Hugo Pratt était un célèbre artiste et créateur de bandes dessinées. Il était aussi un grand aquarelliste. Vérifiez sur Google en tapant "Hugo Pratt Watercolours". Tant d'images sont là et belles.

 

Donc, quand je pense au style de peinture à l'aquarelle, je pense à quelque chose comme ça, très spécifique, que j'aimerais maîtriser dans le monde réel mais étant donné ma paresse et ma passion pour les outils de peinture numérique, en particulier Clip Studio Paint, j'ai décidé de essayez numériquement et repartez de zéro pour recréer ce que j'ai en tête.

 

Ce que je voudrais imiter, c'est quelque chose comme les images représentées à partir de certaines de ses aquarelles juste pour vous dire ce que j'ai en tête. J'aimerais afficher ici certaines de ses œuvres, mais il semble que cela enfreindrait le droit d'auteur, alors je vous dis simplement que si vous le souhaitez, vous pouvez vérifier quelques échantillons en cherchant sur Google quelque chose comme : "Hugo Pratt Aquarelles", puis vous pouvez regarder certaines de ses œuvres.

 

Vous pouvez voir sur les échantillons de taches de couleurs le genre d'effet que je suis capable de reproduire. Pour cela j'ai pensé à l'appeler : « Théorie de la pression inverse » car j'ai inversé l'idée que la pression sur la tablette doit être proportionnelle au niveau de peinture qui coule dans le dessin. C'est l'inverse dans mon cas : moins de pression, plus de peinture, plus de pression moins de peinture.

 

Si vous êtes intéressé, suivez simplement la lecture.

 

Permettez-moi de vous dire que d'après mon expérience, un style de dessin numérique comme celui d'Hugo Pratt est presque impossible dans une activité ponctuelle, cela signifie qu'un seul pinceau ayant ce genre d'effet est impossible à réaliser, à moins que vous ne créiez différents types de pinceaux et mélangeurs avec des réglages différents et essayez d'utiliser un mélange de tous pour vous en approcher.

 

En tout cas, je voulais essayer d'imiter ce sens de l'eau, des coups mouillés et soignés qu'il est si difficile de réaliser numériquement et après de nombreux essais, j'ai proposé ma théorie que je vous explique.

 

Commençons:

Les étapes que j'ai identifiées sont les suivantes :

 

Étape 1 : Sélection du papier

Étape 2 : Sélection du pinceau

Étape 3 : Paramètres du pinceau

 

Étape 1 : Sélection du papier.

 

Sélectionnez un nouveau document comme d'habitude. Je sélectionne un 2000px x 2000px à 300dpi avec du papier blanc ou jaune clair. Dans tous les cas, sélectionnez une couleur blanche. Pour changer la couleur du papier, sélectionnez le calque de papier et cliquez dans le petit carré pour sélectionner la couleur.

 

Ensuite, j'ouvre la fenêtre "matériau" (Fenêtre->Matériau->Motif monochrome) et vous pouvez ensuite sélectionner le motif "texture fine". Il est important que vous choisissiez ceci car il est rugueux et la rugosité est la clé pour obtenir l'effet.

 

Si vous voulez, vous pouvez en essayer d'autres mais pour l'instant suivez-moi. Faites glisser le motif sélectionné dans le document comme ci-dessous. Ou si vous avez déjà un dessin chargé, entre le calque dessin et le calque papier

 

Réduisez la fenêtre de matériau car nous n'en avons pas besoin maintenant et vous devriez avoir un gros document texturé gris foncé comme celui-ci :

 

Dans la boîte de dialogue "Propriété du calque" (Fenêtre->Propriété du calque si elle n'est pas visible), vous devez sélectionner le petit bouton appelé "Combinaison de textures" et définir 30 comme force. Ce paramètre peut être modifié pour obtenir des résultats différents sur la façon dont la texture est fortement ou doucement appliquée au papier. Un nombre plus élevé signifie une plus grande rugosité/rugueux du papier.

 

Dans la couche de papier, vous pouvez sélectionner une couleur différente mais pour l'instant je suggère de la laisser telle quelle ou de la régler sur un jaune très clair (RVB 248, 248, 238). Ce n'est pas si important et cela dépend de vos goûts. Pour les aquarelles, il est difficile d'imaginer un papier sombre car généralement le blanc représente la lumière et vous recouvrez la lumière de couleur.

 

Étape 2 : Sélection du pinceau. À moins que vous ne vouliez créer votre propre pinceau personnel qui vous oblige à savoir comment le faire dans CSP, ce qui est hors de portée ici, la suggestion que je vous donne est d'essayer de trouver des pinceaux sur Internet ou dans le portail CSP qui ressemblent à ceux qui J'ai trouvé disponible et j'ai sélectionné pour cet effet. Pour ce tutoriel, regardez bien les pinceaux ci-dessous et comment ils sont faits et essayez de trouver quelque chose de similaire. Peut-être avez-vous déjà quelque chose comme ceux-ci parmi les nombreux pinceaux que vous avez certainement déjà chargés.

 

Important : Il n'est pas obligatoire d'avoir exactement ceux ci-dessus pour suivre ce tutoriel. Veuillez étudier les principaux aspects communs à tous les exemples ci-dessus.

 

Les motifs communs sont qu'ils ont des nuances de gris du noir au transparent.

 

Franchement, je ne me souviens pas où j'ai trouvé ces pinceaux. J'ai probablement téléchargé depuis le portail, mais ce n'est pas si important.

 

L'important est que vous vous souveniez que :

• lorsque vous voyez du noir, cela signifie de la couleur (au niveau d'opacité que vous avez choisi, donc si vous avez réglé l'opacité à 50%, alors le noir signifie 50% de la couleur correspondante,

• quand tu vois ce dégradé du noir au transparent qui veut dire « de la couleur à l'eau »…

 

Le blanc progressif est donc de l'eau progressive. Plus de noir signifie plus de couleur.

 

Ceci est important car nous ne voulons pas d'un pinceau plat mais quelque chose qui recrée au hasard la quantité de couleur et le mouvement de la couleur dans les traits humides.

 

Ainsi, lorsque vous choisissez un pinceau, choisissez-en un qui présente ces caractéristiques :

-un peu arrondi,

-avec un côté noir ou plus foncé

-un peu fragmenté dans la bordure mais pas trop

-nuances passant du noir au presque transparent.

 

Dans certains cas, j'ai créé ces pinceaux moi-même en pulvérisant manuellement un vrai pinceau aquarelle noir sur du vrai papier, puis j'ai scanné les résultats lorsque j'ai créé plusieurs motifs, puis importé dans CSP, enregistré comme matériau et essayé.

 

On ne sait jamais à la fin ce qui est bon et ce qui fonctionne le mieux.

 

Une fois que vous avez choisi le pinceau, quel qu'il soit, l'étape suivante consiste à personnaliser le pinceau.

 

Étape 3 : Paramètres du pinceau : La théorie de la pression inverse

 

C'est la partie clé et cette étape est un peu la magie noire. Je vais suggérer mes paramètres pour le pinceau que vous avez sélectionné, mais croyez-moi, si vous modifiez la pointe du pinceau, les paramètres ne sont peut-être plus optimaux pour cette pointe de pinceau. Ou si vous modifiez une seule option dans les paramètres, les résultats pourraient changer beaucoup. Donc, la meilleure façon d'apprendre est de vraiment comprendre le sens des changements que vous appliquez, afin que vous puissiez essayer d'arrêter quand les choses sont comme vous le souhaitez.

 

Sélectionnez n'importe quel pinceau existant et cliquez dans les paramètres du sous-outil.

Cliquez sur "Créer un sous-outil personnalisé" (c'est le petit bouton dans la palette de sous-outils) => Donnez-lui un nom que vous aimez, appuyez sur OK. Après cela, vous disposez d'un outil à personnaliser.

 

 

Si vous voulez créer le pinceau copiez simplement ces paramètres ici, mais je vous suggère de lire mes commentaires car sinon vous ne comprenez pas le sens des choix.

 

Taille du pinceau : Ici, le point clé est le réglage de la pression. Demandez-vous : Que voulez-vous lorsque vous appliquez la pression minimale sur la tablette ? Si la réponse est : je veux le pixel minimal possible, puis réduisez ce paramètre à zéro. Je préfère plutôt en avoir un peu plus car lorsque vous peignez pour de vrai, le minimum n'est jamais un seul point et j'ai donc augmenté à environ au-dessus au milieu entre 0% et la première ligne qui est de 25% dans l'échelle de sortie. Voir l'origine qui n'est pas à 0% mais un peu au dessus à mi-chemin du carré inférieur. Regardez la diagonale ci-dessous, ce n'est pas exactement y=x, mais y=x+10% environ

 

Encre : C'est aussi la clé. Mon approche est un changeur d'esprit. J'ai défini l'opacité sur 82. L'effet de l'opacité est que lorsque vous dessinez plusieurs fois sur le même trait, la couleur devient plus foncée jusqu'à la saturation de cette couleur. Oui je veux ça.

 

Dynamique d'opacité : regardez maintenant la dynamique d'opacité que vous pouvez invoquer en cliquant sur la flèche à droite de 82 dans l'image ci-dessous : en haut à gauche : commence à 95 % et se termine à 5 %. J'ai choisi cela parce que l'effet que je veux dans mon dessin est que lorsque vous appliquez la pression minimale sur la tablette, vous voulez l'opacité maximale tandis que lorsque vous appliquez la pression maximale, vous voulez une opacité nulle.

 

Essayez-le. C'est fantastique car il recrée l'effet d'arrosage de la couleur sur le papier car lorsque vous touchez juste légèrement le 'papier' vous avez le max de peinture mais alors sans lever la main, si vous continuez à appliquer progressivement une pression, il a tendance à se dilater.

 

Ceci est radicalement différent du style de dessin traditionnel basé sur une courbe de pression standard et vous devez vous y habituer car ce n'est peut-être pas si naturel pour vous tous.

 

Rappelez-vous moins de pression plus d'opacité, plus de pression moins d'opacité. De cette façon, vous pouvez créer ces parties plus sombres dans les traits, car vous pouvez simplement peindre légèrement et étendre. Mais attendez avant qu'il y ait un autre aspect clé à suivre : le suivant.

 

L'autre aspect clé est le mode de fusion. Il y en a deux que je vous suggère d'essayer :

 

L'un est le mode de fusion « Arrière-plan » qui a cet effet étrange mais original : la couleur de votre trait passe sous la couleur déjà peinte. Peu à peu la couleur se superpose comme si c'était la première couleur mais elle émerge d'en bas. De cette façon, la première tache de couleur que vous avez peinte en appliquant moins de pression reste et elle n'est pas détruite par le mode de fusion car "l'arrière-plan" commence d'abord en dessous de l'opacité maximale. Bien sûr, si vous continuez à mélanger, le niveau d'opacité change et l'effet est comme la destruction de la touche initiale. Vous pouvez essayer si vous aimez différents modes de fusion comme « normal » ou « multiplier », mais celui ci-dessus est vraiment génial si vous comprenez la logique.

 

Un autre est le mode de fusion "Remplacer Alpha". Ce mode signifie que l'opacité de la couleur superposée remplace l'opacité de la couleur ci-dessous. Cela signifie que si vous ne changez pas de couleur mais que vous peignez simplement sur ce que vous avez déjà peint, l'effet est qu'il essaie de maintenir la même opacité et le résultat est plus lisse que d'autres modes de fusion comme normal ou multiplié et donc vous ne ' t besoin de mélanger ou de faire d'autres choses pour lisser la peinture. Un deuxième effet est que si vous choisissez une couleur proche, cela crée un beau mélange des deux tout en gardant le même niveau d'opacité.

 

Récapitulatif : essayez les deux et sélectionnez celui que vous aimez. Ce que je suggère, c'est de créer deux pinceaux identiques avec les deux modes de fusion afin de pouvoir passer facilement de l'un à l'autre.

 

Note importante à propos de "supprimer": Si par hasard vous mettez une couleur en excès dans votre dessin et que vous souhaitez corriger (sans utiliser le ctrl-z/cmd-z qui est toujours possible) vous avez plusieurs options alternatives que je vous recommande.

 

Ceux que j'aime le plus sont :

 

a) dupliquez l'outil et vous gardez tout dans le réglage du pinceau tel quel, mais vous changez le mode de fusion de « arrière-plan » à « effacer ». Ensuite, vous peignez légèrement sur votre dessin pour effacer les parties de couleur en excès.

 

Important : si vous choisissez cette technique qui est la meilleure à mon avis alors

modifiez les paramètres de l'option de texture dans le "détail de l'outil secondaire" en désélectionnant la "densité inversée", la raison en est un choix personnel pour l'effet résultant

baisser la densité de texture à 50-60%. Voir la deuxième image juste en dessous.

 

b) Alternativement, vous conservez l'outil que vous utilisez pour peindre mais vous changez la couleur de votre couleur sélectionnée actuelle à la couleur transparente et vous dessinez de cette manière sur la partie avec la couleur en excès. lorsque vous avez terminé, vous revenez à votre couleur. J'ai attribué cela à l'un des boutons de mon stylet wacom (j'utilise une très vieille tablette Intuos 3).

 

Ces suggestions sur l'effacement sont bien meilleures que d'utiliser la « gomme », mais faites ce que vous préférez.

 

Anti Aliasing : j'ai choisi "faible" qui est le deuxième en partant de la gauche.

 

Forme du pinceau : aucun changement ici. Bien sûr, vous devez sélectionner le pinceau que vous avez décidé d'utiliser comme je l'ai dit plus haut.

 

Effet de pulvérisation : Rien de sélectionné.

 

Course : Ici, l'aspect clé est la « pulvérisation continue » réglée sur « on ». Dans cet esprit et avec les commentaires ci-dessus sur l'effet de la pression inverse, si vous appliquez une pression progressive (de la basse pression à la haute pression sur la tablette), c'est comme si vous ajoutiez plus d'opacité (eau) à la couleur.

 

Donc si vous ajoutez un point de couleur avec une légère pression sur la tablette (rappelez-vous que nous définissons une opacité maximale avec une faible pression sur la tablette) et que vous augmentez la pression constamment sur la tablette l'effet est que la couleur est initialement en pleine opacité mais s'estompe ensuite magnifiquement.

 

Texture : C'est un autre aspect clé de ces paramètres de pinceau. Nous voulons recréer un effet soigné sur papier comme le bleu ici à gauche Vous devez sélectionner une texture comme je l'ai fait avec "Crayon". La densité signifie "quelle force voulez-vous que cette texture soit appliquée au trait ?". J'ai décidé avec 70 car j'aime l'effet groomy. Bien sûr, si vous le définissez sur 0, vous annulez l'effet de la texture.

 

La fonction de densité inversée est également très importante et j'essaie d'expliquer comment cela fonctionne : les textures ont un effet granuleux fait de points. Certains des points se traduisent par "pas de trait" lorsque vous l'utilisez, c'est-à-dire comme de petits points blancs sur du papier. Au lieu de cela, nous voulons que ces points soient sombres (grooms), c'est pourquoi vous avez choisi "densité inversée". Le rapport d'échelle agrandit ou réduit les points de la texture. Donc si vous voulez des petits points sombres vous réduisez l'échelle sinon vous agrandissez l'échelle. La méthode pour appliquer la texture est « multiplier » parce que nous voulons que les points sombres émergent. vous vous souvenez que si vous avez le dessin au trait, vous définissez ce calque sur « multiplier » afin qu'il soit toujours au-dessus ? bien ici est en quelque sorte similaire.

 

Bordure d'aquarelle : Pas si important pour moi mais cela dépend de vous. Je l'ai mis bas.

 

Les autres paramètres : Effacer, Correction, Début et Fin, Anti-débordement ne sont pas si importants ici et vous pouvez choisir les valeurs par défaut.

 

 

Ressources utiles : http://vd.clipstudio.net/clipcontent/en/lib/clipstudio/paint/data/162/EN_CSP_toolguide_162.pdf recherchez le mode d'effacement et de fusion d'arrière-plan.

 

Cela dit, vous pouvez essayer vous-même. L'exemple ci-dessous de mon dessin (donc pas de violation du droit d'auteur car je partage mes propres œuvres) que j'ai fait avec cette technique montre quelques détails mais vous devez essayer vous-même.

 

J'espère que vous aimez et j'espère que ce n'est pas trop difficile à suivre.

 

Salutations d'Italie :-) et merci Clip Studio Paint.