Bonjour à tous, dans cette astuce du mois, je vais vous expliquer tout sur la création d'une illustration fantastique (pour être précis, un fond fantastique, comme l'indique le titre 🙂) du début à la fin, en plus de vous donner quelques conseils que vous pourrez appliquer à votre propre style. J'espère que cela vous plaira 😀.

Principales caractéristiques des fonds fantastiques

Vous êtes-vous déjà demandé ce qui fait qu'un fond fantastique en est un ? Si c'est le cas, rejoignez-moi pour examiner certaines des caractéristiques qui les distinguent et comment créer cette atmosphère mystérieuse qui les habite.

Pour commencer, j'ai remarqué que de nombreuses illustrations fantastiques (ou qui, selon le moteur de recherche, correspondaient à cette description) avaient généralement ces éléments :

-Nature : il y a presque toujours une grande quantité de plantes qui ont envahi les ruines d'une mystérieuse civilisation ancienne, une forêt luxuriante et dense, ou une lande remplie d'herbes et de fleurs. Dans les rares illustrations qui ne contiennent pas d'arbres, de fleurs ou de plantes d'un type quelconque, ou qui semblent simplement dépourvues de vie, c'est parce qu'elles veulent dépeindre une fantaisie plus sombre ou qu'elles dépeignent un monde détruit ou corrompu.

-Ruines d'une civilisation ancienne ou constructions gigantesques : cet élément est très présent dans de nombreuses illustrations fantastiques, probablement parce que nous ne savons pas ce qui s'y est passé, de sorte que nous associons l'inconnu au mystère, et le mystère à la magie. D'autre part, les constructions qui sont encore habitées ou utilisées sont généralement : d'énormes villes magiques, de grands temples ou d'énormes monuments.

-Lumière “magique” : celle-ci peut provenir du ciel ou d'autres objets ou éléments et ne se trouve pas dans toutes les illustrations, mais c'est un point à souligner car cette lumière est blanche ou dorée et provient du ciel, elle donne la sensation d'être devant quelque chose d'important ou de presque divin ou pur, tout comme si elle provient d'un personnage ou d'un élément de l'œuvre. De même, si elle vient du ciel et éclaire des ruines, elle peut donner la sensation de découvrir quelque chose de mystérieux.

-Éléments fantastiques : ces éléments sont des objets ou des créatures difficiles ou impossibles à observer dans notre monde ou notre quotidien, de nombreux éléments peuvent entrer dans cette catégorie, du relief, une créature, l'architecture ou d'autres, comme le climat et les objets de l'environnement.

Bien que vous puissiez inclure tous les éléments décrits ici dans votre travail, il n'est pas nécessaire de le faire, car un ou deux éléments que vous incluez peuvent donner l'apparence d'être liés à la fantaisie.

Une chose qui caractérise souvent les fonds (pas seulement les illustrations fantastiques), c'est qu'ils ne se rapprochent généralement pas du personnage, car ce que l'on recherche est d'observer l'environnement ou une partie de l'environnement, donc votre personnage, même s'il peut être le centre d'attention principal, doit également laisser de la place pour faire partie de l'environnement.

 

Choisir le message que nous voulons transmettre

Cela peut ne pas sembler très important à première vue, ou parfois nous le reléguons au second plan et nous dessinons juste pour dessiner. Et ne vous méprenez pas, pour pratiquer ou pour nous distraire, c'est bien de faire cela, mais si vous le faites continuellement avec toutes vos illustrations, vous risquez à un moment donné de vous bloquer ou de ne pas trouver comment cette illustration peut aboutir à un résultat satisfaisant. Le fait est que vous devez trouver ce que vous dessinez, pourquoi vous le dessinez et « à qui est destiné le dessin », en plus de la question la plus importante : « qu'est-ce que je veux transmettre ? ». Une fois que vous y avez réfléchi, vous devez garder à l'esprit que le message doit être aussi court que possible, afin qu'il ait beaucoup plus de force.

Comment transmettre notre message ?

Bien que l'on puisse dire que nous devons maîtriser notre technique dans tous les sens pour que le message soit plus clair et lisible, nous pouvons attribuer à deux caractéristiques principales la façon dont nous percevons une œuvre, et ce sont : la composition et la couleur.

 

-Composition :

Nous commencerons par le « corps » (pour ainsi dire) de notre illustration, car la composition est la manière dont nous plaçons les objets sur notre toile. C'est-à-dire que lorsque nous plaçons un élément quelconque dans notre illustration, nous composons. Cependant, cela ne signifie pas que c'est une bonne composition. Pour réaliser une bonne composition, nous devons connaître quelques règles et éléments de base.

 

-ÉLÉMENTS DE BASE :

Nous pouvons trouver 4 éléments de base dans toutes les compositions (ou du moins dans la plupart), et ce sont : le point focal ou centre d'attention, les éléments de support, l'espace négatif et la ligne d'horizon.

• Le point focal fait référence à l'élément de notre illustration vers lequel nous voulons diriger le regard, c'est-à-dire l'élément principal de l'illustration.

-Les éléments de support sont tous les éléments que nous utilisons pour donner un plus grand intérêt à l'image, en plus de mettre davantage l'accent sur notre centre d'intérêt, car ils peuvent nous aider à diriger le regard du spectateur vers celui-ci.

-L'espace négatif peut être considéré comme un autre objet ou élément de notre image, mais il est un peu différent car il fait référence aux espaces « vides » ou qui « manquent » d'autres éléments. Il sert à ne pas saturer le spectateur, car s'il n'y a pas d'espaces « vides », nous ne saurons pas à quoi faire attention.

-Enfin, la ligne d'horizon nous aide à connaître la hauteur à laquelle nous plaçons l'objet et la hauteur à laquelle nous voyons la scène. Une ligne d'horizon haute signifie que nous regardons d'en haut, tandis qu'une ligne basse signifie que nous regardons d'en bas (c'est-à-dire que nous sommes plus près du sol), tandis que si un objet se trouve au-dessus de la ligne d'horizon, cela signifie qu'il flotte, mais s'il est à l'intérieur de celle-ci, l'objet est au sol.

 

-RÈGLES DE LA COMPOSITION :

Maintenant que nous connaissons ces éléments, je vais présenter trois règles de base qui nous aideront à créer une bonne composition (bien que je doive dire qu'il existe plus de trois règles, mais celles que je vais présenter suffisent) et ce sont : maintenir l'équilibre, créer du contraste et créer un flux dans l'image.

-Maintenir l'équilibre : la plupart des gens aiment voir les choses organisées et bien équilibrées, le déséquilibre nous cause un certain malaise et cela se produit également avec ce que nous voyons. Cependant, cela ne signifie pas qu'il est nécessaire que tous les objets aient la même taille ou la même forme, car cela les rendrait ennuyeux. Vous pouvez obtenir l'équilibre grâce au : contraste.

-Contraste : vous pouvez créer du contraste de différentes manières : la lumière, les formes, la taille et la couleur sont les différentes façons de le faire. Par exemple : si vous avez un élément très grand et un très petit, vous pouvez faire ressortir le petit avec une couleur différente de celle du fond et l'objet grand dont la couleur s'harmonise avec celle du fond. C'est créer du contraste en maintenant l'équilibre : le grand élément ressort par sa taille, mais le petit par sa couleur.

-Flux : comme mentionné précédemment, les éléments de support servent à créer un flux dans l'image, quelque chose de similaire à la création d'un chemin que le regard doit suivre pour atteindre notre protagoniste ou pour revenir à la réalité, et cela semble plus élaboré même s'il s'agit de tracés simples.

 

-GUIDES DE COMPOSITION SIMPLES :

Bien, maintenant que nous avons vu les concepts de base de la composition et quelques règles, je vais vous montrer 4 guides de composition faciles à suivre : la forme en L, la règle des tiers, la recherche de symétries et le triangle.

 

-Forme en L-

-La première que nous allons voir est la forme en L ou simplement L, qui consiste à placer un objet haut et les autres objets doivent être petits et près du sol. Dans cette composition, il y a beaucoup d'espace négatif que nous pouvons remplir avec des objets en arrière-plan qui ressemblent à de faibles silhouettes ou à des nuages. Pour créer un équilibre, nous pouvons ajouter un petit élément d'une couleur vive dans notre sélection de couleurs.

 

-Règle des Tiers-

-La règle des tiers, c'est le guide de composition le plus utilisé par les illustrateurs, photographes et cinéastes. Elle consiste à diviser votre toile en trois colonnes et trois rangées, et à placer (vous pouvez le faire sur une seule intersection ou sur plusieurs) notre ou nos points focaux aux intersections qui en résultent. Il existe un autre guide similaire, mais je n'en sais pas beaucoup, donc je ne peux pas l'expliquer.

-Symétrie -

-Symétrie ou recherche de symétries : dans cette composition, vous devez diviser la toile en deux dans le sens de la longueur (vous pouvez également le faire dans le sens de la largeur, mais ce n'est pas nécessaire, cela dépendra de l'illustration). De plus, des éléments similaires en taille et en forme doivent être présents des deux côtés. La symétrie est souvent utilisée dans les images liées au divin, bien que ce ne soit pas toujours le cas.

 

-Triangle-

-Pour former une composition en forme de triangle, vous devez dessiner un triangle isocèle ou un triangle équilatéral au centre de votre toile et placer les éléments en suivant les lignes du triangle. La ligne d'horizon peut ou non suivre la ligne de base du triangle.

 

Enfin, un conseil concernant le point de vue que nous avons d'un objet ou d'un personnage : lorsque nous le voyons d'en bas, il semble imposant ; lorsque nous le voyons de face, il semble être un objet à notre niveau, ce qui nous donne l'impression de lui accorder du « respect » ou lui confère cette apparence ; tandis que si nous le voyons d'en haut, il semble sans défense. Ces règles ne sont pas toujours appliquées ou n'ont pas toujours cette signification, car lorsque vous les connaissez en profondeur et que vous les comprenez, vous pouvez les adapter comme bon vous semble, mais il est important de les connaître pour ensuite les modeler.

 

-Couleur

Si la composition est le « corps » de notre image, la couleur est l'« âme » (ce ne sont peut-être pas les meilleures analogies, pardonnez-moi), car une bonne composition peut être belle sans couleur, mais si vous placez les mauvaises couleurs, cela peut véhiculer un message erroné ou différent de celui que vous souhaitiez transmettre. Pour toujours placer les couleurs qui soulignent notre message, il est nécessaire de connaître les caractéristiques de la couleur, la psychologie des couleurs et la théorie des couleurs.

-CARACTÉRISTIQUES DE LA COULEUR

Nous devons garder à l'esprit que pour appliquer la couleur, nous devons d'abord nous familiariser avec ses caractéristiques, tout comme nous devions nous familiariser avec les éléments de composition et leurs règles. Ces caractéristiques sont : la teinte, la saturation et la valeur.

 

-La teinte (également appelée ton ou tonalité) est ce que l'on pourrait appeler l'« état pur » de la couleur, car aucun blanc ni noir n'est ajouté et ce sont les couleurs telles que nous les voyons dans l'arc-en-ciel. C'est-à-dire qu'en ayant le cercle chromatique, sans ajouter de blanc ni de noir, et en nous déplaçant à travers celui-ci, c'est la teinte ou le ton que nous allons obtenir.

-La saturation est l'intensité de la teinte ou du ton. On pourrait dire que lorsqu'une couleur est très saturée, c'est parce qu'elle est plus éloignée du gris et plus intense, tandis que si elle est peu saturée, cela signifie qu'elle est plus grise (bien que dans Clip Studio, nous puissions trouver une barre de saturation avec du blanc au lieu du gris, ce qui me semble plus pratique).

 

-La valeur ou luminosité est la quantité de lumière que possède la couleur. Le blanc et le noir sont utilisés pour définir si elle a plus ou moins de lumière : plus elle est proche du blanc, plus elle aura de lumière, tandis que plus elle est proche du noir, moins elle aura de lumière.

-PSYCHOLOGIE DES COULEURS

Chaque fois que nous parlons de couleur en tant que dessinateurs, la première chose à laquelle nous pensons est la théorie des couleurs et la façon de mélanger les couleurs, mais la théorie des couleurs peut s'effondrer si nous ne connaissons pas d'abord la signification des couleurs. C'est pourquoi j'aimerais parler de la psychologie des couleurs avant. Bien que la psychologie des couleurs soit différente dans chaque pays ou région, il est important de la connaître, car l'observation des couleurs et de leurs combinaisons nous procure différentes sensations. La psychologie des couleurs est ce qui nous aidera à transmettre l'idée que nous avons en tête. Comme je l'ai dit précédemment, la psychologie des couleurs est différente dans chaque région du monde, je vais donc parler des significations que nous attribuons normalement aux couleurs en Occident. Pour commencer, les couleurs se divisent en deux catégories : les couleurs chaudes et les couleurs froides.

-Couleurs chaudes-

Bien, commençons par les couleurs chaudes, mais avant cela, posons-nous la question : pourquoi les appelons-nous couleurs chaudes ? La réponse courte est en raison de la sensation qu'elles nous procurent lorsque nous les voyons, mais elles nous procurent réellement une sensation de chaleur car ce sont les couleurs que nous observons le plus souvent dans les zones chaudes et que nous trouvons également dans des objets qui, au toucher, nous donnent cette sensation, comme le jaune avec la lumière du soleil, le rouge et l'orange avec le feu, etc.

La gamme de couleurs chaudes s'étend généralement du rouge au jaune sur le cercle chromatique. Il existe d'autres diagrammes qui divisent le cercle chromatique en deux, et d'autres encore incluent des tons de violet ou de vert dans les couleurs chaudes. J'ai donc décidé de me baser sur ces diagrammes pour montrer les couleurs chaudes qui vont du magenta au jaune-vert.

Voici une liste de couleurs chaudes, pour avoir une idée plus précise de ce qu'elles sont :

-Magenta

-Rouge

-Rouge-Orange

-Orange

-Orange-Jaune

-Jaune

-Vert-Jaune

-Signification des couleurs chaudes-

Les couleurs chaudes sont généralement associées à : l'énergie, la passion, le dynamisme, la proximité, la joie et même l'amour, mais elles ont parfois des connotations négatives comme le danger (le jaune et le rouge sont souvent utilisés pour les panneaux d'avertissement) ou la violence et le sang (dans le cas du rouge). Voici une liste de ce que certaines couleurs chaudes représentent généralement en Occident.

-Rouge : pour commencer, le rouge se trouve à divers endroits dans la nature, par exemple dans le feu et le sang, il donne donc une forte impression lorsque nous le voyons. Il est souvent associé à des choses intenses comme : l'amour, la passion, la violence, le pouvoir, la force, la vitalité, la sensualité, il a tendance à donner une sensation d'alerte. De plus, la combinaison de rouge et de noir est liée à l'agressivité.

-Orange : nous l'associons généralement à : la chaleur, la jeunesse, l'amitié, l'exotisme et le divertissement.

-Jaune : cette couleur se trouve dans la lumière du soleil, l'or, mais aussi chez certains animaux venimeux, nous lui donnons donc des significations positives et négatives (comme toutes les couleurs, elle a des significations positives et négatives). Ses significations vont de : l'optimisme, le bonheur, la richesse et l'abondance, à l'excentricité, la folie, le mensonge, la bile et l'acide.

-Rose : cette couleur est liée à : le charme, la gentillesse, la douceur, l'innocence et un amour pur. Il existe également un stéréotype du rose lié au féminin.

Et ce sont les principales couleurs chaudes que vous utiliserez. Il y en a d'autres comme le marron qui est lié à l'ancien, au fané, à l'automne et au fait maison, ou comme la couleur or ou doré qui est de nouveau liée à la richesse, mais j'ai voulu parler des plus courantes pour que ce ne soit pas plus confus.

 

-Couleurs Froides-

Comme les couleurs chaudes, les couleurs froides sont appelées ainsi parce qu'elles nous donnent cette sensation en raison des endroits où nous les observons habituellement, c'est-à-dire dans des lieux très humides ou avec des étendues d'eau, les jours nuageux, dans des lieux froids ou enneigés, etc.

 

-Couleurs Froides-

Tout comme les couleurs chaudes, les couleurs froides sont celles qui nous donnent cette sensation en raison des endroits où nous les observons habituellement, c'est-à-dire dans des lieux très humides ou avec des étendues d'eau, par temps nuageux, dans des lieux froids ou enneigés, etc.

Dans le cas des couleurs froides, on peut dire qu'elles vont du violet au vert, bien que, comme pour les couleurs chaudes, cela soit géré de différentes manières dans différents diagrammes.

Voici une liste de couleurs froides :

-Violet

-Violet Bleuâtre

-Bleu

-Cyan

-Vert

 

-Signification des couleurs froides-

Les couleurs froides sont souvent associées à la distance et à l'immensité, probablement en raison de la couleur bleue qui, si nous regardons bien, la plupart des couleurs froides sont des mélanges de bleu avec du vert ou du violet, et le bleu, nous le voyons souvent dans des objets immenses. Elles nous transmettent également calme et bien-être, mais en même temps tristesse et nostalgie. Voici une liste des couleurs froides les plus utilisées et leurs significations :

-Violet ou pourpre : il est souvent associé à la fantaisie (car c'est une couleur difficile à observer et à obtenir dans la nature), à l'impérial (en raison de sa rareté dans le passé), au mystère, à la spiritualité, à l'érotisme, à la magie et au mystère.

-Bleu : comme je l'ai dit précédemment, le bleu se trouve dans deux éléments immenses et inconnus, le ciel et la mer, c'est pourquoi, d'une certaine manière, il nous semble être une couleur de l'immense, du lointain et du profond, ainsi qu'une couleur qui transmet une certaine fraîcheur, un calme et une tranquillité, en plus de la tristesse et de la mélancolie. Il peut également être associé au divin et à la fantaisie.

-Vert : le vert est la couleur de la nature, car nous le trouvons partout. Il y a des insectes verts, des oiseaux verts, des amphibiens et des reptiles verts, mais plus important encore, c'est la couleur des plantes. Pour cette raison, ses significations vont de : la vie, la nature, la croissance, la fertilité, la santé et l'espoir, mais c'est lorsque nous l'utilisons dans les paysages et les plantes, car il a aussi des connotations très négatives comme : être une couleur associée au poison, à la corruption, au mal, et, tout comme le jaune, il est associé au mensonge. Ces significations se retrouvent également dans des combinaisons spécifiques, comme la combinaison de violet et de vert qui donne souvent la signification de quelque chose de venimeux, ou dans des situations spécifiques, comme l'éclairage vert qui donne souvent l'effet que quelque chose de mauvais se passe.

Pour terminer cette section, j'aimerais parler du blanc et du noir et de la façon dont ils interagissent avec les autres couleurs, cela s'applique à la culture occidentale, je le répète.

-Commençons par le noir. Eh bien, le noir est la couleur de la nuit et de l'obscurité, et bien que nous l'appelions couleur, c'est en réalité l'absence de couleur. Étant lié à des choses si mystérieuses et qui peuvent nous effrayer, comme le vide et l'obscurité, il est souvent associé à la mort, à la fin, à la destruction, au mal et au mystère, il peut également être associé à l'élégance. Lorsque nous faisons des combinaisons entre le noir et d'autres couleurs (vert, bleu, violet, rouge, etc.), ces couleurs sont souvent associées à une signification négative.

-Le blanc est la couleur avec le moins de significations négatives, voire aucune. Il est souvent associé à la perfection, à la pureté, au divin, à la paix, à la propreté, à la reddition (par le drapeau blanc dans les guerres).

-THÉORIE DES COULEURS-

La théorie des couleurs est un ensemble de diverses règles qui nous servent de paramètres pour combiner les couleurs et créer des harmonies de couleurs qui fonctionnent pour transmettre notre idée. Il existe diverses guides ou paramètres pour créer des harmonies, mais je ne vais vous parler que de trois d'entre elles, car ce sont les plus simples à comprendre.

 

-Harmonie Monochromatique-

De toutes les harmonies, celle-ci est peut-être la plus simple car il s'agit d'une seule teinte dont vous devez modifier la saturation et la valeur pour obtenir une variété de tons ou de couleurs.

 

Si vous voulez commencer à créer vos propres palettes de couleurs, je vous recommanderais de commencer par cette harmonie. Un autre avantage est qu'elle vous aidera à vous familiariser avec les concepts de teinte, de saturation et de valeur. Si vous l'utilisez, je vous conseille d'utiliser l'outil « espace de couleur HSV », il est très facile de faire varier la saturation et la valeur.

-Harmonie de couleurs analogues-

Cette harmonie est généralement composée de trois teintes proches. La teinte située entre les deux autres est généralement la couleur principale de la composition, tandis que les deux autres couleurs enrichissent la composition.

On pourrait dire que ces harmonies sont le niveau de complexité suivant en ce qui concerne la création de palettes de couleurs. On les trouve souvent dans la nature.

-Harmonie de couleurs complémentaires-

Elle consiste à prendre deux teintes qui se trouvent aux extrémités opposées du cercle chromatique. Des trois, celle-ci peut être la plus complexe à mettre en pratique, en raison du contraste qu'elles génèrent, bien que ce soit également leur grande vertu.

Contrairement aux précédentes, je peux ajouter ici quelques combinaisons très utilisées, comme l'orange et le bleu, le rouge et le vert, le jaune et le bleu-violet, peut-être parce que le contraste qu'elles génèrent les rend très marquantes.

Procédure

Bien, maintenant que nous avons les bases de la composition et de la coloration, nous allons passer à la procédure que je divise en plusieurs étapes : créer le concept de l'illustration, premier croquis, deuxième croquis, lineart, carte de gris, choix des couleurs, coloration de base, lumières et ombres, détails et ambiance. Mais avant de voir la procédure, nous allons voir les matériaux que nous utiliserons (ou du moins ceux que j'utilise, vous pouvez en changer ou en varier certains selon votre style).

Voici une vidéo de la procédure, c'est juste pour que vous puissiez voir comment j'ai fait le dessin. Elle n'est pas très éditée car je voulais faire des gifs mais ils étaient trop lourds à télécharger, désolé pour l'ennui.

Voici une vidéo de la procédure, c'est juste pour que vous puissiez voir comment j'ai fait le dessin. Elle n'est pas très éditée car je voulais faire des gifs mais ils étaient trop lourds à télécharger, désolé pour l'ennui.

-MATÉRIAUX-

Le logiciel que j'utiliserai est Clip Studio Paint, je parlerai donc de certaines caractéristiques et outils qui pourraient ne pas être présents dans d'autres programmes. Si vous ne l'avez pas, vous devrez vous adapter aux outils disponibles dans votre logiciel de dessin.

Un détail à prendre en compte est que je me baserai sur la configuration par défaut du programme pour indiquer où se trouve chaque outil ou sous-outil.

-Pour commencer, nous verrons la fenêtre des calques, où se trouvent les deux types de calques disponibles dans le programme, ainsi que les caractéristiques et les outils des calques.

-Comme je l'ai dit précédemment, il existe deux types de calques que nous pouvons créer : le calque raster et le calque vectoriel. Nous utiliserons le calque raster pour la coloration et l'ajout d'ombres car il est plus facile d'y mélanger les couleurs, tandis que le calque vectoriel sera utilisé pour le lineart en raison de la facilité avec laquelle nous pouvons modifier les lignes avec l'outil « opération » et grâce à l'outil « gomme » qui peut être modifié en « gomme vectorielle ».

-Un autre outil que nous utiliserons est le « Dossier », qui nous permet de regrouper un ensemble de calques pour mieux les organiser. C'est vraiment très utile car cela nous permet d'appliquer des effets uniquement aux calques qui s'y trouvent ou de maintenir nos calques en ordre.

-« Découper au calque inférieur » (traduction littérale de Google Traduction :P) est le prochain outil que nous verrons. C'est l'outil que j'utilise habituellement pour appliquer des ombres et certains détails une fois la couleur de base de l'illustration terminée. Ce qu'il fait, c'est que lorsque vous utilisez un calque et que vous cliquez sur cette fonction (« Découper au calque inférieur »), seul ce qui se trouve au-dessus des pixels ou des vecteurs colorés du calque inférieur sera visible. Autrement dit, si rien n'est coloré sous le calque sur lequel vous travaillez avec cette fonction, alors cela ne sera pas visible sur le calque sur lequel vous travaillez avec « Découper au calque inférieur ».

-La fonction « Opacité » sera importante dans presque tout le processus de dessin, car elle nous permet de contrôler la transparence du calque, particulièrement utile pour l'application des lumières et des ombres.

-« Verrouiller les pixels transparents » nous servira à ajouter des détails à l'intérieur du même calque de couleur de base, sans avoir à nous soucier de sortir de la zone préalablement colorée. Cette option ne peut pas être utilisée sur les calques vectoriels.

-« Changer la couleur du calque » est un autre outil qui n'est pas très important si vous ne l'utilisez pas ; nous l'utiliserons uniquement pour changer la couleur du ou des calques du croquis, afin de pouvoir le différencier facilement du lineart.

Nous allons maintenant voir les outils du côté gauche que nous utiliserons :

1-« Opération » si nous devons modifier un vecteur.

2-« Zone de sélection » pour couper ou modifier une imperfection, ou déplacer certains traits vers un autre calque.

3-« Pipette » pour sélectionner les couleurs.

4-Différents pinceaux de notre préférence, pour obtenir différentes finitions nous modifierons certaines configurations de nos pinceaux.

5-« Gomme » et « Gomme vectorielle » pour effacer les traits.

6-« Remplir » nous aidera à appliquer la couleur de base.

7-« Dégradé » nous l'utiliserons pour créer une plus grande atmosphère et pour donner de la lumière ou de l'ombre à certains éléments.

8-« Figure en U » si nous devons faire une figure ou une ligne nette mais que nous n'avons pas le meilleur tracé, il est bon d'utiliser cet outil.

9-« Règle », la même chose que le précédent.

Nous allons maintenant voir les outils de couleur dont nous disposons, ils se trouvent en bas à gauche où nous pouvons voir le cercle chromatique. Au-dessus du cercle chromatique, nous pouvons trouver quelque chose de similaire à un petit panneau avec différents icônes, en cliquant sur chacun, un outil de couleur différent s'affiche.

1-Cercle chromatique : il nous facilitera la création de palettes lors de la sélection des couleurs, en cas d'utilisation d'une palette de couleurs analogues ou complémentaires, mais si nous utilisons une palette monochromatique, il est préférable d'utiliser un autre outil.

2-Palette de couleurs : elle nous aidera à organiser les couleurs que nous avons sélectionnées pour notre illustration et à les conserver.

3-Espace de couleur HSV : pour commencer, les sigles viennent de l'anglais et signifient H pour teinte (Hue), S pour saturation et V pour valeur (Value), c'est-à-dire les 3 caractéristiques de la couleur. Cette fonction est idéale si vous voulez créer des palettes monochromes car vous pouvez rester dans la même teinte mais changer facilement la saturation et la valeur.

4-Mélangeur de couleurs : comme son nom l'indique, cette fonction sert à mélanger les couleurs. Par exemple : vous aimez deux tons, mais vous considérez qu'un ton intermédiaire entre ces deux tons serait meilleur pour votre dessin, vous pouvez donc utiliser le mélangeur pour ne pas le faire directement sur la toile.

5-Historique des couleurs : il nous permet de voir toutes les couleurs que nous avons utilisées depuis un certain temps jusqu'à présent.

Voici les deux pinceaux que j'utilise : le premier sert généralement à colorier, ajouter des détails et certains effets comme le brouillard, tandis que celui du bas est habituellement destiné au lineart.

-CRÉER LE CONCEPT DE L'ILLUSTRATION-

Cette partie consiste simplement à vous demander ce que vous allez dessiner, pourquoi et dans quel but. Vous pouvez faire un brainstorming et réaliser différents croquis pour représenter ce que vous avez imaginé.

-CROQUIS-

 

-Premier croquis-

Matériaux que nous utiliserons :

-Calque raster

-Dossier

-Outil « Figure en U » ou Règle

-Notre pinceau préféré

Une fois que nous avons une idée claire de ce que nous allons dessiner, nous commençons par le premier croquis. Nous ajouterons ici les détails les plus basiques de notre image, c'est-à-dire la ligne d'horizon, le guide de composition et notre point focal.

-Nous ouvrons d'abord les calques raster dont nous aurons besoin, dans mon cas j'ai ouvert trois calques.

-Maintenant, nous ouvrons un dossier pour les y insérer et garder l'espace ordonné.

-Nous utilisons l'outil « Figure en U » ou « une règle de guide » pour créer notre ligne d'horizon, et selon la composition que nous avons choisie, nous ajoutons le guide. Dans mon cas, j'ai choisi une composition symétrique, j'ai donc ajouté une ligne au centre.

-Après cela, nous ajouterons notre point focal (ou nos points focaux), en créant une figure géométrique qui nous servira de guide pour la phase de croquis suivante, ou si nous ne sommes pas si débutants, en dessinant directement avec notre pinceau ou stylo préféré.

 

-Deuxième croquis-

Matériaux que nous utiliserons :

-Calque raster

-Dossier

-Pinceau de notre préférence

-Opacité du calque

-Outil « Figure en U » : Ellipse

Cette partie du processus pourrait en fait aller avec la précédente et la suivante, mais je travaille généralement le croquis par étapes pour ajouter plus de détails et avoir une idée beaucoup plus claire de la façon de faire le lineart. En continuant la description de l'étape, dans cette partie, nous définissons ce qu'il y aura autour de notre point focal, c'est-à-dire nos éléments de support, en plus de placer quelques contrastes (lumières et ombres) pour avoir une idée plus claire de l'image finale.

-La première chose que j'ai faite a été d'ajouter des calques pour esquisser des éléments sur chacun afin de définir quels seraient mes éléments de support finaux. J'ai essayé avec des arbres, des pierres et des ruines jusqu'à ce que je me décide pour des ruines inondées avec un autel circulaire corrodé par le temps que j'ai fait avec le sous-outil « cercle » de l'outil « Figure en U ». Le reste a été fait avec le pinceau de lineart que j'ai téléchargé.

-Après cela, j'ai réduit l'opacité du calque où se trouvait le triangle que j'avais fait précédemment, j'ai ajouté un nouveau calque raster pour esquisser, avec le même pinceau qu'avant, une déesse qui prie ou médite. Je n'ai pas ajouté de grands détails car je devais le faire plus tard.

-J'ai ouvert un autre calque raster, cette fois pour ajouter quelques ombres pour mieux imaginer comment le dessin allait finir, en plus de cela, j'ai ouvert un autre calque pour ajouter des lumières.

-Pour finir, j'ai ouvert un nouveau dossier pour organiser à nouveau mon espace de travail.

 

-Croquis final-

Matériaux que nous utiliserons :

-Calque raster

-Dossier

-Changer la couleur du calque

-Opacité

-Outil « Figure en U » : Ellipse et Rectangle.

-Pinceau de notre préférence

-Sélectionner la zone : Lasso

Comme son nom l'indique, c'est l'étape finale du croquis, où j'ai terminé de placer les détails pour passer au lineart et faciliter sa réalisation.

-Premièrement, nous changeons la couleur et réduisons l'opacité des calques du deuxième croquis pour les différencier des nouveaux calques que nous ouvrirons.

-Une fois cela fait, nous ouvrons un nouveau calque raster et utilisons le pinceau de notre préférence pour dessiner les détails de notre croquis. Et si nous en avons besoin, nous pouvons utiliser l'outil « Figure en U ». J'ai utilisé le sous-outil : « Ellipse » pour dessiner l'arc de l'autel, et le sous-outil : « Rectangle » pour les marches de l'autel.

-Si vous avez des éléments identiques des deux côtés de l'illustration, comme dans mon cas les torches éteintes des escaliers, vous pouvez utiliser l'outil « Sélectionner la zone » pour copier les éléments ou utiliser la « Règle symétrique » pour gagner du temps. Dans mon cas, j'ai utilisé l'outil « Sélectionner la zone » pour copier et coller les torches.

 

-LINEART-

 

Matériaux que nous utiliserons :

-Calque vectoriel

-Dossier

-Outil « Figure en U » : Ellipse

-Pinceau de notre préférence

-Règle : Guide

En gros, ce que nous allons faire à cette étape sera de copier ce que nous avons dessiné à l'étape précédente, en traçant sur un (ou plusieurs) calques vectoriels qui se trouveront au-dessus de notre dossier de croquis.

-La première chose que nous ferons est de changer la couleur des calques à l'intérieur du dossier, pour une couleur que nous différencierons de notre lineart, et nous réduirons l'opacité pour faciliter la visualisation de nos tracés.

-Après cela, nous ouvrons un calque vectoriel et créons un nouveau dossier pour le lineart, nous le plaçons au-dessus du dossier de croquis, et sur le calque vectoriel que nous avons ouvert, nous commençons à dessiner notre lineart avec notre pinceau préféré. Gardez à l'esprit que vous pourrez ouvrir les calques que vous jugerez nécessaires pour faciliter le processus.

-Pour dessiner l'arc, j'ai utilisé deux cercles créés avec l'outil « Figure en U » et avec le sous-outil ellipse. Pour faire un cercle parfait avec ce sous-outil, vous devez appuyer sur la touche « Maj » ou cocher la case « Type d'aspect » (je n'ai pas su traduire, pardon).

-Pour les escaliers, j'ai utilisé l'outil « règle », avec le sous-outil « guide ». Ce sous-outil ouvre un calque distinct où il place toutes les lignes de guide (par défaut, elles sont bleues), vous devez donc revenir au calque sur lequel vous dessiniez et une fois sur le calque vectoriel, passez votre pinceau sur les lignes de guide et suivez la ligne avec le pinceau.

-Pour dessiner les torches, j'ai utilisé une référence que j'ai vue sur Pinterest, et j'ai dessiné une torche sur un calque vectoriel séparé de tout le lineart. Ensuite, avec l'outil « zone de sélection », je l'ai sélectionnée, copiée et collée. J'ai fait cela trois fois en laissant chaque torche sur un calque différent, puis en modifiant la taille et la position de chacune, ce qui a facilité le processus. Une fois qu'elles étaient dans la bonne position, j'ai réuni toutes les torches sur un même calque, et avec le même outil de sélection, j'ai sélectionné les torches pour les copier et les coller sur un autre calque, puis je les ai modifiées pour qu'elles aient une belle apparence.

-J'ai apporté quelques modifications aux escaliers pour qu'ils aient l'air plus corrodés, en plus de corriger quelques détails du lineart.

-J'ai enregistré tous les calques de lineart dans un dossier, ou plutôt dans deux dossiers, mais j'ai ensuite dû les enregistrer dans un seul.

-CARTE DE GRIS-

 

Matériaux que nous utiliserons :

-Calque raster

-Dossier

-Pinceau de notre préférence

-Espace de couleur HSV

-Remplir

-Verrouiller les pixels transparents

Cette étape consiste à organiser les couleurs que j'utiliserai par valeur. Ce que je fais, c'est colorier en niveaux de gris pour observer les contrastes qui se produiront entre les valeurs, de cette façon je m'assure que le contraste est frappant et qu'aucune valeur de couleur ne se confond avec celle d'une autre.

-La première chose que je fais habituellement est d'ouvrir un calque raster et avec l'outil « Remplir », je donne de la couleur au fond. Dans ce cas, je le colorie en gris foncé car mon point focal (c'est-à-dire la déesse méditant) sera d'une couleur très claire (presque blanche).

Étant donné que nous ne travaillerons qu'en niveaux de gris, nous utiliserons l'outil « espace de couleur HSV » car il est plus facile de contrôler la valeur et la saturation avec cet outil qu'avec le cercle chromatique.

-Selon la taille de la surface à colorier, nous utiliserons l'outil pinceau ou « Remplir ». De plus, à certains moments, nous utiliserons la « Pipette » pour sélectionner les couleurs et le mélangeur de couleurs pour obtenir des tons intermédiaires.

-Une fois que j'ai fini de placer toutes les couleurs et que le contraste me convainc, en plus d'ajouter quelques lumières, je mets tous les calques que j'ai utilisés pour la carte de gris dans un nouveau dossier (il est important de noter que le dossier doit se trouver sous le dossier du lineart).

 

-CRÉER LA PALETTE DE COULEURS-

 

Matériaux que nous utiliserons :

-Calque raster

-Pinceau de notre préférence

-Mélangeur de couleurs

-Pipette

-Cercle chromatique

-Espace de couleur HSV

-Palette de couleurs

Dans cette partie du processus, nous déciderons de l'harmonie des couleurs que nous allons utiliser. Dans mon cas, j'ai décidé d'utiliser une palette monochrome bleu-violet avec du rouge dans une petite zone pour créer un contraste un peu plus intéressant, en plus de sauvegarder un ensemble de couleurs pour éviter que les couleurs que nous avons choisies ne soient perdues dans l'historique des couleurs.

-Pour commencer, nous ouvrons un nouveau calque raster, nous choisissons une couleur que nous considérons appropriée pour une zone de notre illustration et qui a une valeur similaire à celle du gris de la même zone (nous le ferons en convertissant le calque en niveaux de gris). Si la valeur ne correspond pas ou si nous n'aimons pas la couleur, nous pouvons prendre une autre couleur et les comparer à l'intérieur du calque. Si les deux couleurs nous plaisent et sont proches de la valeur, nous pouvons utiliser l'outil de mélange de couleurs pour obtenir une couleur intermédiaire.

-Lorsque nous aurons décidé quelles couleurs utiliser, nous irons dans l'outil « palette de couleurs » et cliquerons sur une option appelée : « Modifier l'ensemble de couleurs » (1). Un mini-menu apparaîtra, qui contiendra une option appelée : « créer un nouvel ensemble », que nous cliquerons. Il nous demandera de le nommer (étape que nous pouvons ignorer) et nous cliquerons simplement sur « ok ». Après cela, un nouvel ensemble de couleurs vierge (sans couleur) apparaîtra. Pour ajouter des couleurs, nous devons aller à l'option appelée « Ajouter une couleur » (2). Nous pouvons observer les icônes « Modifier l'ensemble de couleurs » et « Ajouter une couleur » dans l'image de la partie supérieure, « Modifier l'ensemble de couleurs » étant le numéro 1 et « Ajouter une couleur » le numéro 2.

-COLORATION DE BASE-

 

Matériaux que nous utiliserons :

-Calque raster

-Remplir

-Jeu de couleurs

-Pinceau de notre préférence (avec opacité à 100%)

Comme son nom l'indique, dans cette section du processus, nous appliquerons la couleur de base. Nous utiliserons plusieurs calques pour faciliter l'application des ombres, des lumières et d'autres détails.

 

-Pour commencer (comme pour toutes les étapes), nous ouvrons un nouveau calque, dans ce cas un calque raster, et nous le plaçons là où nous avons notre lineart pour utiliser un sous-outil de « Remplissage » appelé « Entourer et remplir ». Nous allons aux propriétés du sous-outil « Se référer à plusieurs calques » et nous activons l'option « Calque dans le dossier » qui prendra les lignes de notre lineart comme référence. (L'image ci-dessus nous montre où se trouve le sous-outil « Entourer et remplir » et où se trouve l'option « Calque dans le dossier »)

Pour sélectionner une couleur de notre palette de couleurs, nous allons à : « jeu de couleurs » et nous sélectionnons simplement la couleur dont nous avons besoin.

Une fois que nous avons fini d'appliquer la couleur de base, nous plaçons les calques dans un dossier différent de celui du lineart.

-LUMIÈRES ET OMBRES-

 

Matériaux que nous utiliserons :

-Calque raster

-Découper au calque inférieur

-Opacité du calque

-Pinceau de notre préférence

-Pipette

-Jeu de couleurs

 

-Nous ouvrons un nouveau calque raster, activons l'option « Découper au calque inférieur » (l'image ci-dessus nous montre l'icône pour activer cette option) et avec notre pinceau, nous commençons à placer les ombres.

-Nous devrons ouvrir différents calques pour les ombres en fonction du nombre de calques de coloration que nous avons. De plus, pour certains objets, des ombres plus foncées seront nécessaires, nous changerons donc constamment les couleurs avec lesquelles nous travaillons.

• Une fois que nous avons fini de placer les ombres de base, nous réduisons l'opacité des calques. Avec la fonction « Verrouiller les pixels transparents », nous bloquons notre coloration pour placer un ton plus clair et plus chaud dans certaines zones de nos ombres avec notre pinceau à opacité réduite. (Si vous ne vous souvenez plus de la fonction pour contrôler l'opacité de notre calque, vous trouverez en haut du paragraphe une image montrant son emplacement dans le programme, tandis qu'en bas vous trouverez une image avec la fonction de verrouiller les pixels transparents)

-Pour placer les lumières, nous ouvrirons de nouveaux calques au-dessus de chaque calque d'ombres et, avec le pinceau à faible opacité, nous peindrons les lumières. Comme pour les calques d'ombres, nous utiliserons l'option « Découper au calque inférieur » ce qui fera qu'il s'adaptera au calque de couleur de base, et nous réduirons également l'opacité de nos calques de lumière.

 

 

 

-DÉTAILS-

 

Matériaux que nous utiliserons :

-Calque raster

-Découper au calque inférieur

-Opacité du calque

-Pinceau de notre préférence

Les détails que j'ai réalisés dans ce dessin consistaient à changer la couleur du lineart avec un calque raster, la fonction : découper au calque inférieur et avec un pinceau à faible opacité.

J'ai placé le calque raster au-dessus du dossier du lineart et en activant la fonction « Découper au calque inférieur », ma coloration s'est ajustée au lineart lorsque j'ai commencé à colorier.

Ensuite, j'ai placé un calque supplémentaire, au-dessus de l'autre calque, et avec le même pinceau, j'ai ajouté quelques lumières et réduit l'opacité.

À l'arrière-plan du dessin, j'ai ajouté un peu de relief avec le même pinceau et réduit l'opacité. Ce calque doit se trouver derrière presque toute la coloration de base, à l'exception de la couleur du fond.

De plus, sur un calque différent au-dessus des autres, j'ai ajouté des lucioles et des particules que j'ai réalisées avec le même pinceau, et une petite brillance que j'ai faite avec l'outil de dégradé en forme d'ellipse.

 

-AMBIANCE-

 

Matériaux que nous utiliserons :

-Dégradé

-Calque raster

-Pinceau à très faible opacité (environ 10% d'opacité)

Nous ouvrons un nouveau calque au-dessus des autres, avec l'outil dégradé, nous formons une ellipse inversée (c'est-à-dire que le dégradé vient de l'extérieur au lieu de l'intérieur) avec une couleur similaire à celle du fond mais plus claire et plus violette. Certaines parties qui ne devraient pas être colorées le seront, pour résoudre ce problème, nous effaçons simplement.

Enfin, avec un nouveau calque et le pinceau à 10% d'opacité, nous plaçons un peu de brouillard, ce calque doit se trouver sous le précédent.

 

Et c'est ainsi que nous terminons, j'espère que cela vous sera utile et encore une fois désolé de ne pas avoir ajouté de gifs et plus d'images.