Illustration avec des décorations florales

Lors de la création d'une illustration, l'ajout de décorations florales peut être une idée intéressante. Nous pouvons inclure des éléments tels que des fleurs, des feuilles ou des plantes pour enrichir la composition de l'illustration. En plus d'améliorer l'attrait visuel, les décorations florales peuvent également aider à guider l'attention du spectateur vers le personnage principal. Par conséquent, j'aimerais partager quelques astuces que j'utilise habituellement, car je crée souvent des illustrations de ce type pour décorer mes œuvres.

1. Préparer la vignette ou la silhouette

Tout d'abord, planifiez la vignette ou la silhouette. Cette étape aide à déterminer la composition globale de l'illustration. Avant de passer à la décoration de l'image avec des fleurs, vous devez d'abord décider de la position du personnage et des espaces vides autour de lui. Ces espaces vides serviront plus tard de placement pour la décoration florale.

Principales raisons de l'importance de l'esquisse (thumbnailing) :

1. Cela vous aide à planifier l'emplacement du point central de l'illustration.

2. Cela vous permet de vérifier si le sujet reste clair lorsque l'image est vue de loin.

3. Cela vous aide à estimer où des espaces vides seront disponibles pour ajouter des décorations plus tard.

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Dans cet exemple, la toile est divisée en une grille 3×3. Ce type de grille est couramment utilisé en composition car il aide les artistes à placer le sujet de manière plus équilibrée et naturelle.

 

En regardant la silhouette à l'intérieur de la grille, il devient plus facile d'ajuster la taille et la position du personnage. Parfois, le personnage peut être centré, mais dans d'autres cas, le placer légèrement sur le côté ou le rendre plus grand peut créer une composition plus intéressante.

 

Cette méthode vous aide également à laisser intentionnellement certaines zones vides, qui pourront ensuite être utilisées pour des éléments décoratifs comme des fleurs, des feuilles ou d'autres ornements sans que l'illustration ne semble trop encombrée.

2. Tracé linéaire

Une fois la planification de la composition prête, l'étape suivante consiste à procéder au tracé linéaire comme d'habitude. Cependant, il y a quelques points à garder à l'esprit à ce stade pour faciliter le processus et garder l'illustration plus organisée.

A. Diviser le tracé linéaire en trois parties

Avant de commencer le tracé linéaire, vous pouvez d'abord diviser vos calques en trois dossiers principaux : premier plan, plan moyen et arrière-plan. Le personnage sera placé au plan moyen.

Tout ce qui apparaît derrière le personnage doit être placé dans le dossier d'arrière-plan, tandis que tout ce qui apparaît devant le personnage ou ne fait pas partie du personnage (dans ce cas, les papillons) doit être placé dans le dossier de premier plan. Vous pouvez également renommer les dossiers ou leur attribuer des étiquettes de couleur afin de les retrouver plus facilement plus tard.

Planifier cela dès le début présente plusieurs avantages. Cela facilite grandement l'édition car vous savez déjà où se trouve chaque élément. Cela aide également beaucoup pendant les étapes de coloration et de finition, car la coloration dépend souvent du contrôle des valeurs des différents éléments. Si vous n'organisez pas cela tôt, le processus peut devenir beaucoup plus difficile plus tard.

B. Dessiner le personnage

Pour l'instant, nous pouvons ignorer les décorations florales. Car… lorsque l'on commence une illustration, la première chose sur laquelle il faut se concentrer est le sujet principal, et non les décorations. C'est pourquoi, lorsque vous travaillez sur le tracé linéaire du personnage, assurez-vous que le personnage peut se suffire à lui-même comme point focal principal, même sans éléments de soutien.

Dans les illustrations de personnages, l'attention du spectateur est généralement attirée par le visage, il est donc bon de placer plus de détails autour de la zone de la tête, tels que les yeux, le nez, la bouche et les cheveux. Dans cette illustration particulière, les vêtements ne sont pas destinés à être le point culminant, j'ai donc gardé les détails de la tenue plus simples.

C. Dessiner la décoration florale

Décorez les zones vides. Si vous souhaitez décorer devant un personnage, ne laissez pas cela détourner l'attention du visage ni le rendre plus visible à la caméra.

a. Utilisation de la brosse d'actifs

Au fait, comme Clip Studio Paint dispose d'une vaste bibliothèque d'actifs floraux, je vais les utiliser pour les décorations. Voici l'actif que j'ai utilisé pour cette illustration.

b. Arrière-plan

Il est maintenant temps d'ajouter les décorations. Tout d'abord, planifiez l'emplacement des éléments floraux, à la fois derrière et devant le personnage. Dans l'arrière-plan, il y a de l'espace vide, donc cette zone peut être utilisée pour placer des fleurs sur les côtés gauche et droit de la tête du personnage. Étant donné que ces éléments sont en arrière-plan et apparaissent plus éloignés du spectateur, leur taille doit être plus petite. Vous pouvez également dessiner le tracé linéaire plus fin pour aider à créer une sensation de profondeur plus forte.

c. Premier plan

Vient ensuite la zone de premier plan. Ici, j'utilise le même type de fleurs et de pinceaux que ceux de l'arrière-plan. Étant donné que ces fleurs sont plus proches du spectateur, leur taille peut être rendue plus grande, et le tracé linéaire peut également être dessiné légèrement plus épais.

 

Cependant, je n'ai pas rendu le tracé linéaire des fleurs plus épais que celui du personnage. C'est parce que je veux que le personnage reste le point focal principal, afin que les fleurs au premier plan ne deviennent pas trop imposantes.

3. Couleur de base

Ensuite, nous passons à l'étape de la coloration. Je sépare les calques en trois catégories : couleur de base, ombrage et éclairage, afin que le processus soit plus facile à gérer.

Pour la palette de couleurs de base, essayez de ne pas choisir des couleurs trop sombres ou ayant une saturation extrêmement élevée. Par exemple, si vous voulez que quelque chose apparaisse noir, évitez d'utiliser un noir pur comme #000000, car il ne restera plus de valeur plus foncée à utiliser pour l'ombrage plus tard. L'utilisation de couleurs légèrement plus claires ou plus douces vous donnera plus de flexibilité lors de l'ajout d'ombres à l'étape suivante.

Dans l'étape de la couleur de base, vous pouvez commencer à appliquer les couleurs de base à votre illustration. Ici, je souhaite également partager une petite astuce, car j'utilise des pinceaux de modèle de fleurs et il y a une manière spécifique dont je les colore habituellement. Puisque tous les pinceaux de modèle ne sont pas fournis uniquement avec le tracé linéaire.

Tout d'abord, vous pouvez dessiner les fleurs à l'aide d'un pinceau de modèle. Ensuite, dupliquez la fleur afin d'avoir deux calques.

 

Le calque supérieur sera utilisé comme tracé linéaire. Allez dans Édition → Convertir la luminosité en opacité, et les zones plus claires disparaîtront automatiquement, ne laissant que les parties plus sombres comme tracé linéaire.

 

Le calque inférieur sera utilisé comme couleur de base. Verrouillez les pixels transparents sur ce calque, puis colorez-le comme vous le feriez normalement. Vous pouvez utiliser des outils comme le pot de peinture, le pinceau ou l'outil lasso.

 

De cette façon, vous pouvez facilement recolorer votre pinceau de modèle pour l'adapter à votre propre palette de couleurs.

4. Ombrage

Tout d'abord, parlons de la valeur. La valeur fait référence à la clarté ou à l'obscurité d'une zone de votre dessin. Le contrôle de la valeur est important car il aide à créer de la profondeur, de la concentration et du volume dans une image. Lorsque vous organisez correctement les valeurs, les spectateurs peuvent immédiatement comprendre quels objets sont plus proches, lesquels sont plus éloignés et où se trouve le point focal principal de la scène.

 

Habituellement, les objets au premier plan ont un contraste plus fort et des valeurs plus claires. Le plan moyen a un contraste modéré, tandis que l'arrière-plan a tendance à avoir des valeurs plus claires et un contraste plus faible. Cette différence aide à séparer les couches de votre image et crée une sensation de distance.

 

En art numérique, les artistes commencent souvent par vérifier l'œuvre en niveaux de gris pour voir si la structure des valeurs fonctionne déjà bien. Si l'équilibre des valeurs est clair en niveaux de gris, l'image couleur finale aura généralement l'air plus solide et plus facile à lire.

La première étape de l'ombrage consiste à décider de la direction principale de la source lumineuse. Dans cette illustration, j'ai placé la lumière venant du coin supérieur gauche, c'est pourquoi les zones plus sombres apparaissent principalement sur le côté droit.

 

Je commence généralement l'ombrage avec un calque de multiplication gris. Pendant ce temps, je vérifie les valeurs en activant un calque de couleur noire afin que l'image apparaisse en niveaux de gris. Cela m'aide à voir si les zones claires et sombres sont équilibrées.

 

Idéalement, les éléments plus éloignés, tels que l'arrière-plan derrière le personnage, devraient apparaître légèrement plus estompés car ils sont plus éloignés du spectateur. J'essaierai d'ajouter cet effet plus tard, lors de l'étape de finition avec l'étalonnage des couleurs.

Pour ajouter plus de détails à l'ombrage, vous pouvez également inclure la lumière de rebond, qui est la lumière réfléchie par les zones environnantes autour du personnage. Vous pouvez l'ajouter à l'aide d'un aérographe doux afin que la densité reste faible et que l'effet ne semble pas trop fort ou distrayant. Cela aide l'éclairage à paraître plus naturel et subtil.

5. Éclairage

Vient ensuite l'étape de l'éclairage. Avant d'ajouter les effets d'éclairage, j'applique d'abord un calque d'étalonnage des couleurs en utilisant une couleur orange réglée sur Multiplier pour créer une ambiance de fin d'après-midi.

Je réduis l'opacité à environ 60-80 % afin que l'effet ne soit pas trop fort.

Après cela, je crée un nouveau calque avec le mode Ajouter (Lueur) pour ajouter l'éclairage. Étant donné que la source de lumière principale a été définie précédemment comme venant du coin supérieur gauche, la lumière la plus forte apparaîtra sur le côté supérieur gauche du personnage. J'utilise simplement les mêmes pinceaux de modèle de fleurs ici pour créer cette forme.

J'adoucis également légèrement les bords de la forme de lumière à l'aide de l'outil flou. Vous pouvez également ajouter d'autres effets d'éclairage, tels que des reflets, des particules ou des pinceaux personnalisés, pour rendre l'illustration plus dynamique et visuellement intéressante.

Puisqu'il y a encore plus d'espaces vides à l'arrière, vous pouvez également ajouter plus de feuillages. Faites-en simplement une silhouette avec une couleur unie et assurez-vous de choisir une valeur plus claire que l'objet devant eux.

Ensuite, nous apportons quelques touches finales à l'arrière-plan pour créer une sensation de profondeur plus forte. Puisque cette zone est plus éloignée du spectateur et située derrière le personnage, ajoutez un dégradé blanc doux commençant au niveau des épaules du personnage et s'estompant vers le haut. Cela aide à créer une sensation de distance.

Vous pouvez également ajouter un autre calque orange en mode Ajouter (Lueur), mais rendez la couleur plus estompée que les éléments au premier plan afin que l'arrière-plan semble plus éloigné. De plus, vous pouvez inclure des décorations florales supplémentaires sous forme de silhouette pour ajouter plus de couches à la scène et renforcer l'effet de profondeur.

Pour les papillons au premier plan, ajoutez un aérographe blanc doux autour de la zone afin qu'ils se distinguent davantage de l'arrière-plan. Cette lueur subtile aide à attirer l'attention sur eux sans les rendre trop distrayants.

6. Filtres

Enfin, le filtre. Cette étape est facultative, car tout le monde n'aime pas ajouter des filtres à son illustration. Personnellement, j'aime les utiliser car ils peuvent donner à l'image une sensation de caméra plus cinématographique.

Tout d'abord, fusionnez tous les calques, puis dupliquez le calque fusionné. Le calque dupliqué est celui qui recevra le filtre.

 

Puisque le point focal principal est le visage du personnage, appliquez un flou aux zones environnantes. Vous pouvez utiliser Filtre → Flou → Flou gaussien et ajuster l'intensité du flou selon vos besoins.

 

Après cela, effacez le flou autour de la zone du visage afin que le calque original en dessous reste visible. Cela gardera le visage net tandis que les zones environnantes apparaîtront floues.

Résultat

Et voici le résultat final. C'est assez simple car j'ai utilisé des pinceaux de modèle pour décorer les fleurs, ce qui fait gagner beaucoup de temps par rapport au dessin manuel du tracé linéaire floral.

Voici un autre exemple du processus de coloration étape par étape. Cependant, la chose la plus importante que je veux souligner pour faciliter ce type d'illustration est de séparer l'arrière-plan, le plan moyen et le premier plan dès le début.

 

Cela facilitera grandement les étapes de coloration et d'édition par la suite.

Si vous êtes intéressé par l'utilisation de décorations florales pour un webtoon de genre romantique, vous pouvez consulter mes autres articles ou regarder ma vidéo tutoriel sur ma chaîne YouTube.

Voilà les amis, c'est tout pour cet article. Je partage en fait beaucoup sur mon expérience de création de webtoons, et je télécharge également plusieurs vidéos sur ma chaîne YouTube. N'hésitez pas à passer jeter un œil si vous êtes intéressés !

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