Introduction

Bonjour, je suis Zoisette. Ce tutoriel porte sur la conception d'une tenue pour votre personnage.

La tenue d'un personnage en dit long sur lui, révélant sa personnalité et ses activités, mais aussi sa position dans son environnement et le récit dans lequel vous l'avez placé. Il existe de nombreuses façons de concevoir une tenue.

Ce tutoriel comporte deux sections : la première contient des conseils généraux pour vous aider à organiser un peu votre processus, et la seconde est un exemple de conception de personnage.

 

Lorsque vous lisez ces conseils, ils ne sont pas destinés à limiter votre méthode de création de la tenue de votre personnage. Si vous faites quelque chose qui semble aller à l'encontre des règles mais qui rend tout de même bien, essayez de comprendre ce qui le rend efficace. En fin de compte, ces règles ne sont que des outils pour faciliter la communication de votre art et accélérer le dessin.

Conseils généraux

Formes

Vous avez donc un personnage en tête. Vous avez défini son apparence générale et vous le dessinez dans un certain style. En regardant votre personnage, vous remarquerez qu'il a une forme générale (sa silhouette) qui repose sur la répétition d'un motif. Il peut s'agir d'une forme géométrique, comme des triangles ou des cercles, mais cela peut aussi être un peu plus vague, comme des bords nets avec des rétrécissements soudains, ou des courbes en S. Un personnage avec un nez pointu aura probablement une mâchoire nette et des doigts plus fins qu'une figure gigantesque, qui aura plus de chances d'avoir des bords émoussés et carrés et des formes partout.

 

 

Plus le réalisme est grand dans votre style artistique, plus les formes seront subtiles, mais même un personnage totalement réaliste aura des caractéristiques qui suivent un motif.

 

 

Ici, j'ai un visage dessiné à la fois de manière très stylisée et plus réaliste. Vous pouvez voir qu'elle a des traits marqués.

 

 

Application des formes à la tenue

Ci-dessus, j'ai le même visage avec des coiffures différentes. La première répète les formes pointues du visage. Cela intensifie généralement les traits, mais peut aussi fournir une sorte de « fond » pour votre personnage, le rendant homogène et complet. La seconde utilise des formes arrondies, ce qui complète les coins triangulaires du nez et des yeux. Utilisez la méthode qui correspond le mieux à l'ambiance que vous souhaitez donner à votre personnage.

 

 

Points focaux

Choisissez une tenue dont la forme complète les traits les plus distinctifs de votre personnage et attire l'attention sur les petits détails qui le rendent spécial. Un physique unique peut être masqué ou mis en valeur.

 

 

Contexte environnemental

Si votre personnage évolue dans un environnement, il y aura probablement un code vestimentaire d'une certaine sorte. Soit il existe dans un contexte historique, soit dans une cour de fées, soit il gravit les échelons de l'entreprise, soit il traverse une forêt. Quoi qu'il en soit, il n'est généralement pas crucial de capturer chaque détail de ce code vestimentaire (à moins que vous ne le souhaitiez). Au lieu de cela, notez les caractéristiques distinctives, comme vous l'avez fait avec votre personnage, et construisez votre tenue en gardant celles-ci à l'esprit.

 

 

Ceci reste secondaire par rapport aux caractéristiques de votre personnage. Les tenues archétypales possèdent de nombreuses caractéristiques reconnaissables qui peuvent être échangées les unes contre les autres tout en laissant le costume appartenir à son contexte. Les marques distinctives d'un environnement d'entreprise pourraient être des costumes ou des rayures épaisses. Une femme victorienne pourrait être reconnue par un corsage baleiné ou simplement des jupes à volants.

 

 

Le but de maintenir la tenue en accord avec l'environnement du personnage est de le faire paraître et se sentir à l'aise, et d'éviter que votre spectateur ne soit confus. Soyez donc prudent lorsque vous envisagez un vêtement qui ne correspond pas vraiment au statut de votre personnage. Prenez un soudeur, par exemple : vous vous attendriez à ce qu'il ait de lourds gants en cuir, pas des gants d'opéra en velours…

Dernière remarque : il n'est toujours pas impossible de donner à votre personnage des éléments de mode qui ne correspondent pas à son environnement. Mais le spectateur voudra savoir pourquoi :)

 

 

Couleurs

Il est courant de choisir seulement deux couleurs principales lors de la conception d'une tenue. En effet, si vous avez plusieurs couleurs ensemble, le costume peut sembler saccadé. Cela est dû davantage au fait, cependant, que les couleurs sont bloquées en grandes sections de la tenue et n'ont pas la chance de bien se « mélanger ». Ainsi, plus vous voulez utiliser de couleurs, plus les sections colorées doivent être petites et mieux mélangées. Les costumes de super-héros sont un excellent exemple d'utilisation de deux couleurs, car elles sont mappées en grandes sections sur les vêtements. Un bouffon est l'opposé de cela, utilisant de nombreuses couleurs mais rendant les sections plus petites afin qu'elles puissent mieux se mélanger, donnant une impression d'homogénéité. Plus de couleurs --> plus de mélange requis.

Accessoires

Les accessoires sont généralement assez petits par rapport aux éléments strictement nécessaires de votre tenue, par exemple, les sacs à main, les chapeaux et la dentelle occupent moins d'espace visuel que les pantalons. Si l'« accessoire » est assez grand, traitez-le comme une partie intégrante de la tenue, car il a le même impact visuel.

 

 

Les accessoires ne sont pas toujours visuellement percutants, mais cela ne signifie pas qu'ils ne sont pas importants. Ils servent à la fois à accentuer les parties principales de l'apparence de votre personnage, à fournir un récit, à guider le regard autour de la tenue, et à apporter du détail et de la texture.

Exemple de description de personnage

J'ai décidé de dessiner Tybalt de Roméo et Juliette, dans un style qui émule vaguement la mode de l'époque. En fin de compte, je voulais que le costume corresponde à la description de Tybalt dans la pièce. Il est surnommé le « prince des chats » parce que son nom était/est un nom de chat populaire (Tibs !) et il est décrit comme rapide et colérique.

 

J'avais une idée générale de la forme que je voulais lui donner, mais aussi divers éléments que je voulais inclure dans sa tenue. J'ai dessiné à la fois un croquis grossier de sa forme générale et un montage de type humain des éléments de mode que je voulais inclure.

 

 

L'image à gauche était le premier croquis que j'ai réalisé pour poser quelques couleurs. Celui de droite, façon Picasso, était un collage d'éléments sans grand souci d'exactitude anatomique (et vous pouvez voir ici que j'ai brièvement envisagé des cheveux argentés avant d'abandonner cette idée). C'est pour se faire une idée de la tenue et voir à quel point je veux qu'elle soit historiquement précise (réponse : pas trop). Celui de droite sert à définir sa physique.

 

 

Idées et croquis de formes

Dessiner votre personnage dans diverses poses, dans un style simple, m'a aidé à tester l'effet du costume une fois que j'avais commencé à me fixer sur un look. Le but des croquis de chats était de m'aider à me faire une idée d'une forme souple et musclée.

 

 

Conception de la tenue

J'utiliserai l'une des itérations de tenues que j'ai dessinées pour Tibs :

1. J'ai d'abord dessiné sa forme de base, dans une pose qui, selon moi, lui serait naturelle. Il s'agit d'un croquis de mode, donc les dimensions n'ont pas besoin d'être parfaitement exactes, mais elles ne doivent pas être non plus trop éloignées. Je dessinais avec un pinceau à la gouache à 100% de densité.

 

2. Je l'ai redessiné avec plus de détails, car je savais que je voulais être précis sur l'emplacement des coutures et autres éléments sur le corps. J'ai également ajusté la jambe pour qu'elle soit plus logique.

 

(Lorsque vous dessinez sur une autre couche, réduisez l'opacité de la couche inférieure à environ 20% ou 30%, afin que les lignes ne soient pas distrayantes.)

 

3. Ensuite, j'ai dessiné la tenue sur la forme, en réduisant à nouveau l'opacité de mon croquis de référence.

 

4. Enfin, je l'ai un peu coloriée. Cela n'a pas besoin d'être exact, mais la couleur est importante et vous en avez parfois besoin pour comprendre à quoi ressemblera le blocage des couleurs sur le costume fini.

Variations

Je n'étais pas sûr de plusieurs parties de ses vêtements, alors je l'ai dessiné plusieurs fois avec une coloration simple (et je me suis un peu laissé emporter !) pour les comparer. Je n'étais pas fixé sur le pantalon et la jupe du pourpoint, principalement. Le pauldron était un autre problème car il affectait beaucoup la silhouette, ainsi que la peau de chat -- j'ai réalisé en cours de route que je me souciais du type de chat (j'ai opté pour un lion avec une coloration douteuse).

 

 

Détails

Les cheveux ne font pas exactement partie d'une tenue, mais ils influencent la silhouette.

L'armure, en revanche, était l'une des principales sources de détails, il était donc important de dessiner les pièces séparément. Il est inutile d'essayer d'ajouter de petites lignes si vous ne savez pas exactement quel design vous essayez de représenter.

Ci-dessous se trouve un motif que j'ai dessiné basé sur la flore et la faune indigènes de l'Inde. Comme il est riche, j'ai pensé qu'il aurait des matériaux importés, et cela m'a donné une excuse pour mettre des chats sur sa tenue.

Vues de rotation

Une vue de rotation montre votre personnage de face et de dos, et parfois de profil. La pose n'est pas compliquée afin que la tenue puisse être facilement interprétée.

Les étapes de la vue de rotation sont pour la plupart les mêmes que les étapes pour dessiner les variations de tenue. La différence réside dans la propreté de votre travail, la coloration et la gestion des calques, et la correspondance du dos avec le devant.

 

Chaque couleur devrait avoir son propre calque, parfois même plus, si vos vêtements se chevauchent de manière à ce que la même couleur soit à la fois sous et sur une autre couleur. Remplissez les calques colorés avec un outil stylo ou un autre outil qui n'a pas d'opacité variable et qui a un bord net ; cela facilite l'ombrage et la modification du calque par la suite.

 

Les couleurs très foncées proches de la couleur de votre line art peuvent être remplies avec une couleur contrastante ou plus claire, afin que vous puissiez voir les lignes. Il en va de même pour les couleurs claires : si votre personnage est assis sur une toile blanche et que vous avez besoin qu'une partie de sa tenue soit blanche, remplissez-la avec une autre couleur et modifiez-la ensuite avec l'opacité verrouillée.

Voici un gros plan du dessin de la vue arrière :

Voici le design final. Je lui ai donné à la fois une jambe blindée et une botte car je voulais à la fois l'extrême finesse de l'armure, avec ses accents pointus, et le fort rétrécissement que procure la botte plutôt conique. La forme de la botte m'a rappelé le bras supérieur lourd d'un chat se rétrécissant vers une patte relativement petite. Le même principe s'applique à sa manche.

J'espère que cela vous a été utile et vous a donné des idées. N'oubliez pas que les règles et les guides existent pour vous aider à organiser votre méthode, afin que vous puissiez utiliser pleinement votre arsenal créatif, ils ne sont pas là pour vous contraindre. Bonne conception !