- Introducción -

Hola. Mi nombre es kyo :) Quería hablar sobre 7 métodos y técnicas diferentes que utilizo para expresar la luz y las distintas formas en que puedes usarla para hacer tu arte mucho más interesante. No soy un experto en iluminación, pero creo que sé lo suficiente sobre cómo funciona y me gustaría compartirlo contigo. Esta es la versión en texto del tutorial, ¡pero te animo a ver el video de YouTube si puedes!

 

Estoy creando este tutorial porque creo que entender la luz y cómo aplicarla es una habilidad útil para añadir a tu arsenal como artista. Encontrar formas creativas de emplear la iluminación en tus pinturas puede llevarlas al siguiente nivel.

 

Antes de empezar, necesito explicar brevemente cómo funciona la luz. No entraré en demasiados detalles sobre la física de la luz, pero proporcionaré un resumen rápido para darte una comprensión básica de cómo funciona la luz desde un punto de vista observacional.

La forma más sencilla de pensar cómo funciona la luz es que, cuando iluminas un objeto, la luz ilumina los planos que miran hacia la fuente de luz y todo lo que mira en dirección opuesta permanece en sombra. Hay muchos matices a esto que abordaré más adelante, pero por ahora, esto es lo esencial que necesitas saber.

 

Y dicho esto, permíteme compartir los 7 consejos y técnicas de iluminación que uso en mi arte:

1. Ten cuidado al usar el aerógrafo...

Veo a muchos artistas pintar la luz exclusivamente con el aerógrafo y, personalmente, no recomiendo hacer esto en la mayoría de los escenarios. En su lugar, te recomiendo que uses un pincel de bordes más duros para "esculpir" la luz en las formas. Lo que quiero decir con "esculpir" con luz es usar bordes más duros para pintar la luz con audacia. Casi siempre evito usar un aerógrafo para pintar cualquier fuente de luz importante, y la razón por la que lo evito es porque intentar pintar una fuente de luz fuerte, como la luz solar, por ejemplo, usando un aerógrafo creará una luz débil y de aspecto artificial.

Ahora, por supuesto, puedes usar un aerógrafo para pintar luz suave, si ese es tu objetivo, pero asegúrate de no pintar TODA la luz de tu pintura con un aerógrafo o tu pintura se verá muy nebulosa y antinatural. El único caso en el que creo que puedes usar el aerógrafo exclusivamente es si seleccionas con la herramienta lazo las áreas que deseas iluminar. Esto evitará el aspecto nebuloso de la iluminación con aerógrafo. La única vez que personalmente uso un aerógrafo es cuando quiero una luz de rebote suave y tenue o una luz ambiental suave, o para crear un efecto de brillo alrededor de una luz dura.

 

Si vas a usar un aerógrafo, solo recuerda que debes usarlo sabiamente. Probablemente sea mejor reservar su uso para iluminación suave y efectos antes de aprender a usar mejor el pincel, porque el aerógrafo es un pincel fácil de usar incorrectamente. Intenta equilibrar la iluminación suave del aerógrafo con una iluminación más segura y audaz donde puedas para obtener el máximo contraste visual. Solo recuerda que la iluminación audaz y segura es más dinámica y llamativa, y si quieres crear eso, necesitarás un pincel diferente para el trabajo.

2. Usa la luz para crear vitalidad

Como mencioné en la introducción, conocer diferentes formas de usar la luz puede ser una habilidad útil. Una forma en que uso la luz es para crear vitalidad en una pintura. Generalmente uso la iluminación como una oportunidad para añadir color y brillo extra en áreas donde quiero aumentar el interés visual, o simplemente para hacer que la pintura en su conjunto brille y se sienta más viva.

 

Para hacer esto, siempre opto por usar luz saturada y colorida en lugar de luz blanca. Ahora, esto no es una "regla" ni nada por el estilo, pero algo que debes intentar evitar si no quieres una iluminación sosa o apagada es usar luz blanca pura o desaturada, porque en la mayoría de los escenarios, usar el color blanco para la iluminación dará resultados antinaturales. El blanco tiene su lugar, pero debes tener cuidado cuándo y dónde lo usas o desaturará los colores que están debajo, y esto hará lo contrario de crear vitalidad. Por lo tanto, si quieres vitalidad, usa colores brillantes y saturados que coincidan con tu entorno para tu luz.

3. Piensa en planos

Cuando pintas la luz, siempre debes pensar en la geometría del sujeto que estás iluminando. Y con eso, quiero decir que intentes imaginar tu sujeto como una serie de planos. Si desglosas un sujeto complicado en formas simples, iluminarlo se vuelve mucho más fácil porque todo lo que tendrías que hacer a continuación es pintar luz en los planos que miran más directamente a la fuente de luz.

Tomemos una cabeza humana, por ejemplo. Sería bastante difícil imaginar dónde debería ir la iluminación en la cabeza si no la has estudiado antes, porque hay muchos detalles complejos a tener en cuenta. Para facilitar las cosas, tendrías que dividir esta forma compleja en planos más simples. Una herramienta que recomiendo para ayudar con esto es usar un modelo como una cabeza de Asaro, por ejemplo. Todo lo que necesitas hacer es posicionar una luz donde quieras y usarla como referencia. Esto te ayuda a ver más claramente los planos de la cabeza. Aquí tienes un enlace a este modelo si quieres probarlo tú mismo:

Sé que solo me centré en una cabeza como ejemplo, pero quería demostrar que esta forma de pensar se puede aplicar a más que solo la cara, y no siempre necesitas un modelo como este. Simplemente divide una forma complicada en planos más simples, y entonces la iluminación se volverá mucho más intuitiva.

4. Juega con el color de la luz ambiental

En cualquier entorno, cuando hay una fuente de luz primaria, esta luz generalmente rebota en el entorno en el que se encuentra y se refleja en cualquier otra cosa en ese entorno. Esta forma de luz indirecta se llama luz ambiental. Una forma de pensar en esto es, por ejemplo, si colocaras un cubo blanco en una habitación azul, la luz reflejada en las paredes azules teñiría débilmente de azul las sombras del cubo.

Este concepto es exactamente lo que pienso cuando pinto luz ambiental. Si quiero incorporar mi sujeto al entorno de manera más efectiva, selecciono el color general del entorno e ilumino al sujeto con luz ambiental usando este color como una especie de tinte. Esta iluminación ambiental puede ser tenue o muy fuerte, pero siempre creo que crea una pintura más colorida y cohesiva.

 

Una cosa a tener en cuenta es que el color general del entorno casi siempre determinará el color de las sombras. Esto se debe a que la iluminación ambiental es mucho más débil que la luz de una fuente de luz primaria, por lo que donde la luz primaria no puede llegar, la luz ambiental ocupa su lugar. Estos puntos a los que la iluminación primaria o directa no puede llegar suelen ser áreas en sombra. Por eso, si hubiera una luz blanca brillando sobre este cubo blanco en una habitación azul, el lado que mira la luz más directamente permanecerá blanco, mientras que los lados del cubo que miran en dirección opuesta a la luz serán de color azulado.

5. Usa fuentes de luz secundarias (o terciarias)

Una forma en que hago la iluminación de mi arte más atractiva es usar más de una fuente de luz. Lo que suelo hacer es añadir una, o a veces dos fuentes de luz más en una dirección opuesta a la fuente de luz primaria. Así, si mi fuente de luz principal ilumina la derecha de mi sujeto, por ejemplo, colocaría la fuente de luz secundaria a la izquierda. Hago esto para equilibrar la iluminación de la pintura y hacerla más interesante. Las fuentes de luz adicionales pueden ser tenues y la fuente de luz primaria puede ser la más brillante, o puedes hacer que todas tus luces sean igualmente brillantes para una imagen más dinámica. Realmente, todo depende de ti. En cuanto a cómo decido qué color quiero que tengan las fuentes de luz secundaria o terciaria, lo explicaré en un punto posterior.

6. Explota los modos de fusión de capas

Por si no lo sabes, Clip Studio Paint y otros programas tienen una selección de ajustes llamados modos de fusión de capas. Esto suele ser una lista desplegable que se encuentra alrededor de tus capas. Lo que hacen estos ajustes es cambiar cómo el material de la capa seleccionada se ve afectado por las capas debajo de ella. Lo que esto significa para nosotros es que podemos jugar con estos modos de fusión para hacer que la luz en nuestra obra de arte se vea más colorida y vibrante. Usar los modos de fusión de capas hace que los colores con los que pintas en esa capa se mezclen con los colores de abajo de una manera que no puedes lograr pintando luz en una capa normal.

 

Aquí he mostrado los modos de fusión de capas en Clip Studio Paint que hacen que una capa aclare los colores que están debajo. Notarás, al experimentar con ellos, que los diferentes modos aclaran y afectan la saturación de los colores con distinta intensidad. Realmente, depende de ti decidir qué modo quieres usar para cada escenario, y te sugiero que pruebes cada uno para ver qué efecto crea.

La forma en que uso los modos de fusión de capas es creando una nueva capa encima de donde quiero pintar la luz, seleccionando un color brillante y saturado, y luego cambiando entre diferentes modos de fusión para empezar a pintar la luz. Generalmente sigo ajustando el modo hasta que me gusta el resultado. Tiendo a usar "añadir (resplandor)" y "esquivar resplandor" más que otros porque los encuentro los más vibrantes para el estilo en el que elijo trabajar, pero deberías experimentar con todos ellos y ver qué te funciona.

7. Intenta aplicar la teoría del color

Este último consejo va un poco de la mano con los consejos 4 y 5. Es un poco más intermedio y no es del todo necesario, pero definitivamente es algo que tengo muy en cuenta al decidir qué colores quiero para la luz en mis pinturas si quiero que los colores trabajen juntos de forma más armoniosa. Lo que hago es usar la teoría del color para encontrar relaciones entre diferentes colores. Ahora bien, existen diferentes tipos de combinaciones de colores, como complementarios, triádicos, tetrádicos, etc., y no entraré en cada uno, pero te animo a investigar diferentes tipos y a experimentar usándolos en tu arte.

Puedes elegir un color de una rueda de color de cualquiera de estos diferentes tipos de combinaciones para obtener una especie de sugerencia sobre qué color quieres que tengan tus fuentes de luz. Ahora, con este conocimiento, puedes hacer cosas como que tus fuentes de luz primaria y secundaria sean complementarias entre sí, o hacer que la luz ambiental, el fondo y la luz de contorno en un personaje tengan una relación de color triádica. Todo depende de ti, esto solo te da más posibilidades para explorar.

Aquí hay un ejemplo de otra pintura que hice donde realmente usé combinaciones de colores para mi iluminación. Alguien me preguntó mientras me veía trabajar en esta pintura por qué decidí elegir esos dos colores en particular para la luz. La respuesta es porque, en este ejemplo, el cian y el magenta tienen una relación triádica. Si miras una rueda de colores para combinaciones de colores triádicas, verás que el amarillo, el cian y el magenta son parte de esta tríada. Simplemente elegí dejar fuera el amarillo para esta pintura, pero definitivamente puedes incorporar los tres si crees que eso da un buen resultado.

 

 

Esto no es realmente una regla a seguir, y realmente puedes elegir al azar los colores que quieras. Pero si te sientes atascado en qué colores elegir y quieres una decisión más informada sobre qué color deberías darle a tus luces, intenta usar una de estas tablas. Puedes buscar en Google "triádico" o "rueda de colores complementarios". Con el tiempo, empezarás a recordar qué colores son pares y no necesitarás consultar la rueda.

 

Reflexiones finales...

Lo que quiero que te inclines a hacer es tomar decisiones audaces con la iluminación y los colores, porque terminarás con una pintura mucho más interesante que una pintada sin tener en cuenta la iluminación. Siempre ten una fuente de luz en tu cabeza y una dirección en la que quieras que brille.

 

Y por último, no tengas miedo de experimentar o exagerar con una iluminación absurda. De esa manera podrás aprender qué funciona y qué no, y siempre podrás reducirla si es demasiado. Solo recuerda tener siempre en cuenta los fundamentos de la física de la luz, y aparte de eso, realmente puedes hacer lo que quieras.

 

Dicho esto, gracias por ver este tutorial. Me llevó muchas horas prepararlo, así que, por favor, deja un me gusta si te ha resultado útil y no olvides añadirlo a favoritos para volver a consultarlo más tarde :)