Introducción

En este tutorial, explicaré mi método para dibujar un árbol usando Clip Studio Paint. Tenga en cuenta que es aplicable con otro software, porque para este dibujo no necesité usar ninguna característica realmente específica de CSP.

1/Herramientas y técnica

La técnica que utilizo mezcla lápiz negro, acuarela y mechas a lápiz. Permite fuertes contrastes tanto con grandes zonas de negro como con otras más claras y matizadas obtenidas mediante una especie de “glaze”. Así que solo uso dos pinceles diferentes.

Con esta técnica no existe una separación tan clara entre dibujo y coloreado (tanto en el renderizado final como en las distintas etapas de trabajo) como en otros métodos de dibujo más "estandarizados", permite por tanto un enfoque más intuitivo y bastante cercano a la pintura. o pastel en técnica tradicional. La principal ventaja es que usamos pocas capas y que no necesitamos un dominio muy profundo del software. El principal inconveniente de esta forma de hacer las cosas es que lleva mucho más tiempo.

2/Referencias e influencias

Siendo el término "árbol" bastante genérico, es necesario definir con mayor precisión lo que se desea representar. No será lo mismo dibujar un roble, una palmera o un abeto. No solo su forma será diferente, sino también el entorno en el que se encuentren.

En lo que a mí respecta, elegí dibujar un roble en medio de los campos, inspirándome en el campo de Normandía donde crecí.

 

Este es el momento de buscar fotos de árboles o de tomarlas tú mismo, con el fin de construir documentación que puedas usar más adelante. Además de las referencias fotográficas, puede ser útil buscar referencias artísticas, y hacer una lista de obras de otros artistas anteriores que hayan abordado el mismo tema, a ser posible con una técnica pictórica cercana a la que utilizas.

 

La historia del arte está llena de representaciones de árboles o bosques, ya sea como decoración y fondos, o, lo que es más interesante en mi opinión, como tema principal, y esto en todos los códigos de representación posibles, desde el más "realista" hasta el más estilizado. Personalmente, me gustan especialmente las obras de Ivan Chichkine y Albert Bierstadt.

Además de la pintura de paisajes, los decorados de películas animadas son una gran fuente de inspiración.

3/Trabajo preparatorio

Este paso tiene dos partes.

 

El primero consiste en bocetos que le permiten familiarizarse con su tema. En mi caso, un roble. Para facilitar mi trabajo, hice mis bocetos a partir de fotos de árboles en invierno, lo que ayuda a identificar claramente sus siluetas, que se hacen más legibles por la caída de las hojas.

El segundo paso es realizar varios bocetos que nos servirán para colocar los diferentes elementos de nuestro dibujo, y elegir el mejor para finalizarlo. Lo primero que debe hacer para esto es elegir un formato. Lo más obvio para un árbol sería un formato vertical, adecuado al hecho de que los árboles son en su mayoría más altos que anchos.

 

En mi caso, opté por un formato cuadrado. Después de probar varias composiciones bastante similares, elegí una que terminaré modificando ligeramente durante el proceso (quitaré la especie de menhires que rodean el roble, agregaré un camino y bajaré la línea del horizonte para tener una composición en tres tercios).

Lo ideal es que este paso sea bastante rápido y los dibujos sean mucho más pequeños que el dibujo final, para no perder tiempo en los detalles. Si tiene problemas para dibujar rápidamente, la forma más fácil es establecer un límite de tiempo para cada pequeño boceto.

4/ A lápiz

Este paso intermedio consiste en colocar los diferentes elementos del dibujo y luego especificarlos más para el siguiente paso. El nivel de precisión a tener depende de la experiencia y las preferencias de cada uno. Ante la duda, lo más sencillo es hacer el dibujo lo más preciso posible. Por supuesto, dibujar en azul no es obligatorio, solo ayuda a visualizar mejor las diferentes etapas y ajustar los contrastes y detalles al dibujar en negro sobre él.

5/Finalización

La finalización implica tres pasos.

 

El primero corresponde a una mezcla entre un lápiz más avanzado que el azul y un entintado. Para facilitar la lectura, empiezo bajando la opacidad de la capa azul. No se trata simplemente de planchar, sino también de concretar el dibujo para el siguiente paso que será el coloreado.

Las hojas presentan una dificultad particular: de lejos hay que sugerirlas y no intentar dibujarlas una a una. La forma más sencilla de hacerlo es comenzar dibujando grandes masas negras u oscuras que luego detallaremos volviendo a dibujar encima con tonos más claros.

El segundo paso es un trabajo de coloreado muy sucinto, precedido por la colocación de algunas áreas grises planas (sobre una capa en modo "multiplicar") que sirven para crear un fondo neutro más fácil de trabajar que un fondo blanco para ajustar los contrastes. .

Luego agrego una capa que será el tono general del dibujo (sobre una capa en modo "overlay"), aquí verde, y finalmente coloco algunas áreas planas con el pincel de acuarela (nuevamente, sobre una capa en "multiplicar") .

El último paso es el más largo en términos de tiempo, pero no es el más importante: todas las grandes elecciones sobre el tema o la composición del dibujo ya se han determinado antes. Consiste en una mezcla de "esmaltes" de pincel de acuarela, reflejos con el pincel de lápiz, difuminado (la herramienta de dedo para las nubes en el cielo) y efectos de filtro (el desenfoque gaussiano para el fondo o para las hierbas en primer plano), todo en bastantes capas que combino regularmente.

Para ayudarme, tomo capturas de pantalla regularmente desde la etapa de boceto, que coloreo rápidamente. Esto me permite probar diferentes cosas, y por qué no hacer algunos cambios en el camino, como aquí con la composición de la imagen (más centrada al principio, y sin el camino), o el tinte general, que pasó de ser bastante frío. tonos verdes/azules a tonos más sepia.

Este tutorial ya está completo, espero que lo hayas disfrutado :)

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