De zéro à l'illustration de conte [Version tablette]
Bienvenue dans un tutoriel de fantasy, dans lequel je partage mon processus de création d'illustrations de contes.
De l'idée au dessin final.
Y compris les astuces qui facilitent le plus mon travail.
La grande Odyssée : Thematis Selectus
La première chose à faire est de décider de la scène que nous voulons raconter, afin d'esquisser notre idée. Dans ce cas, nous représenterons « La vie secrète d'un pot de fleurs ».
Le syndrome de la page blanche ?
Si vous rencontrez ce blocage, analysez votre environnement.
Je suis sûre que vous trouverez un élément qui évoque l'énergie d'un conte plus près que vous ne l'imaginez. Que ce soit votre animal de compagnie vivant des aventures, les oiseaux qui volent joyeusement les après-midis d'été ou cet arbre qui vous hypnotise chaque fois que vous passez à côté...
Rappelez-vous ! Le plus important est de profiter du processus.
Voici les habitants de mon pot de fleurs, et protagonistes de mon illustration.
Plongée dans la fable
Une fois que notre scène est claire, il est temps de se plonger dans le monde des contes.
Mon meilleur allié pour cette tâche est Pinterest.
De cette recherche et analyse, nous pouvons extraire que :
a) Le format le plus courant est le carré
b) Les couleurs sont vives, mais pas sursaturées.
c) Les textures sont très courantes.
En plus de découvrir de merveilleux illustrateurs, ce qui est toujours positif.
Faune et flore
Cherchez des images de la flore et de la faune qui font partie de votre composition.
Choisissez celles qui sont les plus amusantes et intéressantes pour votre esprit, et esquissez-les rapidement.
Pour que simplifier un lézard, par exemple, soit une tâche facile.
Cet exercice d'échauffement vous aidera à mieux intégrer :
les proportions, les couleurs et les textures de chacun de vos personnages principaux.
Ou laissez-vous simplement porter et créez vos personnages en toute liberté.
Remue-méninges
Avec notre esprit nourri et exercé, c'est le moment de laisser pleuvoir les idées.
Laissez-vous porter par l'inspiration et créez toutes les variantes possibles.
Sélectionnez-en une, ou combinez-en plusieurs pour créer votre composition finale.
L'idéal est de réaliser des croquis avant et après avoir « nourri » notre esprit.
Que la magie commence !
Format de fichier
ATTENTION ! Si vous scannez votre croquis ou travaillez sur une photo, vérifiez la taille du fichier. Ne finissez pas avec une bâche publicitaire de 1,5 mètre….
Que ma dernière erreur soit notre meilleur enseignement.
Maaiiiis comme à quelque chose malheur est bon… Nous en profiterons pour créer des détails visibles uniquement en zoomant à l'infini.
Si vous créez un nouveau fichier, sélectionnez la taille qui convient le mieux à votre croquis. N'oubliez pas de laisser de l'espace à votre illustration pour qu'elle ne paraisse pas compressée.
Si cela vous intéresse, je vous laisse un tutoriel sur la conception d'affiches qui traite de ces sujets en profondeur.
Line art ou encrage
Une fois notre fichier prêt, il est temps d'encrer.
Pour faciliter la tâche :
-Baissez l'opacité de votre croquis.
-Changez sa couleur.
-Créez un calque en dessous, et remplissez-le de blanc.
Cela vous évitera de mauvaises surprises dans votre trait en masquant le calque du croquis.
Nous ajoutons un nouveau calque de vecteurs pour le trait.
Personnellement, j'aime travailler avec ce type de calques pour leur polyvalence et la facilité qu'ils offrent pour : simplifier, corriger ou changer la taille du trait.
Pour modifier la forme du pinceau, il suffit d'avoir notre calque vectoriel et l'outil Opération en mode Objet sélectionnés.
Outil Opération > Menu Fenêtre > Paramètres de l'outil > Forme de pinceau
De plus, dans ce type de calques, nous pouvons simplifier un tracé en passant le pinceau Correction de ligne par-dessus. Cela supprimera un grand nombre de nœuds (ou points de contrôle), bien que cela puisse altérer la forme de notre trait initial.
Mais ne vous inquiétez pas, avec l'outil Opération > Objet, nous pouvons récupérer la forme du trait original en déplaçant ses points de contrôle.
Cet outil nous permet également de modifier l'épaisseur du trait.
Un avantage pour jouer avec la profondeur grâce à cela.
Si l' objet est loin de l'observateur, nous utilisons une taille de pinceau plus fine.
Au contraire, les plans plus proches de la caméra auront une épaisseur plus importante.
Avec ce simple détail, nous dirigeons l'attention du spectateur et générons une sensation de profondeur.
Couleur
Une fois le trait terminé, il est temps de mettre en couleur.
Nous créons un calque que nous appellerons Couleur de base.
Une fois l'aplat de couleur terminé, nous créons un autre calque.
Mais dans ce cas, nous activons > Écrêtage sur le calque inférieur
De cette façon, nos coups de pinceau seront toujours limités à la zone de la couleur de base, sans déborder.
Nous ferons cela 3 fois :
· Une pour les ombres
· Une autre pour les lumières
· Et enfin, nous créerons les calques nécessaires pour ajouter :
des textures, des effets ou utiliser la grande variété de pinceaux proposée par Clip Studio Paint.
Je vous recommande de fouiller dans les pinceaux prédéfinis de Clip Studio, car vous pouvez y trouver des pépites comme le pinceau Paillettes, qui simule parfaitement la texture de la peau du lézard.
Détails finaux : effets, textures...
La gomme parfaite existe.
Si vous avez utilisé un type de pinceau style crayon pour votre trait, la gomme malléable vous donnera une finition parfaite. Elle évite les bords abrupts de la gomme classique.
Correction de couleur. Individuelle
Il se peut qu'une fois la mise en couleur terminée, vous sentiez qu'un élément détonne.
Pour y remédier, créez un > nouveau calque de correction et équilibrez les tons, les lumières ou la saturation jusqu'à ce que vous soyez satisfait des couleurs de votre illustration.
En l' écrêtant sur le calque inférieur, nous limitons l'effet à celui-ci uniquement, ou au dossier qui se trouve en dessous, comme dans le cas précédent.
Des textures qui donnent de la vie
Comme le public cible, les plus jeunes de la maison, ont besoin de plus de stimulations visuelles, nous ajouterons pas mal de textures à notre illustration.
Certaines d'entre elles proviennent des pinceaux prédéfinis. Comme celui utilisé dans la vidéo d'exemple, que vous trouverez dans la section des outils :
Effets > Fond > Herbe (touffe)
Changez son opacité et son mode de combinaison jusqu'à ce qu'il s'intègre dans notre dessin.
Mon mode préféré est Produit.
Grâce à la section Assets, la difficulté sera de choisir parmi tant d'options.
Comme ce pack de 20 textures de papier, qui donnera une plus grande sensation de conte à notre dessin.
Tout simplement merveilleux.
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Ombres. Apporter une touche de réalisme
Travailler sur des calques séparés nous permet :
D'appliquer des effets sur les éléments souhaités sans affecter les autres parties de notre dessin.
Ainsi, créer l'ombre de chacun d'eux nous sera très facile.
Sélectionnez le calque de l'objet dont vous voulez projeter l'ombre, en maintenant votre stylet appuyé dessus, une fenêtre contextuelle apparaîtra, dans laquelle nous créons la zone sélectionnée.
-Nous ajoutons un nouveau calque et le remplissons avec la couleur de l'ombre.
-Ensuite, nous appliquons une transformation manuelle.
Pour créer l'ombre portée sur le sol, étirez-la dans la direction établie par la source de lumière.
Comme notre source de lumière est haute, l'ombre sera raccourcie.
Nous sélectionnons le calque de l'ombre et lui appliquons un filtre de flou gaussien.
En raison de la proximité des coquillages avec le sol, et s'agissant d'une source de lumière dure, nous appliquerons peu d'effet pour que les bords soient bien définis.
Si nous en mettons trop, nous risquons de donner l'impression qu'ils flottent.
Nous changeons le mode de combinaison du calque en Produit, baissons son opacité et le plaçons sous le dossier Coquillages.
Et voilà, notre ombre est prête !
Correction de couleur. Simuler la lumière.
Enfin, nous créons un autre calque de correction.
Dans ce cas, pour simuler la source de lumière dure du soleil d'été.
Une fois satisfait des réglages, nous changeons le mode de fusion en Produit.
Cliquez sur le masque de calque, et nous sélectionnons un par un les différents éléments pour effacer les zones où le soleil frappe sans affecter les éléments adjacents.
J'espère qu'une partie de mon processus créatif chaotique vous aura été utile.
Si vous avez des questions, n'hésitez pas à les laisser dans les commentaires
Et, comme toujours, merci beaucoup d'avoir partagé votre temps avec moi !
Version tutoriel vidéo
Vous pensiez que j'avais oublié ?
Voici l' astuce bonus de récompense.
Enfin, aujourd'hui c'est plutôt une façon de penser.
Ne laissez jamais les doutes prendre les commandes.
Il est normal qu'ils vous guettent, mais ne les laissez pas vous faire arrêter de croire en votre capacité créative.
Rappelez-vous de profiter de chaque trait, car personne ne dessine comme vous.
Et c'est précisément là votre plus grande force.
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