Intro

Cette leçon explique comment j'aborde la peinture d'un portrait, mon processus de réflexion, un peu de théorie de la peinture et quelques trucs et astuces que j'ai choisis en cours de route. J'approche mes peintures numériques très similaires à la façon dont je peindrais avec un support traditionnel. Le but pour moi est de réduire immédiatement les couleurs, les valeurs et le placement globaux, donc je passe moins de temps à essayer de réparer les choses plus tard.

Ligne de travail

J'aime utiliser un pinceau avec un peu de texture pour mon dessin au trait, pour cette peinture j'ai utilisé le pinceau design de Clip Studio. Je traite mon dessin au trait comme le fondement de ma peinture, alors je mets souvent des indications sur les ombres et les plans directement dans mon dessin pour commencer à construire la forme du visage.

 

Pendant que je travaille, je retourne souvent ma peinture pour m'assurer que tout semble équilibré. Je peux le faire dans Clip Studio par Affichage> Rotation / Inverser> Retourner horizontalement ou en créant un raccourci.

Blocage en couleur

La prochaine étape pour moi est de bloquer les couleurs globales que je vais utiliser dans ma peinture. À ce stade, je peins sous le dessin au trait, en utilisant les lignes comme un guide approximatif pour savoir où tout devrait aller.

Tout d'abord, je peins dans une couleur de base plate et j'utilise l'écrêtage des calques pour clipser tous les calques suivants sur le plat. Dans Clip Studio, vous pouvez découper un calque en sélectionnant un nouveau calque et Calque> Paramètres du calque> Couper au calque ci-dessous ou en utilisant le raccourci Ctrl + Alt + G pour le couper au calque ci-dessous. Cela garantit que mes coups de pinceau restent dans la zone prévue pendant les premières étapes de la peinture, et je passe moins de temps à nettoyer les choses plus tard. Pour quelque chose de simple comme un portrait, j'aime commencer par garder la figure, le dessin au trait et l'arrière-plan séparés les uns des autres.

 

Je choisis généralement une teinte médiane pour ma couleur de base, ce que j'ai fait avec la peau. Puisque je peins des cheveux plus foncés, je vais aller de l'avant et définir immédiatement le ton sombre. En effet, les cheveux vont être décomposés principalement en reflets et ombres. Lorsque je peins des cheveux, je les visualise comme étant simplifiés ensemble dans des formes plus grandes, plutôt que comme des mèches individuelles.

Ensuite, j'utilise de gros coups de pinceau pour bloquer les zones de couleur, pour cette peinture, j'ai utilisé le pinceau aquarelle dans Clip Studio. J'ai choisi cette brosse car elle a une qualité picturale et je peux obtenir des bords durs, ainsi que des bords et des transitions plus doux en appliquant moins de pression. Je garde ma peinture lâche à ce stade, et je ne vais pas peindre dans les moindres détails.

Perdre les lignes

Une fois que je suis satisfait des couleurs et des valeurs globales, il est temps pour moi d'être plus détaillé avec la peinture. À ce stade, je suis prêt à recommencer à peindre et à me débarrasser des lignes. Avant de faire cela, je vais masquer mon calque de ligne pour m'assurer que les couleurs fonctionnent indépendamment des lignes plus sombres. Je ne vais pas non plus couper les calques à ce stade afin de pouvoir peindre librement sans aucune restriction.

 

Maintenant, dans la troisième image, j'ai fait de mon dessin au trait une couleur de terre de Sienne brûlée et effacé toutes les pièces dont je n'ai pas besoin. J'ai laissé un dessin au trait autour des yeux, des oreilles, des coins de la bouche et de la peinture sur le front depuis que je compte encore dessus dans ces zones pour transmettre des informations.

 

Un peu de couleur

En général, si un sujet est éclairé par une source de lumière froide, les ombres seront plus chaudes. L'inverse est également vrai, donc si la lumière est chaude, les ombres seront généralement plus fraîches. Pour cette peinture, je suis allé avec une source de lumière froide, j'ai donc utilisé principalement des tons de gris désaturés pour la lumière et des tons chauds plus saturés dans les ombres. Dans les ombres avec des plans orientés vers le haut, comme dans l'ombre sur le front, la température sera un peu plus froide, donc je l'ai indiqué en choisissant une couleur plus désaturée pour peindre la zone.

Il n'y a pas de palette ou de couleur définie à utiliser dans une peinture, il s'agit de la relation d'une couleur avec la couleur à côté. Dans l'image ci-dessus, j'ai pris des échantillons de couleur de la figure dans ma peinture, A est de l'ombre chaude sur le visage de ma figure et B est d'un point culminant cool. Ni l'un ni l'autre ne semble hors de propos dans la peinture ou même parmi les autres échantillons de zones similaires, ils font tous les deux partie de sa peau, mais ils sont presque à l'extrémité opposée du spectre de saturation.

 

Lorsque je conserve mon utilisation de la saturation comme celle-ci, je peux la pousser dans certaines zones pour rendre la peinture plus réaliste. Par exemple, j'ai utilisé une couleur plus saturée dans ses joues, ses oreilles et ses lèvres pour faire allusion aux capillaires sous la peau, ce qui lui donne une teinte rosée.

Rendu et bords

Lorsque j'ai obtenu toutes mes couleurs et valeurs et que je suis satisfait de l'apparence globale de la peinture, il est temps pour moi de faire la dernière passe de rendu. Cette étape ajoute principalement un plus grand niveau de détail et de polissage à la peinture, et corrige les morceaux en désordre. Je ne vais pas changer quoi que ce soit de majeur sur la peinture à ce stade.

J'essaie de penser aux bords pendant que je peins, mais avec cette peinture, je me suis retrouvé avec beaucoup de bords durs et il manquait cette sensation picturale plus douce. Donc à ce stade, j'ai pris un aérographe et j'ai parcouru les zones que je voulais être plus douces. Je l'ai fait avec le pinceau aquarelle dense de Clip Studio, avec une dureté complètement diminuée.

 

En règle générale, des bords plus doux apparaissent dans les zones où les valeurs sont proches ou les zones floues, et les bords plus nets sont ceux où les valeurs contrastées se rejoignent ou dans les zones où je souhaite créer le focus. Par exemple, vous pouvez voir qu'il n'y a presque aucune définition entre ses cheveux et l'ombre de l'arrière-plan. Lorsque je peins un portrait, j'enregistre généralement les bords les plus nets pour les yeux, les parties des sourcils et des lèvres, les reflets spéculaires et les ombres projetées.

Ajustements finaux

Quand j'ai fini de peindre, je jette habituellement un masque flou pour donner à ma peinture une dernière petite poussée. Je le fais en aplatissant ma peinture en un seul calque et en sélectionnant un masque flou avec Filtre> Netteté> Masque flou, et en effaçant toutes les zones où je veux conserver la douceur. Vous pouvez voir mes paramètres de masque ci-dessus, généralement si le paramètre dépend de la taille de l'image. Lorsque vous travaillez plus petit, les paramètres doivent être inférieurs et vice versa.

Terminé

La peinture réaliste demande beaucoup de pratique, et j'étudie et j'apprends toujours de nouvelles choses tout le temps. Faire des études de la vie telles que la peinture à l'extérieur et le dessin de la vie sont d'excellents moyens de pratiquer vos compétences de peinture réalistes. Bonne peinture!

 

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