Bonjour et bienvenue sur ce tutoriel ! Je m’appelle Colombe, et aujourd’hui je vais vous donner quelques conseils et techniques sur comment ajouter facilement de la couleur à vos illustrations de personnages.

 

C’est parti !

COMMENT CHOISIR SES COULEURS

• Trouver l’inspiration avec des palettes de couleur

 

Dans Clip Studio Paint Assets, vous pouvez trouver des palettes de couleurs déjà faites et préétablies par d’autres utilisateurs, vous pouvez les trouver dans la barre de recherche “ensemble de couleurs”.

Internet est également une merveilleuse ressource d’inspiration, et avoir les petites astuces peut parfois beaucoup aider : si vous n’avez aucune idée de quelle couleur choisir, je vous invite à chercher “movie color palette”, qui recense plusieurs palettes de couleur de film et peut donner de superbes compositions. Un autre site chouette à connaître est “coolors”, qui est un générateur de palette de couleurs et peut dépanner en cas de manque d’inspiration.

 

Une fois votre palette choisie, vous pouvez enregistrer l'image, l'importer sur votre toile et pipeter les différentes couleurs pour les mettre dans les palettes de Clip Studio Paint.

Utiliser la signification des couleurs est une bonne idée en fonction de l’ambiance que vous voulez donner à votre dessin. Par exemple, des couleurs plus froides peuvent donner à votre illustration un coté plus mélancolique, alors que des couleurs chaudes peuvent amener un coté plus festif.

 

L'utilisation des couleurs complémentaires (orange/bleu, rouge/vert, jaune/violet) est également une très bonne idée pour une composition réussie.

 

Le secret est de ne pas avoir peur de combiner des couleurs étonnantes entre elles, il est important d’oser !

• Utilisation de la roue chromatique

 

La roue chromatique est un merveilleux outil qui n’est pas à négliger.

Lorsque que vous sélectionnez une couleur, vous avez plusieurs modèles de visionnage de couleur disponible, comprenant la roue chromatique.

 

Une fois que vous avez sélectionné une couleur, il y a une manière simple de choisir l’ombre qui lui correspond : sur la roue chromatique, descendez votre curseur en bas à droite, et tournez la roue vers des tons plus chaud. Vous arrivez à un résultat d’ombre chaleureux, et cela évite une couleur fade si vous descendez simplement le curseur vers le bas. Cela fonctionne pour tout, pour la peau, les cheveux, vêtements...

C’est ma petite technique qui me permet d’avoir une uniformité dans les valeurs de mon illustration. Après à vous de doser comme bon vous semble, et en fonction de vos préférences. Je vous conseille de travailler sur un fond gris peu saturé, cela aide à mieux voir les valeurs des couleurs plutôt qu’un fond blanc.

PLACER LES COULEURS DE BASES

• Outil remplissage 

 

Un outil à connaitre pour vous faire gagner du temps lorsque vous dessinez est l’outil remplir, aussi appelé pot de peinture. Une fois votre croquis mis au propre avec un line art, vous pouvez transformer votre calque en calque de référence. Cela vous permettra en quelques clics de remplir vos formes sur des calques différents.

Pour ce faire, allez chercher dans calque, paramètre du calque, définir comme calque de référence.

Cela devrait faire apparaitre cette petite icone, ici en rouge :

Désormais, vous pouvez remplir vos formes très facilement. Il vous suffit de mettre un nouveau calque sous le calque de référence, d’utiliser le pot de peinture et de cliquer où vous voulez mettre la couleur.

Vous pouvez alterner entre les différents paramètres afin d’avoir les meilleurs résultats possibles en fonction de votre dessin, comme par exemple l’outil de “mise à niveau” qui permet à la couleur de s’étendre plus loin que le lineart et éviter des trous dans votre couleur. Exemple avec la mise à niveau (à droite) et sans la mise à niveau (à gauche).

• Organisation des calques

 

Je vous conseille de répartir vos calques par éléments : un calque pour la peau, un pour les cheveux, les vêtements... Ce système d’isolement permet d’y voir plus clair dans votre travail, et également vous laisse une marge de changement si vous décidez finalement de recommencer quelque chose.

 

Par exemple, imaginons que j’aurais finalement préféré que mon personnage ait les cheveux roux et non bruns, je peux toujours changer ça à la fin en allant dans édition, correction de teinte, teinte saturation luminosité.

Et hop, plus besoin d'aller chez le coiffeur ; )

Pour finir avec l’organisation des calques, je vous conseille de cocher la fonctionnalité “verrouiller pixels transparents” (en bleu ici). Cela servira tout simplement à ne pas dépasser de votre calque, vous ne prenez pas le risque de colorier à coté.

A la fin de cette étape, mon dessin ressemble à ça :

PREMIERES OMBRES

• Ombres : comment les placer

 

Clip Studio Paint a de merveilleuses ressources pour aider dans le placement des ombres : lorsque vous importez un modèle 3D sur votre toile, vous pouvez utiliser l’outil “appliquer une source de lumière” pour voir votre objet se faire éclairer par un projecteur et donc vous aiguillez dans le placement de vos ombres.

• Aérographe, pinceau dur et pinceau doux

 

Je n’utilise en général que trois pinceaux. Un aérographe, pour placer les premières ombres et donner un début de volume ; un pinceau dur, comme une plume ou un marqueur, et pour finir un pinceau plus doux et mélangeur comme le pinceau peinture à huile.

Placez une première ombre à l’aérographe, et commencez ensuite à placer des ombres nettes aux autres endroits. N’ayez pas peur de vous tromper ou d’en faire une trop marquée, vous pouvez toujours l’atténuer après ! J’utilise deux seuils de couleur d’ombres, une première pour la majorité et une plus foncée pour les endroits qui demande plus de profondeur.

 

Une fois tout ça placé, vous pouvez utiliser un pinceau peinture pour atténuer et flouter quelques ombres, en fonction du rendu que vous souhaitez obtenir.

Voici à quoi mon dessin ressemble à la fin de cette étape:

HIGHLIGHT ET EFFETS BONUS

• Les lumières

 

Et enfin, mon moment préféré ! Prenez une couleur plus claire, et placez des petits accents de lumière aux endroits souhaités. J’aime en mettre beaucoup, mais vous pouvez également garder votre dessin plus sobre.

• Colorier le line art  

 

Il est temps de rajouter des petits détails. Personnellement, je profite de ce moment pour colorier mon line art. Je verrouille les pixels adjacents sur mon calque, et je colorie les bords avec une couleur plus adaptée que celle que j’ai mise pour colorier l’élément.

• Mode de fusion

 

Pour finir, voici une petite étape supplémentaire. Il s’agit de jouer avec les modes de fusion, et plus en particulier le mode “incrustation”. Ce dernier va venir s’ajouter à votre illustration et jouer une sorte d’effet de filtre de couleur. Voici un exemple avec un violet clair :

Ou encore avec un ton orangé :

Cela peut permettre de véritablement transformer l’ambiance de votre pièce finale, et peut s’avérer très utile en fonction de ce que vous faites ! Si vous faites un personnage en pleine forêt par exemple, si vous mettez un orange cela donnera un effet de golden hour, mais si vous mettez un bleu clair froid cela produira plus une ambiance de pleine lune...

 

Et voilà, vous êtes maintenant fin prêts pour vous attaquer à la couleur de votre illustration !

Ceci était ma technique, mais il en existe évidement plein d’autres, à vous de trouver celle qui fonctionne le mieux pour vous. La règle d’or est de toujours s’amuser, et de ne pas avoir peur de se tromper !

Merci d’avoir lu ce tutoriel ! Je vous souhaite une merveilleuse journée, et si vous désirez me retrouver sur instagram ou sur tiktok: @colombe.art_ <3

 

Pour avoir le tutoriel en format vidéo: