1. INTRODUCTION

Salut tout le monde, c'est Konart.

Aujourd'hui, je vais vous montrer comment ombrer vos dessins pour leur donner un look "film d'anime" ou "spectacle d'anime". Quand on parle d'ombrage de dessins dans un style anime, bien sûr, il y a beaucoup de façons et beaucoup de styles pour le faire, cependant, ceux-ci sont souvent plus orientés vers des illustrations qui se trouvent avoir un style anime.

 

Ici cependant, nous allons voir comment faire ressembler vos dessins à des captures d'écran d'un film d'animation ou d'un film d'anime et essayer de les rendre authentiques.

 

Commençons

 

2- BROSSES

Dans ce tutoriel, j'utiliserai des pinceaux, mais ceux que j'utilise pour presque tout ont tendance à n'être que 3 ou 4 d'entre eux, et ici en particulier, je vais changer entre eux en fonction de l'élément du dessin. Par exemple, pour ombrer les personnages d'un anime, vous n'utilisez généralement que des pinceaux durs sans texture, tandis que pour les arrière-plans, vous pouvez utiliser une gamme plus large.

3- LE CROQUIS

Si vous voulez lui donner un aspect authentique, je vous recommande de commencer par dessiner le personnage avec un arrière-plan. Dans les émissions d'animation ou les films, les personnages ne se tiennent presque jamais là sans rien en arrière-plan, ils sont généralement dans une pièce, dans la rue ou à l'école, et comme nous le verrons bientôt, la façon dont vous ombragez l'arrière-plan est l'un des principaux éléments à considérer si vous optez pour ce look.

 

Si vous avez du mal à dessiner des arrière-plans, vous pouvez utiliser des modèles 3D ou des photos comme référence pour faciliter les choses. Si vous travaillez à partir de photos, cela peut également vous aider un peu à comprendre l'éclairage de la scène que vous dessinerez.

 

Vous pouvez commencer votre croquis avec l'arrière-plan ou avec le personnage, il vous suffit de garder à l'esprit la perspective. Parfois, je commence par le personnage, et parfois par l'arrière-plan, peut-être même en essayant de dessiner les deux en même temps pour voir comment la composition fonctionnerait, vous pouvez vraiment commencer n'importe où, tant que les pièces s'emboîtent.

 

Pour ce dessin, je vais commencer par l'esquisse de l'arrière-plan.

 

Et puis je vais esquisser le personnage dans un calque séparé. Pour vous assurer que le personnage s'intègre bien à l'arrière-plan, je baisse l'opacité du calque d'arrière-plan pour pouvoir le voir pendant que je dessine le personnage.

Ensuite, dans un calque sous l'esquisse du personnage, j'utilise une couleur plate pour séparer le personnage de l'arrière-plan.

Pour ce faire, vous devez définir votre calque de caractère comme référence, puis, dans un calque ci-dessous, utilisez l'outil de sélection automatique et cliquez en dehors du caractère.

Ensuite, inversez la sélection et réduisez la zone sélectionnée de 2 ou 3 pixels, cela dépend de la taille de votre dessin, si vos lignes sont très épaisses, vous devrez réduire davantage la sélection. Après cela, vous pouvez remplir la sélection avec n'importe quelle couleur

Et avec cela, nous avons terminé notre croquis.

4- LINEART

Maintenant, si vous voulez que votre dessin ressemble à quelque chose d'une série ou d'un film d'anime, vous devez suivre les mêmes étapes que celles utilisées pour créer un anime, et cela signifie, pour commencer, avoir une linéarité propre. Lorsque vous travaillez dans un style plus pictural, vous n'aurez peut-être pas besoin d'un lineart propre, ni même d'un croquis, mais ce n'est pas le cas ici. L'animation des personnages prend beaucoup de temps, donc les studios d'anime n'utilisent que des lignes épurées et des couleurs plates. Bien sûr, vous n'animerez probablement pas votre dessin, mais si vous voulez qu'il ressemble à la réalité, vous devrez dessiner comme s'il allait être animé.

 

Remarque: Quand je dis «Caractère lineart», je ne parle pas seulement du personnage lui-même, mais aussi des choses qu'il saisit ou déplace. Vous pouvez le voir par vous-même, regarder n'importe quel spectacle ou film d'anime, et vous remarquerez que les objets de la scène qui peuvent être déplacés par les personnages ont les mêmes couleurs linéaires et plates que les personnages. Par exemple, lorsqu'un personnage fait du vélo, le vélo a le même style que le personnage, même si le personnage est assis sur un lit.

 

Pour créer une linéarité nette, je commence par réduire l'opacité de l'esquisse, de la même manière que pour l'arrière-plan, puis je commence à dessiner dans un calque au-dessus.

 

Pour le rendre propre, j'ai 2 conseils principaux:

 

A- Utilisez un seul pinceau pour tous les petits personnages du personnage

 

B- Évitez d'utiliser le plus possible le poids des lignes, cela signifie, essayez d'avoir toutes vos lignes de la même taille. Vous pouvez l'ajuster en allant dans les paramètres de votre pinceau, puis pour façonner la dynamique.

 

Maintenant, je vais dessiner le lineart propre et ajouter une couleur plate en dessous comme auparavant.

Pour l'instant, nous allons passer à l'arrière-plan et laisser le personnage un peu. Comme je l'ai déjà dit, vous pouvez aller dans n'importe quel ordre, en coloriant d'abord le personnage ou en le laissant à la fin. Une fois que l'esquisse de l'arrière-plan est prête et que le personnage a une linéarité propre, j'aime généralement passer à la coloration de l'arrière-plan, car cela me donnera une meilleure idée de l'éclairage et des couleurs que le personnage aura.

 

Mais avant cela, je vais baisser l'opacité du personnage et le laisser là. Je pourrais simplement désactiver les calques avec le personnage, mais en baissant simplement l'opacité, je peux voir quelles parties de l'arrière-plan seront bloquées par le personnage, donc je n'aurai pas besoin de les colorer.

 

Si vous prévoyez d'utiliser votre dessin pour un petit GIF d'animation ou quelque chose de similaire, je vous recommande de désactiver le personnage et de dessiner l'arrière-plan complètement, car au fur et à mesure que le personnage se déplace, plus de parties de l'arrière-plan seront visibles.

5- COLORER LE CONTEXTE

Pour l'étape de coloration de l'arrière-plan, je ne nettoie pas le croquis.

 

Cela peut être différent dans certains anime, mais généralement, les arrière-plans n'ont pas de linéarité, ils ont tendance à être un peu plus réalistes, donc ils n'en ont pas besoin. Donc, au lieu de nettoyer l'esquisse, je baisse son opacité et commence à ajouter des couleurs plates dans un calque derrière.

 

Essayez de faire en sorte que chaque objet de l'arrière-plan ait son propre calque. Par exemple, dans une pièce, j'utiliserais une couche pour le sol, une autre pour le lit, une autre pour la chaise, etc., cela facilitera les choses lorsque nous commencerons le rendu et l'ajout de détails à chaque objet.

Assurez-vous que la forme de chaque objet soit nette, utilisez donc un pinceau dur sans texture pour dessiner la forme ou utilisez l'outil de sélection.

Une fois que vous avez chaque objet dans son propre calque, vous pouvez commencer à ajouter des ombres à chaque objet.

 

Ensuite, nous ajoutons les lumières

Après cela, vous pouvez effacer l'esquisse.

 

Nous pouvons maintenant commencer à ajouter des détails. Habituellement, dans les dessins animés, les arrière-plans contiennent beaucoup plus de détails que les personnages, certains d'entre eux ressemblent presque à des photos. Pour cette raison, lors de la coloration de l'arrière-plan et de l'ajout de détails, nous pouvons utiliser davantage de pinceaux et de textures différentes pour améliorer l'apparence. Le style de fond peut varier considérablement entre différents anime, parfois il est très sommaire, parfois ils ressemblent à des peintures à l'huile, mais cette fois, je vais chercher un certain look plus propre, avec peu de textures.

 

Je recommande de commencer par les détails des objets qui sont plus proches de la caméra ou du point focal, car ils sont plus importants, puis vous pouvez commencer avec des éléments plus éloignés. Séparez votre arrière-plan en différents calques, puis décidez quels objets vous allez rendre plus

 

Ensuite, je commence à ajouter de plus en plus de détails et un peu de texture.

Habituellement, les objets qui sont plus proches de l'appareil photo ont beaucoup plus de détails que les objets plus en arrière, et c'est parce qu'ils n'ont pas besoin d'avoir autant de détails, lorsque tout dans un dessin a le même niveau de détail, rien ne se tient , il vous suffit donc d'ajouter plus de détails aux pièces qui comptent le plus. De plus, comme certains spectacles aiment ajouter un effet de flou aux arrière-plans, ajouter plus de détails ne serait qu'une perte de temps.

6- COLORER LE PERSONNAGE

Maintenant, nous allons colorer le personnage.

 

Tout d'abord, dans un autre calque, je vais dessiner les lignes qui indiquent où vont les ombres. La couleur de ces lignes n'a pas d'importance, cependant, c'est une bonne idée d'utiliser des couleurs très vibrantes et saturées pour les rendre différentes du lineart. De plus, pour éviter toute confusion, vous pouvez utiliser différentes couleurs selon les parties des personnages, par exemple, le rouge pour les ombres sur la peau, le bleu pour les ombres sur la chemise et ainsi de suite, la couleur elle-même n'a pas d'importance, il faut juste que ce soit différent.

 

Habituellement, pour accélérer la production, les personnages n'ont que 2 valeurs par couleur, c'est-à-dire une couleur pour le côté clair et une couleur pour le côté ombre. Vous pouvez ajouter plus de 2, mais gardez à l'esprit que plus vous en ajoutez, plus il faudra de temps pour colorer le personnage, et si vous ajoutez trop de couches d'ombre, vous courez le risque que le personnage ne ressemble pas à quelque chose d'un spectacle d'animation ou film. Les yeux des personnages ont cependant tendance à avoir plus de détails et de couleurs selon la proximité de l'appareil photo.

Bien sûr, vous n'avez pas besoin d'utiliser cette méthode pour colorer votre personnage, puisque vous pouvez obtenir le même résultat avec différentes méthodes, j'aime personnellement le faire de cette façon pour 2 raisons principales:

 

R- J'ai l'impression que c'est plus rapide, car à partir de ce moment, je n'utiliserai principalement l'outil de remplissage que pour ajouter de la couleur.

 

B- Si vous voyez des vidéos sur la façon dont l'anime est créé, vous verrez probablement des scènes avec des dessins qui ressemblent à ceci, car ils ne sont pas encore terminés. Donc, même à ce stade, vous pouvez déjà donner l'impression que cela fait partie d'une animation inachevée.

 

Maintenant que j'ai le lineart propre et les indications pour savoir où placer les ombres, je vais commencer à le colorier à l'aide de l'outil de remplissage. Pour ce faire, nous devons d'abord définir à la fois la couche lineart et la couche de lignes d'ombre comme couches de référence. Utilisez les touches MAJ ou CTRL pour sélectionner les deux calques, puis cliquez sur l'icône pour les définir comme calques de référence.

Maintenant, nous devons configurer correctement l'outil de remplissage.

A- Tout d’abord, j’aime régler le paramètre «écart étroit» au maximum

B- Je garde la marge de couleur autour de 10

C- Je règle généralement l'échelle de la zone sur 1 ou 2

D- Ensuite, faites en sorte qu'il fasse référence aux couches de référence

 

Avec l'outil de remplissage correctement configuré, je commence à colorier un calque sous le lineart. Je commence par peindre les couleurs principales de chaque objet. Comme je l'ai déjà dit, chaque objet a 2 couleurs, une pour le côté lumière et une pour le côté ombre, selon le côté qui est le principal, c'est celui que je vais colorier en premier. Dans une scène se déroulant de jour, vous avez généralement un côté clair beaucoup plus grand que le côté ombre, tandis que dans les scènes de nuit, c'est l'inverse.

Pour ce faire, je désactive le calque avec la silhouette du personnage que j'ai fait auparavant. Ensuite, dans un nouveau calque au-dessus de celui-ci et en dessous du lineart, je remplis la couleur principale pour chaque objet du personnage avant de passer à l'étape suivante

À ce stade, nous pouvons désactiver le calque avec les lignes que nous avons utilisées comme guides pour les ombres, car nous ne l'utilisons plus techniquement.

Et puis il vous suffit de remplir les taches restantes avec les couleurs correspondantes

Pour éviter d'avoir des taches blanches, j'ai tendance à réactiver le calque silhouette et à le remplir de la même couleur que le lineart en verrouillant les pixels transparents. Vous pouvez simplement résoudre ces problèmes en les colorant mieux et plus soigneusement, mais j'ai l'impression que cela prend trop de temps, c'est pourquoi j'utilise simplement le calque silhouette pour corriger mes erreurs. Gardez juste à l'esprit que c'est quelque chose que j'utilise pour gagner du temps, et non quelque chose que vous feriez si vous l'animiez.

Il est possible que, même avec le calque silhouette noire, vous ayez encore besoin de faire quelques corrections manuellement, alors soyez prudent. Une astuce pour éviter cela est de définir le pinceau que vous utilisez pour le lineart avec l'anti-aliasing au minimum, ce qui rend les lignes un peu plus propres et ce sera plus facile lorsque vous essayez de colorer le dessin.

7- POSTPRODUCTION

Nous avons presque terminé, il ne nous reste plus qu'à ajouter les ajustements de postproduction. Ce sont des ajustements qui, généralement, en animation, seraient effectués avec un logiciel de montage vidéo, cependant, Clip Studio Paint dispose d'outils qui peuvent vous aider à obtenir un résultat similaire lorsque vous travaillez sur des images uniques.

Tout d'abord, pour être sûr, enregistrez chaque calque de votre dessin dans un seul dossier, puis copiez ce dossier. Nous allons travailler sur la copie pour qu'en cas d'erreur, nous puissions recommencer sans perdre l'original.

Maintenant, dans l'animation, le personnage serait séparé de l'arrière-plan, donc je commence par fusionner tous les calques de caractères en un seul. Sélectionnez simplement les couches lineart et color (si les couleurs utilisent plusieurs couches, sélectionnez chacune de ces couches) et fusionnez-les en une seule.

 

Faites de même pour l'arrière-plan. Si l'arrière-plan est séparé en plusieurs objets, certains plus proches que d'autres, fusionnez ceux qui sont à la même distance de la caméra dans le même calque.

Lorsque les calques sont correctement configurés, il est temps d'ajuster les couleurs avec des calques de correction. J'aime commencer par utiliser la «courbe de tonalité» du calque de correction pour régler chaque calque. Je commence par en utiliser un en arrière-plan. Si votre arrière-plan comporte plusieurs calques, il vous suffit de copier le calque de correction et de le clipser sur chaque calque.

Et puis un pour le personnage. N'oubliez pas de couper d'abord le calque de correction sur le calque de caractères afin qu'il n'affecte que ce calque, sinon cela affectera également les calques d'arrière-plan. fusionnez le calque de correction avec le calque de caractères. De même pour les calques d'arrière-plan, chaque calque de correction découpé sur un autre calque devra être fusionné avec ledit calque.

J'ajoute maintenant un peu d'ombre dans un nouveau calque. Créez un nouveau calque, définissez le mode de multiplication, puis, avec l'outil dégradé ou avec un pinceau très doux, créez un léger dégradé pour le côté le plus sombre du dessin. Si l'ombre est trop forte, ajustez-la en réduisant l'opacité.

Ensuite, je fais la même chose pour ajouter des reflets, mais au lieu d'utiliser la couleur noire, j'utilise le blanc, et au lieu de régler le mode pour se multiplier, il est réglé sur "écran", "éclaircir" ou "esquiver la couleur", essayez plusieurs modes de fusion pour voyez lequel vous convient le mieux.

Il est maintenant temps d'ajouter un peu de flou. Pour brouiller les choses, j'aime utiliser le flou gaussien. Certains anime aiment ajouter du flou aux scènes pour mieux transmettre la profondeur. Ainsi, les choses qui sont plus éloignées du point focal ont tendance à être plus floues. Vous pouvez simplement enterrer l'arrière-plan avec la même intensité, mais je suggérerais de brouiller les éléments en fonction de leur profondeur dans la scène.

Le personnage aura également besoin d'un peu de flou, mais cette fois, la méthode sera un peu différente.

 

A- Fusionnez toutes vos couches en une seule

B- Faire une copie

C- Appliquer un léger effet de flou (avec un flou gaussien) à la copie

D- Avec une brosse douce, effacez les parties de la copie que vous ne voulez pas flouter.

De cette façon, les parties nettes de l'original seront visibles, tandis que les parties floues de la copie couvriront le reste.

 

Lorsque cela est fait, fusionnez à nouveau tous les calques en un seul (n'oubliez pas de conserver le dossier d'origine au cas où vous n'aimeriez pas certains résultats et que vous souhaitiez recommencer)

Après cela, pour rendre le dessin un peu plus doux, j'utilise l'effet «flou (fort)».

 

Ensuite, j'aime utiliser un autre calque de correction appelé balance des couleurs pour ajuster un peu plus les couleurs avant de passer aux étapes finales

À ce stade, j'ajoute parfois un autre calque en mode écran pour ajouter un peu plus de reflets là où ils sont nécessaires.

Et maintenant, il est temps pour une petite astuce appelée aberration chromatique. Vous en avez peut-être entendu parler, car il a en quelque sorte une mauvaise réputation, cependant, lorsque vous l'utilisez bien et soigneusement, il peut ajouter un peu plus de ce sentiment de «film» ou de «rétro». Vous pouvez voir cet effet parfois dans les grands films d'anime, car ce n'est pas quelque chose de souvent utilisé dans les émissions d'anime.

 

Pour ce faire, vous devez suivre certaines étapes, pour commencer:

 

A- Faites 3 copies de votre dessin

 

B- Celui du bas sera "l'original", celui du dessus sera la "copie", celui du dessus qui sera "rouge" et celui du haut sera "bleu". Vous pouvez renommer les calques ou simplement changer la couleur de leur palette pour éviter de vous embrouiller.

 

C- Réglez le calque «bleu» en mode «différence», puis, dans la fenêtre «Édition», passez à la correction tonale puis à la correction de niveau, vous appliquerez une correction de niveau au calque «bleu».

 

D- dans la fenêtre de correction de niveau, sélectionnez le canal rouge et effacez-le en faisant glisser la barre en bas.

E- Maintenant, vous ferez de même pour le calque «rouge», cependant, vous devez garder le mode de calque «normal» et au lieu d'effacer le canal rouge, vous effacerez les canaux vert et bleu. Si vous l'avez fait correctement, votre dessin devrait ressembler à ce qu'il était au début.

Maintenant, dans le calque «bleu», utilisez l'outil de transformation pour agrandir le calque en saisissant un coin du dessin et en maintenant «shift». Faites de même pour le calque «rouge» mais en utilisant le coin opposé. Soyez prudent, il vous suffit de les agrandir légèrement, plus vous créez de couches, plus l'aberration chromatique sera forte, et c'est un effet qui paraît mieux s'il est subtil.

Si vous l'avez fait correctement, votre dessin devrait ressembler à ceci

Vous pouvez maintenant fusionner les 3 couches en 1, de sorte qu'il ne reste plus que 2 couches, l'original et celui avec aberration chromatique. Donc, tout ce que vous devez faire maintenant est d'effacer les endroits où vous ne voulez pas cet effet de la couche d'aberration chromatique, comme le visage, qui est le point focal dans ce cas. C'est la même chose qu'avec l'effet de flou, vous effacez des parties du calque modifié pour laisser transparaître le calque original en dessous.

Et enfin, pour le dernier filtre, j'aime parfois utiliser le «bruit».

Tout d'abord, comme précédemment, fusionnez vos calques en un seul, de sorte que tout ce que vous avez est votre dessin avec aberration chromatique, puis faites une copie.

 

Maintenant, dans la copie, allez dans Filtre - Rendu - Bruit Perlin.

Gardez l'échelle très basse.

 

Ensuite, changez le mode de fusion pour superposer ou multiplier et ajustez l'intensité en diminuant l'opacité.

Et c'est tout, voici le dessin final

Comme vous pouvez le voir, lorsque vous le comparez à avant la post-production, les ajustements et les filtres peuvent faire une grande différence, et ce sont ces détails qui rendent le dessin un peu plus authentique.

8- CONCLUSION

Si je devais l'expliquer avec le moins de mots possible, ce serait comme ceci: "si vous voulez que votre dessin ressemble à quelque chose d'un film d'animation ou d'un film, dessinez comme ils le font et suivez le même processus"

 

Évidemment, il y a des différences car il s'agit d'un seul dessin et ce sont des animations, mais mon point est que vous devez imiter le processus si vous voulez qu'il ressemble. Séparer les personnages de l'arrière-plan, nettoyer le lineart, utiliser des lignes pour diviser les ombres, sont toutes des techniques couramment utilisées en animation. L'étape de postproduction serait quelque chose de similaire au compositing réalisé en animation. Vous faites essentiellement le travail de différentes équipes dans la production d'animation par vous-même, mais pour un seul dessin, du storyboard (le croquis) au compositing (postproduction).

 

Dans l'ensemble, je pense que cela vous donne une idée de tout le travail acharné qui est nécessaire pour créer une animation, et cela peut vous aider à comprendre certaines des techniques utilisées pour lui donner un aspect distinctif, et lorsque vous comprenez les techniques, vous pouvez commencer à les changer ou les étendre pour mieux répondre à vos besoins.

 

9- MERCI

Je suis encore un peu nouveau pour donner des tutoriels, donc j'espère avoir pu l'expliquer assez bien. De plus, l'anglais n'est pas ma langue maternelle, donc s'il y a des erreurs grammaticales, n'hésitez pas à me le dire dans les commentaires.

 

Merci d'avoir lu jusqu'à la fin, j'espère vraiment que ce tutoriel vous sera utile, si c'est le cas, n'hésitez pas à lui donner un cœur et à laisser un commentaire. En outre, vous pouvez consulter mes trucs sur mon instagram @ricardokonart et mon twitter @RicardoKonart

 

À plus tard