Salut!

 

Comme "poser" est un sujet pour les thèmes du concours TIPS d'août 2021, je voulais partager une technique super cool avec mes collègues utilisateurs de Clip Studio Tips.

 

J'en suis venu à appeler cette technique la « technique/méthode de la silhouette ». Simple, mais efficace.

 

Cela m'a DÉFINITIVEMENT aidé (personnellement) à trouver des poses et à éviter la frustration dont je souffre lorsque j'essaie de dessiner correctement les gestes.

 

Alors, commençons!

 

MISE À JOUR : Nous sommes le 24 février 2022 et j'essayais d'expliquer cette technique à quelqu'un et j'ai immédiatement eu un coup de fouet en me rappelant que j'avais écrit ceci. Ensuite, j'ai relu et j'ai réalisé que j'étais dur dans quelques domaines où je devais clarifier certaines choses. C'est donc ce que j'ai fait !

Partie 1 - Préface : Priorités et croissance personnelle

Je vais commencer ce didacticiel en disant que je ne vais pas (durement) vous parler de l'importance du geste ou apprendre à utiliser et à apprendre correctement le « dessin gestuel » en tant que technique.

 

Cela étant dit, le dessin gestuel est important, et un fondamental nécessaire que vous devriez apprendre si vous voulez devenir un meilleur artiste. Alors que la plupart des maîtres diront que c'est pour que vous puissiez correctement comprendre et relayer le mouvement, le rythme et le flux dans vos poses et vos illustrations (et bien que cela SOIT vrai), il existe plus d'une façon de faire des dessins gestuels que / juste / dessiner des gestes de la manière la plupart des professeurs vous demandent de le faire.

 

Donc, voici l'astuce - le dessin gestuel ne doit PAS être l'ensemble du concept de «gestes de dessin» et rien d'autre. Le geste, dans un sens authentique, est destiné à relayer une seule information - comment tout ce que vous dessinez bouge, le rythme et le flux de celui-ci.

 

Ce sont tous, malheureusement, des mots fantaisistes qui sont fleuris et trop compliqués, surtout pour les débutants.

 

Parfois, plus quelque chose est simple, mieux il se lit. Si vous pouvez obtenir une lecture avec trois lignes, alors ces trois lignes sont tout ce dont vous avez besoin. Ne compliquez pas inutilement les choses, que ce soit par rapport à l'art ou même à la vie elle-même.

 

Par exemple, les images ci-dessous que j'ai faites en 2017-2018, donc il y a quelques années. Le premier est très détaillé et axé sur l'anatomie.

 

Alors que la seconde n'est rien d'autre que des lignes fluides qui sont simplifiées au mouvement/flux/rythme de base, les modèles que j'ai utilisés pour référence s'affichent dans leur pose d'origine.

 

Les deux font le travail mais de différentes manières.

 

Le truc, c'est que c'est un peu comme l'écriture manuscrite. Si vous écrivez quelque chose pour votre usage personnel, mais que vous ne pouvez pas le lire, à quoi cela vous sert-il ? Si vous écrivez quelque chose pour votre usage personnel, mais que personne d'autre ne peut le lire - et pourtant vous le pouvez, alors vous avez atteint votre objectif.

Partie 2 - Comment organiser votre processus pour un flux de travail plus facile

Maintenant que je vous ai rongé l'oreille avec l'ensemble 'ne vous en voulez pas de ne pas être là où vous voulez être' et que 'les fondamentaux sont importants mais soyez intelligents sur la façon dont vous les utilisez', commençons VRAIMENT .

 

Je vais le dire carrément et le développer plus tard, mais commençons par ce fait très, très obligatoire :

 

Vous aurez probablement besoin de références pour trouver une pose qui n'a pas l'air de l'avoir sortie de nulle part et de l'avoir claquée sur votre toile. Si vous choisissez d'y renoncer, c'est cool, mais en fin de compte, même regarder les poses donne l'inspiration pour vraiment affiner ce que vous voulez et essayez de transmettre.

 

Personnellement, j'écris des notes sur tout. Principalement parce que je suis facilement distrait, et aussi parce que j'ai la mémoire d'un poisson rouge enthousiaste.

 

Donc, si je veux avoir certaines fonctionnalités dans ma pose ou si j'ai besoin de références spécifiques (ou même d'idées pour une pose, ce que je pourrais utiliser comme référence, etc.), je l'écris dans un document Word, généralement inclus brièvement dans puces.

Exemple : L'image ci-dessus est une très, TRÈS brève liste de choses que je voulais noter pour une image sur laquelle je travaillais.

 

Tout ce que j'ai fait a été d'ouvrir Wordpad sur mon bureau et de taper quelques fonctionnalités clés pour lesquelles j'avais vraiment besoin de référence. J'ai ensuite parcouru quelques moteurs de recherche pour trouver des images de référence faisant référence à mes notes.

 

De plus, je capture d'écran (j'utilise un programme appelé Greenshot) mon document Word car cela aide à garder mon bureau en ordre. Vous pouvez le faire avec des images en ligne que vous ne pouvez pas ENREGISTRER directement. (Parfois, Pinterest est capricieux en ce qui concerne les images, il semble être basé sur des éléments (généralement des vêtements) qui sont à la fois une image et un lien)

 

(Remarque, veuillez vous assurer que votre filtre SafeSearch est "activé" si vous utilisez Google)

La pièce sur laquelle je travaillais n'était au départ qu'une pratique de kimono, mais j'ai décidé de faire une pièce de mon personnage original, Mu, étant donné qu'elle porte un kimono et travaille comme serveuse dans une histoire sur le thème de la période Edo sur laquelle je travaille. .

 

Donc, à ce stade, j'avais officiellement besoin de références, que j'ai énumérées dans mes notes précédentes ci-dessus.

 

Vous pouvez également voir que j'ai utilisé l'outil de modélisation 3D de Clip Studio Paint pour commencer. Considérant qu'au départ, j'avais juste besoin d'un corps sur lequel dessiner un kimono (et ce n'était pas une œuvre d'art complète), le modèle 3D de Clip Studio fonctionnait parfaitement au départ.

 

Je vais passer à notre prochaine partie sur l'utilisation de modèles 3D à titre de référence, car il y a beaucoup de stigmatisation nocive dans la communauté artistique à propos des 'art cheat-codes'.

 

 

Partie 2-1 - Utilisation des ensembles d'outils numériques - Est-ce (techniquement) de la triche ?

J'utilise BEAUCOUP les outils 3D de Clip Studio. Je sais que beaucoup de gens considèrent cela comme de la "tricherie", mais en vérité, c'est JUSTE un outil pour faire de l'art, il ne fait pas l'art pour vous.

 

Il y a une différence entre poser un modèle 3D et tout dessiner, y compris les vêtements, l'anatomie, le visage, etc. ou prendre une illustration finie de Pinterest et la tracer et copier chaque détail de l'œuvre originale d'UN AUTRE ARTISTE et prétendre que vous l'avez faite.

 

Cela étant dit, si vous utilisez trop un outil, cela devient une béquille.

 

Gardez le contrôle de toutes vos compétences et de votre dynamique artistique - en vous basant sur des références photographiques et votre imagination, etc. Mais rappelez-vous que les outils ne font que rendre le processus plus rapide.

 

Par exemple, un tournevis vous aidera à maintenir correctement un boulon en place afin qu'il ne glisse pas de votre prise et à atténuer la tension tout en le tournant.

 

Mais, à la fin, c'est toujours VOUS qui devez le tourner et utiliser votre force pour le serrer.

Partie 3 - Une mention rapide sur la référence (et pourquoi c'est important.)

D'accord, étant donné que je mets à jour ce guide, c'est la seule partie que j'ai relue et je savais que je devais réviser dès que possible.

 

La référence est fantastique. Utilisez la référence quand et si vous le pouvez. Est-ce obligatoire ? Non, mais votre art s'améliore lorsque vous êtes guidé par quelque chose. Pour les artistes débutants, c'est le cadeau ultime que vous pouvez vous offrir.

 

Aujourd'hui, il existe plusieurs mentalités et processus de pensée dépassés autour de la « référence » et de son utilisation. Je vais les énumérer ci-dessous.

 

1.] C'est de la triche !

 

Ce n'est vraiment pas le cas. Il n'est pas non plus possible de tracer sur des photos pour avoir une idée du flux ou de la sensation ou même de la sous-structure de ce que vous essayez de dessiner. Je le fais avec des détails anatomiques, je prends de vraies photos et je trace dessus, j'essaie de les décomposer en leurs composants les plus petits et les moins complexes. Si j'essaie de comprendre un geste, je vais tracer les lignes de mouvement dans une figure active.

 

Utiliser la référence n'est pas tricher. Tracer des photos d'objets et de corps réels n'est pas de la triche. Tracer l'art que quelqu'un d'autre a créé pour ressentir ce qu'il essayait de transmettre - ce n'est pas non plus de la triche.

 

Tracer l'art et ensuite dire que vous l'avez fait - c'est ce que l'on pourrait supposer être "tricher".

 

Chaque maître artiste, chaque artiste professionnel, chaque artiste pertinent, utilise la référence, d'une manière ou d'une autre. Ce n'est pas une béquille ou un code de triche, c'est une traduction et une transmutation.

 

2.] Manque et "paresse"

 

Je serai le premier à dire que je n'utilise pas autant de références que je le devrais.

 

Je suis très, très coupable de celui-ci. Il y a des jours où je ne veux pas chercher de référence, et je ne veux CERTAINEMENT pas chercher sur Google pour me retrouver dans l'oubli.

 

Tout le monde n'a pas un bon accès à Internet, voire pas du tout. Tout le monde ne sait pas comment trouver une bonne référence. Tout le monde n'a pas beaucoup de ce que beaucoup d'artistes ont à leur disposition. C'est comme ça.

 

Pour réviser ce guide à partir de sa position antérieure et agressive sur l'utilisation de la référence : la référence est nécessaire si vous ne savez pas comment décrire une certaine chose. Ce n'est pas obligatoire. Personne ne vous forcera brutalement à l'utiliser, et je ne suis pas du genre à en parler.

 

Un ami sage a dit un jour : « Ne vous attachez pas aux choses, vous allez parcourir un nombre infini de terriers de lapin à la recherche de réponses. Et elle avait raison. Ce que je n'ai pas réalisé, c'est que vous pouvez vous attacher et que vous vous attacherez aux choses, et vous pouvez vous attacher à ne pas vous attacher.

 

Et ce n'est pas grave.

 

Utilisez la référence si cela améliore votre métier, mais comme tout ensemble d'outils, la référence peut être une béquille. Et vice versa. Ne pas l'utiliser peut AUSSI être un obstacle, mais ne laissez pas des opinions obsolètes comme s'il s'agissait d'un code de triche, etc. vous empêcher de l'utiliser.

Partie 4 - La technique de la 'silhouette' - Une approche basique du dessin gestuel

Tout d'abord, qu'est-ce que j'entends par la « technique de la silhouette » ? Eh bien, c'est une technique assez littérale.

 

Je ne l'ai pas créé, et je ne l'invente pas comme le mien. Je l'utilise cependant, et j'aurais aimé commencer à l'utiliser il y a longtemps car c'est une technique géniale. En tant que perfectionniste, la frustration de griffonner une pose et de ne pas l'obtenir EXACTEMENT comme il le FAUT me réduit en poussière.

 

Si vous avez besoin d'une définition d'une silhouette, je vais vous montrer !

A gauche, nous avons un dessin de chat très loufoque et, à droite, la 'silhouette' du chat. Vous savez maintenant exactement ce qu'est une silhouette ! :RÉ

 

Maintenant, comment cela devient-il une «technique» que vous pouvez utiliser pour dessiner des poses, en particulier?

 

Vous pensez peut-être que cela finirait par représenter beaucoup plus de travail. Principalement parce que vous devez maintenant dessiner quelque chose (lineart) puis le remplir pour obtenir une silhouette appropriée; 2X plus de travail que vous n'auriez fait autrement. Nan!

 

Heureusement, ce n'est pas comme ça que vous procédez avec cette technique ! Pensez à un sculpteur, le genre qui construit des choses à partir d'argile. Ensuite, lorsque vous descendez la base de cette «technique», vous la sculptez comme du marbre.

 

C'est tout l'intérêt de cette technique !

 

Maintenant, avec cette technique, vous pouvez voir que j'ai utilisé un seul ton, le noir. Vous pouvez utiliser n'importe quelle couleur, mais je suggérerais que si vous avez des parties de la pose qui se chevauchent (par exemple, un bras qui croise la poitrine ou une main qui couvre la bouche), vous le faites dans un ton plus clair (ou plus foncé, selon quelle couleur vous avez initialement choisie) couleur/ton. Cela aide à garder les choses organisées! Vous pouvez continuer à répéter cela si vous avez une partie qui se chevauche qui chevauche autre chose.

 

La dernière chose que vous vous demandez peut-être, c'est comment je fais la silhouette. Et pour la réponse - Non, je ne prends pas un pinceau agrandi et ne peins pas la silhouette. Vous pouvez le faire, si cela vous convient, cela fonctionnera tout aussi bien, j'imagine, mais je préfère de loin utiliser les outils de sélection.

 

Plus précisément, l'outil 'Lasso'.

Partie 5 - Le processus de la technique 'Silhouette'

Ouf, nous sommes dans la dernière ligne droite !

 

Dans la dernière partie de ce tutoriel, je vais vous proposer deux exemples de mon processus complet, y compris ce que je fais après avoir terminé ma silhouette.

 

Ces exemples ont été réalisés avec la nouvelle fonctionnalité "Record Timelapse" de Clip Studio.

 

Une note rapide, si je voulais couper quoi que ce soit (disons que j'ai trop large le bras au lasso), je voudrais simplement lasso la partie dont je voulais me débarrasser et appuyer sur supprimer. Supprimer effacera toute votre sélection, ce qui est un énorme gain de temps. Vous pouvez me voir faire cela dans les deux enregistrements.

EXEMPLES D'ÉCHÉANCIERS

Partie 5-1 - Une étape par étape écrite de mon processus

Parce qu'il est parfois plus facile d'avoir des guides visuels et écrits, je vais noter mes étapes pour les deux exemples de processus que j'ai publiés ci-dessus, ainsi que quelques notes sur mes finitions.

 

1.] Plus souvent qu'autrement, il faut du temps et des efforts pour vraiment obtenir une silhouette solide. Il est peu probable que vous y parveniez du premier coup. J'ai également des références (qu'il s'agisse d'un modèle 3D ou d'une référence photo) cachées dans ma sous-vue sur le côté de ma toile.

 

Une fois que j'ai obtenu la silhouette de base comme je le souhaite (ou assez proche, elle n'a PAS besoin d'être parfaite, car il y a beaucoup de modifications que je fais plus tard), je continue à dessiner l'esquisse de base.

 

2.] J'essaie de garder mes croquis de base simples et très lâches. J'utilise beaucoup d'angles émoussés (en particulier pour les membres pliés) et rends rarement tout hyper-précis. L'exception à cette règle concerne les mains/doigts. Ceux que j'essaie de rabaisser tout de suite, simplement parce que je n'aime pas me battre avec eux plus tard. Je le fais habituellement, mais j'essaie d'obtenir quelque chose de solide le plus rapidement possible.

 

3.] Je baisse ensuite l'opacité de mon calque d'esquisse (que je dessine généralement sur un calque car cela facilite l'effacement.) Je n'ai pas de pourcentage spécifique auquel je baisse l'opacité, juste assez bas j'ai assez de dégagement pour dessiner sur les lignes initiales tout en ayant la structure à peine visible à partir de laquelle référence. Ensuite, je dessine généralement les vêtements et les détails importants. Parfois, j'utilise plusieurs couches, en fonction de la complexité.

 

 

4.] J'affine. Affiner ensuite. Ensuite, affinez-en un peu plus. Parfois, je fais un nettoyage supplémentaire, mais j'utilise un stylo à texture rugueuse, il reste donc toujours des résidus. Plus souvent qu'autrement, j'utilise l'outil lasso et supprime certaines parties (généralement des zones plus grandes) qui doivent être redessinées, puis les redessine. Ou, juste pour nettoyer de petits morceaux de dessin au trait désordonné que je ne veux pas effacer à la main.

 

Selon que je prévois ou non de colorer mon travail (et comment), je peux prendre le calque lineart fini (99% du temps, tous mes dessins au trait sont fusionnés, donc tout est sur un seul calque à la fin) et le brouiller à l'aide de Clip Studio's 'Blur ' filtre. J'ai ensuite affiné les lignes floues avec la fonction "Affûter". Je ne fais généralement cela que si je ne prévois pas de peindre entièrement une pièce et que je décide plutôt de faire un rendu plus coloré d'anime / manga.

 

5.] Lorsque j'ai décidé que je voulais colorier une pièce, selon que je vais la peindre entièrement ou simplement utiliser mes compétences de peinture cellulaire douce de mauvaise qualité, j'utilise l'outil lasso et lasso les parties du dessin qui sont va être une certaine couleur. Dernièrement, j'ai commencé à remplir avec des valeurs plutôt qu'avec des couleurs, de cette façon mes couleurs sont au point lorsque je passe réellement de l'étape de la valeur.

 

REMARQUE : Clip Studio dispose d'outils de remplissage fantastiques et je les ai utilisés tout le temps. Mais ils ne fonctionnent pas aussi bien avec les pinceaux texturés, ce que j'utilise principalement de nos jours. Il est donc préférable d'utiliser simplement l'outil lasso car je n'aurai pas de bords granuleux dans mes espaces remplis.

 

C'est plus précis de cette façon de toute façon, même si c'est un peu plus de travail. Mon outil lasso est configuré de manière à ce qu'il soit super stabilisé et facile à contrôler. Une fois que j'ai lasso la portion choisie, j'appuie sur 'ALT Delete' qui est mon raccourci pour 'Fill'.

 

6.] Une fois que mes valeurs sont correctes, j'utilise ensuite l'outil de sélection automatique (voir tous les calques) pour cliquer sur chaque partie que je veux changer en couleur, puis remplissez simplement cette sélection avec la couleur de mon choix. Je fais cela en étant TRÈS attentif à la façon dont les couleurs sont en corrélation avec les valeurs d'origine que j'ai choisies.

 

Si les choses ne vont pas bien après avoir fini de descendre mes appartements (couleurs de base), je les ajuste jusqu'à ce qu'elles soient correctes. Parfois, je choisis carrément une couleur et un remplissage différents, et parfois je modifie les teintes avec les réglages de "Correction tonale" de Clip Studio.

 

REMARQUE: Bien que je ne l'aie pas utilisé ou expérimenté (ENCORE), je sais qu'il est plausible de créer une palette de couleurs spécifique et d'utiliser l'outil de réglage de la carte de dégradé pour transformer toutes vos valeurs en ces couleurs. Il s'agit plus d'une technique avancée, car vous devez comprendre et être capable de faire correspondre les valeurs avec les couleurs que vous choisissez pour votre palette pour qu'elle fonctionne correctement.

 

7.] Si je me sens prêt à peindre/rendre, je changerai alors la couleur de mon lineart et commencerai le processus de peinture. Mon processus de peinture varie en fonction du temps et des efforts que je veux y consacrer, mais dans l'ensemble, une fois que j'ai terminé, je fais une combinaison d'affinage, d'édition et de nettoyage.

 

J'essaie de m'assurer que mes couleurs sont au point, donc parfois il est nécessaire d'avoir un ajustement de couleur de dernière minute, et je finis toujours par ajouter une superposition de texture/s. Je change aussi généralement l'opacité et la couleur de ma texture pour m'assurer que mes couleurs sont toujours bonnes et appropriées !

 

Et c'est mon processus de base.

Une note parallèle sur l'abstraction

Je pensais ajouter ceci dans la révision. Je voulais ajouter une note secondaire sur «l'abstraction» et pourquoi cette technique joue si bien dans ce terme.

 

L'être humain voit des visages dans beaucoup de choses. L'homme dans la lune, par exemple. Certaines personnes disent qu'il y a un homme dans la lune, ou un visage. Les gens regardent les nuages et voient des formes. Les êtres humains aiment voir des choses dans d'autres choses. J'ai un gros pied dans le carrelage de ma salle de bain, il y a toujours des petits personnages dans mes murs en stuc.

 

J'utilise le terme 'abstraction' vaguement. Lorsque vous créez quelque chose de très simple, qui n'a pas de caractéristiques de définition, vous pouvez alors sélectionner des caractéristiques de définition dans son format de base. Vous n'avez pas besoin de "savoir" ce que seront les choses jusqu'à ce que vous les choisissiez ou les pointiez dans la forme de base avec laquelle vous travaillez.

 

La technique de la silhouette l'utilise d'une manière qui enlève souvent beaucoup de stress (pour moi, personnellement, du moins.) D'essayer d'obtenir un geste ou une figure, ou toute partie de l'anatomie de cette figure "précisément" tout de suite la chauve-souris.

 

Rien ne commence par "parfait" ou "précis". C'est une énorme idée fausse. Je fais rarement quelque chose de « bien » la première fois dans le virage, SI JAMAIS.

Remarques finales

Ahh, c'était un doozy! Je suis content que tu sois allé jusqu'au bout ! Félicitations si vous l'avez fait !

 

Merci d'avoir lu mon tutoriel. J'espère que cela vous a aidé un peu, ou à tout le moins, vous a appris quelque chose de nouveau ! Je vous souhaite bonne chance et bonheur dans n'importe quel voyage ou aventure artistique que vous entreprenez, mais n'oubliez pas de prendre soin de vous et de votre bien-être en cours de route !

 

Prends soin de toi!