Introduction

Bonjour à tous !

 

Dans ce tutoriel, je vais vous montrer comment j'ai créé cette illustration de forêt chaleureuse dans Clip Studio Paint dans un style de livre d'images pour enfants.

 

Je vais vous guider à travers chaque étape de mon processus, du premier croquis à l'éclairage final. En chemin, je partagerai les techniques et les petites décisions qui m'ont aidé à créer une atmosphère chaleureuse et un aspect doux de livre de contes.

 

J'espère que vous y trouverez quelques idées que vous pourrez adapter à votre propre flux de travail.

 

Commençons !

1. Composition et croquis

Pour la plupart de mes croquis, j'utilise le pinceau Crayon réaliste. J'aime beaucoup son rendu car il me donne l'impression de dessiner sur du vrai papier. Les traits sont nets et précis, ce qui me facilite la construction de mes croquis. C'est le pinceau avec lequel je suis le plus à l'aise, je l'utilise donc naturellement pour presque toutes mes illustrations.

Je commence toujours par un croquis très sommaire. À ce stade, je ne recherche que la composition globale. Je place les éléments principaux et les personnages pour m'assurer que la scène semble équilibrée avant d'ajouter des détails. J'utilise également des références photographiques tout au long du processus de croquis. Elles m'aident à comprendre les formes, les proportions et les textures d'éléments tels que les animaux, l'écorce des arbres ou les plantes, tout en me permettant de créer ma propre illustration stylisée.

Une fois que je suis satisfait de la composition globale, je commence à affiner le croquis. À cette étape, j'ajoute progressivement plus de détails à chaque élément tout en gardant le dessin souple. Je n'essaie pas de tout rendre parfait tout de suite. Je construis simplement l'illustration étape par étape jusqu'à ce que le croquis soit terminé.

À ce stade, mon croquis est terminé. Avant de commencer l'encrage, je fais un dernier passage pour vérifier les proportions, la composition et la lisibilité globale de la scène. Corriger les petits problèmes maintenant permet de gagner beaucoup de temps plus tard.

2. Encrage (Line Art)

Pour l'encrage, j'utilise la Plume G. J'aime l'aspect net et précis des lignes, et elle est très agréable à utiliser. Elle me donne un bon contrôle sur mes traits, ce qui rend le processus d'encrage fluide et plaisant.

Avant de commencer l'encrage, je baisse l'opacité de mon calque de croquis. Cela rend le croquis moins gênant et m'aide à tracer des lignes propres et sûres avec la Plume G. Je règle généralement l'opacité à environ 35 %, mais vous pouvez l'ajuster selon votre préférence.

Pour garder mon flux de travail organisé, je crée un calque d'encrage séparé pour chaque élément majeur de l'illustration, comme les personnages, les arbres, les rochers et l'herbe. Cela facilite grandement le processus de mise en couleur plus tard, en particulier lors de la sélection de formes individuelles. Je laisse également l'arrière-plan et quelques brins d'herbe au premier plan sans encrage. Comme ils sont plus éloignés, je préfère les peindre directement en couleur pour créer un sentiment de profondeur plus marqué.

3. Mise en couleur (Color Blocking)

Je commence par utiliser l'outil Remplir pour couvrir l'ensemble du canevas d'une seule couleur beige-jaune. Cette couleur deviendra ma couleur d'ambiance et définira l'atmosphère de l'illustration.

Pour choisir les couleurs de chaque élément, je mélange ma couleur d'ambiance avec la couleur d'origine de l'élément. Par exemple, pour le rocher, je place ma couleur d'ambiance à droite et la couleur du rocher à gauche sur ma palette.

Ensuite, je sélectionne une nuance intermédiaire entre les deux couleurs. C'est ma façon personnelle de lier les couleurs entre elles et de créer une palette plus harmonieuse dans toute l'illustration.

Comme mentionné dans le chapitre sur l'Encrage, séparer chaque élément sur différents calques facilite le processus de mise en couleur.

Pour chaque calque d'encrage, je crée un calque de couleur en dessous. Garder le même ordre que la profondeur de l'illustration permet aux éléments de rester correctement superposés lors de l'ajout des couleurs.

Voici un exemple avec le livre tenu par l'écureuil. Je sélectionne le calque d'encrage et j'utilise l'outil Lasso magnétique pour suivre automatiquement le trait.

Une fois l'élément sélectionné, je passe au calque de couleur situé sous le calque d'encrage et j'applique la couleur. Il est important de garder l'encrage et les couleurs sur des calques séparés pour préserver un flux de travail propre.

Avec toutes les couleurs de base combinées, nous pouvons voir comment ma couleur d'ambiance aide à créer un lien entre chaque élément. Cette méthode permet aux couleurs de s'accorder entre elles et de créer une illustration plus harmonieuse.

Pour cette œuvre, j'ai choisi un ton jaune doré chaud et doux pour créer une atmosphère chaleureuse. Cela aide à apporter un sentiment de chaleur à cette scène de forêt paisible, où les animaux partagent un moment ensemble.

4. Ombrage et Lumière

Pour cette étape, j'utilise principalement ces quatre pinceaux pour créer les ombres et la lumière : Gomme douce, Gouache, Aquarelle opaque et Aérographe doux.

Chaque outil m'aide à ajouter différentes textures et à créer plus de profondeur dans l'illustration.

En haut du panneau des calques, vous trouverez un menu déroulant contenant différents modes de fusion. Ces modes vous permettent de modifier l'interaction d'un calque avec les calques situés en dessous, créant ainsi différents effets pour les ombres et la lumière.

Vous pouvez également utiliser Écrêtage sur le calque inférieur pour maintenir vos effets à l'intérieur de la forme du calque de couleur situé en dessous. Lorsqu'un calque est écrêté, une petite ligne verticale rouge apparaît à côté, indiquant qu'il est lié au calque inférieur.

Pour chaque élément de mon illustration, je crée généralement deux calques supplémentaires au-dessus du calque de couleur : un pour les ombres et un pour la lumière. Je configure ces calques comme calques d'écrêtage pour garder les couleurs propres et faciliter les ajustements.

Pour les ombres, j'utilise principalement le mode de fusion Produit. Pour la lumière, je choisis différents modes en fonction de l'élément et de sa position dans l'illustration.

Pour les arrière-plans, j'utilise généralement Lumière tamisée pour créer une atmosphère subtile. Pour les éléments plus proches, je peux utiliser Trame ou Ajouter pour rendre l'éclairage plus fort et plus vibrant. L'effet Ajouter (éclat) n'est utilisé que pour des effets spécifiques.

Je préfère garder l'éclairage doux pour préserver l'harmonie de l'illustration et éviter de surcharger la composition.

Pour l'arrière-plan, j'utilise principalement l'Aérographe doux lorsque je veux créer des transitions larges et douces. Pour des détails plus précis, j'utilise des pinceaux comme Gouache ou Aquarelle opaque.

Dans cette scène, j'ai réduit la luminosité de l'arbre de droite pour qu'il se fonde davantage dans la couleur de l'arrière-plan. J'ai également utilisé la Gomme douce pour estomper doucement certaines parties de l'arbre au lieu de les supprimer complètement.

Cela aide à créer un sentiment de profondeur et fait paraître l'arbre de gauche plus proche tandis que l'arbre de droite semble plus éloigné à l'arrière-plan.

Pour les personnages, je garde le mode de fusion Produit pour les ombres. Contrairement à l'arrière-plan, j'utilise Trame pour la lumière afin de faire ressortir un peu plus les sujets principaux.

Je peins d'abord la lumière principale avec l'Aérographe doux, puis je l'affine avec le pinceau Aquarelle opaque pour des rehauts plus propres et plus contrôlés.

Je travaille généralement avec un calque d'ombre et un calque de lumière, mais j'ajoute parfois un calque de lumière supplémentaire lorsqu'un élément nécessite plus de détails. Par exemple, j'ai créé un deuxième calque de lumière pour les piquants du hérisson afin d'affiner l'éclairage sans affecter le reste du personnage.

J'utilise aussi souvent l'outil Lasso lors de la peinture des personnages, en particulier pour les piquants du hérisson. Je sélectionne soigneusement chaque zone avant d'appliquer l'aérographe, ce qui m'aide à garder les ombres et les rehauts propres sans affecter les piquants environnants. Cela me donne plus de précision et un résultat plus net.

Pour l'arbre, j'utilise le mode de fusion Produit pour les ombres et Lumière tamisée pour la lumière. Comme l'arbre fait partie de l'arrière-plan, je garde la lumière subtile afin qu'elle ne rivalise pas avec les personnages.

J'utilise d'abord l'outil Lasso pour sélectionner des zones spécifiques du tronc. Ensuite, j'utilise l'Aérographe doux avec une grande taille de pinceau pour construire des ombres et une lumière douces. Une fois les formes principales établies, je passe à la Gouache ou à l'Aquarelle opaque pour affiner l'écorce et ajouter des détails plus petits.

La source de lumière vient de la droite, donc je construis progressivement les ombres vers le côté gauche du tronc. J'assombris également les fissures profondes de l'écorce pour souligner ses formes naturelles et créer un sentiment de volume plus fort, rendant l'arbre plus tridimensionnel tout en gardant l'atmosphère générale douce et équilibrée.

Pour cette bûche, j'utilise le mode de fusion Produit pour les ombres et Lumière tamisée pour la lumière, en suivant le même flux de travail que pour l'arbre.

Comme la bûche est positionnée plus bas dans la scène, je concentre la lumière sur sa surface supérieure où elle accroche naturellement la source de lumière. Je peins également les ombres portées par les personnages pour les ancrer à la bûche et les rendre plus intégrés à la scène.

Enfin, je renforce les zones plus sombres en dessous et à l'intérieur des fissures pour ajouter plus de volume tout en gardant l'éclairage doux et naturel.

Pour l'herbe et les fleurs, j'utilise le même processus que pour les autres éléments de l'illustration. Je commence par un calque de couleur de base, puis j'ajoute des calques écrêtés au-dessus pour les ombres et la lumière.

Pour les ombres, j'utilise un calque Produit, et pour la lumière, j'utilise généralement Lumière tamisée, Trame ou Ajouter selon l'effet souhaité. Dans ce cas, j'ai choisi Lumière tamisée car je voulais garder les couleurs douces et harmonieuses sans rendre la végétation trop vive ou distrayante. Le but est de garder l'attention sur les personnages principaux, comme l'écureuil, le hérisson et la grenouille.

Pour l'herbe, j'ai ajouté un calque supplémentaire appelé "Détails herbe" pour ajouter plus de variations et de petits détails. Comme la source de lumière vient du côté droit, je rends progressivement les couleurs plus claires à droite et plus sombres à gauche pour créer plus de profondeur.

J'ai utilisé la même approche pour les fleurs. J'ai principalement utilisé l'Aérographe doux pour ajouter de douces variations de lumière et d'ombre, sans passer trop de temps sur les petits détails. Comme il s'agit d'une illustration pour enfants, je voulais garder un style simple et lisible plutôt que d'en faire une peinture numérique très détaillée.

Pour les rochers, j'utilise le même processus que pour les autres éléments de l'illustration. Je commence par la couleur de base, puis j'ajoute un calque d'ombre et un calque de lumière au-dessus.

Pour les ombres, je continue d'utiliser Produit. Cependant, pour la lumière, j'ai choisi Trame au lieu de Lumière tamisée car je voulais un effet de lumière légèrement plus fort sur la surface du rocher.

J'ai appliqué la lumière doucement avec l'Aérographe doux, en utilisant une faible pression pour garder l'effet subtil et naturel. Comme les rochers peuvent réfléchir la lumière différemment selon leur texture, cela m'a aidé à créer une surface plus lumineuse tout en gardant la sensation du matériau cohérente.

J'essaie de garder la même approche tout au long de l'illustration, en adaptant la lumière en fonction de chaque élément et de sa texture. Le but n'est pas d'ajouter trop de détails, mais de garder les formes lisibles et de maintenir l'harmonie globale de la composition.

Pour l'étang, j'utilise une approche légèrement différente de celle des autres éléments de l'illustration. C'est en fait le seul élément qui n'utilise pas de masque d'écrêtage pour les calques d'ombre et de lumière.

Au lieu de suivre la même structure de calques que le reste de l'œuvre, j'utilise une méthode différente qui fonctionne mieux pour cette zone spécifique. J'expliquerai la raison de ce choix à l'étape suivante.

Cette exception me permet de garder plus de contrôle sur l'eau et les éléments qu'elle contient tout en maintenant la cohérence globale de l'illustration.

Pour créer les reflets dans l'étang, je duplique d'abord les éléments que je veux refléter, tels que les rochers et les bords de l'eau avec l'herbe.

Pour chaque élément, j'utilise l'outil Lasso pour tracer soigneusement le contour de la forme que je veux copier. Une fois la sélection faite, j'utilise les options copier et coller de la barre d'outils de sélection pour dupliquer l'élément. Je répète le même processus pour chaque rocher et chaque bord d'eau que je veux refléter.

Après avoir créé les copies, je vais dans Édition > Transformer > Symétrie axe horizontal pour inverser les éléments et les placer sous les formes originales.

Cela me permet de conserver les mêmes détails que les éléments originaux tout en créant la base des reflets. Plus tard, je pourrai les ajuster pour qu'ils se fondent mieux avec la surface de l'eau.

Après avoir retourné les éléments verticalement, j'ajuste les reflets pour qu'ils se fondent mieux avec l'eau. Je mets tous les calques dupliqués, y compris les rochers et les bords de l'eau, en mode Produit et je réduis leur opacité pour les rendre plus sombres et moins visibles que les éléments originaux.

Ensuite, j'utilise l'outil Fluidité avec le mode "Tourner à droite" pour créer un effet d'eau plus naturel. En appliquant cet outil sur les formes réfléchies, je peux les déformer et créer de légères ondulations, ce qui aide les reflets à mieux s'intégrer dans l'étang.

Cette étape me permet de transformer de simples formes dupliquées en reflets plus réalistes qui correspondent au mouvement et à l'apparence de l'eau.

Après avoir créé l'effet de distorsion de l'eau, j'utilise la Gomme douce pour effacer légèrement des parties des reflets. Cela aide à adoucir les bords et à supprimer la transition brutale entre les éléments réfléchis et l'eau.

Le but n'est pas d'effacer complètement les reflets, mais de les faire se fondre plus naturellement dans l'étang. Cela crée une transition plus fluide et donne un effet d'eau plus réaliste.

En ajustant l'opacité et en adoucissant les bords, les reflets paraissent moins nets et mieux intégrés à la scène.

Pour préparer les ajustements de lumière et d'ombre pour l'étang, je sélectionne d'abord la zone de l'eau.

J'utilise l'outil Sélection automatique, qui fonctionne comme une baguette magique, et je clique sur le calque de couleur de l'étang pour sélectionner toute la zone de l'eau.

Cette sélection me permet de travailler uniquement à l'intérieur de la zone de l'étang et de garder les ajustements contrôlés sans affecter les autres éléments de l'illustration.

Une fois l'étang sélectionné, je crée trois nouveaux calques au-dessus des calques de reflets : un calque Trame pour la lumière, un calque Produit pour les ombres et un calque Normal pour les ondulations de l'eau.

Je place ces calques au-dessus des reflets afin que chaque ajustement affecte à la fois l'eau et les éléments réfléchis, y compris les rochers et les berges herbeuses le long de l'étang. Cela aide les reflets à se fondre naturellement avec l'eau au lieu de ressembler à des objets séparés.

À l'aide de l'Aérographe doux, je peins la lumière et les ombres pendant que la sélection de l'étang est toujours active. Enfin, j'utilise le calque Normal pour ajouter de subtiles ondulations, donnant à l'eau un aspect plus naturel et vivant.

Pour peindre les ondulations de l'eau, j'utilise la Plume G. Je trace quelques lignes simples sur le calque Normal pour suggérer le mouvement de l'eau sans ajouter trop de détails.

Je garde l'effet subtil afin que les ondulations rehaussent les reflets tout en préservant la sensation de calme de l'étang.

Détails finaux

Pour décorer la tasse, je dessine d'abord le motif floral sur un calque écrêté au-dessus des calques d'ombrage et de lumière.

Ensuite, je vais dans Édition → Transformer → Distorsion pour ajuster le motif afin qu'il suive la forme de la tasse. Cette étape simple rend la décoration plus naturelle et l'aide à s'intégrer parfaitement à l'objet.

En guise de touche finale, j'ajoute un nouveau calque au-dessus de tous les calques et je le remplis avec la même couleur beige chaud utilisée comme couleur d'ambiance au début de l'illustration.

Je règle ce calque sur Produit et je baisse son opacité pour réchauffer doucement toute la scène. Ensuite, à l'aide de la Gomme douce, j'efface doucement les zones frappées par la lumière. Cela permet de garder les rehauts propres tout en préservant l'atmosphère chaleureuse et en améliorant l'harmonie globale des couleurs.

Résultat final

Merci de m'avoir lu ! J'espère que ce tutoriel vous a donné des conseils utiles et vous a inspiré à créer vos propres illustrations dans Clip Studio Paint.