Introduction

Bonjour à tous !

Je suis Freddie, et dans ce tutoriel, je vais aborder les bases de ce qui rend une pose naturelle. En chemin, je partagerai quelques astuces et conseils pour animer un personnage, simplement en changeant sa façon de se tenir debout.

Anatomie de base et comment simplifier sa construction

L'anatomie, affectueusement connue sous le nom de "fléau de l'artiste", est l'étude du corps humain. Elle exige une compréhension incroyablement profonde des muscles, des os et autres pour la maîtriser, mais ce n'est pas tout à fait ce que nous allons aborder aujourd'hui.

Une leçon importante dans l'art en général est, je pense, de l'aborder par petits morceaux gérables. Et ce sont exactement en petits morceaux gérables que nous allons diviser l'anatomie. Pour ce faire, nous pouvons utiliser la construction (= la simplification de formes complexes en formes plus basiques) pour diviser le corps humain en carrés, ovales, triangles, sphères et autres. Tant que vous pouvez esquisser ces formes de base, vous pouvez esquisser une anatomie de base.

Comme on le voit ci-dessous, le corps à droite est beaucoup plus rapide à dessiner et composé de formes beaucoup plus faciles à transformer en pose.

Si cela semble encore un peu écrasant, vous pouvez décomposer le corps en formes encore plus simples. Faites confiance à votre instinct et esquissez des formes jusqu'au niveau de détail qui résonne le plus avec vous. L'objectif ici est simplement de vous faciliter l'esquisse d'un corps de base.

Geste vs anatomie

Afin de reproduire la mobilité du corps humain, la partie la plus importante pourrait bien être le geste. Un dessin gestuel est un croquis rapide d'une figure, avec un accent sur ses courbes et son mouvement.

Alors que l'anatomie représente le corps humain, les croquis gestuels cherchent à représenter la figure humaine. La différence est que le dessin gestuel repose sur la 'sensation' de la figure, plutôt que sur la réalité de celle-ci. Il permet d'exagérer pour l'effet, tout en tenant compte des règles de l'anatomie.

Si pour étudier l'anatomie vous observerez des diagrammes de muscles et d'os, l'étude du geste concerne la façon dont vous percevez la figure humaine et comment vous la représentez sur papier (ou sur une toile numérique).

Côté à côte, vous pouvez voir la division visuelle entre un accent sur le mouvement et un accent sur la précision anatomique. Bien sûr, ni l'un ni l'autre n'est meilleur ou pire, mais lorsqu'il s'agit de poses, vous voudrez probablement être plus libre dans vos croquis ; c'est pourquoi apprendre à dessiner le geste peut être très utile.

Pratique du geste

Maintenant que nous avons établi pourquoi vous devriez étudier le geste, nous pouvons passer à la façon de le pratiquer réellement.

Tout d'abord, je vous conseillerais de prendre le temps de compiler une bibliothèque de références, que ce soit sur Pinterest ou Deviantart ou tout autre site web ayant des fonctions similaires.

Une fois que vous avez choisi un ensemble de références, ouvrez un nouveau fichier et réglez un minuteur. Je recommanderais de ne pas dépasser 10 minutes, car plus longtemps et vous pourriez ressentir l'envie de perfectionner chaque ligne - ce qui irait à l'encontre du but de l'exercice. Concentrez-vous sur l'esquisse de la forme de base de la personne, reproduisez le mouvement du corps, utilisez des lignes larges et spontanées, et amusez-vous ?

:) Honnêtement, vous pourriez même faire cet exercice régulièrement, ou chaque fois que vous avez une courte pause au travail ou à l'école, car il est si court et ne nécessite que votre téléphone et du papier.

Modèles 3D

C'est peut-être le bon moment de mentionner que, quelle que soit la version de Clip Studio Paint que vous utilisez, vous aurez - un certain - accès aux modèles 3D. Ceux-ci peuvent vous donner une excellente structure sur laquelle baser votre pose, mais ma recommandation personnelle serait de les utiliser après avoir esquissé quelques poses gestuelles, juste pour être sûr de ne pas perdre la fluidité naturelle de la pose.

Centre de masse et contrapposto

Ayant posé les bases de la construction et des formes, nous pouvons passer à des conseils plus spécifiques pour aider à donner vie à une pose.

Le corps déplace naturellement sa position pour tenir compte d'un changement de son poids. Imaginez, par exemple, que vous portez un lourd sac de courses dans une main. Votre posture penchera vers celui-ci, car soudain, la moitié de votre corps est beaucoup plus lourde.

Selon la physique, tous les objets sont équilibrés grâce à leur centre de masse supporté sur une base stable, ce qui, appliqué au corps humain, signifie généralement les pieds. Le centre hypothétique du poids du corps est concentré autour du nombril (comme montré ci-dessus), et c'est ce que l'on appelle le centre de masse.

 

Ci-dessus, nous avons vu une façon dont le corps peut équilibrer un poids ajouté. Cependant, selon la façon dont la personne porte un objet, elle peut s'incliner à l'opposé du poids, par exemple pour le soulever ou si elle le transporte avec les deux mains.

Tout cela signifie que, pour qu'une personne se tienne debout, son poids doit être stabilisé par sa posture. Le personnage doit avoir un appui stable sur lequel le centre de masse sera supporté, pour qu'il puisse se tenir debout.

Cela signifie également que le haut du corps peut bouger relativement librement, sans que le bas du corps ne perde son équilibre.

 

L'une des applications les plus subtiles et les plus utiles de ce concept est une technique appelée 'contrapposto' (signifiant littéralement 'contrepoint' en italien), un terme qui fait référence à la ligne des épaules étant opposée à celle des hanches. Les exemples les plus célèbres de cela peuvent être vus dans les sculptures de Michel-Ange, qui valent le détour, si le sujet vous intéresse.

Pour l'utiliser également, dessinez simplement deux diagonales à travers les épaules et les hanches, en vous assurant qu'elles vont dans des directions opposées.

Ajouter de la personnalité

Ce conseil et le suivant sont particulièrement utiles pour les personnages originaux, mais vous pouvez aussi les utiliser pour des illustrations régulières, tant que votre sujet est humain.

Le langage corporel peut révéler certaines parties de la personnalité d'une personne, et il les révèle dans la manière dont les gens se tiennent, s'ils s'agitent ou non, la façon dont ils portent leurs épaules. Comme c'est si visible, il peut être intégré facilement dans les dessins de personnes.

Ci-dessous, vous pouvez voir quelques exemples.

Comme vous l'avez peut-être deviné, à gauche nous avons un personnage extraverti, à droite un introverti, et au milieu un entre-deux, qui dégage une ambiance détendue et rêveuse. Alors que la personne extravertie se courbe vers l'extérieur, l'introvertie s'affaisse vers l'intérieur, ce qui pourrait être une jolie, bien que basique, façon de s'en souvenir.

Interagir avec l'environnement/les accessoires

Une autre astuce sympa pour animer vos poses est de faire interagir le personnage avec un environnement, ou avec un objet, qui lui est lié.

Traduisez les goûts ou l'occupation du personnage dans la pose elle-même, ajoutez-les-y, et positionnez votre personnage autour de l'accessoire. Dans l'exemple ci-dessous, nous pouvons voir ce qui semble être un chevalier, impliqué simplement par l'association que l'épée a avec la figure.

Si vous n'avez pas cerné les intérêts du personnage, ou si vous dessinez une illustration sans rapport avec un personnage original, une autre source d'inspiration pourrait venir d'une esthétique. Cherchez des listes sur internet, ou compilez un mood-board, et - pour ce conseil - vous voudrez trouver un objet ou un symbole qui incarne cette esthétique.

Les ballons pourraient être associés à une esthétique "carnaval" ou parc d'attractions, par exemple, tandis que tenir une sucette pourrait être associé à un style "doll-core" ou pastel, pour n'en nommer que quelques-uns.

Les esthétiques dans leur ensemble sont un excellent moyen de trouver une base pour vos designs de personnages, et, comme démontré ci-dessus, elles peuvent également être réutilisées pour les poses.

Une brève note sur la perspective

Les gens se déplacent à travers l'espace, ainsi qu'en son sein. L'utilisation de la perspective transmet cela dans les dessins, en déplaçant la proximité du personnage par rapport au point de vue, afin de leur ajouter une autre dimension de vie.

En ce qui concerne les poses, une perspective à un point suffira dans la plupart des cas.

Nous allons essayer un exemple.

Tout d'abord, tracez la ligne d'horizon. Choisissez un endroit à environ trois quarts de la page, et utilisez la règle de guidage pour tracer une ligne droite.

Marquez un point à mi-chemin de la ligne. C'est là que toutes les lignes convergeront, car c'est le point de fuite.

Dans cet exemple, la figure aura sa main tendue vers la "caméra".

Dessinez les parties de la figure qui ne sont ni plus proches ni plus éloignées du point sur lequel elles se tiennent.

Ensuite, appliquez de la perspective en esquissant la main de la personne, légèrement plus grande que sa tête. À ce stade, assurez-vous simplement que la forme est correcte.

Cela pourrait être la fin, n'eût été que la perspective utilisée est un peu trop dramatique pour le sujet. Puisque le raccourci que nous visons dans cet exemple est moins exagéré, nous devrons "corriger" cela.

Commencez par relier les extrémités supérieure et inférieure de la main au point de fuite. Dans une autre couleur, faites de même pour la tête.

Les lignes bleues forment un angle presque deux fois plus grand que celui de la tête.

Pour corriger cela, faites une sélection autour de la main et utilisez l'outil de transformation (ctrl+t). Essayez de faire en sorte que la main rentre presque dans les lignes vertes.

La différence n'est que légère, mais elle rend l'image du bas un peu plus naturelle.

 

Une deuxième méthode pour ajouter de la perspective à une pose, qui n'implique aucune ligne directrice, consiste à utiliser la même construction simplifiée que nous avons explorée dans la première section, et à la diviser en plus de formes.

En divisant les membres en sections de formes similaires de même taille - dans ce cas, j'ai utilisé des cylindres - vous pouvez appliquer la même perspective que vous le feriez avec ladite forme, et la répéter pour autant de pièces que le membre le permet.

Lorsque l'appendice bouge, vous pouvez compresser ou prolonger ces sections en conséquence. En gardant le même nombre, et en allant progressivement du plus grand au plus petit, la pose restera proportionnelle.

Pour ajouter du mouvement et de la vie aux poses, tout en conservant le sens de l'anatomie, il est idéal de chercher à construire la figure humaine de manière à faciliter votre processus de dessin.

Conclusion

Merci d'avoir lu jusqu'ici !

Si vous avez des questions, n'hésitez pas à les laisser ci-dessous ; je ne suis en aucun cas un expert, mais je ferai de mon mieux pour y répondre.

Sinon, j'espère que cela vous a un peu aidé, et à la prochaine fois~