introduction

Bonjour à tous!

Voici Freddie, et dans ce tutoriel, je vais passer en revue les bases de ce qui rend une pose naturelle. En cours de route, je partagerai quelques trucs et astuces pour animer un personnage, simplement en changeant sa façon de se tenir.

Anatomie de base et comment simplifier sa construction

L'anatomie, affectueusement connue sous le nom de « fléau de l'artiste », est l'étude du corps humain. Cela nécessite une compréhension incroyablement profonde des muscles et des os et ainsi de suite, mais ce n'est pas tout à fait ce à quoi nous allons nous attaquer aujourd'hui.

Une leçon importante dans l'art dans son ensemble est, je pense, de le prendre en petits morceaux gérables. Et de petits morceaux gérables sont exactement ce en quoi nous allons séparer l'anatomie. Pour ce faire, nous pouvons utiliser la construction (= la simplification de formes complexes en des formes plus basiques) pour diviser le corps humain en carrés, ovales, triangles, sphères, etc. Tant que vous pouvez esquisser ces formes de base, vous pouvez esquisser une anatomie de base.

Comme on le voit ci-dessous, le corps de droite est beaucoup plus rapide à dessiner et composé de formes beaucoup plus faciles à déplacer dans une pose.

Si cela vous semble encore un peu écrasant, vous pouvez décomposer le corps en des formes encore plus simples. Faites confiance à votre instinct et esquissez des formes jusqu'au niveau de détail qui vous convient le mieux. L'objectif ici est simplement de vous faciliter la tâche de définir un corps de base.

Geste vs anatomie

Afin de reproduire la mobilité du corps humain, la partie la plus importante pourrait très bien être le geste. Un dessin gestuel est une esquisse rapide d'une figure, en mettant l'accent sur ses courbes et son mouvement.

Alors que l'anatomie représente le corps humain, les croquis gestuels cherchent à représenter la figure humaine. La différence est que le dessin gestuel repose sur la « sensation » de la figure, plutôt que sur ce qu'elle est réellement. Il permet d'exagérer pour l'effet, tout en respectant les règles de l'anatomie.

Si pour étudier l'anatomie, vous observerez des diagrammes de muscles et d'os, l'étude du geste concerne la façon dont vous voyez la figure humaine et la façon dont vous la représentez sur papier (ou sur toile numérique).

Côte à côte, vous pouvez voir la séparation visuelle entre l'accent mis sur le mouvement et l'accent mis sur la précision anatomique. Bien sûr, ni l'un ni l'autre n'est meilleur ou pire que l'autre, mais en ce qui concerne les poses, vous voudrez probablement être plus lâche dans vos croquis ; c'est pourquoi apprendre à dessiner des gestes peut être très utile.

Pratique gestuelle

Maintenant que nous avons établi pourquoi vous devriez étudier le geste, nous pouvons passer à la façon de le pratiquer réellement.

Tout d'abord, je vous conseillerais de prendre le temps de constituer une bibliothèque de références, que ce soit sur Pinterest ou Deviantart ou tout autre site ayant des fonctions similaires.

Une fois que vous avez choisi un ensemble de références, ouvrez un nouveau fichier et définissez-vous une minuterie. Je recommanderais de ne pas dépasser 10 minutes, car plus longtemps et vous pourriez ressentir l'envie de perfectionner chaque ligne - ce qui défierait le but de l'exercice. Se concentrer sur le contour de la forme de base de la personne, reproduire le mouvement du corps, utiliser des lignes larges et spontanées et s'amuser ?

:) Honnêtement, vous pouvez même faire cet exercice régulièrement, ou chaque fois que vous avez une courte pause au travail ou à l'école, car il est si court et ne nécessite que votre téléphone et du papier.

modèles 3D

C'est peut-être le bon moment pour mentionner que, quelle que soit la version de Clip Studio Paint que vous utilisez, vous aurez - certains - accès aux modèles 3D. Ceux-ci peuvent vous donner une excellente structure sur laquelle baser votre pose, mais ma recommandation personnelle serait de les utiliser après avoir esquissé quelques poses gestuelles, juste pour être sûr de ne pas perdre la fluidité naturelle de la pose.

Centre de masse & opposé

Après avoir établi les bases de la construction et des formes, nous pouvons passer à des conseils plus spécifiques pour aider à donner vie à une pose.

Le corps change naturellement de position pour tenir compte d'un changement de son poids. Imaginez, par exemple, que vous portez un lourd sac d'épicerie dans une main. Votre posture va pencher vers elle, car du coup, la moitié de votre corps est beaucoup plus lourde.

Selon la physique, tous les objets sont équilibrés grâce à leur centre de masse reposant sur une base stable, ce qui, lorsqu'il est appliqué au corps humain, signifie généralement les pieds. Le centre hypothétique du poids du corps est concentré autour du nombril (comme indiqué ci-dessus), et c'est ce qu'on appelle le centre de masse.

 

Ci-dessus, nous avons vu une façon dont le corps peut équilibrer un poids supplémentaire. Cependant, selon la façon dont la personne porte un objet, elle peut s'incliner face au poids, par exemple pour le soulever ou si elle le transporte à deux mains.

Tout cela revient à dire que, pour qu'une personne soit debout, son poids doit être stabilisé par sa posture. Le personnage doit avoir une assise stable sur laquelle le centre de masse sera soutenu pour qu'il puisse se tenir debout.

Cela signifie également que le haut du corps peut bouger relativement librement, sans que le bas du corps ne perde pied.

 

L'une des applications les plus subtiles et les plus utiles de ce concept est une technique appelée « contrapposto » (qui signifie littéralement « contrepoids » en italien), terme qui fait référence à la ligne des épaules opposée à celle des hanches. Les exemples les plus célèbres de cela peuvent être vus dans les sculptures de Michel-Ange, qui valent le détour, si le sujet vous intéresse.

Pour l'utiliser également, tracez simplement deux diagonales à travers l'épaule et les hanches, en vous assurant qu'elles sont dirigées dans des directions opposées.

Ajouter de la personnalité

Cette astuce et la suivante sont particulièrement utiles pour les personnages originaux, mais vous pouvez également les utiliser pour des illustrations régulières, tant que votre sujet est humain.

Le langage corporel peut révéler certaines parties de la personnalité d'une personne, et il les révèle dans la manière dont les gens se tiennent, s'ils s'agitent ou non, la façon dont ils tiennent leurs épaules. Comme il est si visible, il peut être facilement intégré dans les dessins de personnes.

Ci-dessous, vous pouvez voir quelques exemples.

Comme vous l'avez peut-être deviné, à gauche, nous avons un personnage extraverti, à droite un personnage introverti et au milieu un intermédiaire, qui dégage une ambiance détendue et rêveuse. Alors que la personne extravertie se courbe vers l'extérieur, l'introverti s'affaisse vers l'intérieur, ce qui pourrait être un moyen agréable, bien que basique, de s'en souvenir.

Interagir avec l'environnement/les accessoires

Une autre astuce sympa pour animer vos poses, est de faire interagir le personnage avec un environnement, ou avec un objet, qui lui est lié.

Traduisez les goûts ou l'occupation du personnage dans la pose elle-même, ajoutez-les et posez votre personnage autour de l'accessoire. Dans l'exemple ci-dessous, nous pouvons voir ce qui ressemble à un chevalier, sous-entendu simplement par l'association que l'épée a avec la figure.

Si vous n'avez pas compris les intérêts du personnage, ou si vous dessinez une illustration sans rapport avec un personnage original, une autre source d'inspiration pourrait être d'ordre esthétique. Recherchez des listes sur Internet ou compilez un moodboard, et - pour cette astuce - vous voudrez trouver un objet ou un symbole qui résume l'esthétique.

Les ballons peuvent être associés à un «carnaval-core» ou à une esthétique de parc d'attractions, par exemple, tout en tenant une sucette avec un style poupée ou pastel, pour n'en nommer que quelques-uns.

L'esthétique dans l'ensemble est un moyen fantastique de trouver une base pour la conception de vos personnages et, comme démontré ci-dessus, elles peuvent également être réutilisées pour la pose.

Une brève note sur la perspective

Les gens se déplacent dans l'espace, ainsi que dans celui-ci. L'utilisation de la perspective traduit cela dans les dessins, en déplaçant la proximité du personnage du point de vue, afin de leur ajouter une autre dimension de vie.

En ce qui concerne les poses, une perspective en un seul point suffira dans la plupart des cas.

Nous allons en tester un exemple.

Tout d'abord, tracez la ligne d'horizon. Choisissez un endroit aux trois quarts environ de la page et utilisez la règle de guidage pour tracer une ligne droite.

Marquez un point à mi-chemin de la ligne. Ce sera là où toutes les lignes convergeront, car c'est le point de fuite.

Dans cet exemple, le personnage aura la main tendue vers la « caméra ».

Dessinez les parties de la figure qui ne sont ni plus proches ni plus éloignées du point sur lequel elles se trouvent.

Ensuite, appliquez une certaine perspective en esquissant la main de la personne, légèrement plus grosse que sa tête. À ce stade, assurez-vous simplement que la forme est correcte.

Cela pourrait être la fin, si la perspective utilisée n'était pas un peu trop dramatique pour le sujet. Étant donné que le raccourci que nous recherchons dans cet exemple est moins exagéré, nous devrons «réparer» cela.

Commencez par relier les extrémités supérieure et inférieure de la main au point de fuite. Dans une autre couleur, faites de même pour la tête.

Les lignes bleues forment un angle qui est presque le double de celui de la tête.

Pour corriger cela, tracez une sélection autour de la main et utilisez l'outil de transformation (ctrl+t). Essayez de faire en sorte que la main rentre presque dans les lignes vertes.

La différence n'est que faible, mais cela rend l'image du bas un peu plus naturelle.

 

Une deuxième méthode pour ajouter de la perspective à une pose, qui n'implique aucune directive, consiste à utiliser la même construction simplifiée que nous avons explorée dans la première section et à la diviser en plusieurs formes.

En divisant les membres en sections de même taille de formes similaires - dans ce cas, j'ai utilisé des cylindres - vous pouvez appliquer la même perspective que vous le feriez avec ladite forme et la répéter pour autant de pièces que le membre convient.

Lorsque l'appendice bouge, vous pouvez comprimer ou prolonger ces sections en conséquence. En gardant le même nombre et en augmentant ou en diminuant progressivement, la pose sera maintenue en proportion.

Pour ajouter du mouvement et de la vie aux poses, tout en gardant le sens de l'anatomie, il est idéal de viser à construire la figure humaine de manière à faciliter votre processus de dessin.

Conclusion

Merci d'avoir lu jusqu'ici !

Si vous avez des questions, n'hésitez pas à les laisser ci-dessous; Je ne suis en aucun cas un expert, mais je ferai de mon mieux pour y répondre.

Sinon, j'espère que cela a aidé un peu, et à la prochaine fois~