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Vidéo longue

La vidéo présente mon flux de travail et les techniques que j'utilise, tandis que ce guide fournit des extraits et des explications supplémentaires pour vous aider à suivre chaque étape plus facilement.

Vidéo courte

Cette vidéo courte donne un aperçu rapide de l'ensemble du flux de travail d'illustration, mettant en évidence chaque étape, des premières vignettes au rendu final.

Introduction

L'illustration d'un album ne consiste pas seulement à créer une belle image, il s'agit de raconter une histoire et d'inviter le spectateur dans son monde.\n\nSalut ! Je suis OverOffYonder, et dans ce tutoriel, je vais vous guider à travers mon flux de travail pour créer une scène d'album illustré où un petit renard guide un enfant à travers une forêt magique. Nous aborderons tout, du développement de l'idée initiale et des vignettes à la composition, aux valeurs, aux couleurs, à l'éclairage, ainsi que quelques techniques de Clip Studio Paint que j'utilise pour donner vie à l'illustration.\n\nJ'espère que vous découvrirez quelques nouvelles techniques et que vous vous sentirez inspirés pour les utiliser dans vos propres illustrations. Commençons ! ♡

1. L'histoire et les vignettes

Avant toute chose, je commence par réfléchir à l'histoire que je veux raconter.\nDans cette illustration, le renard portant une lanterne représente un guide, tandis que l'enfant qui le suit crée un sentiment de confiance et d'aventure.\n\nC'est une excellente étape pour rassembler des images de référence. Elles peuvent inspirer votre paysage, votre palette de couleurs, votre ambiance, vos personnages et d'autres éléments qui aident à donner vie à votre histoire.

Je crée plusieurs petits croquis de vignettes pour explorer différentes compositions. À ce stade, je me concentre sur :\n>\n> + L'emplacement des personnages\n>\n> + La façon dont l'œil du spectateur circule dans l'image

Dans la vidéo longue, je les ai critiquées, mais je laisserai ici un guide simple.

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Guide de composition

Avant de passer au croquis final, j'aime vérifier quelques principes de composition simples pour m'assurer que l'illustration raconte l'histoire clairement.

• Cadrage\\n> Utilisez des éléments de premier plan, tels que des arbres, des branches ou du feuillage, pour cadrer naturellement votre scène. Cela aide à attirer le spectateur dans l'illustration tout en gardant l'accent sur vos personnages.\n>\n>\n> + Plans\\n> Séparez votre illustration en premier plan, second plan et arrière-plan. Une séparation claire des valeurs et des formes crée de la profondeur et donne l'impression que le monde est plus vaste que ce qui est montré sur la page.\n>\n>\n> + Point focal\\n> Décidez de ce que vous voulez que le spectateur remarque en premier. Placez votre sujet principal là où il ressort clairement. Les guides de composition tels que la règle des tiers, le nombre d'or ou la spirale de Fibonacci peuvent être des points de départ utiles, mais ne vous sentez pas obligé de les suivre parfaitement.\n>\n>\n> + Lignes directrices\\n> Utilisez des sentiers, des troncs d'arbres, des branches et d'autres formes naturelles pour guider l'œil du spectateur à travers l'illustration. Les lignes directrices aident à relier les différentes parties de la scène et encouragent le spectateur à explorer l'histoire.

Un outil utile à avoir pour les compositions !

2. Niveaux de gris

Après avoir choisi ma composition, je crée un blocage en niveaux de gris pour séparer les différents plans de profondeur de l'illustration.\nPour cette illustration, j'ai gardé des valeurs assez sombres. Je n'ai pas dépassé le milieu de l'échelle car je voulais que la lumière que j'introduirais plus tard soit le point principal.

Je divise généralement la scène en :\n>\n> + Premier plan : des formes larges et sombres qui cadrent l'image\n>\n> + Second plan : les personnages et les éléments importants de l'histoire\n>\n> + Arrière-plan : des formes plus douces qui créent de la distance

note : je traite les personnages séparément, car ils vont ressortir

Pour le blocage, j'ai utilisé ceci, c'est un bon outil à avoir !

3. Courbes de transfert de dégradé

Une fois les valeurs établies, j'utilise une Courbe de transfert de dégradé pour créer rapidement l'atmosphère colorée globale. Au lieu de choisir chaque couleur individuellement, les courbes de transfert de dégradé me permettent d'expérimenter différentes ambiances tout en conservant les valeurs d'origine.

Pour accéder aux courbes de transfert de dégradé, vous faites un clic droit sur les calques, allez dans Nouveau calque de correction et choisissez Courbe de transfert de dégradé.

Les courbes de transfert de dégradé remplacent essentiellement la version en niveaux de gris de votre illustration ; vous pouvez créer vos propres courbes avec les couleurs que vous aimez pour éviter d'avoir à en choisir de nouvelles à chaque fois.

J'ai expérimenté avec les curseurs pour décider quelles couleurs changer et quelles valeurs conserver jusqu'à ce que je sois satisfait ; la majeure partie du travail se fait ainsi.

J'utilise cet ensemble de dégradés que j'ai téléchargé depuis les Assets.

4. Peindre le feuillage avec des formes simples

Lors de la création d'environnements naturels, j'évite de dessiner chaque feuille et chaque brin d'herbe individuellement.\nAu lieu de cela, je me concentre sur de grandes formes et des silhouettes. En utilisant l'outil Lasso et un pinceau doux, je bloque les zones de feuillage et crée des transitions douces entre les couleurs.\nCela aide la forêt à paraître riche tout en gardant l'attention du spectateur sur les personnages.

Bloquez les formes plus grandes avec l'outil lasso et un pinceau doux.

Ajoutez des détails tout en changeant la couleur.

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4.1 Arbres

Pour ajouter des détails aux arbres ;

Éclaircissez certaines sections avec un bleu plus clair pour créer des rehauts et ajouter un sentiment d'éclairage.

Ensuite, utilisez différentes valeurs de bleu et de violet pour peindre des rainures et des motifs qui imitent la texture du bois.

J'ai seulement appliqué ce niveau de détail aux trois arbres principaux pour éviter de surcharger l'illustration. Lors de l'ajout de détails, il est important de considérer où ils sont le plus nécessaires et de concentrer vos efforts sur les zones qui soutiennent la composition et la narration.

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4.2 Herbe

Pour le rendu de l'herbe, j'ai utilisé une technique similaire. J'ai créé la forme avec l'outil lasso, je l'ai remplie de couleur, puis j'ai utilisé une gomme douce pour effacer le bord net en bas afin qu'il se fonde naturellement dans le sol.

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Conseils supplémentaires

Bien que je n'aie pas utilisé cette technique dans cette illustration, c'est un excellent moyen d'ajouter de la variété à votre feuillage.

Les Trames peuvent être appliquées rapidement dans Clip Studio Paint en sélectionnant une zone avec l'outil lasso et en choisissant une trame dans le menu contextuel. Elles sont traditionnellement utilisées dans l'impression de mangas et de bandes dessinées pour créer des ombrages et des textures, mais elles peuvent également être un moyen amusant d'ajouter des motifs uniques et un intérêt visuel à vos illustrations.

Détourez la forme de la feuille avec l'outil lasso.\n>\n> Changez légèrement la teinte pour créer une variation de couleur et un éclairage plus intéressants.\n>\n> Peignez une tige simple.\n>\n> Ajoutez une texture de trame et recolorez-la en utilisant soit une valeur plus sombre, soit une teinte différente avec une valeur similaire pour garder l'éclairage cohérent tout en ajoutant un intérêt visuel.

Effacez la trame des zones plus claires, ou ajustez sa valeur et sa teinte pour créer différents styles. Amusez-vous bien !

Voici d'autres exemples de cette technique amusante :

5. Ajouter de la texture

Pour créer un sentiment d'album illustré plus doux, j'ajoute un calque de texture sur l'illustration.\nJe baisse l'opacité et j'ajuste le mode de fusion jusqu'à ce que la texture paraisse naturelle.\nComme les textures peuvent parfois modifier les couleurs globales, j'utilise un Calque de correction pour ajuster la luminosité et la saturation et ramener les couleurs à l'ambiance souhaitée.

La vidéo montre plus en détail comment j'ai expérimenté les ajustements de teinte, de contraste et de luminosité, mais les choix finaux dépendent des préférences personnelles et de l'ambiance que vous souhaitez créer.

6. Éclairage final et détails

Pour la dernière étape, j'ajoute de petits détails qui renforcent l'atmosphère et guident le regard du spectateur. J'ai utilisé la même technique que pour les arbres et l'herbe.\nJ'utilise le mode de fusion Densité éclat (Ajouter) pour les lumières flottantes dans la forêt. Ces éléments brillants se connectent à la lanterne du renard et créent un chemin magique à travers la scène.\nLes petits détails n'ont pas besoin de tout expliquer. Ils doivent inciter le spectateur à se demander ce qui existe au-delà du cadre.

Pour créer un éclat vibrant, faites une sélection avec votre outil lasso. \n> Sur un nouveau calque réglé sur le mode de fusion Densité éclat (Ajouter).\n>\n> Utilisez un large pinceau doux avec des teintes jaune chaud et rougeâtre pour peindre légèrement autour de votre objet.

Conclusion

L'illustration finale

Un flux de travail clair ne limite pas votre créativité, il vous donne une base sur laquelle construire. En abordant l'illustration étape par étape, vous pouvez passer moins de temps à vous soucier du processus et plus de temps à donner vie à votre histoire.\n\nJ'espère que ce tutoriel vous a inspiré à expérimenter certaines de ces techniques et à créer vos propres mondes d'albums illustrés.\n\nMerci d'avoir suivi ! <3