Je m'appelle PenultimateSaint et je suis ici pour parler du pouvoir du désordre. Savoir quand être désordonné et comment transformer la négligence en une force est une compétence fondamentale qui peut être appliquée à de nombreux médiums différents.

 

Cela dit, je ne peux pas simplement expliquer un concept fondamental sans un exemple, et quel meilleur support pour transformer des brouillons en dessins finalisés brillants que le pixel art ? Pour être précis (heh), je vais vous montrer comment je suis parti d'ici...

jusqu'ici:

(et voici la taille réelle, si vous étiez curieux)

Commencer bien plus grand que le dessin final est la première étape. Aussi petite soit-elle, cette image finale bénéficie des grandes lignes et des petits détails présents dans le brouillon. Parce que je les ai dessinés de la même manière que je dessinerais un brouillon pour un dessin plus grand, ces détails sont organiques.

 

Si j'avais commencé ce dessin en tant que dessin au pixel, il aurait peut-être été tentant de tout dessiner à angle droit ou en ligne droite. Commencer par un croquis lâche m'a aidé à créer des formes plus subtiles et plus intéressantes.

 

Plus à ce sujet plus tard!

Maintenant que nous avons établi l'utilité d'un brouillon, examinons de plus près comment en créer un.

Simple, simple, simple !

 

Nous avons un cercle + un morceau pointu oblong pour la tête, un corps de bonbon et des membres blobby. Le bras que je savais que je n'allais pas dessiner a à peine une main. Ce qui est tout à fait bien. Nous sommes au stade de la planification, après tout. Ce que nous recherchons ici, c'est une pose efficace et un geste convaincant.

 

Le geste vaut son propre tutoriel - et je vous encourage à en lire un peu sur le sujet si vous ne l'avez pas fait ! - mais pour le dire simplement, le geste est la ligne d'action principale qu'une pose crée. Vous pouvez l'envisager comme une ligne littérale tracée à travers le corps. Dans notre croquis, le geste pourrait être tracé à travers la colonne vertébrale et incurvé vers le ventre :

Maintenant que j'ai une pose et des proportions de base qui me conviennent, il est temps de passer aux éléments constitutifs de la conception. Dans ce cas, ses vêtements. Je savais que je voulais un gros pull ample, donc le reste du design allait devoir s'y adapter, ce qui signifiait que ce devait être la première chose que je dessinais.

Notez comment le pansement crée un intérêt visuel dans une zone autrement vide de la composition.

 

Cependant, il a fallu quelques manipulations pour obtenir la jupe à une longueur qui, selon moi, fonctionnait mieux avec les manches volumineuses. C'est pourquoi nous commençons par des brouillons. Imaginez que tous les pixels fonctionnent bien, parfaits et ombragés et réalisez seulement alors que la jupe et les manches se terminant par la même ligne horizontale semblaient bancales et ne fonctionnaient pas.

Je n'ai pas besoin d'imaginer, j'y ai été.

Maintenant que nous sommes sur le point de commencer à dessiner le pixel lineart, prenons un moment pour parler des formes organiques (j'ai dit que nous y reviendrons) !

 

Je devrais commencer par une mise en garde. Les formes géométriques ne sont pas mauvaises et parfois elles sont le bon choix pour un projet. Le fait est que vous devez connaître la différence - afin que vous choisissiez les formes qui vous conviennent le mieux, sans choisir par défaut l'une ou l'autre par accident.

 

Ceci étant dit, que signifient ces termes ?

 

Je pense qu'un exemple devrait le rendre assez clair. Sur la gauche, nous avons une tête géométrique - les lignes sont des diagonales droites ou parfaites, et il y a beaucoup de rectangles et de triangles. À droite, nous avons une version qui utilise des lignes plus courbées et plus irrégulières afin de transmettre une sensation organique.

(Vous pouvez le considérer comme les lignes droites d'un objet fabriqué par rapport aux lignes douces d'un humain ou d'un animal).

Les formes géométriques ont tendance à bien fonctionner pour les images qui doivent transmettre une sensation de rigidité et de régularité. Un paysage urbain minimaliste conviendrait par exemple.

 

Les formes organiques sont souvent utiles pour transmettre la douceur et la courbure naturelle d'un objet organique (aha !) - une personne, une plante, un animal, etc.

 

Mais bien sûr, les règles sont faites pour être enfreintes. Certains jeux utilisent un style artistique délibérément blocky. Certains dessins animés utilisent des formes lâches et organiques même pour les bâtiments. Ces choix artistiques inhabituels peuvent créer un look distinctif et emblématique. Au-delà de l'esthétique, ces choix peuvent se prêter bien à l'atmosphère que les œuvres tentent de créer.

Mais pour ce dessin, je pense qu'un choix conventionnel fonctionnera très bien. Le sentiment que je veux transmettre est le volume doux d'un pull ample et la jolie rondeur d'une fille chibi. Les formes organiques sont plus adaptées pour transmettre ce sentiment. Donc, c'est le genre de lignes que je vais essayer de souligner lorsque je commence à tracer le croquis :

Vous cherchez, euh...

Eh bien, c'est le premier passage. Je l'ai fait rapidement (désordonné !) exprès. Laissez-moi expliquer...

En traçant l'image rapidement, j'ai atteint plusieurs objectifs différents :

 

1. Gagnez du temps

 

Dessiner un pixel à la fois prend une éternité. À ce stade précoce, je ne peux même pas être sûr que c'est exactement là où je vais vouloir que ces lignes soient. Beaucoup plus rapide pour réduire les lignes rapidement, rechercher les zones qui nécessitent un ajustement, apporter ces corrections et puis affiner les lignes.

 

2. Capturez avec précision le croquis

 

En plus de cela, dessiner un pixel à la fois rend plus probable que je perde la sensation du croquis. Si je suis hyper concentré sur l'apparence du genou, par exemple, je fais un zoom avant et j'ajoute ou supprime des pixels un par un, sans faire aucune attention au reste de l'image. Ce qui... est mauvais pour la composition.

Après tout, je ne dessine pas le genou le plus parfait de l'univers, je dessine une fille entière. Chaque choix artistique que je fais doit donc être au service de la grande image - pour transmettre le sentiment général que j'essaie d'évoquer. Les formes, les couleurs, le placement de chaque élément... tout doit fonctionner ensemble.

 

Une fois que je suis sûr que les proportions et la silhouette des lignes conviennent à ma composition, je peux commencer à me soucier d'affiner les lignes et d'ajouter des détails.

Alors... après avoir descendu le chignon, ajusté les languettes des chaussures, amélioré certaines formes des cheveux, ajouté quelques plis de vêtements... maintenant il est temps de nettoyer les lignes :

ça commence à ressembler à quelque chose !

Une grande chose qui aide cette version à paraître plus propre est la suppression des pixels supplémentaires dans ce que nous appellerons les « coins » (les zones où les pixels changent de direction) :

Remarquez comment les coins touffus de la version de gauche donnent au dessin une impression de rigidité et de géométrie malgré la forme organique des lignes. En raison des pixels supplémentaires, chaque mouvement de la ligne se lit comme un tournant à angle droit. Ils rendent également les lignes beaucoup plus épaisses, ce qui ne favorise pas la sensation douce et organique que nous recherchons. Sortez d'ici, touffes !

Maintenant que nous avons nos lignes où nous voulons, nous pouvons commencer à colorier !

Mettons quelques bémols :

Pourquoi ces couleurs ?

 

La théorie des couleurs est une boîte de vers dans laquelle j'aimerais entrer, mais nous devrons nous contenter d'un résumé rapide et sale dans l'intérêt de rester dans le sujet. Nous y voilà!

 

Les schémas de couleurs ont généralement une ou deux couleurs neutres, une autre couleur principale, puis une couleur d'accent éclatante.

 

Encore une fois, nous faisons des choix qui correspondent à la situation dans son ensemble. Je recherche un look doux et doux - mais qui n'est pas trop mignon non plus.

 

J'ai choisi le crème et le marron comme couleurs neutres. Cette base crée une sensation de chaleur et de faible contraste. L'utilisation de plusieurs nuances différentes de couleurs neutres (par exemple, des chaussures foncées contre des cheveux orangés) offre un intérêt visuel sans ajouter trop de contraste.

 

J'ai utilisé la sarcelle comme couleur principale et comme couleur d'accent (encore une fois, pour minimiser le contraste). La jupe est une version sombre et atténuée de la couleur, tandis que les yeux sont brillants et saturés. Cela contribue également à l'équilibre de la composition.

 

Parce que la jupe est sombre, elle met en valeur le pull pâle, équilibre les chaussures sombres et équilibre les yeux et les cheveux relativement brillants et accrocheurs (lorsque nous ajoutons le motif à carreaux à la jupe, cela deviendra encore plus intéressant visuellement et donc encore plus efficace comme élément d'équilibrage).

Les couleurs sont un sujet immense et fascinant, mais il est temps de passer à l'ombrage.

A ce stade, nous ne nous soucions pas de la couleur des ombres. J'ai un calque d'écrêtage défini sur le mode de fusion multiple pour que je puisse voir ce que je fais et je vais juste en ville pour essayer de trouver les bons endroits pour mettre ces ombres :

Ça a l'air plutôt bien !

 

J'aimerais prendre une autre brève tangente pour parler de la valeur relative. L'idée ici est de regarder le sujet dans son ensemble et de sélectionner de grandes zones d'ombre et de lumière. Dans les zones d'ombre les plus profondes, la valeur la plus claire ne doit pas être présente. De même, dans les zones les plus lumineuses, la valeur la plus sombre ne doit pas être présente. Fondamentalement, si vous faisiez une peinture en niveaux de gris, vous n'utiliseriez pas de noir et de blanc pour chaque surface. Une partie de l'image serait du blanc au gris et une partie du gris au noir. Cela contribue à donner à l'ensemble de l'image un sentiment de cohésion et une bien meilleure direction de la lumière.

 

Dans ce dessin, la valeur relative est la raison de la grande ombre au-dessus de son oreille :

Maintenant que les ombres sont aux bons endroits, nous pouvons nous concentrer sur le choix de couleurs efficaces. J'ai sélectionné des ombres assez pâles, encore une fois au service de ma vision à faible contraste, avec des tons plus chauds sur les cheveux et la peau pour leur donner une sensation vivante :

Ensuite, ce sont les faits saillants ! Cela va avoir l'air bizarre parce que j'ai utilisé du blanc brillant comme couleur de surbrillance de l'espace réservé (généralement je ne le ferais pas, mais le pull était si pâle que rien d'autre n'aurait été universellement visible). Sans plus tarder...

Holy moly, elle est vraiment brillante !

Allons-y doucement...

Notez ici aussi qu'il y a des zones avec des reflets et des ombres minimales. Par exemple, le torse de son pull et l'étendue chibi de ses joues. La valeur relative frappe à nouveau !

Mais, mon Dieu, la jupe a l'air un peu ennuyeuse et solitaire sans motif, n'est-ce pas ? Peut-être dépassé par le pull ample et la tête géante de la fille ? Ajoutons un peu d'intérêt visuel.

Première étape : bandes verticales brunes réglées sur une faible opacité en mode de fusion multiple :

Deuxième étape : bandes horizontales blanc cassé réglées sur une opacité encore plus faible sur le mode de fusion d'esquive de lueur :

Mettez-les ensemble, et qu'est-ce que vous obtenez (bibbidi-bobbidi-boo) ?

Intérêt visuel !

Maintenant que toutes les couleurs sont en place - les plats, les ombres, les reflets - il est temps de colorer nos lignes. Cela aidera à définir les différents éléments du dessin et à donner à l'image un aspect général plus doux. Mon premier changement a été de rendre toutes les lignes marron foncé. Ensuite, j'ai modifié la couleur de la ligne section par section, en restant aussi proche que possible de ce brun. Cela a permis de garder la couleur lineart cohérente :

Enfin, nous avons terminé !

Eh bien... nous le serions, de toute façon, si j'étais un artiste parfait et que tout était parfait du premier coup. Mais je ne suis pas! Et cela signifie qu'il y a beaucoup de petits ajustements et améliorations que nous pouvons apporter à cette version presque terminée.

C'est exact.

 

Il est enfin temps d'hyperfocus sur les détails (alias « polissage »). Qu'est-ce qui fonctionne et doit être souligné ? Qu'est-ce qui ne fonctionne pas et doit être corrigé ?

J'ai senti que certaines des zones d'ombre avaient besoin de plus de punch et que les yeux semblaient un peu morts - alors je les ai rafraîchis. J'ai également ajouté des pixels de la même couleur que les ombres à certains bords du contour, afin d'adoucir la transition. J'ai décidé que la grande ombre sous le pull ne fonctionnait pas et je l'ai éliminée. Une partie du lineart intérieur a été allégé afin de mettre davantage l'accent sur les bords de chaque élément...

 

Ou pour être plus concis, un tas de trucs compliqués ! Je pouvais me concentrer sur cette ordure avancée sans craindre de perdre mon temps sur quelque chose que je changerais plus tard. Avec de fréquents zooms arrière pour m'assurer que je ne nuisais pas à l'image globale, j'étais libre d'ajuster et de bricoler jusqu'à ce que je trouve une version finale qui me convenait.

 

Et voilà :

Pour rendre les différences encore plus évidentes, voici une comparaison animée (.gif) :

Est-elle parfaite ? Euh, rien n'est parfait. Mais elle correspond à ma vision au mieux de mes capacités.

 

Être désordonné avec le croquis et le tracé de pixels initial dessus m'a permis de capturer et de conserver une sensation de vivacité et de douceur dans le lineart. Travailler sur le placement avant de m'occuper de la couleur m'a permis de me concentrer sur l'obtention des formes sans avoir à changer constamment la couleur avec laquelle je dessinais. Enregistrer mes petites modifications capricieuses pour la toute fin m'a aidé à m'assurer que ces modifications ne seraient pas une perte de temps et m'a aidé à garantir qu'elles étaient au service de la composition globale.

Donc, même si nous travaillons avec un support si précis que le placement de chaque pixel individuel compte--

N'ayez pas peur de vous salir !

P.S. Merci beaucoup d'avoir passé du temps avec moi. Je vous souhaite le meilleur dans votre parcours artistique !

 

--PenultimateSaint