Bonjour à tous, dans ces astuces du mois je vais tout vous expliquer sur la façon de créer une illustration fantasy (un fond fantasy pour être précis, comme le dit le titre 🙂 ) du début à la fin, ainsi que quelques astuces qui peuvent s'appliquer à votre propre style, j'espère qu'il vous plaira 😀 .

Principales caractéristiques des fonds fantasy

Vous êtes-vous déjà demandé à quoi ressemble un arrière-plan fantastique? Eh bien, si c'est le cas, venez avec moi pour passer en revue certaines caractéristiques qui les distinguent et comment créer cette atmosphère mystérieuse qui existe en eux.

Pour commencer, quelque chose que j'ai remarqué dans de nombreuses illustrations fantastiques (ou qui, selon le moteur de recherche, correspondait à cette description) avait ces éléments :

-Nature : il y a presque toujours un grand nombre de plantes qui ont envahi les ruines d'une mystérieuse civilisation ancienne, une forêt luxuriante et épaisse, ou une friche pleine d'herbes et de fleurs. Dans les quelques illustrations qui ne contiennent pas d'arbres, de fleurs ou de plantes quelconques ou qui semblent simplement dépourvues de vie, c'est parce qu'elles veulent représenter un fantasme plus sombre ou un monde détruit ou corrompu est représenté.

-Ruines d'une ancienne civilisation ou bâtiments géants : cet élément est très présent dans de nombreuses illustrations fantastiques, probablement parce que nous ne savons pas ce qui s'y est passé, alors nous associons l'inconnu au mystère, et de même, le mystère nous l'associons à la magie . D'autre part, les constructions qui sont encore habitées ou utilisées sont généralement : d'immenses villes magiques, de grands temples ou d'immenses monuments.

-Lumière "magique" : celle-ci peut venir du ciel ou d'autres objets ou éléments, et on ne la retrouve pas dans toutes les illustrations, mais c'est un point fort car cette lumière est blanche ou dorée et elle vient du ciel, donnant le sensation d'être devant quelque chose d'important ou presque divin ou pur, ainsi que si procède de quelque personnage ou élément dedans de l'oeuvre. De même, si elle vient du ciel et éclaire des ruines, elle peut donner la sensation de découvrir quelque chose de mystérieux.

-Les éléments fantastiques : ces éléments sont des objets ou des créatures difficiles ou impossibles à observer dans notre monde ou dans la vie de tous les jours. De nombreux éléments peuvent entrer dans cette catégorie, du relief, une créature, une architecture ou autres. comme la météo et les objets environnants.

Bien que vous puissiez inclure tous les éléments décrits ici dans votre travail, il n'est pas nécessaire que vous le fassiez, car un ou deux éléments que vous incluez peuvent donner l'impression d'être liés à la fantaisie.

Quelque chose qui caractérise généralement les arrière-plans (pas seulement les illustrations fantastiques), c'est qu'ils ne s'approchent généralement pas du personnage, car ce qui est recherché est d'observer l'environnement ou une partie de l'environnement, donc même si votre personnage peut être l'objectif principal, il doit aussi laisser de l'espace pour faire partie de l'environnement.

 

Choisissez le message que nous voulons transmettre

Ce n'est peut-être pas très important à première vue, ou parfois on le laisse en arrière-plan et on dessine juste pour le plaisir de dessiner, et ne vous méprenez pas, ça peut être bien de faire ça pour s'entraîner ou se distraire, mais si vous faites cela en continu avec toutes vos illustrations, il se peut qu'à un moment donné vous bloquiez ou ne trouviez pas la manière dont cette illustration atteint une fin satisfaisante. Le fait est que vous devez trouver ce que vous dessinez, pourquoi vous le dessinez et "à qui est destiné le dessin", en plus de la question la plus importante : "qu'est-ce que je veux transmettre ?". Une fois que vous y avez réfléchi, vous devez garder à l'esprit que le message doit être le plus court possible, afin que le message ait beaucoup plus de force.

Comment faire passer notre message ?

Bien qu'on puisse dire qu'il faut maîtriser notre technique dans tous les sens pour que le message soit plus clair et plus lisible, on peut attribuer la façon dont on perçoit une œuvre à deux caractéristiques principales, et ce sont : la composition et la couleur.

 

-Composition:

Eh bien, nous allons commencer par le "corps" (pour l'appeler dans un sens) de notre illustration, puisque la composition est la manière dont nous plaçons les objets dans notre toile, c'est-à-dire que lorsque nous plaçons un élément dans notre illustration, nous sommes composer, cependant , cela ne signifie pas que c'est une bonne composition, donc pour réaliser une bonne composition, nous devons connaître quelques règles et éléments de base.

 

-ÉLÉMENTS ESSENTIELS:

Nous pouvons trouver 4 éléments de base dans toutes les compositions (ou du moins dans la plupart), et ce sont : le point focal ou centre d'attention, les éléments de support, l'espace négatif et la ligne d'horizon.

• Le point focal fait référence à l'élément de notre illustration vers lequel nous voulons que les yeux se dirigent, c'est-à-dire l'élément qui apparaît dans l'illustration.

-Les éléments de support sont tous ces éléments que nous utilisons pour donner plus d'intérêt à l'image, en plus de mettre davantage l'accent sur notre centre d'intérêt car ils peuvent nous aider à diriger le regard du spectateur vers elle.

-L'espace négatif peut être considéré comme un autre objet ou élément de notre image, mais c'est un peu différent car il fait référence à des espaces "blancs" ou qui "manquent" d'autres éléments, ils ne servent pas à saturer le spectateur , car s'il y a n'y a pas d'espaces "vides", nous ne saurons pas à quoi nous devons prêter attention.

-Enfin, la ligne d'horizon nous aide à connaître la hauteur à laquelle nous plaçons l'objet et à connaître la hauteur à laquelle nous voyons la scène, une ligne d'horizon haute signifie que nous voyons d'en haut, tandis qu'une ligne basse signifie que nous sommes voir d'en bas (c'est-à-dire que nous sommes plus près du sol), tandis que si un objet est au-dessus de la ligne d'horizon, cela signifie qu'il flotte, mais s'il est à l'intérieur, l'objet est au sol.

 

-REGLES DE LA COMPOSITION:

Maintenant que nous connaissons ces éléments, je vais vous présenter trois règles de base qui nous aideront à créer une bonne composition (même si je dois dire qu'il y a plus de trois règles, mais celles que je vais présenter ci-dessous suffisent) et ce sont : maintenir équilibrer, créer du contraste et créer un flux sur l'image.

-Gardez l'équilibre : la plupart des gens aiment voir les choses organisées et bien équilibrées, le déséquilibre nous cause un certain inconfort et cela se produit également avec ce que nous voyons, mais cela ne signifie pas que tous les objets doivent avoir la même taille ou la même manière car cela serait rendez-le ennuyeux, vous pouvez obtenir un équilibre grâce au contraste.

-Contraste : vous pouvez créer un contraste de différentes manières : la lumière, les formes, la taille et la couleur sont les différentes façons de le faire, par exemple : si vous avez un très grand élément et un très petit, vous pouvez faire ressortir le petit avec une couleur différente de celle de l'arrière-plan et du grand objet dont la couleur est en harmonie avec celle de l'arrière-plan, c'est-à-dire créer un contraste tout en maintenant l'équilibre, le grand élément se distingue par sa taille, mais le petit par sa couleur.

-Flow : comme je l'ai déjà mentionné, les éléments de support servent à créer un flux dans l'image, quelque chose de similaire à la création d'un chemin que le regard doit parcourir pour atteindre notre protagoniste ou pour revenir à la réalité, il a également l'air plus élaboré bien qu'il soit simple coups.

 

-GUIDES DE COMPOSITION FACILE :

Ok, maintenant que nous avons couvert les bases de la composition et quelques règles, je vais vous montrer 4 guides de composition faciles à suivre : la forme en L, la règle des tiers, la recherche de symétries et le triangle.

 

-Forme en L-

-La première que nous verrons est la forme en L ou simplement L qui consiste à placer un objet haut et les autres objets doivent être petits et près du sol. Dans cette composition, il y a beaucoup d'espace négatif que nous pouvons remplir avec des objets en arrière-plan qui ressemblent à de faibles silhouettes ou à des nuages. Pour créer un équilibre, nous pouvons ajouter un petit élément d'une couleur frappante dans notre sélection de couleurs.

 

-Règle des tiers-

-Règle des tiers, c'est le guide de composition le plus utilisé par les illustrateurs, photographes et cinéastes et consiste à diviser votre toile en trois colonnes et trois rangées, et à la placer aux intersections qui se présentent (vous ne pouvez la placer qu'à une seule intersection ou en plusieurs) notre ou nos points focaux. Il existe un autre guide similaire à celui-ci, mais je n'y connais pas grand chose donc je ne peux pas l'expliquer.

-Symétrie-

-Symétrie ou recherche de symétries, en cela vous devez diviser la toile en deux (vous pouvez aussi le faire dans le sens de la largeur mais ce n'est pas nécessaire, cela dépendra de l'illustration), également des deux côtés il doit y avoir des éléments similaires avec une taille similaire et forme. La symétrie est souvent utilisée dans les images liées au divin, bien que ce ne soit pas toujours le cas.

 

-Triangle-

-Pour former une composition en forme de triangle, vous devez dessiner un triangle isocèle ou un triangle équilatéral au centre de votre toile et placer les éléments en suivant les lignes du triangle, la ligne d'horizon peut ou non suivre la ligne de base du triangle.

 

Enfin, un conseil concernant le point de vue qu'on a d'un objet ou d'un personnage, quand on le voit d'en bas ça parait un élément imposant, quand on le voit de face ça paraît un objet qui est à notre niveau, donc on peut dire que nous l'avons "respect" ou donne cette apparence, en attendant, si vous le voyez d'en haut, il semble sans défense, ces règles ne sont pas toujours appliquées ou ont ce sens, car lorsque vous les connaissez en profondeur et que vous les comprenez, vous pouvez façonner comme bon vous semble, mais il est important de les connaître afin de les façonner plus tard.

 

-Couleur

Si la composition est le "corps" de notre image, la couleur est "l'âme" (ce ne sont peut-être pas les meilleures analogies, désolé), car une bonne composition peut sembler belle sans couleur mais si vous placez les mauvaises couleurs, cela peut finir donner un message erroné ou différent de ce que vous vouliez transmettre. Afin de toujours placer les couleurs qui mettent en valeur notre message, il est nécessaire de connaître les caractéristiques de la couleur, la psychologie des couleurs et la théorie des couleurs.

-CARACTÉRISTIQUES DE COULEUR

Nous devons garder à l'esprit que pour appliquer la couleur, nous devons d'abord connaître ses caractéristiques tout comme nous devons connaître les éléments de la composition et ses règles, ces caractéristiques sont : teinte, saturation et valeur.

 

-La teinte (également appelée ton ou tonalité) est ce que nous pourrions appeler "l'état pur" de la couleur car le noir ou le blanc n'est pas ajouté et ce sont les couleurs telles que nous les voyons dans l'arc-en-ciel. C'est-à-dire qu'en ayant le cercle chromatique, sans ajouter de noir ni de blanc, et en le parcourant, c'est la teinte ou le ton que nous allons obtenir.

-La saturation est l'intensité de la teinte ou du ton, on pourrait dire que lorsqu'une couleur est très saturée c'est parce qu'elle est plus éloignée du gris et qu'elle est plus intense, alors que si elle n'est pas très saturée cela signifie qu'elle est plus grise ( bien que dans clip studio on puisse trouver une barre de saturation avec la couleur blanche au lieu de grise, ce que je trouve plus pratique).

 

-La valeur ou la luminosité est la quantité de lumière que la couleur a, le blanc et le noir sont utilisés pour définir si elle a plus ou moins de lumière, plus elle est proche du blanc, elle aura plus de lumière, tandis que plus elle sera proche du noir ont moins de lumière.

-PSYCHOLOGIE DES COULEURS

Chaque fois que nous parlons de couleur en tant que dessinateurs, la première chose à laquelle nous pensons est la théorie des couleurs et comment mélanger les couleurs, mais la théorie des couleurs peut s'effondrer si nous ne connaissons pas d'abord la signification des couleurs, c'est pourquoi je voudrais parler en premier. de la psychologie des couleurs. Bien que la psychologie de la couleur soit différente dans chaque pays ou région, il est important de la connaître, car l'observation des couleurs et de leurs combinaisons produit des sensations différentes, la psychologie des couleurs est ce qui nous aidera à transmettre l'idée que nous avons en tête. Comme je l'ai déjà dit, la psychologie de la couleur est différente dans chaque région du monde, je vais donc parler des significations que nous donnons normalement aux couleurs en Occident. Pour commencer, les couleurs sont divisées en deux catégories : les couleurs chaudes et les couleurs froides.

-Couleurs chaudes-

Bon, commençons par les couleurs chaudes, mais avant cela il faut se poser la question, pourquoi les appelle-t-on couleurs chaudes ? La réponse courte à cela est à cause de la sensation que nous procure leur vision, mais cela produit vraiment une sensation de chaleur car ces couleurs sont celles que nous avons tendance à observer le plus fréquemment dans les zones chaudes, ainsi que dans les objets qui donnent nous ce sentiment au toucher. sensation, par exemple nous avons le jaune avec la lumière du soleil, le rouge et l'orange avec le feu, et ainsi de suite.

La gamme de couleurs chaudes va généralement du rouge au jaune sur la roue chromatique, il existe d'autres diagrammes qui divisent la roue chromatique en deux, et d'autres diagrammes incluent des nuances de violet ou de vert dans les couleurs chaudes, j'ai donc décidé d'aller avec ces diagrammes pour afficher des couleurs chaudes allant du magenta au jaune-vert.

Voici une liste de couleurs chaudes, pour avoir une idée plus précise de ce qu'elles sont :

-Magenta

-Rouge

-Rouge-orange

-Orange

-Orange jaune

-Jaune

-Vert jaune

-Signification des couleurs chaudes-

Les couleurs chaudes sont souvent associées à : l'énergie, la passion, le dynamisme, la proximité, la joie et même l'amour, mais ont parfois des connotations négatives telles que le danger (le jaune et le rouge sont souvent utilisés comme signes avant-coureurs). avertissement) ou la violence et le sang (dans le cas de la couleur rouge). Ici, je vais laisser une liste de ce que certaines couleurs chaudes représentent habituellement en Occident.

-Rouge : pour commencer, le rouge peut être trouvé à divers endroits dans la nature, par exemple dans le feu et le sang, il donne donc généralement une forte impression quand on le voit. Il est généralement associé à des choses intenses telles que : l'amour, la passion, la violence, le pouvoir, la force, la vitalité, la sensualité, il a tendance à donner un sentiment de vigilance. De plus, la combinaison du rouge et du noir est liée à l'agressivité.

-Orange : on l'associe généralement à : chaleur, jeunesse, amitié, exotisme et amusement.

-Jaune : cette couleur se trouve dans la lumière du soleil, l'or, mais aussi chez certains animaux venimeux, c'est pourquoi on lui donne généralement des significations à la fois positives et négatives (comme toutes les couleurs, elle a des significations positives et négatives). Ses significations vont de : l'optimisme, le bonheur, la richesse et l'abondance, à l'excentricité, la folie, le mensonge, la bile et l'acide.

-Rose : cette couleur est liée à : le charme, la gentillesse, la douceur, la douceur, l'innocence et l'amour pur. Il existe également un stéréotype du rose lié au féminin.

Et ce sont les principales couleurs chaudes qu'ils utiliseront, il y en a d'autres comme le marron qui a à voir avec ce qui est périmé, flétri, automne et fait maison, ou comme l'or ou l'or qui a à voir avec la richesse encore, mais je voulais parler sur les plus courants afin qu'il ne soit pas plus déroutant.

 

-Couleurs froides-

Comme les couleurs chaudes, les couleurs froides sont celles qui nous donnent cette sensation due aux endroits où nous les observons habituellement, c'est-à-dire dans des endroits très humides ou avec des plans d'eau, les jours nuageux, dans des endroits froids ou enneigés. , etc.

 

-Couleurs froides-

Comme les couleurs chaudes, les couleurs froides sont celles qui nous donnent cette sensation due aux endroits où nous les observons habituellement, c'est-à-dire dans des endroits très humides ou avec des plans d'eau, les jours nuageux, dans des endroits froids ou enneigés. , etc.

Dans le cas des couleurs froides, on peut dire qu'elles vont du violet au vert, bien que, comme cela s'est produit avec les couleurs chaudes, cela soit traité de différentes manières dans différents diagrammes.

Voici une liste de couleurs froides :

-Violet

-Bleu Violet

-Bleu

-Cyan

-Vert

 

-Signification des couleurs froides-

Les couleurs froides sont généralement associées à la distance et à l'immense, probablement en raison de la couleur bleue que si nous voyons bien, la plupart des couleurs froides sont des mélanges de bleu avec du vert ou du violet et nous voyons généralement du bleu dans des objets immenses aussi. Ils véhiculent généralement le calme et le bien-être, mais en même temps la tristesse et la nostalgie. Voici une liste des couleurs froides les plus utilisées et leurs significations :

-Violet ou violet : il est généralement associé à la fantaisie (car c'est une couleur difficile à observer et à réaliser dans la nature), à l'impérial (en raison de sa rareté dans le passé), au mystère, à la spiritualité, à l'érotisme, à la magie et au mystère.

-Bleu: comme je l'ai déjà dit, le bleu se trouve dans deux éléments immenses et inconnus, le ciel et la mer, donc en quelque sorte il nous semble une couleur de l'immense, de la distance et de la profondeur, comme une couleur qui transmet une certaine fraîcheur, calme et tranquillité, ainsi que de la tristesse et de la mélancolie. Il peut également être associé au divin et à la fantaisie.

-Vert : le vert est la couleur de la nature car on le retrouve partout, il y a des insectes verts, des oiseaux verts, des amphibiens et des reptiles verts, mais plus important encore, c'est la couleur des plantes, de ce fait leurs significations vont de : la vie, la nature, la croissance, la fertilité, la santé et l'espoir, mais c'est à ce moment-là que nous l'utilisons dans les paysages et les plantes, car il a aussi des connotations très négatives telles que : être une couleur associée au poison, à la corruption, au mal, et tout comme le jaune l'est associées aux mensonges, ces significations se produisent toujours dans des combinaisons spécifiques, comme la combinaison du violet et du vert donne généralement le sens de quelque chose de toxique, ou dans des situations spécifiques, comme l'éclairage vert donne généralement cet effet que quelque chose de mal se passe.

Pour terminer cette section, je voudrais parler de la couleur blanche et de la couleur noire et de la façon dont elles interagissent avec les autres couleurs, cela s'applique à la culture occidentale, je le répète encore.

-Commençons par la couleur noire, eh bien le noir est la couleur de la nuit et de l'obscurité, et bien que nous l'appelions couleur, c'est vraiment l'absence de couleur. Étant lié à des choses si mystérieuses et qui peuvent nous effrayer, des choses comme le vide et l'obscurité, il est généralement associé à la mort, à la fin, à la destruction, au mal et au mystère, il peut aussi être associé à l'élégance. Lorsque nous faisons des combinaisons entre la couleur noire et d'autres couleurs (vert, avul, violet, rouge, etc.), ces couleurs sont généralement associées à une signification négative.

-Le blanc est la couleur avec des significations moins négatives ou peut-être nulles. Il est généralement associé à la perfection, la pureté, le divin, la paix, la propreté, la reddition (à cause du drapeau blanc dans les guerres).

-THÉORIE DE LA COULEUR-

La théorie des couleurs est un ensemble de diverses règles qui servent de paramètres pour combiner les couleurs et créer des harmonies de couleurs qui permettent de transmettre notre idée. Il existe différents guides ou paramètres pour créer des harmonies, mais je ne parlerai que de trois d'entre eux, car ce sont les plus faciles à comprendre.

 

-Harmonie monochrome-

De toutes les harmonies, c'est peut-être la plus simple car il s'agit d'une seule teinte dont vous devez modifier la saturation et la valeur pour obtenir une variété de tons ou de couleurs.

 

Si vous souhaitez commencer à créer vos propres palettes de couleurs, je vous recommande de commencer par cette harmonie, un autre avantage qu'elle a est qu'elle vous aidera à vous familiariser avec le concept de teinte, de saturation et de valeur. Si vous l'utilisez, je vous recommande d'utiliser l'outil "Espace colorimétrique HSV", il est très facile de faire varier la saturation et la valeur de celui-ci.

-Harmonie de couleurs analogues-

Cette harmonie est généralement composée de trois nuances proches, la nuance qui se situe entre les deux autres est généralement la couleur principale de la composition, tandis que les deux autres couleurs enrichissent la composition.

On pourrait dire que ces harmonies sont le prochain niveau de complexité lorsqu'il s'agit d'assembler des palettes de couleurs. On les trouve généralement dans la nature.

-Harmonie des couleurs complémentaires-

Elle consiste à prendre deux nuances situées aux extrémités opposées du cercle chromatique. Des trois, c'est peut-être le plus complexe à mettre en pratique, en raison du contraste qu'ils génèrent, même si c'est aussi sa grande vertu.

Contrairement aux précédents, je peux ajouter ici quelques combinaisons très utilisées, comme l'orange et le bleu, le rouge et le vert, le jaune et le bleu violacé, peut-être en raison du contraste qu'ils génèrent, ils restent très gravés.

Procédure

Eh bien, maintenant que nous avons les bases de la composition et de la coloration, nous allons voir la procédure que je divise en les étapes suivantes : créer le concept de l'illustration, premier croquis, deuxième croquis, lineart, carte grise, choix des couleurs , base colorée, lumières et ombres, détails et environnement. Mais avant de voir la procédure, nous allons voir les matériaux que nous allons utiliser (ou du moins ceux que j'utilise, vous pouvez en changer ou en varier selon votre style).

Ici, je laisse une vidéo de la procédure, c'est juste pour que vous puissiez voir comment j'ai fait le dessin. Ce n'est pas très édité parce que je voulais faire des gifs mais ils étaient trop lourds à mettre en ligne, désolé c'est ennuyeux.

Ici, je laisse une vidéo de la procédure, c'est juste pour que vous puissiez voir comment j'ai fait le dessin. Ce n'est pas très édité parce que je voulais faire des gifs mais ils étaient trop lourds à mettre en ligne, désolé c'est ennuyeux.

-MATÉRIAUX-

Le logiciel que j'utiliserai est Clip Studio Paint, donc je vais parler de certaines fonctionnalités et outils qui pourraient ne pas être dans d'autres programmes, donc si vous ne l'avez pas, vous devrez vous adapter aux outils que vous avoir dans votre logiciel de dessin.

Un détail dont nous devons tenir compte est que je vais me baser sur la façon dont le programme vient par défaut pour dire où se trouve chaque outil ou sous-outil.

-Pour commencer, nous verrons la fenêtre des calques, où se trouvent les deux types de calques que nous avons dans le programme, ainsi que les fonctionnalités et les outils de calque.

-Comme je l'ai déjà dit, il existe deux types de calques que nous pouvons créer : le calque raster et le calque vectoriel. Nous utiliserons le calque raster pour colorer et ajouter des ombres car il est plus facile d'y mélanger les couleurs, tandis que le calque vectoriel est que nous utiliserons pour le lineart en raison de la facilité avec laquelle nous pouvons modifier les lignes avec "opération" et à cause de l'outil "caoutchouc" qui peut être modifié en "gomme vectorielle".

-Un autre outil que nous utiliserons est le "Dossier", cela nous permet de regrouper un ensemble de calques pour les avoir plus organisés, c'est vraiment très utile car il nous permet d'appliquer des effets uniquement aux calques qui s'y trouvent ou à garder nos couches ordonnées.

-"Clip to the layer below" (traduction littérale par google translate :P ) est le prochain outil que nous verrons, cet outil est celui que j'utilise habituellement pour mettre des ombres et quelques détails quand j'ai fini avec la couleur de base de l'illustration , ce qu'il fait, c'est que lorsque vous utilisez un calque et que vous cliquez sur cette fonction ("Rogner au calque ci-dessous"), vous ne pourrez voir que ce qui se trouve au-dessus des pixels ou des vecteurs colorés dans le calque ci-dessous, c'est-à-dire si Si quelque chose est coloré sous le calque sur lequel vous travaillez avec cette fonction, il ne sera pas visible sur le calque sur lequel vous travaillez avec "Clip to Layer Below".

-La fonction "Opacité" sera importante dans presque tout le processus de dessin, car elle nous permet de contrôler la transparence du calque, particulièrement utile dans l'application des lumières et des ombres.

-« Verrouiller les pixels transparents », nous aidera à ajouter des détails dans le même calque de la couleur de base, sans avoir à nous soucier de quitter la zone précédemment colorée. Cette option ne peut pas être utilisée sur les calques vectoriels.

-"Changer la couleur du calque" est un autre outil qui ne se produit pas beaucoup si vous ne l'utilisez pas, nous ne l'utiliserons que pour changer la couleur du calque ou des calques de l'esquisse, afin qu'il soit facile pour à nous de le différencier du lineart.

Nous allons maintenant voir les outils sur le côté gauche que nous allons utiliser :

1-"Opération" au cas où nous aurions besoin de modifier un vecteur.

2- "Zone de sélection" pour couper ou modifier certains imparfaits, ou changer le calque pour certains traits.

3-"Eyedropper" pour sélectionner les couleurs.

4-Différentes brosses de notre préférence, pour obtenir différentes finitions, nous modifierons certaines configurations de nos brosses.

5-"Caoutchouc" et "Vecteur caoutchouc" pour effacer les lignes.

6- "Fill" nous aidera à placer la couleur de base.

7- "Dégradé" nous l'utiliserons pour créer une plus grande atmosphère et donner de la luminosité ou de l'ombre à certains éléments.

8- "Figure U" si nous avons besoin de faire une figure ou une ligne nette mais que nous n'avons pas le meilleur trait, il est bon d'utiliser cet outil.

9- "Règle" la même que la précédente.

Nous allons maintenant voir les outils de couleur que nous avons, ils se trouvent en bas à gauche où nous pouvons voir la roue chromatique. Au-dessus du cercle chromatique, nous pouvons trouver quelque chose de similaire à un petit panneau avec différentes icônes, en appuyant sur chacune affiche un outil de couleur différent.

1-Cercle chromatique: il facilitera la création de palettes lors de la sélection des couleurs, en cas d'utilisation d'une palette de couleurs analogues ou complémentaires, mais si nous utilisons une palette monochrome, il est préférable d'utiliser un autre outil.

2-Palette de couleurs: cela nous aidera à organiser les couleurs que nous avons sélectionnées pour notre illustration en plus de les conserver.

Espace colorimétrique 3-HSV : pour commencer, les initiales viennent de l'anglais et signifient que H est la teinte, S est la saturation et V signifie la valeur, c'est-à-dire les 3 caractéristiques de la couleur. Cette fonctionnalité est idéale si vous souhaitez réaliser des palettes monochromes car vous pouvez rester sur la même teinte mais changer facilement la saturation et la valeur.

4-Mélangeur de couleurs : comme son nom l'indique, cette fonction consiste à mélanger les couleurs, par exemple : vous avez deux tons qui vous plaisent, mais vous considérez qu'un ton intermédiaire entre ces deux tons serait mieux pour votre dessin, vous pouvez donc utilisez le mélangeur pour ne pas le faire directement sur la toile.

5-Historique des couleurs : il nous permet de voir toutes les couleurs que nous avons utilisées depuis longtemps jusqu'à aujourd'hui.

Voici les deux pinceaux que j'utilise, le premier est généralement pour la coloration, l'ajout de détails et certains effets comme le brouillard, tandis que celui du bas est généralement pour lineart.

-CRÉER LE CONCEPT D'ILLUSTRATION-

Eh bien, cette partie consiste simplement à vous demander ce que vous allez dessiner, pourquoi et pour quoi, vous pouvez réfléchir et faire différents croquis pour représenter ce que vous avez imaginé.

-ESQUISSER-

 

-Premier croquis-

Matériaux que nous utiliserons :

-Couche raster

-Dossier

-Figure U ou Règle

-notre pinceau de choix

Une fois que nous avons une idée claire de ce que nous allons dessiner, nous commençons par le premier croquis, ici nous ajouterons les détails les plus élémentaires de notre image, c'est-à-dire la ligne d'horizon, le guide de composition et notre point focal.

-Nous ouvrons d'abord les calques raster dont nous allons avoir besoin, dans mon cas j'ai ouvert trois calques.

-Maintenant, nous ouvrons un dossier pour les mettre et garder l'espace bien rangé

-On utilise l'outil "figure U" ou "une règle guide" pour créer notre ligne d'horizon, et selon la composition que l'on a choisi on ajoute le guide, dans mon cas j'ai choisi une composition symétrique donc j'ai ajouté une ligne au centre .

-Après cela, nous ajouterons notre point focal (ou nos points focaux), créant une figure géométrique qui servira de guide pour la prochaine phase de croquis, ou si nous ne sommes pas de tels débutants, dessinons directement avec notre pinceau ou stylo de notre choix.

 

-Deuxième Esquisse-

Matériaux que nous utiliserons :

-Couche raster

-Dossier

-Pinceau de notre choix

-opacité de la couche

-Figure U : Ellipse

Vraiment, cette partie du processus pourrait aller avec la précédente et avec la suivante, mais je travaille généralement sur le croquis par parties pour ajouter plus de détails et avoir une idée beaucoup plus claire de la façon de faire le lineart. En continuant avec la description de la scène, dans cette partie, nous définissons ce qui sera autour de notre point focal, c'est-à-dire nos éléments de support, ainsi que la mise en place de quelques contrastes (lumières et ombres) pour avoir une idée plus claire de l'image finale. .

-La première chose que j'ai faite a été d'ajouter des calques aux éléments d'esquisse dans chacun pour définir ce que seraient mes éléments de support finaux, j'ai essayé avec des arbres, des pierres et des ruines jusqu'à ce que je décide de quelques ruines inondées avec un autel circulaire corrodé par le temps que j'ai fait avec un sous outil "cercle" de l'outil "figure U", le reste j'ai fait avec le pinceau lineart que j'ai téléchargé.

-Après cela, j'ai baissé l'opacité du calque où se trouvait le triangle que j'avais fait avant, j'ai ajouté un nouveau calque raster pour esquisser, avec le même pinceau qu'avant, une déesse qui prie ou médite, je n'ai pas ajouté de gros détails plus qu'il allait le faire plus tard.

-J'ai ouvert un autre calque raster, cette fois pour ajouter quelques ombres pour imaginer un peu mieux comment le dessin allait se terminer, à part ça, j'ai ouvert un autre calque pour ajouter des lumières.

-Pour finir j'ai ouvert un nouveau dossier pour réorganiser mon espace de travail.

 

-Esquisse finale-

Matériaux que nous utiliserons :

-Couche raster

-Dossier

-Changer la couleur du calque

-Opacité

-Figure U : Ellipse et Rectangle.

-Pinceau de notre choix

-Sélectionner une zone : Lasso

Comme son nom l'indique, c'est la dernière étape du croquis, où j'ai fini de placer les détails pour passer au lineart et le rendre plus facile à faire.

-Nous changeons d'abord la couleur et réduisons l'opacité des calques du deuxième croquis pour les différencier des nouveaux calques que nous allons ouvrir.

-Une fois cela fait, nous ouvrons un nouveau calque raster et utilisons le pinceau de notre choix pour dessiner les détails de notre croquis. Et si nous en avons besoin, nous pouvons utiliser l'outil "figure u", j'ai utilisé le sous-outil : "ellipse" pour dessiner l'arc de l'autel, et le sous-outil : "rectangle" pour les marches de l'autel.

-Si vous avez les mêmes éléments des deux côtés de l'illustration, comme dans mon cas les torches éteintes dans les escaliers, vous pouvez utiliser l'outil "sélectionner une zone" pour copier les éléments ou utiliser la "règle symétrique" pour enregistrer le travail, à la place Dans mon cas, j'ai utilisé l'outil "sélectionner une zone" pour copier et coller les torches.

 

-LINEART-

 

Matériaux que nous utiliserons :

-Couche vectorielle

-Dossier

-Figure U : Ellipse

-Pinceau de notre choix

-Règle : guide

Fondamentalement, ce que nous ferons dans cette étape est de copier ce que nous avons dessiné à l'étape précédente, en dessinant dans un (ou plusieurs) calques vectoriels qui seront situés au-dessus de notre dossier d'esquisse.

-La première chose que nous ferons est de changer la couleur des calques à l'intérieur du dossier, pour une couleur que nous différencions de notre lineart, et nous réduirons l'opacité afin qu'il nous soit plus facile de visualiser nos traits.

-Après cela, nous ouvrons un calque vectoriel et créons un nouveau dossier pour le lineart, nous le plaçons au-dessus du dossier d'esquisse, et dans le calque vectoriel que nous ouvrons, nous commençons à dessiner notre lineart avec notre pinceau préféré. Gardez à l'esprit que vous pouvez ouvrir les couches que vous jugez nécessaires pour faciliter le processus.

-Pour dessiner l'arc, j'ai utilisé deux cercles créés avec l'outil "figure U" et avec le sous-outil ellipse, pour faire un cercle parfait avec ce sous-outil, vous devez appuyer sur la touche "shift" ou cocher la case "Type d'aspect" (je ne savais pas comment traduire, désolé).

-Dans la partie de l'escalier, j'ai utilisé l'outil "règle", avec le sous-outil "guide", ce que fait ce sous-outil est d'ouvrir un calque différent où il place toutes les lignes de guidage (elles sont bleues par défaut), pour quoi ils doivent retourner au calque où ils dessinaient et une fois dans le calque vectoriel, nous passons notre pinceau sur les lignes de guidage et parcourons la ligne avec le pinceau.

-Pour dessiner les torches j'ai utilisé une référence que j'ai vue sur pinterest, et j'ai dessiné une torche dans un calque vectoriel à part tout le lineart, puis avec l'outil "zone de sélection" je l'ai sélectionné, copié et collé, j'ai fait ça trois fois en laissant chaque torche dans une couche différente, pour ensuite modifier la taille et la position de chacune, facilitant ainsi le processus. Une fois qu'ils étaient dans la bonne position, j'ai rassemblé toutes les torches sur un calque, et avec le même outil de sélection, j'ai sélectionné les torches à copier et coller sur un autre calque, puis je les ai modifiées pour qu'elles soient belles.

-Ajout de quelques modifications aux escaliers pour les rendre plus corrodés en plus de corriger certains détails lineart.

-Tous les calques lineart que j'ai enregistrés dans un dossier, ou bien, dans deux dossiers, mais j'ai ensuite dû les enregistrer dans un seul.

-CARTE DES GRIS-

 

Matériaux que nous utiliserons :

-Couche raster

-Dossier

-Pinceau de notre choix

-Espace colorimétrique HSV

-Remplir

-Verrouiller les pixels transparents

Cette étape consiste à organiser les couleurs que je vais utiliser pour la valeur. Ce que je fais, c'est colorier en niveaux de gris afin d'observer les contrastes qui se produiront entre les valeurs, de cette façon je m'assure que le contraste est saisissant et qu'aucune valeur d'une couleur ne se confond avec celle d'une autre.

-La première chose que je fais habituellement est d'ouvrir un calque raster et avec l'outil "remplir" je donne de la couleur à l'arrière-plan, dans ce cas je l'ai coloré en gris foncé car mon point focal (c'est-à-dire la déesse méditante) sera un gris foncé. couleur très claire (presque blanche).

Comme nous ne nous déplacerons que dans les niveaux de gris, nous utiliserons l'outil "Espace colorimétrique HSV" car il est plus facile de contrôler la valeur et la saturation dans cet outil que dans la roue chromatique.

-Selon la taille de la surface à colorier, nous utiliserons l'outil pinceau ou l'outil "remplir", également à certains moments nous utiliserons la "pipette" pour sélectionner les couleurs et le mélangeur de couleurs pour obtenir des tons intermédiaires.

-Une fois que j'ai fini de placer toutes les couleurs et que le contraste me convainc, en plus de placer quelques lumières, je mets tous les calques que j'ai utilisés pour la carte grise dans un nouveau dossier (il faut noter que le dossier doit être en dessous du dossier lineart).

 

-CRÉER LA PALETTE DE COULEURS-

 

Matériaux que nous utiliserons :

-Couche raster

-Pinceau de notre choix

-Mélangeur de couleurs

• compte-gouttes

-Palette de couleurs

-Espace colorimétrique HSV

-Palette de couleurs

Dans cette partie du processus, nous déciderons de l'harmonie des couleurs que nous allons utiliser, dans mon cas j'ai décidé d'utiliser une palette monochrome bleu violacé avec du rouge dans une petite zone pour créer un contraste légèrement plus intéressant, en plus d'économiser un ensemble de couleurs pour éviter que les couleurs que nous choisissons se perdent dans l'historique des couleurs.

-Pour commencer, nous ouvrons un nouveau calque raster, nous choisissons une couleur que nous considérons appropriée pour une zone de notre illustration et qui a une valeur similaire à celle de la couleur grise de la même zone (nous le ferons en changeant le calque en niveaux de gris), si cela ne correspond pas à la valeur ou si nous n'aimons pas la couleur, nous pouvons prendre une autre couleur et les comparer au sein du calque. Si nous aimons les deux couleurs et qu'elles sont proches de la valeur, nous pouvons utiliser l'outil de mélange de couleurs pour obtenir une couleur intermédiaire.

-Lorsque nous avons décidé quelles couleurs nous allons utiliser, nous allons dans l'outil "palette de couleurs" et cliquons sur une option appelée : "Modifier le jeu de couleurs"(1) un mini menu apparaîtra qui aura une option appelée : "créer un nouveau set", sur lequel nous appuierons, il nous demandera de le nommer (une étape que nous pouvons omettre) et nous cliquons simplement sur "ok", après quoi un nouveau jeu de couleurs apparaîtra en blanc (sans couleur), pour ajouter des couleurs nous devons aller à l'option appelée "Ajouter une couleur"(2). "Modifier le jeu de couleurs" et "Ajouter une couleur" nous pouvons voir les icônes dans l'image en haut étant "Modifier le jeu de couleurs" numéro 1 et "Ajouter une couleur" numéro 2.

-COULEUR DE BASE-

 

Matériaux que nous utiliserons :

-Couche raster

-Remplir

-Ensemble de couleurs

-Pinceau de notre préférence (avec opacité à 100%)

Comme son nom l'indique dans cette section du processus, nous appliquerons la couleur de base, nous utiliserons plusieurs couches pour faciliter l'application des ombres, des lumières et d'autres détails.

 

-Pour commencer (comme dans toutes les étapes), nous ouvrons un nouveau calque, dans ce cas un calque raster, et nous le plaçons là où nous avons notre lineart pour occuper un sous-outil "Remplir" appelé "Enfermer et remplir" nous allons au properties du sous-outil "Se référer à plusieurs calques" et ici nous activons l'option "Calque dans le dossier" et il prendra les lignes de notre lineart comme référence. (L'image ci-dessus nous montre où se trouve le sous-outil "Joindre et remplir" et où se trouve l'option "Calque dans le dossier")

Pour sélectionner une couleur dans notre palette de couleurs, nous allons dans: "jeu de couleurs" et sélectionnons simplement la couleur dont nous avons besoin.

Une fois que nous avons fini de placer la couleur de base, nous plaçons les calques dans un dossier différent de celui du lineart.

-LUMIÈRES ET OMBRES-

 

Matériaux que nous utiliserons :

-Couche raster

-Recadrer au calque ci-dessous

-opacité de la couche

-Pinceau de notre choix

-Compte-gouttes

-Ensemble de couleurs

 

-Nous ouvrons un nouveau calque raster, nous activons l'option "Clip au calque ci-dessous" (l'image ci-dessus nous montre l'icône pour activer cette option) et avec notre pinceau nous commençons à placer les ombres.

-Nous aurons besoin d'ouvrir différentes couches pour les ombres en fonction du nombre de couches de coloration dont nous disposons, également pour certains objets, des ombres plus sombres seront nécessaires, nous changerons donc constamment les couleurs avec lesquelles nous travaillons.

• Lorsque nous aurons fini de placer les ombres de base, nous réduirons l'opacité des calques, avec la fonction: "Verrouiller les pixels transparents" nous verrouillerons notre coloration pour placer un ton plus clair et plus chaud dans certaines zones de nos ombres avec notre pinceau avec un opacité réduite. (Si vous ne vous souvenez pas quelle est la fonction pour contrôler l'opacité de notre calque, vous trouverez dans la partie supérieure du paragraphe une image montrant son emplacement dans le programme, tandis que dans la partie inférieure vous trouverez une image avec le fonction de blocage des pixels transparents)

-Pour placer les lumières, nous ouvrirons de nouveaux calques au-dessus de chaque calque d'ombre et avec le pinceau à faible opacité, nous peindrons les lumières, et tout comme les calques d'ombre, nous utiliserons l'option "Clip to layer below" qui s'adaptera au couche de couleur de base, et nous réduirons également l'opacité de nos couches claires.

 

 

 

-DÉTAILS-

 

Matériaux que nous utiliserons :

-Couche raster

-Recadrer au calque ci-dessous

-opacité de la couche

-Pinceau de notre choix

Les détails que j'ai faits dans ce dessin ont été de changer la couleur du lineart avec un calque raster, la fonction : clip sur le calque en dessous et avec un pinceau à faible opacité.

J'ai placé le calque raster au-dessus du dossier lineart et j'ai activé la fonction "Clip to layer below" lorsque j'ai commencé à colorier ma coloration accrochée au lineart.

Ensuite, j'ai placé un calque de plus, au-dessus de l'autre calque et avec le même pinceau, j'ai ajouté quelques lumières et j'ai baissé l'opacité.

Au dos du dessin, j'ai ajouté un peu de surbrillance avec le même pinceau et réduit l'opacité, ce calque devrait passer derrière presque toute la coloration de base, à l'exception de la couleur d'arrière-plan.

Également dans un calque différent au-dessus des autres, j'ai ajouté des lucioles et des particules que j'ai faites avec le même pinceau, et une petite lueur que j'ai faite avec l'outil de dégradé en forme d'ellipse.

 

-ATMOSPHÈRE-

 

Matériaux que nous utiliserons :

-Dégradé

-Couche raster

• Pinceau à très faible opacité (environ 10% d'opacité)

Nous ouvrons un nouveau calque au-dessus des autres, avec l'outil dégradé nous formons une ellipse inverse (c'est-à-dire que le dégradé vient de l'extérieur au lieu de venir de l'intérieur) avec une couleur similaire à l'arrière-plan mais plus claire et plus violette, ils seront colorés certaines parties qui ne doivent pas être colorées, pour résoudre ce problème, nous effaçons simplement.

enfin avec un nouveau calque et le pinceau à 10% d'opacité, on met un peu de brume, ce calque doit passer en dessous du précédent.

 

Et avec cela nous terminons, j'espère que cela vous aide et encore une fois des excuses pour ne pas ajouter de gifs et plus d'images.