Hugo Pratt était un artiste et créateur de bandes dessinées célèbre. Il était aussi un grand aquarelliste. Cherchez sur Google en tapant « hugo pratt watercolours ». Il y a tant d'images, et elles sont magnifiques.

 

Alors, quand je pense au style de peinture à l'aquarelle, je pense à quelque chose de très spécifique, que j'aimerais maîtriser dans le monde réel, mais étant donné ma paresse et ma passion pour les outils de peinture numérique, en particulier Clip Studio Paint, j'ai décidé d'essayer numériquement et de repartir de zéro pour recréer ce que j'ai en tête.

 

Ce que j'aimerais émuler, c'est quelque chose qui ressemble aux images tirées de certaines de ses aquarelles, juste pour vous donner une idée. J'aimerais afficher ici certaines de ses œuvres, mais il semble que cela enfreindrait les droits d'auteur, alors je vous dis simplement que si vous le souhaitez, vous pouvez consulter des exemples en cherchant sur Google quelque chose comme : « hugo pratt watercolors » et vous pourrez alors admirer certaines de ses œuvres.

 

Vous pouvez voir, à partir des échantillons de taches de couleur, le type d'effet que je suis capable de reproduire. Pour ce faire, j'ai pensé l'appeler : « Théorie de la pression inverse » parce que j'ai inversé l'idée selon laquelle la pression sur la tablette doit être proportionnelle au niveau de peinture s'écoulant dans le dessin. C'est le contraire dans mon cas : moins de pression, plus de peinture, plus de pression, moins de peinture.

 

Si vous êtes intéressé, continuez à lire.

 

Permettez-moi de vous dire que, d'après mon expérience, un style de dessin numérique comme celui de Hugo Pratt est presque impossible à réaliser en une seule activité, ce qui signifie qu'un seul pinceau ayant ce type d'effet est impossible à obtenir, à moins de créer différents types de pinceaux et de mélangeurs avec des paramètres différents et d'essayer d'utiliser un mélange de tous pour s'en approcher.

 

En tout cas, je voulais essayer d'émuler cette sensation d'eau, de coups de pinceau humides et granuleux, si difficile à obtenir numériquement et après de nombreux essais, j'ai élaboré ma théorie que je vous explique.

 

Commençons :

Les étapes que j'ai identifiées sont les suivantes :

 

Étape 1 : Sélection du papier

Étape 2 : Sélection du pinceau

Étape 3 : Paramètres du pinceau

 

Étape 1 : Sélection du papier.

 

Sélectionnez un nouveau document comme d'habitude. Je sélectionne un document de 2000px x 2000px à 300dpi avec un papier blanc ou jaune clair. Dans tous les cas, choisissez une couleur blanchâtre. Pour changer la couleur du papier, sélectionnez le calque de papier et cliquez sur le petit carré pour choisir la couleur.

 

Ensuite, j'ouvre la fenêtre « Matériau » (Fenêtre->Matériau->Motif Monochrome) et vous pouvez alors sélectionner le motif « texturé fin ». Il est important que vous le choisissiez car il est rugueux et la rugosité est essentielle pour obtenir l'effet.

 

Si vous le souhaitez, vous pouvez en essayer d'autres, mais pour l'instant, suivez-moi. Faites glisser le motif sélectionné dans le document comme ci-dessous. Ou si vous avez déjà un dessin chargé, entre le calque de dessin et le calque de papier.

 

Réduisez la fenêtre des matériaux car nous n'en avons pas besoin maintenant et vous devriez avoir un grand document texturé gris foncé, quelque chose comme ceci :

 

Dans la boîte de dialogue « Propriétés du calque » (Fenêtre->Propriétés du calque si non visible), vous devez sélectionner le petit bouton appelé « Combiner texture » et définir 30 comme force. Ce paramètre peut être varié pour obtenir différents résultats sur la manière dont la texture est appliquée fortement ou doucement au papier. Un nombre plus élevé signifie une rugosité plus forte du papier.

 

Dans le calque de papier, vous pouvez sélectionner une couleur différente, mais pour l'instant, je vous suggère de le laisser tel quel ou de le définir sur un jaune très clair (RVB 248, 248, 238). Ce n'est pas si important et cela dépend de vos goûts. Pour les aquarelles, il est difficile d'imaginer un papier foncé car généralement le blanc représente la lumière et vous couvrez la lumière avec de la couleur.

 

Étape 2 : Sélection du pinceau. À moins que vous ne vouliez créer votre propre pinceau personnel, ce qui nécessite de savoir comment le faire dans CSP, ce qui n'est pas le propos ici, la suggestion que je vous donne est d'essayer de trouver des pinceaux sur Internet ou sur le portail CSP qui ressemblent à ceux que j'ai trouvés disponibles et que j'ai sélectionnés pour cet effet. Pour ce tutoriel, observez bien les pinceaux ci-dessous et comment ils sont faits, et essayez de trouver quelque chose de similaire. Peut-être avez-vous déjà quelque chose de ce genre parmi les nombreux pinceaux que vous avez certainement déjà chargés.

 

Important : Il n'est pas obligatoire que vous ayez exactement ceux ci-dessus pour suivre ce tutoriel. Veuillez étudier les aspects clés communs à tous les échantillons ci-dessus.

 

Les motifs communs sont qu'ils ont des nuances de gris allant du noir au transparent.

 

Franchement, je ne me souviens plus où j'ai trouvé ces pinceaux. Je les ai probablement téléchargés depuis le portail, mais ce n'est pas si important.

 

L'important est de se souvenir que :

• quand vous voyez du noir, cela signifie de la couleur (au niveau d'opacité que vous avez choisi, donc si vous avez une opacité réglée à 50%, alors le noir signifie 50% de la couleur pleine correspondante),

• quand vous voyez ce dégradé du noir au transparent, cela signifie « de la couleur à l'eau »...

 

Donc le blanc progressif est de l'eau progressive. Plus de noir signifie plus de couleur.

 

C'est important car nous ne voulons pas un pinceau plat, mais quelque chose qui recrée aléatoirement la quantité de couleur et le mouvement de la couleur dans les coups humides.

 

Donc, lorsque vous choisissez un pinceau, choisissez-en un qui présente ces caractéristiques :

-d'une certaine manière arrondi,

-avec un côté noir ou plus foncé

-un peu fragmenté sur le bord mais pas trop

-des nuances qui s'estompent du noir au presque transparent.

 

Dans certains cas, j'ai créé ces pinceaux moi-même en pulvérisant manuellement un vrai pinceau aquarelle noir sur du vrai papier, puis j'ai scanné les résultats lorsque j'ai créé plusieurs motifs, puis je les ai importés dans CSP, enregistrés comme matériel et essayés.

 

On ne sait jamais à la fin lequel est bon et lequel fonctionne le mieux.

 

Une fois que vous avez choisi le pinceau, quel qu'il soit, l'étape suivante consiste à personnaliser le pinceau.

 

Étape 3 : Paramètres du pinceau : La théorie de la pression inverse

 

C'est la partie clé et cette étape est un peu de la magie noire. Je suggérerai mes paramètres pour le pinceau que vous avez sélectionné, mais croyez-moi, si vous changez l'embout du pinceau, alors les paramètres pourraient ne plus être optimaux pour cet embout. Ou si vous changez une seule option dans les paramètres, les résultats pourraient beaucoup changer. Donc, la meilleure façon d'apprendre est de vraiment comprendre le sens des changements que vous appliquez, afin que vous puissiez essayer et vous arrêter lorsque les choses sont comme vous le souhaitez.

 

Sélectionnez n'importe quel pinceau existant et cliquez sur les paramètres du sous-outil.

Cliquez sur « Créer un sous-outil personnalisé » (c'est le petit bouton dans la palette des sous-outils) => Donnez-lui un nom que vous aimez, appuyez sur OK. Après cela, vous avez un outil à personnaliser.

 

 

Si vous voulez créer le pinceau, copiez simplement ces paramètres ici, mais je vous suggère de lire mes commentaires car sinon vous ne comprendrez pas le sens des choix.

 

Taille du pinceau : Ici, le point clé est le réglage de la pression. Demandez-vous : Que voulez-vous lorsque vous appliquez une pression minimale sur la tablette ? Si la réponse est : Je veux le pixel minimal possible, alors baissez ce paramètre à zéro. Je préfère, au contraire, avoir un peu plus, car quand vous peignez pour de vrai, le minimum n'est jamais un point unique, et donc je l'ai augmenté à environ au-dessus du milieu entre 0% et la première ligne qui est de 25% dans l'échelle de sortie. Voir l'origine qui n'est pas à 0% mais un peu au-dessus du milieu du carré inférieur. Regardez la diagonale ci-dessous, ce n'est pas exactement y=x, mais y=x+10% environ.

 

Encre : C'est également essentiel. Mon approche est un changement de mentalité. Je règle l'opacité à 82. L'effet de l'opacité est que lorsque vous dessinez plusieurs fois sur le même trait, la couleur devient plus foncée jusqu'à la saturation de cette couleur. Oui, je veux ça.

 

Dynamique d'opacité : Regardez maintenant la dynamique d'opacité que vous pouvez invoquer en cliquant sur la flèche à droite de 82 dans l'image ci-dessous : C'est L'OPPOSÉ de la dynamique de pinceau vue ci-dessus : ne faites pas une diagonale parfaite du haut à droite vers le haut à gauche : commencez à 95 % et finissez à 5 %. J'ai choisi cela parce que l'effet que je veux dans mon dessin est que lorsque vous appliquez une pression minimale sur la tablette, vous voulez l'opacité maximale, tandis que lorsque vous appliquez une pression maximale, vous voulez une opacité nulle.

 

Essayez-le. C'est fantastique car cela recrée l'effet d'aquarelle sur le papier : lorsque vous touchez légèrement le 'papier', vous avez le maximum de peinture, mais ensuite, sans lever la main, si vous continuez progressivement à appliquer de la pression, la couleur a tendance à s'étendre.

 

C'est radicalement différent du style de dessin traditionnel basé sur une courbe de pression standard et vous devez vous y habituer car ce n'est peut-être pas si naturel pour tout le monde.

 

N'oubliez pas : moins de pression, plus d'opacité ; plus de pression, moins d'opacité. De cette façon, vous pouvez créer ces parties plus foncées dans les traits car vous pouvez simplement peindre légèrement et la couleur s'étendra. Mais attendez, il y a un autre aspect clé à suivre : le suivant.

 

L'autre aspect clé est le mode de fusion. Il y en a deux que je vous suggère d'essayer :

 

L'un est le mode de fusion « Arrière-plan » qui a cet effet étrange mais original : la couleur de votre trait passe sous la couleur déjà peinte. Progressivement, la couleur se superpose comme s'il s'agissait de la première couleur, mais elle émerge d'en dessous. De cette façon, la première tache de couleur que vous avez peinte en appliquant moins de pression reste et n'est pas détruite par le mode de fusion, car « arrière-plan » commence par le dessous de l'opacité maximale. Bien sûr, si vous continuez à fusionner, le niveau d'opacité change et l'effet est comme détruire la touche initiale. Vous pouvez essayer si vous le souhaitez différents modes de fusion comme « normal » ou « multiplier », mais celui ci-dessus est vraiment excellent si vous en comprenez la logique.

 

Un autre est le mode de fusion « Remplacer l'alpha ». Ce mode signifie que l'opacité de la couleur superposée remplace l'opacité de la couleur en dessous. Cela signifie que si vous ne changez pas de couleur mais que vous peignez simplement sur ce que vous avez déjà peint, l'effet est qu'il essaie de maintenir la même opacité et le résultat est plus lisse que d'autres modes de fusion comme normal ou multiplier, et donc vous n'avez pas besoin de mélanger ou de faire d'autres choses pour lisser la peinture. Un deuxième effet est que si vous choisissez une couleur proche, cela crée un beau mélange des deux tout en conservant le même niveau d'opacité.

 

Récapitulatif : Essayez les deux et sélectionnez celui que vous préférez. Ce que je suggère, c'est de créer deux pinceaux identiques avec les deux modes de fusion afin de pouvoir passer facilement de l'un à l'autre.

 

Note importante sur la « suppression » : Si par hasard vous mettez un excès de couleur dans votre dessin et que vous voulez corriger (sans utiliser le ctrl-z/cmd-z, ce qui est toujours possible), vous avez plusieurs options alternatives que je recommande.

 

Ceux que je préfère sont :

 

a) dupliquez l'outil et vous gardez tous les paramètres du pinceau tels quels, mais vous changez le mode de fusion de « arrière-plan » à « effacer ». Ensuite, vous peignez légèrement sur votre dessin pour effacer les parties de couleur en excès.

 

Important : si vous choisissez cette technique, qui est la meilleure à mon avis, alors

modifiez les paramètres de l'option de texture dans les « détails du sous-outil » en désélectionnant l'option « inverser la densité », la raison en est un choix personnel pour l'effet résultant

baissez la densité de texture à 50-60 %. Voir la deuxième image juste en dessous.

 

b) Alternativement, vous maintenez l'outil que vous utilisez pour peindre mais vous changez la couleur de votre couleur actuellement sélectionnée à la couleur transparente et vous dessinez de cette façon sur la partie avec un excès de couleur. Lorsque vous avez terminé, vous revenez à votre couleur. J'ai assigné cela à l'un des boutons de mon stylet Wacom (j'utilise une très vieille tablette Intuos 3).

 

Ces suggestions concernant l'effacement sont bien meilleures que l'utilisation de la « gomme », mais faites comme vous préférez.

 

Anti-crénelage : J'ai choisi « faible » qui est le deuxième en partant de la gauche.

 

Forme du pinceau : Aucun changement ici. Bien sûr, vous devez sélectionner le pinceau que vous avez décidé d'utiliser, comme je l'ai dit ci-dessus.

 

Effet de pulvérisation : Rien sélectionné.

 

Trait : Ici, l'aspect clé est le « pulvérisation continue » réglé sur 'activé'. Dans cette optique et avec les commentaires ci-dessus sur l'effet de la pression inverse, si vous appliquez une pression progressive (de faible à forte pression sur la tablette), cela signifie que c'est comme si vous ajoutiez plus d'opacité (eau) à la couleur.

 

Ainsi, si vous ajoutez un point de couleur avec une légère pression sur la tablette (rappelez-vous que nous avons réglé l'opacité maximale avec une faible pression sur la tablette) et que vous augmentez ensuite la pression constamment sur la tablette, l'effet est que la couleur est initialement en pleine opacité, mais qu'elle s'estompe ensuite magnifiquement.

 

Texture : C'est un autre aspect clé de ces réglages de pinceau. Nous voulons recréer un effet granuleux sur le papier comme les bleus ici à gauche. Vous devez sélectionner une texture comme je l'ai fait avec « Crayon ». La densité signifie « à quel point voulez-vous que cette texture soit appliquée au trait ? ». J'ai décidé de 70 car j'aime l'effet granuleux. Bien sûr, si vous la réglez à 0, vous annulez l'effet de la texture.

 

La fonction de densité inverse est également très importante et j'essaie d'expliquer comment elle fonctionne : les textures ont un effet granuleux fait de points. Certains de ces points se traduisent par « pas de trait » lorsque vous l'utilisez, ce qui signifie comme de petits points blancs sur le papier. Au lieu de cela, nous voulons que ces points soient sombres (grains), c'est pourquoi vous choisissez « densité inverse ». Le rapport d'échelle agrandit ou réduit les points de la texture. Donc, si vous voulez de petits points sombres, vous réduisez l'échelle, sinon vous l'agrandissez. La méthode pour appliquer la texture est « multiplier » parce que nous voulons que les points sombres émergent. Vous vous souvenez que si vous avez le line art, vous réglez ce calque sur « multiplier » pour qu'il soit toujours au-dessus ? Eh bien, c'est quelque peu similaire ici.

 

Bordure de l'aquarelle : Pas si important pour moi, mais cela dépend de vous. Je l'ai réglé bas.

 

Les autres paramètres : Gomme, Correction, Début et Fin, Anti-débordement ne sont pas si importants ici et vous pouvez choisir les valeurs par défaut.

 

 

Ressources utiles : http://vd.clipstudio.net/clipcontent/en/lib/clipstudio/paint/data/162/EN_CSP_toolguide_162.pdf cherchez gomme et mode de fusion arrière-plan.

 

Cela dit, vous pouvez essayer par vous-même. L'exemple ci-dessous de l'un de mes dessins (donc pas de violation de droits d'auteur car je partage mes propres œuvres) que j'ai réalisé avec cette technique montre quelques détails, mais vous devez essayer par vous-même.

 

J'espère que vous aimerez et que ce n'est pas trop difficile à suivre.

 

Salutations d'Italie :-) et merci Clip Studio Paint.