Introducción

¡Buenas a todos! Soy MaKrow, escritor, ilustrador y autor de comics (Love x Horror Club en Webtoon). Hoy vamos a trabajar sobre un área que va a ser esencial para nuestra carrera como artistas: la creación de nuestra propia marca.

En este tutorial me quiero despegar de lo que es específicamente la firma, ya que es algo muy personal y hay muchas maneras de llegar a ella (puedes basarte en firmas de otras personas que te gusten, figuras geométricas, ver tutoriales de youtube para hacer tu firma e infinitos etc.). En cambio, voy a ir a algo un poco más técnico y que demanda más conocimiento para su elaboración: nuestro marca, nuestra identidad en las redes y en nuestros productos.

La Marca nos dota de identidad, es nuestro rostro en el mundo no sólo de internet sino también del comercio. Usamos la firma para dotar de identidad autoral a nuestros dibujos o historias; pero usamos la marca para comercializar nuestros dibujos e historias, he ahí la principal diferencia en cuanto a su uso y por qué es tan importante que nuestra marca sea lo más profesional posible.

Y es que sí, nuestra marca debe ser pulcra y profesional, no basta con un ícono improvisado, sino que debemos crear una imagen en limpio que pueda ajustarse a distintos tamaños y formatos. También debe poder utilizarse como añadido en imágenes más grandes, como marca de agua, como sello, etc. Acompáñenme en este tutorial de Clip Studio Paint y dejemos así nuestra impronta en el mundo artístico, ¡Empecemos!

Definamos los Temas

Comencemos por lo fundamental al momento de crear nuestra marca: el tema.

¿Qué queremos transmitir exactamente? Esta es la primera pregunta que debemos respondernos.

¿Es para nosotros o un tercero? ¿Qué estamos vendiendo y a qué público está dirigido? ¿Somos una sola persona o una entidad empresarial?

Daré un ejemplo para entender a qué me estoy refiriendo:

 

 

Este ícono es un trabajo de mi autoría. El símbolo será utilizado en una radio de mi ciudad. El cliente tenía la intención de transmitir de qué se trataba la radio y cuales eran los temas que se tocarían. Es evidente, por el diseño, que se trataba de una radio en la que se hablaría de Dungeons & Dragons. El nombre de la radio es “Ahogados en Dados”, por lo que debí transmitir la esencia, el nombre, el medio y la temática en una sola imagen.

Para hacer este tipo de trabajos debes consolidar la idea del proyecto en un solo ícono que luego podrá ser editado según se necesite. Recomiendo que para sintetizar las ideas elijas 3 puntos cruciales que deben transmitirse si o si en la imagen. La idea del producto siempre podrá resumirse en 3 ideas, las mías eran:

 

1. Dungeons & Dragons

2. Radio

3. Algo relacionado al ahogamiento o al mar

 

A partir de estos 3 puntos las ideas que pueden surgir son tan amplias como el alcance de tu imaginación, pero ya tienes un molde para trabajar en ello. No es casual el orden de importancia, en este caso lo menos importante era lo relacionado al ahogamiento ya que era limitante según el contexto que se utilizara. Recuerden preguntarse a sí mismos qué es lo que suma y qué es lo que resta al diseño. A veces, menos es más, sobretodo si queremos decantarnos por el minimalismo y la vectorización.

Aquí algunos ejemplos de bocetos que fueron descartados.

 

 

¿Logotipo, Isotipo, Imagotipo u Isologo?

Okay, sé que estos términos son extremadamente técnicos, pero créanme que conocer las diferencias será fundamental de ahora en más, sobretodo cuando elijamos nuestras fuentes.

Para los ejemplos tomaré la marca de Clip Studio Paint.

Empecemos por el Logotipo. El logotipo es sólo texto, se utiliza una tipografía que representará a toda la marca. Estoy seguro que podemos pensar en varios ejemplos, como Coca-Cola o Disney, pero aquí les dejo el logotipo utilizado por Clip Studio Paint.

El Isotipo, por el contrario, es sólo el ícono de la marca. La imagen o dibujo que representa a la entidad, no va acompañado de ningún texto o fuente. Como ejemplos tenemos a Apple o a Instagram. Este es el Isotipo de Clip Studio Paint.

El Imagotipo es la mezcla equilibrada (pero aun separable, sea por sangría u otros métodos) de tipografía e ícono. Ejemplos de esto tenemos a Meta o a Amazon. El Imagotipo de Clip Studio Paint es el siguiente.

Por último, el Isologo es la mezcla ya inseparable de tipografía e ícono. Como ejemplos tenemos a Harley-Davidson o a Starbucks. Y… ¡Así es! Clip Studio Paint no cuenta con un isologo, y como no quiero añadir imágenes de otras marcas, lamentablemente no podré dar un ejemplo.

Fuente y Herramientas de Texto

No todos los íconos necesitarán un texto que los acompañe, pero generalmente las marcas personales como las de artistas lo precisan para terminar de consolidar la identidad.

En este aspecto hay dos caminos, el largo o el atajo (recomiendo el atajo). Puedes crear tu fuente desde cero (lo cual conllevaría un proceso de diseño extenso) o puedes reducir tu trabajo buscando una fuente de libre uso. Para este último, recomiendo utilizar la página web DaFont.

 

 

En el video te dejo el método que yo utilizo para incluir fuentes al texto. Recuerda, es importante utilizar fuentes 100% gratuitas y de libre uso si no planeas pagar por ella. Esto se debe a que estas diseñando una marca que eventualmente tendrá un uso comercial, y no pagar por los derechos de la fuente utilizada puede traerte problemas legales.

Una vez encuentres la fuente, deberás instalarla en las fuentes disponibles en tu computadora.

 

 

En este ejemplo estoy preparando un rediseño para mi propia marca, aprovecharé para mostrarles como lo hago ya que estoy modificando el bocadillo de texto de forma que se ajuste a mi visión. En mi conceptual, debido a la proporción de la imagen, ajusté la dirección de la fuente en vertical, para así dar más peso a un lado vacío de la imagen.

Recomiendo diseñar fuentes únicamente para proyectos como comics, en los que la fuente pasa a tener un uso más artístico. Lo más importante de la fuente de texto elegida es que sea entendible y fácil de identificar.

Composición

Dentro de este apartado hablaremos de la composición. Los elementos individuales de nuestro ícono (como color, figura o tipografía) forman parte de un todo que debemos armonizar lo mejor posible. Para esto nos ayudarán las técnicas de composición. Aquí les dejaré algunas técnicas que pueden utilizar en Clip Studio Paint para lograr el efecto deseado en sus marcas.

Sangría

La sangría es el espacio en blanco de seguridad que existe entre los elementos del logo (o en la totalidad del logo en relación a su fondo) para que se respete la integridad y comprensión de los elementos.

En el logo que diseñé para la radio utilicé la sangría de forma artística. No era una sangría completa, sino que se fusionaba con los elementos para demostrar mas fluidez e integridad.

 

 

La sangría no necesita ser necesariamente blanca, es el espacio delimitante entre los elementos, pero puedes utilizar los valores y colores que mejor ayuden a fusionar toda la imagen.

 

Hay una forma rápida de introducir una sangría con el efecto de borde de capa en Clip Studio Paint. Así se aplica:

Alineación

La alineación, en resumidas cuentas, tiene mucho que ver con la simetría. Esto es importante de considerar tanto si estamos creando una tipografía o un ícono. El equilibrio de una Marca puede causar rechazo a la vista de no alinearse correctamente los elementos.

En el diseño de mi marca no puedo utilizar elementos simétricos, por lo que equilibro un poco el peso de la imagen utilizando el texto para contraponer al cuervo y finalmente utilizo el peso del rectángulo rojo de fondo para volverla más armónica.

Aun así, hay un excedente de peso en el pico del cuervo que le quita armonía, aunque me gusta como quedó.

Tamaño

Recomiendo hacer el diseño inicial de los íconos grandes, que abarquen suficientes pixeles para luego poder ser adaptados en distintos tamaños. Sin embargo, no por esto debemos conformarnos en que el ícono sea agradable a la vista en su versión más grande y ya. Debe poder ser fácilmente identificable, tanto el ícono completo como todos sus elementos componentes, tanto de cerca como de lejos. Por ejemplo, si el imagotipo o el logotipo tienen elementos pequeños en su ícono que resultan difíciles de diferenciar en una imagen pequeña, se corre el riesgo de que parte del mensaje que buscabas transmitir se pierda.

Aprovecharé mis propios errores para mostrarles un ejemplo de cuando un ícono pierde su legibilidad debido a una mala elección de tamaño.

Color/B&N

No me voy a meter de lleno en toda la teoría del color debido a que eso demandaría no sólo un tutorial aparte, sino todo un libro. En cambio, me enfocaré en lo que es la teoría del color aplicada a la creación de iconografía.

Recomiendo no utilizar más de 3 colores en la creación de tu marca. Este es un campo en que un solo color es totalmente aceptable, pero más de 3 saturará la imagen y se volverá pesada y molesta de ver. También es preferible utilizar colores complementarios.

También es recomendable utilizar el espectro de Blanco y Negro quitándole toda la saturación a la imagen para ver el peso de la imagen y asegurarse, así, que la imagen no tiene extremos demasiado marcados en su valor. El atajo de teclado para modificar saturación, tono y luminosidad es Control+U.

Vectorización

La función principal de la vectorización en la creación de nuestra marca es el ajuste de tamaños y medidas. Probablemente tu icono será utilizado en flyers, mercadería o presentaciones y, en cada uno de ellos, su tamaño será ajustado una y otra vez. El problema con los íconos no vectorizados es que pierden calidad al agrandarse, achicarse o cambiarse su formato, y esto lo resolveremos con la vectorización.

 

Antes de entrar de lleno en los métodos de vectorización de Clip Studio Paint, quiero hacer algunas advertencias. Primero, si planean vectorizar, intenten utilizar siempre el mismo grosor de pincel (al momento de vectorizar, clip studio ofrece un margen de tolerancia, pero es preferible que no sea muy amplio o se perderá calidad). También es recomendable no utilizar muchas variedades de colores (aunque esto nos viene bien, ya que no debemos utilizar muchos creando nuestra marca).

 

Dicho esto, paso a comentarles sobre los métodos de vectorización de Clip Studio.

 

En primer lugar, podemos trabajar desde un inicio con vectores convirtiendo nuestra Capa de Raster en una Capa de Vectores.

Podemos dejar a nuestra capa de vectores como una capa de color, pero también podemos convertirla en una capa de grises si queremos trabajar en blanco y negro.

Aquí recomiendo ajustar los Ajustes del Vector.

He aquí el por qué les recomendé trabajar siempre con el mismo ancho del pincel. Como verán, el vector tiene un margen de corrección, pero entre más grande sea peor calidad tendrá, como les había comentado.

Recomiendo dejar un suavizado débil para que la superficie de las líneas sea un poco más agradable a la vista.

Este método nos permite no sólo trabajar desde un inicio con vectores, sino incluso vectorizar todo nuestro trabajo una vez que lo tenemos terminado. Sin embargo, si no se respetó el grosor del pincel y la cantidad de colores máximos de la capa procederá a darnos un error y no nos vectorizará el trabajo.

Aun así, si aun conservamos los elementos del diseño por capas separadas, podemos vectorizar capa por capa. No recomiendo hacer esto ya que los elementos vectorizados perderán armonía entre sí en la mayoría de los casos. Pero sí, entre más simple el elemento en una capa, más fácil es vectorizarla al final del proceso.

Finalmente, les muestro otro método que nos ofrece Clip Studio Paint para vectorizar nuestro trabajo. Una vez que tenemos terminado nuestro trabajo, podemos exportar nuestra capa y, en caso de haberse vectorizado como capa previamente, esta se ajustará para que se conserve la mayor calidad posible. El resultado es de muy buena calidad.

Exportaremos nuestra capa como un archivo .PNG. Una vez elegida la carpeta, nos dará los parámetros de exportación de PNG, donde podremos hacer los ajustes correspondientes.

Lo interesante de este punto es que el mismo programa nos permite elegir conservar los colores o exportarlo en escala de grises. Recomiendo guardar ambos.

Usando nuestra Marca

Por fin tenemos nuestra marca! Ahora, ¿cómo podemos utilizarla en nuestros trabajos?

Hay muchos métodos y dependen enteramente de qué tipo de producto planean comercializar. Como soy ilustrador, daré algunos ejemplos de como lo he utilizado yo en mis trabajos.

Una vez importado el archivo PNG de nuestra marca, podemos utilizar la herramienta de Escalar/Rotar para ubicarla donde más nos guste. También podemos aprovechar para voltearla en cualquier dirección.

Podemos utilizarla como marca de agua ajustando la opacidad de la capa.

Y, para trabajos en blanco y negro (por ejemplo manga), ¡nuestra marca en escala de grises entra en acción!

Despedida

Espero que este tutorial les haya servido para crear sus propios íconos de marca, sean para artistas o para otros fines. Este tutorial no pretende reemplazar una carrera de ilustración o diseño industrial por obvias razones, pero espero que les haya facilitado el trabajo a aquellos free-lancers que buscan forjar su identidad o hacer trabajos pequeños sin necesidad de dedicar muchos años de estudio a una carrera.

Lo cierto es que nuestro ícono de artista, al igual que nuestra propia arte, depende sobretodo de nuestra creatividad, y este tutorial sólo pretende otorgar algunas herramientas en Clip Studio Paint para dar vida a tu iconografía así como se la damos a nuestro arte. El espíritu y la identidad siempre la aportaras tú, como a tu propio arte.

Gracias por elegir este tutorial.

Soy MaKrow, si les gustó mi trabajo por favor consideren seguirme en mis redes sociales. Les mando un saludo y ¡Éxito en sus caminos como artistas!