel je veux me concentrer est le…

Schéma de couleurs complémentaires

Comme son nom l'indique, un schéma de couleurs complémentaires est un ensemble de couleurs qui se « complètent » ou qui vont bien ensemble ; généralement parce qu'elles sont opposées l'une à l'autre sur le cercle chromatique, ce qui signifie que leurs teintes chaudes et froides ou froides et chaudes contrastent d'une manière esthétiquement agréable pour le spectateur.

 

Vos schémas de couleurs complémentaires de base sont des comme :

 

Rouge et Vert…

Bleu et Orange…

Et Violet et Jaune…

... mais tant que vous vous placez du côté opposé du cercle chromatique par rapport à la première teinte que vous avez sélectionnée, sa couleur complémentaire vous sera donnée, quoi que vous choisissiez ! :)

Alors, revenons à cette illustration. Nous avons l'espacement correct, la forme et la perspective sont excellentes, et les valeurs sont toutes planifiées. Maintenant, nous voulons accentuer encore plus le contraste du personnage en y ajoutant de la couleur !

 

Le bleu et l'orange est mon schéma de couleurs complémentaires préféré, c'est donc celui que je vais utiliser ici. ^^

 

De plus, il est dehors, donc... ça a du sens... mais...

 

Bref ! >:,D

Pour ajouter de la couleur à vos dessins en niveaux de gris, ouvrez simplement un nouveau calque et changez le mode de fusion en [COULEUR] ou [INCRUSTATION] ! Vous pouvez alors ajouter des couleurs sans affecter l'ombrage ! :D

 

Je vais rendre le ciel bleu. Maintenant, il serait logique de rendre le ballon de basket orange, n'est-ce pas ? Mais cela ferait du ballon le point focal ; pas Hye-Jin. Donc, plutôt que de faire cela, je vais m'assurer que Hye-Jin soit mis en lumière en faisant en sorte que ses vêtements aient un schéma de couleurs principalement orange, et je donnerai au ballon un design différent, afin qu'il ne nuise pas à son importance dans l'œuvre.

Les cerceaux de basket sont également généralement rouge-orange ; et bien que cela puisse fonctionner pour faire aller et venir l'œil du spectateur du cerceau au visage de Hye-Jin, je ne veux vraiment pas que l'attention du spectateur se détourne trop de lui ; alors je prendrai le bleu du ciel et je l'aérograpierai sur le haut du panier de basket afin d'ajouter une perception de la profondeur et d'atténuer son contraste, en m'assurant qu'il soit sous les feux de la rampe. :)

Après cela, vous pouvez ajouter un peu de flou de perspective si vous souhaitez mettre davantage l'accent sur le personnage, peut-être ajouter quelques éléments supplémentaires, et voilà ! Votre illustration est terminée !

 

YAAAAAHHHHH !!!! >:D

Conclusion ! :D

ÉTOILES FILANTES !! FÉLICITATIONS !! >:D

 

Vous venez d'apprendre différentes astuces et techniques pour vous assurer que vos illustrations en pleine page (ou portraits à mi-corps) mettent l'accent sur votre personnage et sa pose !

 

Je suis si fier de vous !! -w-

 

Il est possible que ces techniques ne fonctionnent pas pour vous, ou ne soient pas ce que vous recherchez, et c'est tout à fait normal ! Continuez simplement à explorer et à apprendre de nouvelles méthodes et astuces jusqu'à ce que vous en trouviez une qui corresponde à votre style !

 

Néanmoins, j'espère que vous avez trouvé quelque chose dans cet article qui vous a un peu aidé. Un grand bravo à tous les artistes que j'ai étudiés et dont j'ai appris ! ^^

 

D'accord, Étoiles Filantes, c'est tout ce que j'ai pour cette vidéo ! Je vous souhaite le meilleur ! Joyeux Noël, Bonne Année, que Dieu vous bénisse, et bonne création ! >:D

Ressources CSP utilisées !

Ce sont les ressources que j'ai utilisées pour le couloir de l'école et le panier de basket ! :D