1. INTRODUCTION

Bonjour à tous, Konart ici, encore une fois.

 

Aujourd'hui, je vais vous montrer comment dessiner en niveaux de gris, puis comment l'utiliser pour un style d'art plus similaire à la bande dessinée ou au manga (ce que certains appellent le monochrome). Maintenant, qu'est-ce que cela signifie? Cela signifie apprendre les «valeurs», et lorsque vous connaissez les valeurs, tout type de dessin devient plus facile, surtout si vous travaillez en noir et blanc, comme une peinture réaliste en niveaux de gris, ou même dans un style manga. À la fin de cela, nous verrons une de mes anciennes peintures, et j'essaierai d'appliquer ce que nous avons appris pour le réparer.

 

Commençons

 

2- VALEURS

Avant de commencer, nous devons comprendre quelles sont les valeurs.

Pour le dire simplement, c’est la lumière ou l’obscurité de quelque chose dans le dessin. Les choses ont une couleur, faite par la teinte, la saturation et la valeur, donc quand nous travaillons en niveaux de gris, nous travaillons uniquement avec des valeurs.

 

«Mais pourquoi devrais-je m'en soucier? Pourquoi dois-je apprendre des choses en noir et blanc, quand j'aime dessiner avec des couleurs? » vous pensez peut-être.

 

Simple, les valeurs sont l'un des fondamentaux de l'art, c'est quelque chose d'aussi important que la perspective, la couleur, la composition, l'anatomie et d'autres choses. En tant que tel, mieux vous y êtes, meilleur sera votre art, quel que soit le style sur lequel vous choisissez de dessiner. Les principes fondamentaux améliorent considérablement la qualité de votre art, donc même si vous ne savez pas comment dessiner quelque chose de très spécifique comme une chaussure ou une voiture, les principes fondamentaux rendront votre dessin encore beau.

 

3- BROSSES

Dans ce didacticiel, nous allons travailler très peu de pinceaux.

Il est important que vous vous rappeliez que vous n'avez pas besoin de ces mêmes pinceaux, vous pouvez tout dessiner avec le même pinceau, ou avec 20 pinceaux différents si vous en avez envie, ce n'est qu'un exemple, et la seule chose dont vous avez besoin pour ce tutoriel est un pinceau qui a de la texture, un qui n'en a pas (pour l'encrage), et peut-être un pinceau doux, pour certaines ombres.

 

Nous devons maintenant configurer correctement le canevas, et il existe plusieurs façons de le faire:

 

R - Utilisez simplement vos paramètres standard et utilisez uniquement des couleurs grises. C'est comme ça que j'aime travailler, car je n'aime pas changer mon flux de travail ou mon espace de travail, donc je travaille juste comme je le ferais normalement, mais en faisant attention à ne pas choisir de couleurs. Comme nous ne travaillons qu'en niveaux de gris, après avoir posé les premières tonalités, vous pouvez simplement utiliser le sélecteur de couleurs pour éviter d'utiliser votre fenêtre de couleurs à chaque fois

 

B - Créez un nouveau calque au-dessus de celui sur lequel vous allez dessiner, réglez-le en mode couleur et remplissez-le de noir ou de blanc. En faisant cela, vous pouvez être sûr qu'il n'y aura pas de couleurs dans votre dessin, et ce sera juste en niveaux de gris.

Personnellement, j'utilise cette méthode pour vérifier les valeurs de mes dessins, même s'ils ont de la couleur. Souvent, je constate que lorsque je transforme mes dessins en niveaux de gris, il y a des valeurs qui ne sont pas bien lues, donc je désactive le filtre en niveaux de gris et fixe les couleurs, puis je le vérifie à nouveau en niveaux de gris, en répétant plusieurs fois jusqu'à ce que Je suis content du résultat.

 

C- Lorsque vous créez un nouveau fichier de dessin, sélectionnez l'option «niveaux de gris». Cela vous obligera à travailler avec seulement des niveaux de gris. Je n'utilise presque jamais cette option, car je veux toujours pouvoir mettre de la couleur dans le dessin par la suite, mais si vous ne faites que vous entraîner, cela peut être un moyen efficace de vous assurer que vous ne vous laissez pas distraire par les couleurs même si vous le souhaitez. à.

4- CHOISIR VOS VALEURS

Lorsque vous travaillez en niveaux de gris, le premier et le plus important choix que vous devez faire est de décider de la plage de valeurs que vous utiliserez. Oui, vous pouvez simplement utiliser toutes les valeurs sur l'échelle de gris, du blanc au noir, mais je vous suggère de le faire jusqu'à ce que vous ayez pratiqué ce type de dessin plus, également, le dessin avec du noir pur peut parfois causer des problèmes pour dessins.

Alors, quelles valeurs choisir? Eh bien, cela dépendra de plusieurs choses, comme le style dans lequel vous dessinez et le sentiment que vous souhaitez donner au dessin. Par exemple:

 

Un style réaliste ou semi-réaliste, utilisera souvent presque toutes les valeurs, mais en excluant certaines des plus claires et certaines des plus sombres, par conséquent, vous ne pouvez presque pas dire qu'il n'y a vraiment pas de noir ou de blanc pur dans le dessin. C'est la gamme de valeurs que j'utilise habituellement, même si mon style est un peu plus similaire à l'anime. C'est aussi la gamme de valeurs que je recommanderais d'utiliser pour les débutants, car je pense que c'est la plus facile à comprendre.

 

Si vous inclinez votre plage de valeurs vers le côté plus léger, cela donnera à votre dessin une sensation plus pastel ou éthérée, quelque chose de rêveur. Certaines émissions d'anime utilisent un filtre similaire lorsqu'elles affichent des flashbacks, car elles peuvent également ressembler à un souvenir du passé.

Si vous l'inclinez vers le côté le plus sombre, cela peut lui donner une sensation plus effrayante ou sinistre. Les scènes plus sombres ont tendance à être plus effrayantes, vous pouvez donc l'utiliser pour dessiner un manga terroriste ou quelque chose de similaire.

Si vous avez du mal à maintenir vos valeurs dans une certaine plage, vous pouvez toujours résoudre ce problème en jouant avec la couche de correction "Correction de niveau"

 

Il existe également des plages de valeurs qui sont limitées à un nombre très spécifique de valeurs, et certaines n'utilisent que du noir et du blanc. Je vais essayer de les couvrir du mieux que je peux, mais pour comprendre ce genre de plages de valeurs, nous devons commencer par une plage normale, donc je vais d'abord expliquer comment la lumière et les valeurs fonctionnent dans une plage de valeurs plus naturelle, et à partir de là, nous verra les autres.

 

5- PLAGE DE VALEUR NORMALE

Une plage de valeurs normales correspond à ce que vous verriez si vous mettiez un filtre noir et blanc sur les photos, ou imaginez-le comme si vous ne pouviez tout à coup voir aucune couleur, juste du noir et du blanc. En tant que tel, avec cela, les choses réagiront à la lumière de manière naturelle, de la même manière qu'elles réagiraient dans la vraie vie. Supposons que vous souhaitiez dessiner une sphère ou un cube, mais vous ne savez pas quelle valeur vous devez les peindre. Eh bien, pour en décider, il y a plusieurs éléments que vous devez considérer, alors vérifions-les d'abord

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Je vais dessiner un cube, le sol et un mur. À ce stade, il n'y a aucune valeur ici

 

Maintenant, je vais donner au cube une valeur locale et placer ma source de lumière. La valeur locale d'un objet est la valeur naturelle de l'objet, non affectée par les lumières.

Astuce: La source de lumière aura généralement une valeur très lumineuse, mais toujours pas un blanc pur

 

Maintenant, nous devons faire en sorte que la lumière affecte le cube, et nous le faisons en l'éclairant. La façon dont vous choisissez les endroits à éclairer et la quantité d'éclaircissement est en regardant les plans de votre objet.

Chaque objet 3D a des plans, parfois ils peuvent ne pas être très évidents, mais dans un cube, ils sont assez faciles à repérer

Les visages sont difficiles à dessiner car ils ont beaucoup d'avions et les transitions entre eux sont très douces, c'est pourquoi je vous recommande de pratiquer ces principes avec des formes simples en premier.

Maintenant que vous avez les avions, regardez dans quelle direction ils sont orientés. Lorsque la lumière frappe un avion, elle éclaircira cet avion en fonction de la quantité de lumière que cet avion rebondit sur vos yeux, et cela dépend de l'angle de l'avion, comme la façon dont votre téléphone réfléchit parfois le soleil vers vos yeux quand il est à une certaine angle.

En tenant compte de cela, éclairons les plans correspondants du cube.

Le même principe est utilisé pour décider où placer les ombres, juste en sens inverse. Ainsi, les avions qui font face à l'opposé de la source de lumière seront dans l'ombre.

Nous avons maintenant besoin de l'ombre créée à partir de l'objet, et c'est ce qu'on appelle une «ombre projetée». Dessiner une ombre projetée est délicat, vous pouvez utiliser de nombreuses mesures pour les rendre plus précises, mais ce ne sera toujours pas parfait. Le meilleur conseil que je puisse vous donner concernant les ombres projetées est d'imaginer la lumière comme un groupe de faisceaux, puis d'essayer de tracer où les faisceaux qui touchent les bords de votre objet tomberaient.

Je sais que c'est un concept assez abstrait pour envelopper votre tête, mais quand j'ai commencé à penser de cette façon, cela a rendu plus facile et plus rapide que de prendre des mesures, alors essayez-le. Maintenant, si je suis honnête avec vous, les gens ne se soucient pas vraiment des ombres portées.

La seule façon dont les gens remarqueront si vos ombres projetées sont erronées, c'est si vous les dessinez dans la mauvaise direction ou avec la mauvaise taille. Et même alors, vos erreurs devraient être très évidentes pour que les gens remarquent

Essayez juste de vous rappeler, à quand remonte la dernière fois que vous avez vu une erreur dans l'ombre portée du dessin d'un artiste que vous aimez? Il y a de fortes chances qu'il y ait plusieurs erreurs, mais vous ne leur faites jamais attention, car la plupart du temps, ce n'est pas une partie importante du dessin. En fait, beaucoup d'artistes que j'aime font quelque chose que vous n'imaginez pas: ils trichent! Tu veux savoir comment? C'est assez simple, dessiner une ombre précise est difficile, donc ils ne le font pas, ils utilisent l'objet qu'ils ont déjà dessiné comme ombre. Laisse-moi expliquer.

 

Imaginons que vous ayez un personnage et que vous souhaitiez dessiner l’ombre portée. Ce que vous faites, dans un nouveau calque au-dessus du personnage, dessinez la silhouette du personnage et remplissez-la de noir. Cela ne doit pas être parfait.

 

Maintenant, à l'aide de l'outil de transformation, ajustez-le pour qu'il corresponde à la perspective du sol et à la direction de la lumière, et enfin, déplacez-le vers le calque sous votre dessin.

Ce n'est en fait pas une triche, c'est juste un raccourci que beaucoup d'artistes utilisent. Ils l'utilisent car cela permet d'économiser du temps et des efforts avec quelque chose que les gens ne regarderont pas réellement. Vous devez utiliser les outils dont vous disposez pour travailler plus rapidement, et lorsque vous travaillez en mode numérique, c'est l'un d'entre eux.

 

Maintenant, pour revenir à l'exemple avec le cube, nous avons déjà la valeur locale, la lumière, les ombres et l'ombre projetée, mais alors, pourquoi cela ne semble-t-il pas naturel? Y a-t-il quelque chose qui manque? Oui, deux ou trois choses.

 

Le premier est la lumière réfléchie. Tu te souviens de ce que je t'ai dit à propos de la lumière qui rebondissait sur les avions? Eh bien, la lumière peut rebondir plusieurs fois, cependant, chaque fois qu'elle rebondit, elle perd de sa force, il vous suffit donc de penser au premier rebond.

Si nous appliquons cela au cube, les principales choses dont la lumière rebondira seront le sol et le mur, donc il y aura un peu de lumière réfléchie ou réfléchie dans les zones du cube qui font face à cette lumière.

Maintenant, la dernière chose dont nous avons besoin, c'est l'occlusion ambiante.

 

Pour faire simple, l'occlusion ambiante est un type d'ombre qui se produit dans les endroits où la lumière ne peut pas atteindre facilement. Cela signifie que cela se produit souvent dans des endroits où un objet est en contact avec un autre. Cependant, l'occlusion ambiante est très, très subtile, alors essayez de ne pas en faire trop ou cela aura l'air bizarre.

Si nous ajoutons une occlusion ambiante au cube, nous pouvons imaginer que cela se produise un peu là où le cube touche le sol et où le mur touche le sol.

 

Une chose importante à retenir lorsque vous essayez de donner un aspect réaliste à quelque chose, c'est que dans la vie réelle, les choses n'ont pas de contour ou de linéarité, donc lorsque vous travaillez en niveaux de gris, n'oubliez pas de les effacer. J'ai gardé les contours du cube à des fins d'explication, mais si je voulais rendre le cube un peu plus réaliste, je ferais plusieurs choses, comme effacer le lineart et rendre certaines des ombres un peu plus floues.

Lorsque vous travaillez en monochrome ou en niveaux de gris, ce sont les principaux éléments: lumière, ombre, ombre portée, lumière réfléchie et occlusion ambiante.

 

Essayons maintenant d'appliquer ces principes à un dessin.

Tout d'abord, regardez ce dessin, il applique tous les éléments que j'ai mentionnés plus tôt, mais il y a une erreur du maire.

 

L'erreur est que tout a la même valeur locale. Cela signifie que si cette image avait des couleurs, tout serait de la même couleur, et nous savons que ce n'est pas le cas. Différentes couleurs ont des valeurs locales différentes, par exemple, si vous changez le jaune en niveaux de gris, la valeur sera beaucoup plus claire que si vous le faites avec du rouge ou du bleu. D'une manière simple, les couleurs plus sombres seront plus sombres en niveaux de gris.

Maintenant, si nous appliquons cela au dessin, nous obtenons ceci.

De plus, vous l'avez peut-être déjà remarqué, mais ces règles ne sont pas les mêmes pour tous les objets, cela dépend aussi du matériau de l'objet. Un matériau plus réfléchissant fera rebondir plus de lumière, donc sa valeur deviendra plus brillante. Cela signifie que plus un matériau est réfléchissant, plus il aura de contraste.

Si nous considérons les matériaux du personnage, comme les vêtements et le métal, le dessin devrait ressembler un peu plus à cela.

Conseil: Quelle que soit la réflexion d'un objet ou la puissance de votre source de lumière, la lumière réfléchie sur l'objet ne sera pas aussi brillante que votre source de lumière, gardez cela à l'esprit et essayez d'éviter de rendre les reflets trop brillants.

 

Maintenant, j'ajouterai plus de détails au dessin pour le rendre un peu plus fini, alors voici quelques conseils supplémentaires.

A- Utilisez des brosses avec plus de texture pour les objets qui ont plus de texture, par exemple, une brosse rugueuse est idéale pour les vêtements, tandis qu'une brosse douce ou une brosse dure fonctionne bien avec le métal.

B- Essayez de rendre la sclérotique des yeux JUSTE UN PEU plus lumineuse que la peau.

C- Les ombres projetées ont tendance à être plus floues plus elles sont éloignées de l'objet, quant à leur flou, cela dépend de l'intensité de la lumière, car une lumière très intense créera des ombres plus nettes, mais une lumière douce créera plus ceux flous.

D- Essayez de ne pas trop vous écarter des valeurs que vous avez déjà établies.

 

Maintenant, nous pouvons voir la différence entre un dessin qui n'a que des ombres plates et un dessin qui a tous les éléments que j'ai mentionnés plus tôt

Maintenant que nous avons couvert le fonctionnement des valeurs, je vais essayer d'appliquer tous les principes à un de mes anciens dessins. Vous pouvez aussi l'essayer, je trouve vraiment utile de revenir un jour sur un ancien dessin et d'essayer de voir ce que je corrigerais et pourquoi, car cela vous aide à mieux comprendre les nouvelles choses que vous avez apprises depuis lors.

 

La peinture que je vais fixer n'a que 2 couches pour commencer, une avec le dessin et une ci-dessous qui contient un masque du personnage, que j'utilise pour faire des sélections plus rapidement, mais c'est tout, vous n'avez besoin de rien d'autre pour essayez cette méthode.

 

Ensuite, je la transforme en niveaux de gris, mais n'aplatis pas l'image, car je veux toujours garder les couleurs en dessous. Il vous suffit donc d'utiliser le calque de couleur et de le remplir de noir ou de blanc pour transformer le dessin en niveaux de gris.

Je fais les ajustements en utilisant 2 types de calques de correction:

 

A- Luminosité / contraste

B- Teinte / Saturation / Luminosité

 

J'utilise les calques de correction directement sur la peinture et ajuste les endroits que je veux qu'ils affectent avec des masques. Cependant, lorsque vous changez la couleur de quelque chose avec un calque "Luminosité / Contraste", les couleurs perdent souvent la saturation, ou changent légèrement de teinte, et c'est pour cela que j'utilise le calque de saturation, pour y remédier. Je fais les ajustements en regardant les niveaux de gris, mais je le désactive constamment pour voir à quoi ressemblent les couleurs sous le filtre en niveaux de gris.

 

Dans cet exemple, je commence à ajuster les valeurs des éléments en arrière-plan.Il pourrait sembler que je viens de tout rendre plus lumineux, mais tous les éléments ont différents niveaux de réglage, car je veux que les valeurs soient d'une certaine manière.

 

Ensuite, je fais de même pour le personnage, rendant certaines zones plus sombres et d'autres plus claires en fonction de mon point focal. C'est là que le masque de caractère est utile, car il me permet de sélectionner uniquement le caractère très rapidement. À ce stade, j'ai également tendance à revenir à l'arrière-plan et à faire de petits ajustements.

Comme vous pouvez le voir, la nouvelle peinture se lit beaucoup mieux, car la silhouette du personnage est plus claire et il y a beaucoup plus de contraste sur la tête, qui est le point focal.

 

 

Un autre outil que j'utilise souvent pour vérifier le bon fonctionnement de mes valeurs est la couche de correction «postérisation».

J'ai tendance à l'utiliser pour transformer la peinture en une peinture à 3 valeurs, et si elle semble claire, cela signifie qu'elle va dans la bonne direction

Vous pouvez voir la comparaison de l'ancien dessin et du nouveau dessin lors de l'utilisation de la postérisation.

10- CONCLUSION

La méthode que je viens de vous montrer n'est pas celle que j'utilise normalement. Habituellement, j’intégrais la correction des valeurs en même temps que je dessinais. Lorsque je dessine quelque chose de nouveau, je vérifie constamment les valeurs pour voir si le dessin est clair à petite échelle. Cette fois, j'ai dû utiliser des calques de correction parce que je travaillais avec un vieux dessin, ce qui a allongé le processus, mais les principes restent les mêmes.

 

Voici quelques points clés à retenir:

1- Vérifiez toujours les valeurs de votre dessin

2- Décidez tôt de votre plage de valeurs

3- Utilisez la couche de postérisation pour vérifier si votre dessin est clair

4- Commencez avec une petite quantité de valeurs et ajoutez-en plus lorsque vous pensez que c'est clair.

5- Créez plusieurs miniatures avec des valeurs pour explorer plus d'idées avant de commencer

6- Assurez-vous que votre dessin est clair même dans une petite taille

7- Décidez rapidement de votre point focal

8- Faites de votre point focal l'endroit le plus contrasté du dessin

 

Beaucoup de ces techniques, comme la vérification des valeurs et l'utilisation du contraste et des points focaux, sont très utilisées par les illustrateurs.

 

C'est parce qu'ils doivent généralement planifier l'illustration pour la rendre vraiment belle, donc c'est une bonne idée pour eux de faire beaucoup de vignettes.

Faire des miniatures et commencer avec une petite quantité de valeurs est également utile car cela leur permet de montrer à leurs clients un aperçu de l'illustration très rapidement, et leur permet également de faire de gros ajustements sans perdre beaucoup de temps.

Et une utilisation intelligente du contraste et des points focaux est une chose très importante à avoir dans une illustration, cependant, cela peut ne pas s'appliquer autant dans d'autres domaines comme l'art conceptuel ou le manga, mais c'est toujours bon à savoir. Les principes d'utilisation des valeurs s'appliquent à tous les styles de dessin ou de peinture.

 

Essayez-le, vous avez sûrement de vieux dessins que vous pensez pouvoir améliorer de nos jours, alors choisissez-en un et essayez d'appliquer ces principes.

 

11- MERCI

Je suis encore un peu nouveau pour donner des tutoriels, donc j'espère avoir pu l'expliquer assez bien. De plus, l'anglais n'est pas ma langue maternelle, donc s'il y a des erreurs grammaticales, n'hésitez pas à me le dire dans les commentaires.

 

Merci d'avoir lu jusqu'à la fin, j'espère vraiment que ce tutoriel vous sera utile, si c'est le cas, n'hésitez pas à lui donner un cœur et à laisser un commentaire. En outre, vous pouvez consulter mes trucs sur mon instagram @ricardokonart et mon twitter @RicardoKonart

À plus tard