[1] Présentation des modes de fusion

    Lorsque vous débutez dans l'art numérique, les modes de fusion peuvent être assez accablants. Je me souviens de les avoir regardés comme une sorte de Boogeyman lorsque je suis tombé dessus pour la première fois. Au fur et à mesure que je devenais plus confiant et expérimenté, j'ai commencé à expérimenter avec eux, mais la question a toujours persisté: quelles sont leurs utilisations spécifiques? Quelle gamme de couleurs fonctionne le mieux avec chacun? Ce didacticiel vise à vous fournir des explications concises sur le fonctionnement de ces outils, car j’ai toujours pensé que des connaissances systématiques appropriées alliées à la pratique pouvaient donner aux gens les moyens de savoir exactement quand et pourquoi aller au-delà.

Tout d'abord, nous devons garder à l'esprit que tout mode de fusion nécessite au moins deux couches pour pouvoir fonctionner. Habituellement, les COUCHES SUPÉRIEURES sont celles où l'option est modifiée et les COUCHES INFÉRIEURES sont celles qui en sont affectées. Ci-dessous, nous pouvons voir certaines des options que nous utiliserons tout au long de la leçon.

 

 

 

・ [1] Onglet Mode de fusion: c'est ici que nous sélectionnons le type de mode de fusion que nous voulons pour ce calque spécifique, en gardant à l'esprit qu'il affectera celui qui se trouve en dessous ou celui auquel il est coupé.

 

・ [2] Curseur d'opacité: également appelé transparence, l'opacité indique le degré d'opacité du calque. Cependant proche de 100%, le plus opaque; cependant proche de 0%, le plus transparent.

 

・ [3] Layer Clipping: En cliquant dessus, vous coupez le calque à celui qui se trouve juste en dessous et maintenant vous ne pouvez affecter que les zones correspondant à ce calque - cela signifie que vous pouvez, par exemple, utiliser un calque multiplié par découpage pour ajouter des ombres à votre dessin sans avoir à vous soucier de peindre en dehors des limites des couleurs de base.

 

Cela dit, passons en revue les propriétés de chaque mode de calque que nous utiliserons. Pour cela, nous utiliserons le même dessin pour le calque de base et le même calque pour le mode de fusion.

 

[ORDINAIRE]

Comme son nom l’indique, c’est le mode par défaut pour les calques. Il est complètement opaque sans aucun effet. Tout ce que vous peignez ou dessinez ne se fondra pas avec les calques inférieurs, sauf si vous réduisez l’opacité ou utilisez des pinceaux à faible opacité.

 

[MULTIPLIER]

La couche d'assombrissement la plus utilisée dans l'ensemble. Comme son nom l'indique, il multiplie les couleurs des deux calques en les mélangeant. Le résultat de la couleur sera toujours plus sombre, sauf si vous utilisez du blanc sur le calque de fusion. Bien qu'il soit très similaire à [Darken], l'avantage d'utiliser [Multiply] réside dans le fait que vous pouvez utiliser des couleurs claires pour avoir un meilleur contrôle sur la valeur des ombres. Reportez-vous à [2] pour plus d'informations sur les couleurs et [Multiplier].

 

[GLOW DODGE]

Parallèlement à [Color Dodge], c'est peut-être l'un des modes de fusion les plus connus et les plus utilisés dans tout le logiciel. [Glow Dodge] a en fait un effet plus fort que [Color Dodge], éclaircissant la couleur tout en conservant une forte saturation. On peut facilement aller trop loin avec [Glow Dodge] lors de la peinture, mais s'il est utilisé à bon escient, il peut vous fournir une gamme très large et fiable de couleurs et des résultats possibles avec peu d'effort. Reportez-vous à [2] pour plus d'informations sur les couleurs et [Glow Dodge].

 

[AJOUTER (GLOW)]

Principalement utilisé comme couche éclaircissante, [Add (Glow)], comme son nom l'indique, ajoute les deux couleurs et les rend plus claires sans avoir l'air de néon ou aussi épanouies que [Glow Dodge]. Vous avez également plus de contrôle sur ses résultats, car en fonction de l'utilisation de la gamme de couleurs, vous pouvez obtenir plusieurs profils d'éclairage différents. Reportez-vous à [2] pour plus d'informations sur les couleurs et [Ajouter (Glow)].

 

[RECOUVRIR]

[Superposition] peut être utilisé à la fois comme mode de fusion assombrissant et mode de fusion éclaircissant, car il a un effet similaire à [Écran] ou [Éclaircir] dans la plage plus claire et un effet similaire à [Assombrir] ou [Multiplier] dans l'obscurité intervalle. C'est assez efficace lorsque vous souhaitez renforcer les couleurs d'origine de votre dessin ou lui donner une teinte différente. Reportez-vous à [2] pour des exemples.

 

[LUMIÈRE FORTE]

[Hard Light] peut être similaire à [Overlay] dans le sens où il peut être utilisé pour assombrir et éclaircir. Certains artistes l'utilisent comme un substitut autonome à [Glow Dodge] et [Multiply]. Il peut être particulièrement utile lors de la peinture d'effets de lueur extérieure car il maintient à la fois la densité et la saturation des couleurs.

 

[COULEUR]

Ce mode de fusion utilise la couleur que vous avez choisie et l’applique aux couleurs générales de votre dessin tout en conservant les valeurs intactes. Peut être utilisé pour un certain nombre de raisons, mais l'une des utilisations les plus fréquentes est de vérifier la valeur de votre palette.

 

[2] Utilisation pratique

Je vais passer en revue l’utilisation pratique de ces modes de fusion pendant que vous m’accompagnez pendant la peinture de la pièce que j’ai utilisée comme exemple plus tôt. On y va?

La première chose que je fais habituellement après avoir défini les couleurs locales du dessin est de définir les ombres. L'ombrage est au cœur de mon style de peinture, je prends donc mon temps pendant cette étape pour que tout soit à cent pour cent. Je crée et clip un nouveau calque au-dessus du calque de couleurs de base, le définissant pour se multiplier par la suite. Ce sera notre couche d'ombre principale. Je le remplis complètement avec une couleur légèrement désaturée, généralement une teinte similaire à l'arrière-plan. Le découper sur le calque ci-dessous nous permet de peindre ici sans avoir à nous inquiéter si nous avons enfreint la zone du dessin, ce qui nous permet de gagner beaucoup de temps.

 

Comme je l'ai déjà dit, [Multiplier] combine la couleur sélectionnée avec celle du calque ci-dessous, l'assombrissant, je vous suggère donc de ne pas opter pour des couleurs trop sombres ou trop saturées. Je trouve que c'est la zone optimale où choisir vos couleurs, car elles ont tendance à être très contrôlées. Vous n'avez pas besoin de sélectionner exactement le même endroit que j'ai choisi ici, car la teinte des couleurs fonctionne différemment. Ce qui semble bon comme une ombre rose à cette pièce peut ne pas être aussi beau qu'une ombre verte. Prenez votre temps pour expérimenter.

Il est également bon de souligner que lors de la recherche de tons plus foncés dans une couche multipliée, il est généralement préférable de le faire en gardant à l'esprit les principes de la théorie des couleurs. Assombrir la valeur d'une couleur n'est pas toujours la meilleure réponse, car cela tend à la rendre un peu plus trouble; parfois, vous pouvez faire mieux simplement en augmentant sa saturation et en diminuant légèrement la valeur, car une augmentation de la saturation implique TOUJOURS un assombrissement de la valeur même si vous restez sur la même plage de valeurs verticalement tout en gardant la couleur plus riche. Je vous encourage à définir une expérience et à essayer de jouer avec plusieurs saturations et valeurs différentes bien au-delà de ma «zone de suggestion» afin que vous puissiez voir par vous-même leurs effets et comprendre comment fonctionne ce mode de fusion.

Cela dit, je commence ensuite à «sculpter» les ombres. Certains illustrateurs ont tendance à faire l'inverse, peignant les ombres, mais je préfère en fait effacer les zones plus claires sur le [Multiplier le calque], de cette façon je peux vraiment bien comprendre mon éclairage et offrir des formes plus propres. Vous pouvez cependant travailler dans les deux sens: choisissez celui qui vous convient le mieux.

Pour des raisons de comparaison, définissons le mode de fusion sur [Normal]. Voyez comment toutes les ombres du calque de multiplication sont désormais des formes rose clair sur le calque normal?

 

L'une des raisons pour lesquelles j'utilise [Multiplier] au cours des étapes précédentes de ma peinture est que je peux facilement préparer le terrain pour des changements ultérieurs tout en gardant le contrôle sur ce que je veux. Par exemple, rappelez-vous quand j'ai dit plus tôt que ce mode combine les propriétés des deux couleurs, en créant une nouvelle, plus sombre? Voyez, la plupart de la palette de cette pièce tourne autour de nuances de couleurs rougeâtres. Même si vous ne pouvez pas le percevoir à cause des relations de couleur, son pantalon est peint avec une couleur rougeâtre très désaturée, pas grise, même s'il peut paraître froid en comparaison de son kimono rouge. Utiliser le rose comme couleur d'ombre ne me semble pas très attrayant, car les couleurs d'ombre qui en résultent sont plus proches de la plupart des couleurs locales que je ne l'aurais souhaité à l'origine. Ce n’est pas une question de bien ou de mal, mais juste ma préférence personnelle pour avoir une plus large gamme de teintes.

Rendons les choses plus intéressantes. Maintenant, j'ouvre l'onglet [Teinte / Saturation / Luminosité] (Par défaut, Ctrl + U, ou Édition> Correction tonale> Teinte / Saturation / Luminosité) et change un peu les curseurs Teinte et Saturation, ce qui rend mon ombre un peu plus violet.

 

Mais vérifions à nouveau le calque sans le mode de multiplication. Est-ce vraiment violet?

 

Tu vois ce que je veux dire? C'est en fait plus proche du bleu que du violet. Vérifions également la roue chromatique.

 

Vous pouvez voir comment la couleur est en fait plus claire en valeur verticale que la précédente, mais fournit un résultat d'ombre plus sombre. Pourquoi donc? Simple: la saturation et les différentes teintes sont en jeu ici. Chaque couleur a sa propre plage de valeurs, ce qui rend certaines plus foncées ou plus claires que les autres (par exemple, le bleu pur est plus foncé que la lecture pure qui est plus sombre que le jaune pur), et en outre, l'augmentation de la saturation assombrit toujours la valeur.

 

Après cela, nous allons définir un autre calque de multiplication découpé. Nous allons ajouter un peu plus d'intérêt à la pièce avec un dégradé. Vous pouvez cependant effectuer ce processus sur le même calque, mais sachez que vous devrez faire plus attention lors du choix de la couleur du dégradé afin qu'elle corresponde à l'ombre de base.

Tout d'abord, j'utilise l'outil [Sélection automatique] pour sélectionner toutes les zones plus claires de la peinture dans le calque de multiplication, puis je clique sur [Inverser la zone sélectionnée], comme vous pouvez le voir ci-dessous.

 

Vous pouvez choisir de ne pas sélectionner les zones plus claires, mais lorsque vous ajoutez le dégradé, il peut les chevaucher. Puisque je veux que mon dégradé n'affecte que les ombres, je préfère faire des sélections.

Étant donné que j'utilise un autre calque de multiplication pour cela, je n'ai pas besoin d'insister sur le fait de ne pas choisir la bonne couleur pour que le dégradé s'affiche correctement. J'utilise simplement la même couleur que le calque d'ombre principal, puis j'ajoute le dégradé venant à l'opposé de la direction de la source lumineuse. Voyez à quoi ça ressemble maintenant.

Vient ensuite la lumière de jante. Certains pourraient considérer cela comme une chose pour plus tard, mais je préfère traiter les étapes les plus rapides et les plus petites, car elles vous donnent parfois une vision plus claire du dessin. Par exemple, dans certaines compositions, la lumière du bord peut être la clé pour mettre en évidence des parties du dessin qui autrement seraient moins perceptibles et peuvent vous donner une profondeur plus 3D. Avant d'entrer dans le mode de fusion que j'utilise pour cela, établissons simplement que la lumière de la jante apparaît principalement et plus fortement sur les zones sombres et que vous ne devriez pas devenir trop fou. Pour l'utiliser correctement, vous devez avoir une bonne compréhension des plans de votre dessin. Je suggère de regarder les films attentivement, car ils peuvent vous donner un meilleur aperçu de la nature tridimensionnelle de la lumière.

 

Pour la lumière de jante, j'utilise une couche Add (Glow) coupée, et j'ai utilisé un rose moyen pour cela dans cette pièce. Add (Glow) est un mode de fusion très polyvalent car il fonctionne très bien avec la plupart des couleurs, étonnamment, même les plus sombres. Voici mon domaine d'utilisation suggéré: la gamme plus légère pour les sources lumineuses principales et directes; le milieu de gamme fonctionne le mieux pour les sources de lumière secondaires, telles que la lumière périphérique; quant aux gammes plus sombres, elles fonctionnent assez bien avec la lumière réfléchie / réfléchie, car elles vous donnent une belle lueur tamisée. Je devrais également vous conseiller de ne pas vous laisser emporter par un effet de mode de fusion léger; vous pouvez obtenir des ombres beaucoup plus subtiles et réalistes en utilisant des pinceaux souples à faible opacité.

 

Tout est prêt! Je vais maintenant sauter brièvement une étape, car cela ne concerne pas exactement le sujet des modes de fusion. En résumé, j’ai affiné la forme des ombres, en a brouillé certaines, ajouté manuellement des ombres supplémentaires et ajouté un peu de rouge sur la bordure des ombres de la peau pour suggérer une diffusion sous la surface.

Maintenant, nous sommes sur le point d'entrer dans ma partie préférée: ajouter les lumières réelles. Pour cela, nous utiliserons principalement [Glow Dodge].

Avant de commencer à le peindre, voyons comment cela fonctionne en termes de couleur. L'un des principaux problèmes que je vois avec de nombreuses applications de ce mode de calque n'est pas réellement d'explorer sa gamme complète ou de prendre en compte la façon dont une couleur affectera les autres. Il n’est pas rare de voir des gens utiliser la même couleur avec [Glow Dodge] pour tout le dessin, ce que j’ai fait moi-même. Alors, avant toute chose, faisons une expérience. Peignons la lumière qui frappe son kimono de trois manières différentes.

 

Je suis sûr que chaque personne lisant ceci aura probablement sa propre préférence, et ce n’est pas un problème, mais signalons que chaque couleur ci-dessus a ses propres avantages et inconvénients. Le premier, le rouge désaturé plus foncé, augmentait la saturation du rouge d'origine et le maintenait plus proche de la teinte d'origine, mais ce n'était pas suffisant pour les hautes lumières ou les points focaux; le second, l'orange léger désaturé, a instantanément rendu le rouge plus brillant et plus rosé, mais a diminué la saturation; le troisième, l'orange clair et plus saturé, offrait un bon équilibre entre les deux mais lui donnait un aspect métallique. Alors laissez-moi vous proposer quelque chose: pourquoi ne pas les utiliser tous et avoir un résultat plus large et plus riche? Dans cet esprit, j'ai repeint le kimono en appliquant le même rouge foncé sur toutes ses zones claires, puis j'ai continué à peindre sur les parties où il serait encore plus clair avec les deux autres couleurs. Je dois souligner que les résultats précédents et le résultat suivant ont été peints à l'aide de pinceaux souples à très faible opacité.

En ce qui concerne la peinture du reste du dessin, il faut garder à l'esprit qu'ils doivent s'adapter aux autres couleurs et matériaux présentés. Peindre ses cheveux bleus foncés désaturés avec les mêmes couleurs que le kimono ne donnera pas de bons résultats, car le bleu et le rouge sont trop opposés et se rendront mutuellement neutres. La même idée s'applique au pantalon: malgré sa teinte rougeâtre, je ne veux pas qu'il apparaisse ainsi et utiliser les mêmes couleurs que le kimono fera exactement cela. Élargir votre gamme de couleurs avec Glow Dodge résoudra facilement ce problème. J'ai atteint le résultat ci-dessous en utilisant différentes nuances de jaune, orange, rouge, violet, rose et bleu, une pour chaque situation, toujours en m'adaptant à mes besoins. Je vous suggère de vous aventurer dans ces domaines de toute façon afin que vous puissiez repousser vos limites et voir les résultats de première main, qu'ils soient bons ou mauvais. De plus, avoir des connaissances de base sur la théorie des couleurs vous donnera une bien meilleure idée.

Alors que nous approchons de plus en plus de la fin du dessin, nous pouvons maintenant avoir une idée du produit fini et nous devons donc évaluer s'il y a des ajustements à apporter. Par exemple, je pense que, par contraste mutuel, les couleurs ont perdu un peu de leur tranchant et de leur éclat et je veux les faire ressortir un peu plus sans nécessairement devenir trop foncées ou changer de teinte.

 

Nous allons donc sélectionner tous les calques à côté de l’arrière-plan et du linéaire tout en maintenant la touche Maj enfoncée, puis cliquez avec le bouton droit sur l’un d’entre eux pour faire apparaître un onglet dans lequel nous sélectionnerons [Fusionner les calques sélectionnés]. Toutes les couches seront ensuite fusionnées en une seule, mais ne vous inquiétez pas: cela ne restera pas longtemps ainsi. Nous voulons simplement copier le résultat fusionné, annuler la fusion, puis la coller par-dessus tout, de cette façon vous pourrez apporter des modifications rapides plus tard sans trop de maux de tête comme vous le feriez avec un dessin de calque fusionné. À partir de maintenant, j'éviterai de copier quoi que ce soit d'autre pendant un certain temps, car je veux ce résultat fusionné dans mon presse-papiers pendant plusieurs étapes à venir.

 

L'étape suivante consiste à changer le mode de calque sur [Superposition]. Vous remarquerez probablement tout de suite que les choses sont allées trop loin, donc nous allons réduire l'opacité pour arriver à une gamme de couleurs moins folle et commencer à effacer avec un pinceau doux les zones où la lumière frappe, puisque mon objectif principal ici est de mettre en valeur mes ombres. J'ai réglé l'opacité à 48%, mais vous pouvez et devez l'adapter à vos besoins. Il est également important de souligner qu’AUCUN des calques que je définirai à partir de maintenant, y compris celui-ci, n’est tronqué sur aucun autre calque.

 

Cela a l'air bien, mais je veux améliorer mon arrière-plan d'une manière ou d'une autre, cela semble trop terne. Collons à nouveau notre dessin fusionné, cette fois juste au-dessus du calque d'arrière-plan et en dessous de tout le reste. Je vais créer et découper un nouveau calque dessus avec le mode de fusion [Couleur] et commencer à créer un dégradé. Je viens de peindre quelques couleurs en suivant la roue chromatique et en mélangeant leurs bords. Lorsque tout est terminé, je ne fusionne que ces deux calques en cliquant sur [Combiner au calque ci-dessous] et en appuyant sur [Ctrl + T] pour faire apparaître l’onglet [Mettre à l’échelle / Rotation] où je vais l’agrandir. Je ne veux pas qu'il vole trop la mise au point de la pièce, alors je vais dans [Filtre> Flou> Flou gaussien] et le règle entre 20 et 30.

Rappelez-vous notre vieil ami, la copie des calques fusionnés? Eh bien, nous allons en créer un autre, cette fois en fusionnant le calque lineart. Faites attention et suivez les étapes de sélection de tous les calques à l'exception de l'arrière-plan, copie du résultat, annulation de la fusion puis collage pour éviter les accidents. Une fois le processus terminé, définissez-le comme un autre calque [Glow Dodge] au-dessus de tous les calques, y compris le lineart. Il est extrêmement important de NE PAS utiliser le même calque Glow Dodge qu'auparavant, sinon les choses iront définitivement au sud. Ce que nous allons faire maintenant, c'est appuyer sur [Ctrl + U] pour faire apparaître l'onglet [Teinte / Saturation / Luminosité] et pousser l'onglet Luminosité plus loin. Je l'ai défini sur 25, mais vous pouvez le modifier selon vos besoins. Ensuite, j'utiliserai le flou gaussien à environ 40.

 

Vous remarquerez que le résultat est loin d’être quelque chose de souhaitable, mais ne vous inquiétez pas, nous y arriverons. Je vais faire glisser l'opacité jusqu'à quelque chose entre 20 et 40, et vous verrez instantanément comment elle est déjà meilleure. Ensuite, j'utiliserai un pinceau rond doux et j'effacerai la zone d'ombre. Ma suggestion n'est pas d'essayer d'obtenir un effacement parfait des ombres, mais plutôt de le faire très grossièrement pour créer une sensation plus naturelle. Vous pouvez également exploiter la sensibilité du stylet pour atténuer les zones où vous pensez que l'éclairage est trop exagéré.

 

Maintenant, touche finale: je vais créer un calque [Lumière dure] au-dessus de tous les précédents et utiliser un pinceau doux pour peindre légèrement sur le lineart, en particulier sur les zones où la lumière frappe le plus fort. Je suggère généralement d'utiliser des couleurs claires mais très saturées pour cela, car les couleurs trop proches du blanc ont tendance à avoir l'air délavées. De plus, comme je l’ai souligné dans la section [1], vous pouvez utiliser des couleurs plus foncées avec Hard Light pour créer des ombres, mais je me concentrerai uniquement sur les lumières puisque mes ombres sont déjà définies.

 

Après avoir peint ces lumières extérieures, vous pouvez à nouveau utiliser le flou gaussien juste pour améliorer leur diffusion, comme je l'ai fait ici.

 

[3] Conclusion

 

Alors c’est à peu près tout. J'espère que mon tutoriel vous a été utile et qu'il vous a fourni un meilleur aperçu des différentes applications des modes de fusion. Comme vous avez pu le constater, c’est un sujet très vaste et je suis sûr que vous découvrirez et en apprendrez de plus en plus si vous vous engagez dans cette voie. Je suis toujours à votre disposition pour vous aider et vous pouvez m'envoyer un message sur instagram @fullmetalorpheus si vous avez des questions. A plus les gars!