1- INTRODUCTION

Bonjour à tous, Konart de retour.

 

Aujourd'hui, je vais vous montrer comment dessiner en niveaux de gris, puis comment utiliser cela pour un style artistique plus proche des comics ou des mangas (ce que certaines personnes appellent monochrome). Maintenant, qu'est-ce que cela signifie ? Cela signifie apprendre les « Valeurs », et quand vous connaissez les valeurs, tout type de dessin devient plus facile, surtout si vous travaillez en noir et blanc, comme une peinture réaliste en niveaux de gris, ou même dans un style manga. À la fin de ce tutoriel, nous examinerons une de mes anciennes peintures, et j'essaierai d'appliquer ce que nous avons appris pour la corriger.

 

Commençons

 

2- VALEURS

Avant de commencer, nous devons comprendre ce que sont les valeurs.

Pour faire simple, il s'agit de la luminosité ou de l'obscurité d'un élément dans le dessin. Les choses ont une couleur, composée de la teinte, de la saturation et de la valeur. Ainsi, lorsque nous travaillons en niveaux de gris, nous ne travaillons qu'avec les valeurs.

 

« Mais pourquoi devrais-je m'en soucier ? Pourquoi ai-je besoin d'apprendre des choses en noir et blanc, alors que j'aime dessiner avec des couleurs ? » pourriez-vous penser.

 

C'est simple, les valeurs sont l'un des fondamentaux de l'art, c'est quelque chose d'aussi important que la perspective, la couleur, la composition, l'anatomie et d'autres éléments. En tant que tel, plus vous maîtrisez cela, plus votre art aura de l'allure, quel que soit le style que vous choisissez de dessiner. Les fondamentaux améliorent considérablement la qualité de votre art, donc même si vous ne savez pas dessiner quelque chose de très spécifique comme une chaussure ou une voiture, les fondamentaux feront en sorte que votre dessin aura toujours l'air bon.

 

3- PINCEAUX

Dans ce tutoriel, nous allons travailler avec très peu de pinceaux.

Il est important de se rappeler que vous n'avez pas besoin de ces mêmes pinceaux, vous pourriez tout dessiner avec le même pinceau, ou avec 20 différents si vous en aviez envie, ce n'est qu'un exemple, et la seule chose dont vous avez besoin pour ce tutoriel est un pinceau texturé, un sans texture (pour l'encrage), et peut-être un doux, pour certaines ombres.

 

Maintenant, nous devons configurer correctement la toile, et il y a plusieurs façons de le faire :

 

A – Utilisez simplement vos paramètres standard et utilisez uniquement des couleurs grises. C'est la façon dont j'aime travailler, car je n'aime pas changer mon flux de travail ou mon espace de travail, alors je travaille comme je le ferais normalement, mais en faisant attention à ne pas choisir de couleurs. Puisque nous travaillons uniquement en niveaux de gris, après avoir posé les premières teintes, vous pouvez simplement utiliser le sélecteur de couleurs pour éviter d'utiliser votre fenêtre de couleurs à chaque fois

 

B – Créez un nouveau calque au-dessus de celui sur lequel vous allez dessiner, définissez-le en mode couleur, et remplissez-le de noir ou de blanc. En faisant cela, vous pouvez être sûr qu'il n'y aura pas de couleurs dans votre dessin, et qu'il sera juste en niveaux de gris.

Personnellement, j'utilise cette méthode pour vérifier les valeurs de mes dessins, même s'ils ont de la couleur. Souvent, je constate que lorsque je convertis mes dessins en niveaux de gris, certaines valeurs ne ressortent pas bien. Je désactive alors le filtre de niveaux de gris, corrige les couleurs, puis vérifie à nouveau en niveaux de gris, répétant cela plusieurs fois jusqu'à ce que je sois satisfait du résultat.

 

C- Lorsque vous créez un nouveau fichier de dessin, sélectionnez l'option « niveaux de gris ». Cela vous forcera à travailler uniquement en niveaux de gris. Je n'utilise presque jamais cette option, car je veux toujours pouvoir ajouter de la couleur au dessin par la suite, mais si vous vous entraînez simplement, cela peut être un moyen efficace de vous assurer que vous ne serez pas distrait par les couleurs même si vous le vouliez.

4- CHOISIR VOS VALEURS

Lorsque vous travaillez en niveaux de gris, le premier et le plus important choix que vous devez faire est de décider de la gamme de valeurs que vous utiliserez. Oui, vous pourriez simplement utiliser toutes les valeurs de l'échelle de gris, du blanc au noir, mais je vous suggère de le faire une fois que vous aurez davantage pratiqué ce type de dessin. De plus, dessiner avec du noir pur peut parfois causer des problèmes lors de l'impression de vos dessins.

Alors, quelles valeurs devriez-vous choisir ? Eh bien, cela dépendra de plusieurs choses, comme le style dans lequel vous dessinez et le sentiment que vous voulez donner au dessin. Par exemple :

 

Un style réaliste ou semi-réaliste utilisera souvent presque toutes les valeurs, mais en excluant certaines des plus claires et certaines des plus sombres. Par conséquent, vous ne pouvez presque pas dire qu'il n'y a pas de noir ou de blanc pur dans le dessin. C'est la gamme de valeurs que j'utilise habituellement, même si mon style est un peu plus similaire à l'anime. C'est aussi la gamme de valeurs que je recommanderais aux débutants, car je pense que c'est la plus facile à comprendre.

 

Si vous inclinez votre gamme de valeurs vers le côté plus clair, cela donnera à votre dessin une sensation plus pastel ou éthérée, quelque chose de rêveur. Certaines émissions d'anime utilisent un filtre similaire lorsqu'elles montrent des flashbacks, car cela peut aussi ressembler à un souvenir du passé.

Si vous l'inclinez vers le côté plus sombre, cela peut lui donner une sensation plus effrayante ou sinistre. Les scènes plus sombres ont tendance à être plus effrayantes, vous voudrez donc peut-être l'utiliser lorsque vous dessinez un manga d'horreur ou quelque chose de similaire.

Si vous avez du mal à maintenir vos valeurs dans une certaine gamme, vous pouvez toujours corriger cela en jouant avec le calque de correction « Correction de niveau »

 

Il existe également des gammes de valeurs limitées à un nombre très spécifique de valeurs, et certaines qui n'utilisent que le noir et blanc. J'essaierai de les couvrir du mieux que je peux, mais pour comprendre ce type de gammes de valeurs, nous devons commencer par une gamme normale, je vais donc d'abord expliquer comment la lumière et les valeurs fonctionnent dans une gamme de valeurs plus naturelle, et de là nous verrons les autres.

 

5- GAMME DE VALEURS NORMALE

Une gamme de valeurs normale est ce que vous verriez si vous appliquiez un filtre noir et blanc sur des photos, ou imaginez que vous ne pouviez soudainement plus voir aucune couleur, juste du noir et blanc. Ainsi, avec cela, les choses réagiront à la lumière de manière naturelle, de la même manière qu'elles réagiraient dans la vie réelle. Disons que vous voulez dessiner une sphère, ou un cube, mais vous ne savez pas quelle valeur vous devriez leur attribuer. Eh bien, pour décider cela, il y a plusieurs éléments que vous devez prendre en compte, alors examinons-les d'abord

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Je vais dessiner un cube, le sol et un mur. À ce stade, il n'y a pas de valeurs ici

 

Maintenant, je vais donner une valeur locale au cube et placer ma source de lumière. La valeur locale d'un objet est la valeur que l'objet possède naturellement, non affectée par les lumières.

Conseil : La source de lumière aura généralement une valeur très brillante, mais pas encore d'un blanc pur

 

Maintenant, nous devons faire en sorte que la lumière semble affecter le cube, et nous le faisons en l'éclairant. La façon de choisir les endroits à éclairer, et à quel point les éclairer, est de regarder les plans de votre objet.

Chaque objet 3D a des plans, parfois ils ne sont pas très évidents, mais dans un cube, ils sont assez faciles à repérer

Les visages sont difficiles à dessiner car ils ont beaucoup de plans, et les transitions entre eux sont très douces, c'est pourquoi je vous recommande de pratiquer ces principes avec des formes simples d'abord.

Maintenant que vous avez les plans, regardez dans quelle direction ils sont orientés. Lorsque la lumière frappe un plan, elle éclaircira ce plan en fonction de la quantité de lumière que ce plan renvoie à vos yeux, et cela dépend de l'angle du plan, comme la façon dont votre téléphone reflète parfois le soleil dans vos yeux lorsqu'il est à un certain angle.

Compte tenu de cela, éclairons les plans correspondants du cube.

Le même principe est utilisé pour décider où placer les ombres, mais à l'inverse. Ainsi, les plans qui sont orientés loin de la source lumineuse seront dans l'ombre.

Maintenant, nous avons besoin de l'ombre créée par l'objet, et cela s'appelle une « ombre projetée ». Dessiner une ombre projetée est délicat, vous pouvez utiliser de nombreuses mesures pour qu'elles aient l'air plus précises, mais ce ne sera toujours pas parfait. Le meilleur conseil que je puisse vous donner concernant les ombres projetées, est d'imaginer la lumière comme un faisceau de rayons, puis d'essayer de tracer où tomberaient les rayons qui touchent les bords de votre objet.

Je sais que c'est un concept assez abstrait à saisir, mais quand j'ai commencé à essayer de le penser de cette façon, c'est devenu plus facile et plus rapide que de prendre des mesures, alors essayez. Maintenant, si je suis honnête avec vous, les gens ne se soucient pas vraiment des ombres portées.

La seule façon pour les gens de remarquer si vos ombres portées sont fausses, c'est si vous les dessinez dans la mauvaise direction, ou avec la mauvaise taille. Et même dans ce cas, vos erreurs devraient être très évidentes pour que les gens les remarquent

Essayez simplement de vous rappeler, à quand remonte la dernière fois que vous avez remarqué une erreur dans l'ombre portée d'un dessin d'un artiste que vous aimez ? Il y a de fortes chances qu'il y ait plusieurs erreurs, mais vous n'y prêtez jamais attention, car la plupart du temps, ce n'est pas une partie importante du dessin. En fait, de nombreux artistes que j'aime font quelque chose que vous n'imagineriez pas : ils trichent ! Vous voulez savoir comment ? C'est assez simple, dessiner une ombre portée précise est difficile, alors ils ne le font pas, ils utilisent l'objet qu'ils ont déjà dessiné comme ombre. Laissez-moi vous expliquer.

 

Imaginons que vous ayez un personnage, et que vous vouliez dessiner son ombre portée. Ce que vous faites, c'est, sur un nouveau calque au-dessus du personnage, dessiner la silhouette du personnage et la remplir de noir. Cela n'a pas besoin d'être parfait.

 

Maintenant, en utilisant l'outil de transformation, ajustez-le pour qu'il corresponde à la perspective du sol et à la direction de la lumière, et enfin, déplacez-le vers le calque en dessous de votre dessin.

Ce n'est en fait pas une tricherie, c'est juste un raccourci que de nombreux artistes utilisent. Ils l'utilisent parce que cela économise du temps et des efforts pour quelque chose que les gens ne regarderont pas vraiment. Vous devriez utiliser les outils dont vous disposez pour travailler plus rapidement, et lorsque vous travaillez numériquement, c'en est un.

 

Maintenant, pour revenir à l'exemple du cube, nous avons déjà la valeur locale, la lumière, les ombres et l'ombre portée, mais alors, pourquoi n'a-t-il pas l'air naturel ? Manque-t-il quelque chose ? Oui, quelques petites choses.

 

La première, c'est la lumière réfléchie. Vous vous souvenez de ce que je vous ai dit à propos de la lumière qui rebondit sur les plans ? Eh bien, la lumière peut rebondir plusieurs fois, cependant, chaque fois qu'elle rebondit, elle perd de sa force, vous n'avez donc qu'à penser au premier rebond.

Si nous appliquons cela au cube, les principales surfaces sur lesquelles la lumière rebondira seront le sol et le mur, il y aura donc un peu de lumière réfléchie ou diffusée dans les zones du cube qui font face à cette lumière.

Maintenant, la dernière chose dont nous avons besoin, c'est l'occlusion ambiante.

 

Pour faire simple, l'occlusion ambiante est un type d'ombre qui se produit aux endroits où la lumière ne peut pas facilement atteindre. Cela signifie que cela arrive souvent aux endroits où un objet est en contact avec un autre. Cependant, l'occlusion ambiante est très, très subtile, alors essayez de ne pas en abuser ou cela aura l'air étrange.

Si nous ajoutons de l'occlusion ambiante au cube, nous pouvons imaginer que cela se produit un peu là où le cube touche le sol, et là où le mur touche le sol.

 

Une chose importante à retenir lorsque vous essayez de rendre quelque chose réaliste, c'est que dans la vie réelle, les choses n'ont pas de contours ou de traits, alors lorsque vous travaillez en niveaux de gris, n'oubliez pas de les effacer. J'ai gardé les contours du cube à des fins d'explication, mais si je voulais rendre le cube un peu plus réaliste, je ferais plusieurs choses, comme effacer le lineart et rendre certaines ombres un peu plus floues.

Lorsque vous travaillez en monochrome ou en niveaux de gris, voici les éléments principaux : la lumière, l'ombre, l'ombre portée, la lumière réfléchie et l'occlusion ambiante.

 

Maintenant, essayons d'appliquer ces principes à un dessin.

Tout d'abord, regardez ce dessin, il applique tous les éléments que j'ai mentionnés plus tôt, mais il y a une erreur majeure.

 

L'erreur est que tout a la même valeur locale. Cela signifie que si cette image avait des couleurs, tout aurait la même couleur, et nous savons que ce n'est pas le cas. Des couleurs différentes ont des valeurs locales différentes, par exemple, si vous transformez le jaune en niveaux de gris, la valeur sera beaucoup plus claire que si vous le faites avec le rouge ou le bleu. En termes simples, les couleurs plus foncées apparaîtront plus foncées en niveaux de gris.

Maintenant, si nous appliquons cela au dessin, nous obtenons ceci.

Aussi, vous l'avez peut-être déjà remarqué, mais ces règles ne sont pas les mêmes pour chaque objet, cela dépend aussi du matériau de l'objet. Un matériau plus réfléchissant renverra plus de lumière, sa valeur deviendra donc plus lumineuse. Cela signifie que plus un matériau est réfléchissant, plus il aura de contraste.

Si l'on considère les matériaux du personnage, comme les vêtements et le métal, le dessin devrait ressembler un peu plus à ceci.

Astuce : Peu importe à quel point un objet est réfléchissant, ou à quel point votre source de lumière est forte, la lumière réfléchie sur l'objet ne sera pas aussi brillante que votre source de lumière, gardez cela à l'esprit et essayez d'éviter de rendre les reflets trop lumineux.

 

Maintenant, j'ajouterai plus de détails au dessin pour le rendre un peu plus fini, voici donc quelques conseils supplémentaires.

A- Utilisez des pinceaux avec plus de texture pour les objets qui ont plus de texture, par exemple, un pinceau rugueux est excellent pour les vêtements, tandis qu'un pinceau doux ou un pinceau dur fonctionnent bien avec le métal.

B- Essayez de rendre la sclère des yeux JUSTE UN PEU plus claire que la peau.

C- Les ombres portées ont tendance à être plus floues plus elles sont éloignées de l'objet ; quant à leur degré de flou, cela dépend de l'intensité de la lumière, car une lumière très intense créera des ombres plus nettes, mais une lumière douce en créera de plus floues.

D- Essayez de ne pas trop vous écarter des valeurs que vous avez déjà établies.

 

Maintenant, nous pouvons voir la différence entre un dessin qui n'a que des ombres plates et un dessin qui a tous les éléments que j'ai mentionnés plus tôt.

Lorsque vous prenez en compte tous ces éléments, vous pouvez dessiner correctement en niveaux de gris.

 

Cependant, vous pourriez considérer toutes ces choses et tout dessiner correctement, mais avoir toujours l'impression qu'il manque quelque chose à votre dessin, qu'il n'est tout simplement pas juste. Pour résoudre ce problème, nous devrons parler un peu des valeurs dans la composition. La composition est un vaste sujet, nous ne la couvrirons donc pas entièrement ici, juste quelques concepts de base qui nous aideront en ce qui concerne l'art en niveaux de gris et monochrome, comme le manga ou les bandes dessinées.

 

6- VALEURS EN COMPOSITION

Le premier concept que nous devons comprendre est le POINT FOCAL.

 

Le point focal d'une peinture ou d'un dessin est la partie la plus importante, celle que vous voulez que votre public regarde en premier. Généralement, lorsque vous dessinez des personnages, le point focal est le visage, car les humains sont naturellement attirés par les visages et les yeux. Mais lorsque c'est un dessin de paysage ou de bâtiment, les choses changent, et vous pourriez vouloir que votre public se concentre sur une partie spécifique du dessin, et pour cela, vous avez plusieurs outils.

 

Pour accentuer le point focal, vous pouvez faire beaucoup de choses, comme utiliser différentes couleurs ou formes, mais nous allons nous concentrer sur un outil spécifique appelé « CONTRASTE »

 

Pour faire simple, le contraste est la différence entre une chose et une autre. En tant que tel, il existe toutes sortes de contrastes :

A- Contraste de couleur

B- Contraste de rendu

C- Contraste de forme

Mais celui sur lequel nous allons nous concentrer est appelé :

D- Contraste de valeur

 

C'est probablement l'un des outils les plus utiles que vous puissiez avoir pour dessiner n'importe quel type de choses.

 

Puisque le contraste est la différence entre une chose et une autre, lorsque l'on travaille avec des valeurs, cela signifie à quel point une chose est plus claire ou plus foncée qu'une autre, ou quelle est la distance entre les valeurs des choses.

Une petite différence de valeur signifie un faible contraste, et une grande différence de valeur signifie un contraste élevé.

 

Cela signifie que vous voulez que le point focal de votre dessin soit le point avec le plus de contraste, car c'est là que le public regardera en premier.

Même avec un dessin de personnage, où vous avez déjà un point focal clair sur le visage, avoir du contraste aide à le rendre encore meilleur.

 

Même si sur ce personnage il y a aussi beaucoup de contraste sur les jambes et l'épée, vous pouvez voir comment ajouter plus de contraste autour du visage le fait ressortir davantage. Le personnage pourrait avoir des vêtements et des cheveux avec des couleurs plus vives, de sorte que des valeurs plus claires seraient techniquement correctes, mais cela ne nous donnerait pas le contraste dont nous avons besoin au point focal, c'est-à-dire le visage.

 

Lorsque vous ne pouvez pas avoir beaucoup de contraste sur le personnage lui-même, vous pouvez créer le contraste des valeurs avec des éléments de premier plan ou d'arrière-plan. Si vous regardez ces 2 dessins, dans les deux le personnage a exactement les mêmes valeurs et le même contraste, mais celui de droite utilise un ciel noir pour créer plus de contraste avec la tête du personnage, qui est le point focal.

 

Mais soyez prudent avec l'utilisation des éléments de premier plan et d'arrière-plan, car en règle générale, plus un objet est proche de la caméra, plus il sera sombre et contrasté. Et lorsqu'il est plus éloigné, il sera plus clair et moins contrasté.

Voici une petite astuce pour vous : parfois, pour avoir du contraste, vous devez vous débarrasser du contraste. Qu'est-ce que je veux dire ? Eh bien, comme je l'ai dit, le point le plus contrasté devient un point focal pour votre public, mais si vous avez beaucoup de contraste partout, votre public ne saura pas où regarder. Donc, si chaque partie de votre dessin a beaucoup de contraste, vous pouvez créer un point focal en diminuant le contraste de quelque chose. Voici un exemple

Voici le même dessin qu'avant, mais maintenant j'ai ajouté quelques éléments à l'arrière-plan

 

Pour dessiner les oiseaux, j'ai utilisé ce pinceau.

Comme vous pouvez le voir, c'est un peu inconfortable à regarder, car tout a un contraste très élevé. Pour éviter ce problème, une solution est, comme je l'ai dit, de faire du point focal l'endroit avec le plus de contraste.

Mais l'astuce dont je parlais plus tôt, c'est de faire exactement l'inverse, c'est-à-dire de faire du point focal l'endroit avec le moins de contraste d'un dessin qui en a beaucoup.

Ce n'est pas quelque chose que j'utiliserais seul, mais cela montre que vous avez beaucoup de liberté quant à la façon dont vous décidez d'utiliser le contraste, les types de contraste et les objets sur lesquels vous l'appliquez. Les animes, par exemple, ont tendance à utiliser le contraste dans la quantité de rendu et le contraste des valeurs. Ils ont généralement des arrière-plans extrêmement rendus et détaillés avec un contraste de valeurs plus faible, et des personnages qui ont beaucoup de contraste de valeurs mais sont colorés avec des couleurs extrêmement plates. Cela donne aux animes un aspect très distinctif.

Vous pouvez expérimenter un peu pour voir ce qui fonctionne le mieux pour vous, car certains de vos choix peuvent varier en fonction du style dans lequel vous dessinez.

 

Maintenant que nous avons tous les outils nécessaires pour travailler en niveaux de gris, nous pouvons commencer à examiner différentes façons d'utiliser les valeurs, à quoi elles servent, et les différents styles.

 

7- VALEURS LIMITÉES

Jusqu'à présent, lorsque nous travaillions en niveaux de gris, nous utilisions de nombreuses valeurs, c'est-à-dire que nous choisissions toutes les valeurs disponibles dans la plage de valeurs que nous avions sélectionnée. Mais il y a des moments où vous voudrez peut-être travailler avec un certain nombre de valeurs, comme 3 ou 5.

 

Pourquoi choisir de travailler avec seulement 3 valeurs quand vous pouvez en utiliser autant que vous voulez ?

Parce que cela vous aide à vous concentrer sur les choses importantes. Lorsque vous travaillez sur n'importe quel type de dessin ou de peinture, il est facile de se laisser emporter et de commencer à ajouter beaucoup de détails partout dès le début. Alors, quand vous prenez du recul et réalisez que vous avez fait une erreur, vous constatez que vous avez perdu beaucoup de temps à dessiner des détails que vous avez dû corriger.

Vous pouvez éviter cela en vous concentrant d'abord sur les éléments les plus importants de votre dessin. Dans ce cas, si vous pouvez dessiner ce que vous voulez en utilisant seulement 3 ou 5 valeurs (vous pouvez choisir le nombre, le but est de le garder aussi bas que possible), cela signifie que votre dessin aura toujours l'air bien lorsque vous ajouterez plus de valeurs plus tard, car se limiter à un petit nombre de valeurs vous force à rendre votre dessin plus facile à lire.

 

Dans cet exemple, vous pouvez voir à quel point un dessin peut avoir plus de détails en passant de 3 valeurs à 8. Cependant, travailler avec seulement 3 m'a obligé à simplifier beaucoup de formes et de détails inutiles pour faire ressortir davantage le personnage.

 

Pour vérifier si votre dessin est clair, essayez de dézoomer constamment, et si vous pouvez toujours distinguer les formes importantes, cela signifie que vous le faites bien.

C'est un outil utile à avoir car, très probablement, vous publiez votre art sur les réseaux sociaux ou sur des sites dédiés à l'art, et dans tous ces endroits, votre art sera affiché d'abord comme une très petite image. Et quand les gens s'intéressent à cette petite image, ils cliquent dessus pour voir la version plus grande, vous avez donc besoin que votre image soit très claire même lorsqu'elle est très petite.

Une autre utilisation de la limitation de vos valeurs est de créer des croquis miniatures (thumbnails). Un croquis miniature est une ébauche grossière de votre dessin avant de commencer à ajouter des détails. Si vous faites simplement des croquis rapides, vous n'aurez peut-être pas besoin de croquis miniatures, mais lorsque vous créez des illustrations, ou quelque chose qui vous prendra plus de temps, de nombreux artistes recommandent d'utiliser plusieurs croquis miniatures. Disons que je veux faire une illustration d'un personnage. Je ne commencerais pas immédiatement à le dessiner, je ferais d'abord plusieurs croquis miniatures pour essayer différentes poses ou angles de caméra.

Après cela, je peux choisir celui que j'aime le plus et commencer à ajouter plus de détails. C'est là qu'une gamme de valeurs limitée est utile, car vous pouvez créer vos croquis miniatures très rapidement si vous utilisez un petit nombre de valeurs, ce qui vous permet d'explorer plus d'options pour votre dessin.

Et après avoir choisi celui que vous préférez, vous pouvez ajouter de plus en plus de valeurs.

Cette approche du dessin avec des valeurs limitées est très utile lorsque vous essayez de dessiner quelque chose de plus stylisé, comme des dessins animés, ou des illustrations mettant l'accent sur le design graphique.

 

Par exemple, vous pouvez aplatir les valeurs de votre personnage, en ignorant les ombres, pour le faire ressembler un peu plus à un dessin animé pour enfants.

 

Ou utilisez-le dans des illustrations réalistes pour les rendre plus uniques. Vous pouvez dessiner quelque chose qui semble quelque peu réaliste en utilisant seulement 6 valeurs.

Ces principes fonctionnent pour tous les styles, cependant, je trouve extrêmement utile de les connaître lorsque vous dessinez dans un style manga.

8- STYLE MANGA

Tout d'abord, il existe quelques différences lors du passage d'une gamme de valeurs limitée à un style manga.

 

A.- Le style manga n'a généralement pas un nombre limité de valeurs. Cela peut en avoir l'air, car parfois les dessins de manga ont un petit nombre de valeurs, mais ils peuvent en utiliser davantage à tout moment.

 

La différence peut être minime, mais le fait de pouvoir utiliser des dégradés et n'importe quelle valeur vous donne plus de liberté pour expérimenter beaucoup de choses.

 

B.- Parfois, au lieu d'utiliser une valeur plate, les dessins de manga utilisent des trames.

 

Vous pouvez réduire la densité d'une trame pour qu'elle ressemble à une valeur plus claire, et l'utilisation de différents motifs peut affecter la luminosité d'une trame. Essayez donc de les utiliser pour voir comment elles rendent dans votre dessin. De plus, lorsque vous dessinez quelque chose d'extrêmement sombre, proche du noir pur, les mangas ont tendance à ne pas utiliser de trame pour cela et à simplement utiliser la valeur plate.

 

Maintenant, je n'expliquerai pas en détail comment utiliser les trames, car il existe de nombreuses façons de les utiliser, et beaucoup d'entre elles sont disponibles.

 

Mais la chose principale à retenir est que les trames fonctionnent comme un substitut aux valeurs. Ainsi, au lieu d'utiliser une valeur spécifique pour ombrer quelque chose, vous utiliseriez une trame spécifique.

 

N'oubliez pas non plus que dans le manga, vous pouvez être un peu plus créatif dans votre utilisation des valeurs. Par exemple, si vous aviez plusieurs formes de la même valeur superposées, il serait difficile de les distinguer. Une astuce courante consiste à passer vos lignes du noir au blanc pour mieux montrer les formes.

Bien sûr, le style manga peut varier considérablement d'un artiste à l'autre ; il y a des mangas qui ont une gamme de valeurs très plate et simpliste, tandis que d'autres ont beaucoup de détails et combinent les valeurs avec les trames, vous pouvez donc vous amuser à expérimenter ce qui fonctionne le mieux pour vous.

 

Tant que vous gardez les fondamentaux des valeurs à l'esprit, il y a beaucoup de choses que vous pouvez faire. Par exemple, au lieu d'utiliser beaucoup de valeurs, vous pourriez en utiliser seulement 2 : le noir et le blanc.

 

Cependant, travailler avec seulement 2 valeurs peut être difficile si vous débutez, car cela exige que vous compreniez déjà tous les principes que j'ai mentionnés précédemment, alors soyez prudent.

9- CORRIGER LES ANCIENS DESSINS

Maintenant que nous avons couvert le fonctionnement des valeurs, je vais essayer d'appliquer tous les principes à un de mes anciens dessins. Vous pouvez l'essayer aussi, je trouve très utile de revenir parfois sur un vieux dessin et d'essayer de voir ce que je corrigerais et pourquoi, car cela vous aide à mieux comprendre les nouvelles choses que vous avez apprises depuis.

 

La peinture que je vais corriger n'a que 2 calques au départ, un avec le dessin, et un en dessous qui contient un masque du personnage, que j'utilise pour faire des sélections plus rapidement, mais c'est tout, vous n'avez besoin de rien d'autre pour essayer cette méthode.

 

Ensuite, je le passe en niveaux de gris, mais sans aplatir l'image, car je veux garder les couleurs en dessous. J'utilise donc simplement le calque de couleur et le remplis de noir ou de blanc pour transformer le dessin en niveaux de gris.

J'effectue les ajustements en utilisant 2 types de calques de correction :

 

A- Luminosité/Contraste

B- Teinte/Saturation/Luminosité

 

J'utilise les calques de correction directement sur la peinture et j'ajuste les zones que je veux affecter avec des masques. Cependant, lorsque vous changez la couleur de quelque chose avec un calque « Luminosité/Contraste », les couleurs perdent souvent en saturation, ou changent légèrement de teinte, et c'est à cela que j'utilise le calque de saturation : pour corriger cela. Je fais les ajustements en regardant le niveau de gris, mais je le désactive constamment pour voir comment les couleurs apparaissent sous le filtre de niveaux de gris.

 

Dans cet exemple, je commence à ajuster les valeurs des éléments en arrière-plan. Cela pourrait donner l'impression que j'ai juste tout rendu plus lumineux, mais tous les éléments ont des niveaux d'ajustement différents, car je veux que les valeurs soient d'une certaine manière.

 

Ensuite, je fais de même pour le personnage, assombrissant certaines zones et éclaircissant d'autres en fonction de mon point focal. C'est là que le masque de personnage est utile, car il me permet de sélectionner très rapidement uniquement le personnage. À ce stade, j'ai aussi tendance à revenir à l'arrière-plan et à faire de petits ajustements.

Comme vous pouvez le voir, la nouvelle peinture est beaucoup plus lisible, c'est parce que la silhouette du personnage est plus claire et qu'il y a beaucoup plus de contraste sur la tête, qui est le point focal.

 

 

Un autre outil que j'utilise souvent pour vérifier si mes valeurs fonctionnent bien est le calque de correction « postérisation ».

J'ai tendance à l'utiliser pour transformer la peinture en une peinture à 3 valeurs, et si elle semble claire, cela signifie qu'elle va dans la bonne direction.

Vous pouvez voir la comparaison de l'ancien dessin et du nouveau dessin lors de l'utilisation de la postérisation.

Le calque de postérisation met généralement très bien en évidence les zones où les valeurs ne sont pas claires. Par exemple, dans l'ancien dessin, tout était plus sombre, donc même si j'avais du contraste au point focal, cela semblait déséquilibré. De plus, la silhouette du personnage n'était pas très claire et le chapeau se fondait dans l'arrière-plan, ce qui est mauvais, car le chapeau est sombre, et pourtant, il se fondait dans les arbres, qui sont censés être d'un rose clair.

Lorsque je désactive le filtre de niveaux de gris, vous pouvez voir que beaucoup de couleurs ont changé, et certaines d'entre elles pourraient sembler un peu fausses, mais même avec ces erreurs, vous pouvez dire que le nouveau dessin est plus facile à lire. C'est pourquoi les valeurs sont si importantes : si vos valeurs sont correctes, vous pouvez vous permettre presque toutes les couleurs que vous choisissez.

10- CONCLUSION

La méthode que je viens de vous montrer n'est pas celle que j'utilise normalement. Généralement, j'intègre la correction des valeurs en même temps que je dessine. Lorsque je dessine quelque chose de nouveau, je vérifie constamment les valeurs pour voir si le dessin est clair à petite échelle. Cette fois, j'ai dû utiliser des calques de correction parce que je travaillais avec un ancien dessin, ce qui a rendu le processus un peu plus long, mais les principes restent les mêmes.

 

Voici quelques points clés à retenir :

1- Vérifiez toujours les valeurs de votre dessin

2- Décidez de votre gamme de valeurs dès le début

3- Utilisez le calque de postérisation pour vérifier si votre dessin est clair

4- Commencez avec un petit nombre de valeurs, et ajoutez-en davantage lorsque vous pensez que c'est clair.

5- Réalisez plusieurs croquis miniatures avec des valeurs pour explorer plus d'idées avant de commencer

6- Assurez-vous que votre dessin est clair même en petite taille

7- Décidez de votre point focal dès le début

8- Faites de votre point focal l'endroit avec le plus de contraste du dessin

 

Beaucoup de ces techniques, comme la vérification des valeurs et l'utilisation du contraste et des points focaux, sont très utilisées par les illustrateurs.

 

C'est parce qu'ils doivent généralement planifier l'illustration pour qu'elle soit vraiment belle, il est donc judicieux pour eux de faire beaucoup de croquis miniatures.

Faire des croquis miniatures et commencer avec un petit nombre de valeurs est également utile car cela leur permet de montrer très rapidement un aperçu de l'illustration à leurs clients, et leur permet également de faire de grands ajustements sans perdre beaucoup de temps.

Et une utilisation intelligente du contraste et des points focaux est une chose très importante à avoir dans une illustration. Cependant, cela peut ne pas s'appliquer autant dans d'autres domaines comme l'art conceptuel ou le manga, mais c'est toujours bon à savoir. Les principes d'utilisation des valeurs s'appliquent à tous les styles de dessin ou de peinture.

 

Essayez-le, vous avez sûrement de vieux dessins que vous pensez pouvoir améliorer aujourd'hui, alors choisissez-en un et essayez d'appliquer ces principes.

 

11- MERCI

Je suis encore assez nouveau dans la création de tutoriels, alors j'espère avoir pu l'expliquer suffisamment bien. De plus, l'anglais n'est pas ma langue maternelle, alors si vous trouvez des erreurs grammaticales, n'hésitez pas à me le faire savoir dans les commentaires.

 

Merci d'avoir lu jusqu'à la fin, j'espère vraiment que ce tutoriel vous a été utile, si c'est le cas, n'hésitez pas à lui donner un cœur et à laisser un commentaire. Vous pouvez également consulter mes créations sur mon instagram @ricardokonart et mon twitter @RicardoKonart

À plus tard