Wenn wir ein Outfit entwerfen wollen, gibt es verschiedene Aspekte, die wir ausprobieren können. Es ist wichtig, Variationen zu erkunden, um das perfekte Modell zu finden!

Da ich an der Universität Szenografie studiert habe, habe ich Erfahrung im Entwerfen von Kleidung und Kostümen für alle Arten von Inszenierungen. Schauen wir uns einige Ressourcen an, die wir verwenden können, um jede Art von Kleidung und Accessoires für unsere Charaktere zu erstellen, auch wenn sie nicht für eine Bühne bestimmt sind!!

 

Zuerst werde ich über einige allgemeine Überlegungen sprechen und dann einige Richtlinien für den Beginn des Designs geben. Beachten Sie, dass fast alles, was ich später sagen werde, auch als Richtlinie für das Charakterdesign dient!!.

 

(Übrigens weise ich auch darauf hin, dass die Fotos und Zeichnungen in diesem Tutorial von mir stammen und nicht aus dem Internet!)

 

Erste allgemeine Überlegungen

• Das Aussehen eines Charakters kann verwendet werden, um einen bestimmten Aspekt des Charakters zu BETONEN; zum Beispiel, wenn ein Charakter eine Fähigkeit hätte, die von seinem Kopf/Gesicht abhängt, könnte dieses Konzept durch Elemente unterstützt werden, die die Größe oder Bedeutung des Kopfes erweitern... oder vielleicht kann man auch an die Krone der Könige denken, die sie sofort identifiziert!

 

• Denken Sie an die HIERARCHIE der Elemente, die Sie in Ihr Design integrieren. Welches Merkmal am dominantesten ist (nach Größe, Komplexität, Material, Stil usw.), hängt von Ihren eigenen Vorlieben und Zielen ab! Welches Merkmal soll am meisten auffallen und wie können die anderen Elemente des Outfits es begleiten?

In diesem Beispiel für die Figur der Königin der Nacht aus Mozarts Oper „Die Zauberflöte“ musste ich zunächst klar zeigen, welche Figur es war (basierend auf den Konzepten „Königin“ und „Nacht“); aber ich wollte auch subtil ihren Einfluss und ihren Kontrollzwang über ihre Tochter betonen, indem ich diese Figur mit einem riesigen Spinnennetz assoziierte.

 

• Denken Sie an die VERWENDUNGSZWECKE UND ZIELE des Outfits, das Sie entwerfen. Wer trägt es (eine Büroangestellte, ein König, ein Tier, jemand Reiches, Armes, Ungeschicktes, Elegantes usw.)? Wofür wird es verwendet (Party, Arbeit, Kostüm, Tarnung, Verteidigung, Magie usw.)?

 

• Balancieren Sie die gefüllten mit den leeren RÄUMEN aus. Sei es in Bezug auf Textur, Anzahl der Elemente, Größen, Farben.

 

• Sofern wir nicht nur über Mode sprechen, ist es sehr schwierig, Kleidung von dem CHARAKTER zu trennen, der sie trägt. Ein besseres Ergebnis erzielt man, wenn das Design die Persönlichkeit und den Stil des Charakters begleitet! Könnte der Charakter in diesem Beispiel jede andere Art von Kleidung tragen und trotzdem derselbe bleiben?

 

Über das Moodboard oder Referenzboard.

Das Ideal und das Wichtigste ist, alle verfügbaren Informationen über das Thema oder Referenzelement für das Design zu sammeln. Erstellen Sie einen Ordner, ein Pinterest-Board, ein Panel mit Zeitschriftenausschnitten oder was auch immer Sie benötigen, um alle Referenzen, die Sie brauchen könnten, im Blick zu haben. Sammeln Sie Bilder von Körperformen oder Kleidung, Texturen, Farben, Blumen, Pflanzen, Charakteren…. alles, was Ihnen hilft, das Design stilistisch zu definieren. Machen Sie auch kleine Studienzeichnungen am Rand der Elemente, die Sie am präsentesten haben müssen oder die dazu dienen, die Formen zu verstehen, bevor Sie sie auf den Charakter oder die endgültige Pose anwenden. Zum Beispiel:

Dieses Referenzboard dient dazu, die Eigenschaften, die Sie am meisten in das Design einbringen möchten, zu EXTRAHIEREN, wie im folgenden Punkt erläutert:

 

Über Referenzen:

Bei der Arbeit mit Referenzen ist es wichtig, die Hauptmerkmale dessen zu „EXTRAHIEREN“, worauf wir uns beziehen, um sie auf das Design anwenden zu können. Diese Aspekte zu berücksichtigen hilft zu wissen, wie viel der Referenz benötigt wird, damit die andere Person versteht, worauf sich bezogen wird. In vielen Fällen hilft nur ein Teil der Sache, die ganze Sache zu interpretieren; so dass man die ganze Sache nicht sehen muss, um zu wissen, dass sie da ist… zum Beispiel, wenn man mit Tigern im Kopf zeichnen möchte, ist wahrscheinlich ihr charakteristisches Fell ausreichend, um den Charakter mit diesem Tier zu assoziieren, ohne weitere Informationen hinzufügen zu müssen. Sogar die Verteilung und der Farbton der Farben können helfen, die Referenz zu sehen!

 

Diese Eigenschaften können sehr allgemein sein, deshalb ist es die Aufgabe des Kostümbildners, Kleidung zu schaffen, die eine klare Botschaft vermittelt, aber gleichzeitig originell oder einzigartig für diesen Charakter ist.

Sehen Sie sich diese Beispiele an, wie die Punkte, die sich auf das ursprüngliche Tier beziehen, reduziert und vereinfacht werden können.

 

Eine einfache Möglichkeit, das Gleichgewicht innerhalb eines Designs zu untersuchen, ist das Dreieck, das sich zwischen Nützlichkeit; Treue oder Nähe zur Referenz; und Ästhetik bildet.

Dies im Hinterkopf zu behalten hilft uns, beim Design zu berücksichtigen, wie genau, funktional oder wie fantasievoll das Design sein soll.

 

Betrachten wir ein Beispiel mit diesem dreieckigen Schema, das „Ästhetik“* an der oberen Spitze, „Referenz“ an der linken Spitze und „Nützlichkeit“ an der rechten Spitze hat. In diesem Fall ist das auslösende Konzept Rüstungen.

Normalerweise misst ihre Nützlichkeit, wie unverwundbar sie gegen einen Angriff sind, obwohl dies auch von den Designzielen abhängt. Wenn der Künstler einen verstohlenen Kämpfer zeichnen möchte, würde eine Metallrüstung ihn laut und unbeholfen machen, was sie nutzlos machen würde. Denken Sie daran, bevor Sie entwerfen!! Wofür wird dieses Outfit verwendet? Wer trägt es? In welchem Kontext?

• (Selbstverständlich ist das Konzept der „Ästhetik“ völlig subjektiv und kulturell. Diese Studien basieren auf meinem Geschmack und sind keine Regel)

 

 

In diesem Fall handelt es sich bei der Referenz um ein historisches Element. Wir können also sagen, dass „Nähe zur Referenz“ von ihrer Treue zum realen Objekt und seinen Verwendungszwecken spricht. Beachten Sie, wie im Beispiel ganz rechts die Rüstung die anfälligsten Körperteile einem Angriff aussetzt!

 

Die Referenz muss jedoch nicht von einem bestehenden Kleidungsstück oder Stil stammen.

Betrachten und studieren wir Beispiele mit einem Tier und einer Frucht!

 

Tiger:

 

Birne:

 

In diesen Beispielen sehen wir, wie die Nähe zur Referenz eine ganz andere Bedeutung annimmt als bei der Rüstung! Wenn die Genauigkeit zu einem Hindernis für den Charakter werden kann, müssen Sie besonders aufmerksam sein, um die wichtigen Punkte der Referenz zu erfassen und sie mit mehr Subtilität in einem weniger offensichtlichen und bequemeren Design für den Charakter zu vermitteln.

 

Über das Gleichgewicht

Das Gleichgewicht in einem Design ist sehr wichtig, obwohl es vor allem von Ihrem eigenen Geschmack und Ihren Zielen für dieses Outfit abhängt. Wenn ich von Gleichgewicht spreche, meine ich das Gleichgewicht der Designelemente nach Größe, Menge, Komplexität, Position und Material.

 

Größe, Position und Menge können im Allgemeinen leichter überprüft werden, indem man das Design in kleiner Größe (nicht mehr als 5 cm Höhe) betrachtet, um die Silhouette und das Gewicht der Outfit-Elemente klarer zu sehen. In diesem Beispiel habe ich versucht, Outfits auf der Grundlage weicher und kreisförmiger Formen zu entwerfen. Die Wahl, wo der Schwerpunkt gesetzt werden soll, ist jedoch eine Frage Ihres Geschmacks oder Ihrer Ziele!

 

Außerdem kann ein und dasselbe Design komplett verändert werden, indem man nur die Größe seiner Elemente ändert!!

 

Bedenken Sie, dass der größte oder detaillierteste Teil wahrscheinlich der auffälligste ist; obwohl man einen bestimmten Teil auch durch Kontrast hervorheben kann, so dass, wenn das gesamte Kostüm sehr voluminös oder detailliert ist, aber ein glatter oder nicht voluminöser Teil ausgelassen wird, dieser zuerst gesehen wird (und umgekehrt!) (Siehe das Beispiel der Königin der Nacht oben, in ihrer Version mit dem weiten Kleid, der Rock ist so schwer, dass die Aufmerksamkeit direkt auf ihren Oberkörper gelenkt wird).

 

Ich möchte auch das Gleichgewicht in Bezug auf die gewählten Materialien und den Stil hervorheben. Ein Künstler kann viele Elemente auswählen und in einem einzigen Outfit mischen, aber es funktioniert nur richtig, wenn diese Elemente innerhalb des Designs ausgewogen sind. Zu viel Mischung führt zu Unordnung und erschwert die Interpretation des Designs. Betrachten wir ein Beispiel, das die stereotypen Elemente der amerikanischen Ureinwohner (wie Federschmuck), einen traditionellen japanischen Kimono, eine europäische Rüstung und Roboterteile kombiniert.

 

 

1) Im ersten Entwurf ist der größte Nachteil, dass die Elemente nicht miteinander integriert sind. Außerdem sind einige kaum sichtbar. Die Sache ist also, eine Integration zu erreichen, die alle Elemente zeigt, die wir zeigen wollen.

 

2) Im zweiten Entwurf sind die Elemente etwas stärker integriert, ich habe die Federn mit dem Robotikteil des Charakters kombiniert. Gleichzeitig kann der Rüstungsteil leicht mit dem Robotikteil kombiniert werden. Der Kimono ist noch nicht vollständig integriert.

 

3) In diesem Fall habe ich die Stammes- und europäischen Rüstungselemente auf ein Minimum reduziert, um sie direkt in den Robotikteil zu integrieren. Diese Vereinfachung und Reduzierung der Elemente führt auch dazu, dass die Figur besser lesbar ist.

 

Allerdings sind all diese Elemente, die ich verwendet habe, sehr schwierig zu kombinieren, und es stimmt, dass es manchmal besser ist, es EINFACH zu halten. Nur zwei grundlegende Elemente und vielleicht ein drittes für Details zu wählen, reicht aus, um ein originelles Design zu erzielen, und es wird auch nicht so schwierig sein, die Elemente zu integrieren.

Und noch WICHTIGER: Wenn man ein Element oder eine Gruppe von Elementen desselben Themas vollständig aus seinem Design entfernen kann und das Design trotzdem gut FUNKTIONIERT; bedeutet das, dass diese Elemente nicht NOTWENDIG waren!

 

Ein einfaches Beispiel hierfür könnte das Konzept „Punk-Meerjungfrau“ sein. Hier bestand der Trick darin, die Punk-Ästhetik an einen Charakter anzupassen, der unter Wasser lebt. Welche Materialien würde sie verwenden? Und auch, im Meerjungfrauen-Teil, welcher Fisch passt am besten zur Punk-Ästhetik? In dieser Art von Fragen zeigt sich die Schnittstelle zwischen Outfit-Design und Charakter-Design am deutlichsten.

 

Über die Farbe

Farbe ist eines der ersten Elemente, die wir wahrnehmen, und sie hat an sich viel BEDEUTUNG. Bei der Suche nach Referenzen ist es entscheidend, die Farben auszuwählen, die das Objekt oder Konzept, das Sie als Referenz verwenden, am besten repräsentieren. Beachten Sie immer, dass jede Kultur ein kollektives Imaginäres hat, das Farben auf bestimmte Weisen Sinn verleiht, und dass der Versuch, diese bereits etablierten Regeln zu ändern, sehr riskant sein kann. Wenn Sie beispielsweise etwas entwerfen möchten, das auf Feuer basiert, ist es, obwohl es sehr vielfältige Feuerfarben (sogar grün!) gibt, wahrscheinlicher, dass es schneller verstanden wird, wenn orange oder bläuliche Farben verwendet werden, da wir dieses Konzept bereits mit diesen Eigenschaften verknüpft haben.

In diesem Fall, obwohl das Bild dasselbe ist, kann das linke als Feuer interpretiert werden, aber durch Farbwechsel könnte das rechte eher als Gift interpretiert werden.

 

Erstellen Sie andererseits eine FARBSTRUKTUR, die Ihnen hilft, eine kohärente Tonhierarchie zu entwickeln. Ideal ist es, reduzierte Farbpaletten zu erstellen und diese nach ihrer Dominanz festzulegen.

Suchen Sie nach einer dominanten Farbe, einer untergeordneten und einer für Akzente oder Details. Die dominante Farbe ist die, die in einer Grafik am häufigsten vorkommt und die anderen Farben in gewisser Weise „rahmt“ oder in einen Kontext stellt; die untergeordnete Farbe kommt seltener vor als die dominante, aber häufiger als der Akzent; der Akzent ist die Farbe, die am geringsten vertreten ist und die hilft, wichtige Punkte oder Details des Bildes hervorzuheben und eine Richtung anzuzeigen.

 

Jede dieser Farbkategorien kann aus mehreren ähnlichen Tönen bestehen, der Trick besteht darin, dass sie nicht zu weit voneinander abweichen, um die Harmonie zu bewahren.

 

Wenn Sie die Referenzbilder betrachten, wählen und wenden Sie die Farben gemäß diesem Schema an. Zum Beispiel:

 

Nachdem wir nun wissen, was und wie man Referenzen sucht, schauen wir uns an, wie man sie verwendet!

 

Aus Blumen und Pflanzen

Hier ist es am wichtigsten, die Form der Blütenblätter und Blätter, Texturen, Flecken und Farben zu berücksichtigen. Denken Sie daran, mehrere Tests durchzuführen, um besser auswählen zu können, wie „pflanzlich“ das Outfit aussehen soll, und auch zu überlegen, welche Art von Charakter es trägt: elegant, Fee, Blumenverkäuferin? Schauen wir uns einige Beispiele an!

Aus Tieren

Hier ist es am wichtigsten, die Elemente zu berücksichtigen, die ein bestimmtes Tier zu diesem Tier und nicht zu einem ähnlichen machen. Welche Teile sind die repräsentativsten? Wenn wir zum Beispiel einen Charakter zeichnen wollen, der auf einer Motte basiert, sind die Art der Antennen, die Textur und Position ihres „Fells“, die Form und Größe der Flügel und Augen die repräsentativsten Elemente, die sie beispielsweise von einem Schmetterling unterscheiden. Denken Sie auch an das Beispiel des Tigers oben!

Aus bereits bestehenden Stilen (Moden, Malstile, Architektur usw.)

Auch hier ist es unerlässlich, die Hauptmerkmale jedes Stils oder jeder historischen Epoche zu beachten… welche Farben werden verwendet? welche Art von Formen? welche Themen spiegeln sich in diesem Werk wider?

Wenn man zum Beispiel ein Outfit auf einem der ikonischen Gemälde Mondrians basieren wollte, würde man gerade Linien, Primärfarben, glatte Textur verwenden…

 

 

Wenn Sie das Outfit für eine bestimmte Epoche entwerfen möchten, müssen Sie den Schnitt der Kleidung, die Stoffarten, die Accessoires sehr genau studieren… Das folgende Beispiel ist ein Design, das ich für die Oper „La Traviata“ gemacht habe, basierend auf Alexandre Dumas' Buch „Die Kameliendame“ von 1848. Dafür musste ich die Kleidung und Frisuren dieser Zeit sehr genau studieren, um eine junge Frau der High Society jener Zeit getreu darzustellen, und ich verknüpfte es auch mit der im Buch erwähnten Blume (Kamelien). Und Vorsicht beim Verwenden von Referenzen aus Serien oder Filmen! Oft werden kreative Freiheiten genommen, die weit von der Genauigkeit entfernt sind.

 

Aus einfachen Formen

Wenn das Design auf der Grundlage einer definierteren Referenz nicht Ihr Ding ist, können Sie direkt mit einfachen geometrischen Formen experimentieren. Kombinationen aus einer oder mehreren dieser Formen machen das entstehende Outfit einfach, aber leicht lesbar, während es gleichzeitig unwahrscheinlich ist, dass es unharmonisch wirkt.

 

Aus einem Gefühl heraus (spitz, gefährlich, freundlich, süß, fröhlich, hart, etc.)

In diesem Fall ist es wichtig zu identifizieren, welche Formen, Farben und Materialien im Allgemeinen mit jeder Empfindung oder Eigenschaft assoziiert werden. Suchen Sie nach Referenzen von Charakteren oder realen Personen, die Sie mit dem Gefühl verbinden, das Sie mit Ihrem Design vermitteln möchten.

 

Wenn man zum Beispiel den Eindruck vermitteln möchte, dass der Charakter elegant ist, werden im Allgemeinen Pelzkrägen, Hüte, formelle und gut geschnittene Kleidung, Sauberkeit, unauffällige Accessoires usw. assoziiert. Referenzen dafür könnten Cruella de Vil (Disneys 101 Dalmatiner), Beth aus „Das Damengambit“ (Netflix-Serie), Weißer Diamant (Steven Universe) oder Miranda Priestly (Film „Der Teufel trägt Prada“) sein. Bei dieser Vielfalt so unterschiedlicher Charaktere müssen Sie sich fragen: Welche Merkmale wiederholen sich bei allen und vermitteln Eleganz?

 

In diesem Beispiel habe ich die Idee der Eleganz des Charakters auch mit einem ovalen Rahmen verstärkt, der oft mit historischen Porträts von Menschen aus der Oberschicht assoziiert wird.

 

Basierend auf einem bestehenden Charakter (Beschreibung, Anpassung an einen anderen Stil oder Körpertyp)

Dieser Fall kommt dem Charakterdesign am nächsten, aber seien Sie sehr vorsichtig, kein Design einer anderen Person zu stehlen! Respektieren Sie die Kreationen anderer! Wann immer Sie sich von anderen inspirieren lassen, GEBEN SIE KREDIT.

Die Idee in diesem Fall ist es, sich von einem anderen Charakter inspirieren zu lassen und seine Eigenschaften zu nutzen, um ein eigenes Design als Hommage zu erstellen. Es gibt verschiedene Auslöser in diesem Abschnitt, studieren wir einige Beispiele:

 

A) Basierend auf einer schriftlichen Beschreibung: In diesem Fall ist es die Aufgabe des Designers, diese Beschreibung zu interpretieren und in seinem Stil zu vermitteln. Als Beispiel habe ich Theaterentwürfe für die Figur Papageno aus Wolfgang Mozarts Oper „Die Zauberflöte“. Diese Figur wird als Vogelmensch beschrieben, einfach, komisch, romantisch und von freundlicher Natur.

 

B) Anpassung eines bereits entworfenen Charakters an einen anderen Körper, Stil oder eine andere Epoche als das Original. In diesem Fall habe ich die ikonischen Elemente von Sherlock Holmes (Figur von Sir Arthur Conan Doyle) verwendet, um eine Meerjungfrau zu charakterisieren (d.h. zu verkleiden oder ihr das Aussehen zu geben). Denken Sie daran, dass in diesen Fällen auch die Mimik und Haltung des Charakters sehr wichtig sind!

 

C) Anpassung eines Charakters einer Spezies an eine andere Spezies! Zum Beispiel, wenn Künstler menschliche Versionen von Pokémon oder sogar menschliche Versionen von Flaggen erstellen! In diesem Beispiel zeige ich Ihnen eine Anpassung der Merkmale des Pokémon Sylveon an die Kleidung des Mädchens.

 

Basierend auf den Punkten, die aus der Pose hervorgehoben werden sollen

Trotz all dem, was ich gesagt habe, beginnt meine Zeichnung oft nur mit einer Pose, und dann muss ich mich auf die Art von Kleidung konzentrieren, die am besten dazu passt. An diesem Punkt ist es sehr wichtig zu identifizieren, welche Elemente der Pose wir nicht verlieren wollen, wenn sie durch das Outfit verdeckt werden, gleichzeitig müssen wir überlegen, welche Art von Kleidung den Sinn der Pose oder Bewegung am besten unterstützen würde. (Ich habe die Linien, die ich am meisten erhalten und mit der Kleidung verstärken wollte, orange markiert) Es ist sehr nützlich, die Silhouette zu berücksichtigen, damit die Kleidung die Lesart der Pose nicht behindert.

Wie Sie sehen, respektiert jede Kostümanprobe die Silhouette der Linien, die ich in der Basiszeichnung orange markiert habe.

 

Ausgehend von einem Konzept

Das Wort „Konzept“ ist etwas weit gefasst, aber ich meine damit, wenn man eine konkrete und definierte Idee nimmt, um mit dem Design zu beginnen. Eine Idee, die auch viel über den Charakter aussagt, besonders wenn es um seine Interessen und Beschäftigungen geht.

Zum Beispiel ist das folgende Design aus dem Konzept „Ninja-Katze“ entstanden. Das gibt mir bereits einen Hinweis auf die Art der Kleidung und Fähigkeiten, die der Charakter haben wird, sowie Richtlinien für das Design seines Körpers. Basierend darauf habe ich traditionelle Ninja-Outfits recherchiert und dies auf das Design des Charakters angewendet, den ich im Sinn hatte. Außerdem ergänzt das Outfit in diesem Fall die Form seines Körpers.

 

Das Beste in solchen Fällen ist, mehrere Skizzen zu erstellen, die bei der Entscheidungsfindung helfen. In diesem anderen Fall war mein ursprüngliches Konzept „Zaubererfuchs, dessen Outfit Schleifen und Rüschen hat“.

 

Ich empfehle SEHR, den Körper des Charakters, den Sie erstellen, als Schaufensterpuppe zu zeichnen, um verschiedene Outfit-Design-Tests durchführen zu können! Diese Tests gaben mir genügend Abwechslung, um ein Design zu schaffen, das mehrere Elemente aus verschiedenen Vorschlägen kombiniert und zu folgendem Ergebnis führt:

 

Über den Designprozess

Also, lassen Sie uns das bisher Gesehene Revue passieren lassen und sehen, wie und wann jedes Konzept angewendet werden sollte. Dies ist die Methode, die sich für mich als am nützlichsten und effizientesten erwiesen hat. Denken Sie daran, dass dies auch für das Design von Charakteren und Kreaturen im Allgemeinen gilt!! Ich werde Ihnen als Beispiel für den gesamten Prozess eine meiner Arbeiten für die Universität zeigen.

 

1) Die Inspirationsquelle definieren (Fotos, Zeichnungen, Posen, Charaktere usw.). In diesem Fall war der erste Ausgangspunkt das Werk des Künstlers des 19. Jahrhunderts: William Morris. Dieser Künstler arbeitete viel mit Tapeten und Polsterstoffen, die hauptsächlich Blumen und Früchte kombinierten. Ich wollte fantastische Tiere in diese Formel integrieren.

 

2) Wählen Sie die repräsentativsten oder für Sie interessantesten Aspekte dieser Referenz aus (Formen, Farben, Details, Texturen usw.). Das Ergebnis meiner Forschung führte dazu, dass ich dieses Stoffmuster erstellte, wobei ich die Flecken nutzte, um Figuren zu finden. Diese Leinwand diente als Inspiration und Grundlage für das Outfit- und Charakterdesign.

3) Erstellen Sie mehrere kleine Skizzen, die die Elemente des vorherigen Punktes auf verschiedene Weisen kombinieren. Ideal ist es, mindestens 3 Versionen zu erstellen, um eine Auswahl zu haben. Sie können dies nutzen, um sehr unterschiedliche Charaktere oder verschiedene Outfits für denselben Charakter zu entwerfen!

4) Wählen Sie die Skizze, die Ihnen am besten gefällt, und vergrößern Sie sie; oder wählen und kombinieren Sie die Elemente, die Ihnen an den Skizzen am besten gefallen, um eine neue, größere und detailliertere zu erstellen. In diesem Fall, nachdem ich die Elemente ausgewählt hatte, die ich aus der Originalreferenz wollte, konzentrierte ich mich darauf, verschiedene Arten von Charakteren zu zeichnen.

5) Führen Sie mehrere Farbtests an dem von Ihnen gewählten Design durch. Ich habe meine bevorzugte Skizze genommen und sehr schnell Farbtests durchgeführt, um gleichzeitig Natur und Geheimnis zu vermitteln und auch die Farben des Originalstoffs zu nutzen (Das Foto hat keine sehr gute Qualität, aber ich habe schwarze, grüne, rote und violette Tinte verwendet).

6) Und danach sind wir bereit für die endgültige Zeichnung, mit klar definierten Elementen! Ich habe zwei Versionen als Konzeptzeichnungen für den Charakter erstellt. Ich habe die Pose, die die Form des Kleidungsstücks perfekt sichtbar macht, aufgegeben und mich darauf konzentriert, die Bewegungen des Charakters beim Tragen zu zeigen.

• Zeichnung, erstellt aus einer vollständigen Skizze:

 

 

• Zeichnung, erstellt aus der Kombination von Skizzen:

Nützliche Clip Studio Tools zum Entwerfen und Zeichnen von Outfits.

1) 3D-Modelle: Vergessen Sie nicht, dass dies verfügbar ist! Bevor wir die endgültige Haltung zeichnen, die sehr verwirrend sein kann, können wir Zeit sparen, indem wir die Outfits mit vordefinierten 3D-Modellen von Clip Studio entwerfen. Befolgen Sie die folgenden nummerierten Schritte, um die im Programm enthaltenen 3D-Modelle zu finden. Um sie in die Leinwand zu integrieren, klicken Sie auf das ausgewählte Modell und ziehen Sie es auf die Leinwand.

Denken Sie auch daran, dass Sie die Formen und Proportionen dieser Modelle ändern können, bis sie sogar wie Fantasy-Charaktere aussehen! Um diese Änderungen vorzunehmen, müssen Sie das Symbol „Körperform und Größe der 3D-Figur detailliert anpassen“ auswählen, das ganz rechts in der Symbolleiste zur Bearbeitung des 3D-Modells angezeigt wird.

Dies ist die perfekte Schaufensterpuppe, um zu entwerfen, ohne sich noch um die Pose oder die Proportionen kümmern zu müssen! Und natürlich dient es auch als Schaufensterpuppe für die Pose des Charakters selbst… Wenn Sie genauere Details zur Änderung, Anwendung und Speicherung dieser Änderungen benötigen, finden Sie dies ausführlicher in meinem Tutorial „Fantasy-Charakterdesign“, das in meinem Clip Studio-Profil verfügbar ist!

Solche und viel extremere Ergebnisse können ebenfalls erzielt werden!:

 

2) Vorgefertigte Pinsel: Ketten, Rüschen, Schleifen.

Clip Studio hat viele dieser Pinseltypen bereits standardmäßig integriert. Diese Pinsel haben jedoch ein steifes und künstliches Aussehen, das schwer in einen persönlicheren Zeichenstil zu integrieren ist. Ich empfehle ihre Verwendung, um leichter zeichnen zu können, ohne zum Beispiel das Größenverhältnis zwischen einem Kettenglied und einem anderen zu verlieren. Vergessen Sie natürlich nicht, dass Sie in den Assets auch andere Arten von Pinseln herunterladen können, z. B. für Reißverschlüsse oder Schleifen!

 

3) Stoffmuster: Clip Studio hat mehrere Designs integriert, die sehr nützlich sind, um der Kleidung Vielfalt zu verleihen, ohne mit der Geometrie verrückt zu werden! In den Assets gibt es auch viele schöne Muster für Kleidung! Sie können das Tutorial „Assets-Pinsel für Stoff, Hintergründe und Aquarell“ in meinem Profil ansehen, um meine bevorzugten Musterpakete zu sehen! Was ich jedoch jetzt hervorheben möchte, ist, dass jedes Muster als glatte Ebene in das Bild eingefügt wird, ohne Falten oder Verformungen. Ich denke, dass die Begleitung der Falten und der Position der Kleidung mit dem Muster wichtig ist, um mehr Realismus und Volumengefühl zu erzeugen. Ich habe kürzlich eine Möglichkeit entdeckt, dies zu erreichen! Wenn der zu ändernde Bereich ausgewählt ist, gehen Sie zum Menü „Bearbeiten“ und suchen Sie die Option „Transformieren“ und dann „Gittertransformation“. Dies kann bei Auswahlbereichen jeder Größe durchgeführt werden!

Beachten Sie, dass das Arbeiten mit kleineren Auswahlbereichen mehr Kontrolle und Realismus bietet.

*Denken Sie daran, dass Sie Ihre eigenen Muster und Pinsel nach Belieben erstellen können!!

Danksagungen und Kontakt:

Und dies sind einige (viele) Überlegungen, die Ihnen helfen können, vielfältigere und vielseitigere Outfits zu entwerfen!

Danke fürs Lesen und ich hoffe, es war nützlich!!

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