Introduction

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Bonjour à tous, je suis Cherry, une artiste paysagiste et dans ce tutoriel, je partagerai avec vous mes conseils sur la façon de concevoir et de dessiner des paysages et comment obtenir l'aspect traditionnel dans Clip Studio Paint.

Je partagerai mon processus complet pour un paysage à l'aquarelle et une peinture à l'huile en plein air simple et facile.

Il existe une version vidéo (ci-dessus) et une version texte (ci-dessous).

 

 

Chapitre un : Comment aborder les paysages comme un artiste traditionnel

Planifier le paysage : L'idée

Que voulez-vous dessiner ?

Il est aussi nécessaire de savoir ce que vous voulez dessiner qu'il est utile de noter vos idées.

Cela peut sembler idiot au début, mais en tant qu'artiste, vous êtes forcément exposé à d'innombrables illustrations, photographies et paysages réels qui inspireront d'innombrables idées et thèmes dans votre tête, mais souvent vous vous sentirez dépassé par toutes ces idées au point de ne rien dessiner du tout.

C'est pourquoi (surtout pour les débutants) je trouve très utile de vous demander ce que vous voulez dessiner et de le noter pour vous concentrer sur une idée à la fois.

Voyons un exemple :

Je veux dessiner un champ éclairé par le soleil, peut-être une campagne douillette.

L'idée est là (un champ) mais c'est encore un peu vague, alors détaillons :

Quelle est l'heure de la journée ?

Voulez-vous dessiner une illustration sombre (Nuit) ? Une ambiance romantique (Coucher de soleil) ? Un nouveau début (Matin) ?

Je veux dessiner une illustration ensoleillée, alors je pense : Matin, après-midi.

Quel temps fait-il ?

Pleut-il ? (Pourrait indiquer une scène triste)

Y a-t-il du brouillard ? (Une illustration mystérieuse)

Fait-il beau ? (Heureux, Journée normale)

Je le veux clair, peut-être ensoleillé.

Quels sont les éléments de mon illustration ?

Je veux un paysage ouvert mais je ne veux pas qu'il soit encombré alors : un champ, une maison (peut-être une seconde au loin), le ciel, je veux aussi des fleurs, peut-être un arbre ou des buissons ?

Maintenant, l'idée devient plus claire mais...

Où placer ces éléments pour former un paysage harmonieux ou captivant ?

 

 

Placer les éléments : Composition

Première question : Quelle partie occupe la plus grande partie de mon paysage ? Le champ ou le ciel ?

La ligne d'horizon :

La ligne d'horizon représente le niveau des yeux.

Une ligne d'horizon basse donne plus d'espace au ciel.

Elle est plus adaptée pour dessiner des ciels dramatiques avec de gros nuages, des tempêtes ou des couchers de soleil.

 

 

Une ligne d'horizon haute donne plus d'espace au sol.

Idéale pour les champs, les forêts et tout ce qui est basé au sol.

 

 

Une ligne d'horizon médiane donne un espace égal au ciel et au sol, ce qui peut créer une scène harmonieuse et stable.

Après avoir décidé où placer votre ligne d'horizon.

Où exactement voulez-vous que l'attention du spectateur se porte sur votre tableau ?

Voulez-vous que le spectateur se concentre sur l'arbre ? La maison ? Les fleurs ?

La réponse à cette question décidera de votre point focal.

Le point focal est l'élément ou la zone du tableau où vous voulez que le spectateur porte le plus d'attention.

En notant vos réponses, vous pouvez essayer plusieurs résultats et concevoir différentes compositions, en utilisant des vignettes (petits croquis rapides).

 

 

Voyons quelques-unes des compositions les plus utilisées lors du dessin de paysages :

La proportion dorée : Le point focal est placé à l'intérieur de la mini-boîte.

Cette forme de composition est disponible partout en ligne et elle est très célèbre car elle fonctionne dans la plupart des illustrations et de la cinématographie, d'où le nom de nombre d'or.

La règle des tiers : Vous divisez la toile en trois parties égales horizontalement et verticalement, et le point focal peut être placé à l'une des 4 intersections.

Ici, j'ai placé mon point focal sur l'intersection inférieure.

Composition en cadre : En gros, vous dessinez un élément ou des éléments qui encadrent votre illustration.

Dans cette illustration, j'ai fait en sorte que le cerisier en fleurs et la lumière tachetée entourent mon élément principal qui est la boutique de fleurs).

Composition par valeur : l'œil sera naturellement attiré par le point de contraste le plus élevé, donc si vous placez votre point focal dans une valeur différente, il ressortira naturellement.

Alors que si toutes les valeurs sont assez proches en gamme, le point focal ne se distinguera pas des autres éléments.

Vous pouvez combiner les compositions pour créer une illustration, comme je l'ai fait en utilisant à la fois la composition en cadre et la composition par valeur dans mon illustration de boutique de fleurs : j'ai rendu le cerisier et la lumière tachetée dans une valeur claire, tandis que la boutique de fleurs est dans l'ombre (valeur plus foncée)

Une autre chose qui aide à guider le spectateur vers le point focal est la direction des autres éléments : dans l'illustration suivante, j'ai tout utilisé, des avions en papier à la forme du sol, pour guider le spectateur vers les restes de l'avion.

Les nuages latéraux pointent également vers les restes de l'avion (point focal) pour maintenir l'œil sur l'illustration.

Les deux compositions que j'utilise le plus sont la proportion dorée et la règle des tiers.

C'est simple, facile et très équilibré.

Et c'est ce que je recommande aux débutants.

Vous devriez toujours apprendre les choses faciles avant d'essayer quoi que ce soit de spectaculaire.

Peindre avec des formes

Dans l'art traditionnel, surtout si vous êtes débutant, il est beaucoup plus facile de peindre lorsque vous vous concentrez sur les formes (de grandes formes lisibles) plutôt que sur les détails.

Par exemple : ne nous soucions pas des feuilles de l'arbre et de l'endroit où la lumière frappe chaque feuille, dessinons plutôt la forme principale de l'arbre, puis séparons la zone de lumière et la zone d'ombre.

puis procédez à l'ajout de quelques détails (mais pas de petits détails comme les feuilles). Le cerveau capte automatiquement l'idée de la forme générale tant qu'elle est claire et lisible pour ce qu'elle est censée représenter.

Si vos yeux ne sont pas entraînés à voir de grandes formes, plissez les yeux ou floutez l'image (flou gaussien dans CSP).

Filtre : Flou : Flou gaussien : Ajuster la force.

Un autre point est de ne pas reprendre toutes les formes d'une référence. Juste les principales. Si vous avez 6 roches différentes, utilisez-en peut-être 2 ou 3 et placez-les à des endroits significatifs, que ce soit pour améliorer l'idée du paysage ou pour guider l'œil du spectateur.

Parce qu'à un certain point, il devient inutile de dessiner tous les éléments de la nature dans une seule illustration !

Exemple dans un paysage :

Forme du ciel et des nuages, silhouette de la montagne, arbres, le sol. C'est tout.

Comme dans cette illustration, il est tout naturel que de nombreuses pommes soient tombées des arbres, mais je n'en ai dessiné qu'une pour exprimer l'idée, car en dessiner beaucoup rendrait l'illustration très encombrée sans raison évidente. (Même chose avec le panier).

Il suffit de comprendre l'idée que des gens ramassent des pommes dans des paniers par une belle journée ensoleillée de printemps.

Choses à éviter en peinture traditionnelle

1. N'utilisez pas de pinceau doux (Aérographe)

Cela crée des dégradés plastiques (souvent très difficiles à obtenir avec des outils d'art traditionnels).

Cela supprime la texture et donne un aspect pulvérisé, non peint.

Comme ce ciel :

 

 

Au lieu de cela, utilisez des pinceaux texturés, ne peignez pas d'un seul coup de pinceau, utilisez différents pinceaux et choisissez vos couleurs manuellement, ne répétez pas simplement les mêmes couleurs sur la toile.

2. Ne pas tout mélanger

Cela tue la texture et nous revenons à l'« aspect numérique doux et plastique », et cela perturbe également les formes lorsque vous mélangez trop = vous ne pouvez pas distinguer le bord entre la lumière et l'ombre.

 

 

Au lieu de cela : Superposez les coups de pinceau, laissez les couleurs reposer côte à côte, mélangez UNE SEULE FOIS, puis arrêtez, et utilisez un mélangeur de texture.

Si vous ne voyez plus les coups de pinceau, vous en avez trop fait.

3. N'utilisez pas de couleurs saturées

Il est très souvent difficile d'obtenir un éclat avec les médias traditionnels, il est donc préférable de s'en tenir aux couleurs aux tons normaux et de ne pas utiliser le mode de fusion « ajouter un éclat » ou « densité couleur ».

Exemple : Numérique :

Traditionnel :

4. Ne zoomez pas : Cela vous oblige à vous concentrer sur des détails inutiles.

Au lieu de cela, gardez la toile pleine et dézoomée pour vous concentrer sur de grandes formes.

5. Ne faites pas tous les bords nets

Si tout est net et défini, cela semble très numérique.

N'utilisez donc pas l'outil lasso, et si vous le faites, peignez par-dessus pour effacer le bord net avec des coups de pinceau naturels.

6. Ne nettoyez pas trop

Sur-polissage = Numérique.

Laissez de la place aux erreurs, car elles peuvent parfois ajouter un bel aspect naturel.

7. Ne rendez pas tout de manière égale

Cela signifie que vous voulez que chaque élément reçoive la même attention, alors que vous devriez accorder plus de détails au point focal.

8. Étudiez à partir de vraies peintures :

C'est le véritable secret pour obtenir l'aspect traditionnel avec les médias numériques.

 

 

Bords numériques nets, fleurs entièrement rendues :

Traditionnel : fleurs abstraites, plus lâches :

Chapitre deux : Peindre un paysage à l'aquarelle

Les pinceaux et leur fonctionnement

Les pinceaux que j'utiliserai sont :

Pinceau aquarelle par défaut de CSP : Pinceau aquarelle plat

Il possède une texture aquarelle intégrée qui aide à donner un aspect traditionnel, des bords aquarelle et il peut créer des formes avec un seul coup continu et créer de la valeur en utilisant des couches de coups de pinceau.

Vous pouvez le trouver dans la barre de sous-outils, dans l'onglet des pinceaux aquarelle.

Ce sera le pinceau principal que j'utiliserai pour 80% du processus en raison de la combinaison de la texture et du bord aquarelle.

Encre de tamponnage humide : ce pinceau a une excellente caractéristique d'aquarelle qui est que plus vous passez sur la zone peinte avec ce pinceau, plus elle devient claire grâce à l'effet d'eau, donc il fonctionne fondamentalement comme un vrai pinceau aquarelle.

PS : si vous mettez trop de pression sur le stylet lorsque vous utilisez ce pinceau, vous supprimez en quelque sorte cet effet d'eau et la peinture devient plus opaque.

C'est aussi un pinceau CSP par défaut.

Mélangeur d'eau : ce mélangeur aide à étaler la peinture sans la rendre trop lisse.

Je l'ai principalement utilisé pour enlever certains bords d'aquarelle lors du dessin, car trop de bords d'aquarelle rend la peinture plutôt désordonnée qu'un aspect traditionnel.

Texture de la toile

Pour créer des illustrations d'aspect traditionnel dans Clip Studio Paint, il est très essentiel d'utiliser une texture de papier.

Cela aide à renforcer l'aspect du papier aquarelle et le rendu final.

Dans ce cas, j'utilise :

Vous pouvez le télécharger depuis la bibliothèque d'actifs, puis aller dans l'onglet des matériaux, le rechercher en tapant dans la barre de recherche.

Sélectionner, glisser-déposer sur la toile.

J'ai réglé le mode de calque sur « multiplier » car il permet aux calques inférieurs de transparaître et rend les couleurs plus nuancées que saturées.

J'ai réglé l'opacité à 70-85% pour atténuer la texture, je ne la veux pas trop foncée.

Le mode Multiplier rend les couleurs superposées plus sombres comme ceci :

et permet également à la texture de transparaître comme ceci :

voyons la différence que cela fait d'avoir un papier aquarelle :

Processus de peinture

Après avoir défini la texture, j'ai créé un nouveau calque sous le calque de texture et l'ai rempli d'une couleur jaune nuancée pour un aspect plus naturel (surtout pour les nuages plus tard).

J'ai réalisé un croquis rapide à l'aide du crayon de croquis (peu importe le stylo que j'ai utilisé car je supprimerai le croquis plus tard)

Donc d'abord, j'ai utilisé le pinceau aquarelle plat pour remplir le ciel d'un seul coup continu.

J'ai ensuite commencé à créer des couches pour plus d'opacité et de saturation de la couleur.

ce faisant, je me suis assuré de modeler les nuages avec des bords aquarelle sur le dessus (le duvet) mais pas la base car je la fondrai plus tard

comme vous pouvez le voir, les formes des nuages sont claires (grâce au bord aquarelle) sur le dessus mais floues à la base

Ensuite, j'ai utilisé le mélangeur à eau pour estomper tout en gardant certaines zones avec un bord aquarelle pour conserver un aspect aquarelle réaliste :

J'ai désactivé le calque du ciel et j'ai commencé à travailler sur le sol.

J'ai utilisé le pinceau « wet blot » pour remplir les buissons, en utilisant l'effet d'eau pour éclaircir certaines zones comme une vraie peinture à l'aquarelle.

puis je suis revenu au pinceau aquarelle plat pour construire des couches et créer plus de profondeur et d'ombre.

J'ai mélangé avec le mélangeur à eau mais je n'ai pas retiré tous les bords d'aquarelle pour (encore une fois) conserver un effet aquarelle réaliste.

J'ai fait de même pour le sol (champ, arbre et montagnes)

puis j'ai simplement retiré le croquis et ajouté un peu de peinture quand c'était trop clair.

et voici les résultats finaux.

Chapitre trois : Plein air avec des huiles numériques

Les pinceaux et comment les utiliser

Les pinceaux que j'utilise sont tous inclus dans ce pack de pinceaux.

Peinture à l'huile épaisse : elle est plus opaque, adaptée au remplissage de la couche initiale. Mais elle a aussi de la texture tant que vous n'appuyez pas trop fort sur le stylet.

Peinture à l'huile sèche : plus sèche, plus de texture, adaptée pour donner de la profondeur, de la lumière et de l'ombre.

Super sèche : possède le plus de texture et de peinture à l'huile sèche, ce qui crée des marques de pinceau lisibles et distinctes qui accentuent la peinture à l'huile dans CSP.

Estompe texturée : un mélangeur avec texture.

Texture de la toile

J'ai utilisé une vraie texture de toile pour accentuer l'aspect « peinture à l'huile traditionnelle ».

idem qu'avant, glisser-déposer, régler sur multiplier et réduire l'opacité.

Esquisser comme un artiste de plein air

Tout d'abord : Dans votre esquisse, vous voulez juste capturer les grandes formes.

L'esquisse sert de lignes directrices, donc pas de détails au début du processus.

Cela aide non seulement comme lignes directrices, mais laisse également de la place à l'interprétation artistique.

Parfois, au cours du processus, vous pourriez vouloir déplacer des éléments, modifier des détails ou altérer des formes, alors gardez-le lâche.

J'ai utilisé la couleur rouge/orange pour l'esquisse car je ne la supprimerai pas plus tard, je la mélangerai avec la peinture.

Pinceau : Crayon mécanique par défaut de CSP.

Processus de peinture

J'ai d'abord rempli les valeurs en orange car cela servira de sous-couche (cela donne le ton de la peinture et crée une couleur unique lors de la superposition des couleurs).

En raison de la perspective atmosphérique, plus l'objet est éloigné, plus la valeur est claire, c'est pourquoi les buissons de devant ont une valeur plus foncée que ceux de l'arrière malgré la même couleur dans la vie réelle.

J'ai rempli les formes à l'aide du pinceau « peinture à l'huile épaisse ».

Comme vous pouvez le voir, j'ai laissé quelques endroits où la sous-couche apparaît (ce sera utile plus tard lorsque je mélangerai les couleurs).

J'ai fait plusieurs petits coups de pinceau pendant que je peignais, tout comme dans la peinture à l'huile réelle et non un seul grand coup.

Cela aide également à créer différentes nuances de la même couleur, tout comme la vraie peinture à l'huile.

J'ai mélangé avec le « mélangeur pictural » par défaut.

PS : Tout cela est sur un seul calque, soit dessinez sur un seul calque depuis le début, soit fusionnez-le.

Sauf la texture de la toile, gardez-la séparée afin de ne pas perdre la texture lorsque vous mélangez.

J'ai ajouté de la profondeur (lumière/ombre) avec le « super dry oil »

ce pinceau crée des marques de pinceau claires et distinctes qui contribuent à l'idée de peinture « traditionnelle ».

J'ai de nouveau mélangé. Mais cette fois, pas tout, juste assez pour adoucir certains bords durs et marques de pinceau, ainsi que pour donner aux buissons leur forme finale.

J'ai ajouté d'autres coups de pinceau avec l'huile sèche.

Quelques coups aléatoires sur l'herbe, je n'ai pas dessiné chaque brin, juste ici et là et le cerveau le captera.

 

 

Et c'était tout.

C'est une peinture de plein air simple, elle se concentre donc davantage sur les grandes formes, l'ensemble de la peinture sans trop de détails.

J'ai redimensionné la peinture pour la rendre plus petite, j'ai effacé les bords et je les ai à nouveau mélangés pour lui donner un aspect plus lâche et naturel.

Un aspect facilement peint.

Conclusion

J'espère que vous avez appris quelque chose de nouveau.

 

 

J'ai déjà rédigé un article détaillé sur :

La peinture à l'huile dans Clip Studio Paint

La peinture à l'aquarelle dans Clip Studio Paint

Les crayons de couleur dans Clip Studio Paint

Alors, n'hésitez pas à les consulter également.

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