Cómo crear una caricatura con un enfoque de "pintura"

en CLIP STUDIO PAINT

Una presentación

Este documento tiene como objetivo presentar las herramientas y mi proceso en CLIP STUDIO PAINT para hacer una caricatura pintada de la A a la Z.

Rápidamente me gustó dibujar las caras de mis modelos durante las sesiones de modelos en vivo y para mí la caricatura fue natural. Noté que a menudo un poco de énfasis en las características hace que el retrato sea "más parecido". También es un excelente ejercicio de estilización y simplificación. Mis caricaturas están pintadas con CLIP STUDIO PAINT, pero utilizo un enfoque con pocas capas y cercano a las técnicas tradicionales. Sin embargo, las herramientas digitales ofrecen la ventaja de "facilitar" el flujo de trabajo al simplificar los problemas de dibujo, secado, etc. y para facilitar las correcciones en progreso de la imagen.

 

B. Presentación de las herramientas:

1. Los pinceles:

 

En mi opinión, no existe una receta para usar pinceles de CLIP STUDIO PAINT.

Me gusta variar mis herramientas regularmente durante la realización de mis pinturas. Esto permite crear accidentes gráficos y movimientos, u obtener texturas que quiero hacer y para las cuales elijo una herramienta en particular.

CLIP STUDIO PAINT también permite variar los parámetros de las herramientas según las necesidades, la visualización permite anticipar el comportamiento que se desea obtener.

Para dibujar, las preferencias de todos, pero aquí hay una selección de herramientas

CLIP STUDIO PAINT que se utilizaron para la realización de esta imagen.

 

Se utilizarán las herramientas [Lápiz] y [Pastel], incluidas las herramientas secundarias [Pastel], [Chalk Grasse] y [Lápiz áspero].

Se utilizaron para dibujar durante la fase de dibujo, pero también para el tratamiento de detalles durante la fase de pintura.

 

Para borrar, lo que se hará solo durante la fase de dibujo, se utilizan dos métodos:

• Uso de la herramienta [Borrador], con sus variantes: [Borrador duro] y [Borrador de pan].

• Preservación de la herramienta de dibujo en uso y uso del color transparente. Esto permite preservar la textura del lápiz utilizado para dibujar "borrando".

 

Se utiliza la herramienta [Pintura al óleo], especialmente con las herramientas secundarias [Pincel plano para pintura al óleo] y [Guache fino], principalmente durante la fase de pintura.

 

La herramienta [Aerógrafo] con su variante [Aerógrafo más fuerte], cuyos modos de combinación se pueden modificar, de acuerdo con los deseos y las necesidades durante la fase de pintura.

 

La herramienta [Línea diagonal] es una herramienta que se usa aquí para pintar. El tamaño del pincel se establece en pequeño para crear textura o es lo suficientemente grande como para crear más elementos gráficos.

 

La herramienta [Gradiente de forma] se utiliza como desenfoque mediante el uso de las herramientas secundarias [Fiber Scramble] y la herramienta [Finger]. Se utiliza durante la fase de pintura.

 

2. Las herramientas que ahorran tiempo:

 

Estas herramientas simplifican el proceso de creación de una imagen creando atajos o simplificando los pasos obligatorios pero menos creativos del dibujo tradicional:

 

• Para mantener un ojo fresco en el dibujo y ver sus debilidades, podemos revertir la pintura. Esto se puede hacer a través del menú [Editar]> [Girar / Voltear lienzo]> [Girar en eje de espejo horizontal].

 

• Del mismo modo, para tener una visión general de su trabajo, la herramienta [Zoom] puede alejarse rápidamente para dar un paso atrás.

 

• Para aislar y ampliar el boceto que se ha elegido: herramienta [Selección] y luego menú [Editar]> [Transformación]> [Ampliación / reducción / rotación].

 

• Puede ajustar los colores, presionar el contraste, etc., con el menú [Editar]> [Corrección de color].

 

• Para revisar o reforzar la composición, puede seleccionar el área que desea conservar e ir al menú [Editar]> [Recortar].

 

El objetivo no es usarlo a toda costa, porque no hacen el trabajo en lugar del usuario. El ojo sigue siendo juez del trabajo, pero estas técnicas pueden ser de gran ayuda para ponerse al día con una situación que se nos ha escapado y ahorrar mucho tiempo.

C. Pasos en el proceso:

1. Lápices:

 

El boceto permite explorar varias opciones y asegurarse de que hemos encontrado el parecido.

Esta es la primera vez que hago caricaturas y fue un ejercicio interesante. Elegí el boceto en la parte inferior derecha que resalta la sensación de preocupación que jugué en la foto y me hace sentir este ejercicio, además, me parece que esta imagen me permitirá mostrar mejor los volúmenes de la cara, el primer plano ojos y pómulos anchos, así como el pequeño volumen de la caja craneal.

Como es el que me interesa, está más avanzado que los otros dos.

Podemos ver en la captura de pantalla a continuación, los bocetos y la organización del espacio de trabajo.

2. Recorte y ampliación:

 

Gracias a la herramienta [Selección]> [Lazo poligonal], el boceto elegido está aislado de los demás.

Se copia y luego se pega. CLIP STUDIO PAINT lo coloca automáticamente en una nueva capa, luego con la herramienta [Transformación], puede ampliarlo y colocarlo en la página completa.

Finalmente, la nueva capa se coloca en modo [Producto] y se reduce su opacidad. Podemos ocultar la capa de bocetos porque ya no la necesitaremos. Sin embargo, puede mantenerse en el archivo.

En esta etapa, a veces es necesario usar una herramienta complementaria de la herramienta [Warp]. Esta herramienta se llama [Deformación de malla]. Si es necesario, permite reelaborar / ajustar su dibujo o parte de él deformando solo una parte.

 

3. Primera capa de colores:

 

Debajo de la capa de lápiz, en una nueva capa en el modo de combinación [Normal], puede colocar las primeras teclas de color variando las herramientas [Pinceles].

El objetivo es instalar rápidamente la atmósfera colorida de la imagen. No es necesario acercar este paso. Para que esta atmósfera colorida sea personal, no uso la herramienta [Cuentagotas] en mis imágenes de referencia.

Prefiero elegir mis colores en el selector de color, incluso si los colores elegidos están cerca de los colores de la fotografía de referencia como en este caso.

En lugar del fondo original que no es muy interesante, incluso inquietante, establezco un fondo pintado, un color que puede contrarrestar el tinte de mi camiseta y el color de mi piel. Elijo un morado casi complementario al color de la camiseta.

 

En esta etapa, las herramientas utilizadas son principalmente las diversas herramientas [Pintura al óleo] y [Línea diagonal], [Chalk Grasse] y una pequeña herramienta [Formas de degradado]. El tamaño de los pinceles es grande, pero aún varía. Algunas pinceladas más pequeñas permiten especificar las áreas más pequeñas y crear una pequeña diversidad en la clave.

 

Podemos observar a continuación el contenido de esta capa de color, con y sin el boceto mostrado, para darnos cuenta de la falta de precisión que se busca en esta etapa.

4. Recorta la imagen:

 

Antes de comenzar a detallar y profundizar la pintura, dado que el trabajo se lleva a cabo en el mismo archivo, reformulo mi dibujo. Para hacer esto, seleccione el área del documento que desea conservar y vaya al menú [Editar]> [Cortar].

5. Pintar sobre el lápiz:

 

En esta etapa es necesario especificar los volúmenes para luego detallar la imagen, para definir las texturas, pero tenga cuidado, esta parte lleva tiempo y no es necesario apresurarse allí.

De hecho, si los pasos anteriores se han descuidado y si ingresamos a este paso demasiado pronto, es posible que pasemos mucho tiempo creando una representación. Pero en una imagen mal construida o que no se parezca, el resultado será poco convincente.

Para hacer esto, se coloca una nueva capa sobre las capas antiguas. Está en modo [Normal].

(Para aquellos que tienen una configuración de computadora baja y para encontrar fluidez, es posible sobrescribir las capas anteriores antes de dibujar).

 

A partir de este paso, es posible hacer zoom para trabajar los detalles y disminuir el tamaño de los pinceles en consecuencia.

Tenga cuidado de no exagerar, de lo contrario, tomará un tiempo de trabajo muy largo y correrá el riesgo de perder la coherencia de las áreas entre ellos.

 

Para esta imagen, las herramientas utilizadas son:

• Herramientas [Pintura al óleo], herramientas [Formas de degradado] para especificar volúmenes;

• Las herramientas [Pastel]> [Tiza grasienta] y la herramienta [Pincel plano de pintura al óleo], todo pequeño para los detalles y lo más grande posible para trabajar los volúmenes;

• La herramienta [Línea diagonal] le permite integrar elementos gráficos y textura.

 

Para mantener una coherencia general, prefiero trabajar sucesivamente en todas las áreas de la pintura en lugar de finalizar un área y pasar a la siguiente.

 

Captura de pantalla al comienzo del proceso: inicio del trabajo en los ojos.

 

 

Es bueno mantener los cepillos lo más grandes posible. Cuando toda la imagen se procesa a un estado de progreso suficiente, es hora de reducir los pinceles nuevamente y acercar un poco más si es necesario.

Ejemplo de zoom llevado al máximo durante el proceso:

Como se mencionó anteriormente durante esta fase, es importante acercar / alejar para asegurarse de no perder el equilibrio de la imagen, como en la pintura cuando nos tomamos el tiempo de mirar su trabajo desde lejos. Ri no sirve para perderse en los detalles si las bases de la imagen no funcionan.

Para mantener un aspecto más vivo, es interesante variar regularmente la herramienta utilizada (diferentes pinceles, plantillas, líneas diagonales, diferentes tamaños, diferentes opacidades, etc.)

 

Imagen al final de este paso del proceso:

6. Fortalecer el punto focal:

 

Para hacer que una imagen sea más impactante, es recomendable crear un punto de atracción en ella. Para esto podemos tratar con mayor precisión los detalles de un área elegida.

En mi opinión, cuanto más lejos de esta área, menos necesita trabajar la pintura, por ejemplo, se sugiere el logotipo en la tapa, mientras que el área de los ojos y los anteojos se trata con más de Advertencia.

Por otro lado, esta área de detalle es también la que debe colocarse en un punto fuerte de la página, para que la composición y el tratamiento "trabajen" juntos.

Al acercar y alejar, me pareció que la composición no era óptima. Entonces hice una nueva cosecha.

7. Correcciones de valores y colores: uso de dos capas de correcciones.

 

El trabajo de pintar los detalles puede llevar mucho tiempo y puede crear cierto cansancio. Se hace difícil sin cambiar nada para darse cuenta de las debilidades de la imagen. Puede romper este cansancio utilizando la herramienta [Espejo] a través del menú [Editar]> [Girar / invertir lienzo]> [Girar en eje de espejo horizontal].

 

La imagen parece un poco plana, hay una falta de fuerza de las luces y un desequilibrio entre las partes claras de las sombras y las partes oscuras de las luces.

Para resolver este problema hay varios enfoques. En la pintura tradicional, hubiéramos repintado las luces tenues, reajustado los colores donde están demasiado pálidos y repintado las sombras demasiado suaves al hacerlas más profundas.

Con CLIP STUDIO PAINT, puede usar las herramientas en el menú [Editar]> [Correcciones de tono].

 

Finalmente, aquí opto por una solución de dos capas, una en modo combinado [Densidad de brillo] para aumentar las luces y mejorar los colores, y otra en modo combinado [Producto] para corregir las sombras y los colores. profundizar.

 

Utilizo en la capa en el modo [Producto] fotografías con aerógrafo con un color frío cercano al color de sombra ya establecido. Pinto en la capa en el modo [Brillo Densidad] pinceladas hechas con la herramienta

[Pintura de pincel plano para aceite] o [Aerógrafo], con un color brillante y cálido, cercano al color de la luz ya instalada en la imagen.

 

En ambos casos para obtener el resultado que más me convenga, mitigo mis primeras intervenciones con la herramienta [Gradient de forme] (herramienta [Dedo] o [Scramble by fiber]) y ajusto la importancia de las capas jugando con la opacidad de este último hasta obtener un resultado que me gusta.

8. Los acabados:

 

Después de hacer los ajustes de brillo, para encontrar un poco de

frescura, el archivo se guarda en JPEG. Una última pasada de pintura, que deja la imagen en una sola capa, le permite agregar los toques finales.

 

En esta fase se ponen en práctica los últimos detalles como los pelos, los reflejos de las gafas y los pequeños puntos de reflejos en las ramas de las gafas o en la piel.

 

En esta etapa, a veces "rompo" ciertos elementos. Sucede, al trabajar demasiado modelo, que el resultado obtenido parece un poco suave para mi gusto. Gracias al trabajo realizado hasta ahora, es posible colocar pinceladas con menos precisión y con más material. Pueden restaurar la energía a la imagen. Este es el caso aquí en el área de la nariz, gracias a la herramienta [Línea Diagonal].

 

Y finalmente firmo mi trabajo.

 

Captura de pantalla antes / después de este último paso.

Aquí encontrará la imagen final en tamaño grande, gracias por leer este tutorial, no dude en hacerme saber sus comentarios.

 

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