Concept Art Entornos: Introducción, Principios, Método y Técnica

Introducción

El objetivo de este primer tutorial sobre el Concept Art de entornos y ambientaciones, cuyo argot es Environment Concept Art (1), es el conocer los principios, método de trabajo y técnicas básicas que debemos comprender para tener éxito con nuestros diseños.

 

Lo primero que tenemos que entender es que el artista de concept art realiza las primeras ideas partiendo de la nada. Sus dibujos van a marcar la guía para el resto del equipo creativo, dando aspecto visual a un proyecto audiovisual (cine, animación, videojuegos, cómic, arquitectura) reflejando la visión que del mismo tiene el director creativo.

 

Mediante el concept art se busca encontrar el diseño concreto de un personaje, un paisaje o determinado complemento. Su labor se realiza en la fase de preproducción (2).

 

El trabajo del artista de concept art no es realizar una ilustración, sus imágenes no sirven para la venta o promoción, son primeros esbozos para mostrar una idea que debe entenderse y tiene que estar bien representada. El concept art debe ser un boceto rápido y efectivo en búsqueda de resultados interesantes.

 

Notas:

(1) ARGOT: Lenguaje particular empleado por quienes se dedican a determinado oficio.

(2) Una producción audiovisual se divide en tres fases: Preproducción, Producción y Post-producción. La preproducción es la etapa en la que se generan las ideas y aspecto visual de un proyecto.

 

Feng Zhu

Uno de los mejores artistas del arte de conepto actuales, fundador de la escuela “FZD School of Design”

 

Fundamentos

Vamos a crear un entorno que no existe partiendo de nuestra creatividad y, quizá en un futuro, daremos aspecto visual a la idea que el director de arte tiene de como será el aspecto de determinado proyecto. Pero ahora estamos en una fase inicial de aprendizaje, siguiendo unas pautas preestablecidas como guía o podéis seguir vuestras propias propuestas.

 

Lo primero será elegir un tema para el concept de nuestro entorno: un mundo acuático, un mundo medieval, fantasía…¿qué más da?

 

Simplemente tomad una decisión y dejaros llevar (3). Lo importante en este proceso es divertirse y no preocuparos por el resultado final.

 

Es el momento de poner una música que os relaje ¿por qué?. El mejor consejo que me dieron y que os traslado: Para ser creativo y que las ideas fluyan es necesario estar relajado.

 

Notas:

(3) Haceros preguntas sobre lo que aparecerá en vuestro concept art de entornos es una buena manera de comenzar. Escribid una lista con los elementos que iréis incorporando es un buen comienzo.

 

Método

El concept artist tiene libertad creativa para generar las primeras ideas, por lo tanto debemos aprender a controlar nuestro trabajo. Será importante saber dibujar, tener conocimientos de anatomía, perspectiva, ser organizado y sobre todo optimizar nuestro trabajo utilizando las capas y mediante el uso de atajos de teclado. Y a la hora de plantearme un dibujo:

 

• Tener claro lo que tengo que hacer

• Documentarme antes de empezar a dibujar

• Comenzar nuestros dibujos aplicando volúmenes, formas, siluetas y no buscar el detalle

• Componer bien la escena, buscando centros de interés

• Trabajar de manera organizada, rápido y eficaz

 

Siempre buscad un buen método de trabajo. Como artistas, queremos empezar a dibujar lo antes posible y este es uno de los errores más comunes, querer empezar antes de tener las ideas claras. En un oficio donde existe una gran competencia y los ritmos de trabajo son muy exigentes en cuanto a la fecha de entrega, es necesario un adecuado orden antes de pasar a dar el primero de los trazos.

 

Técnica

Para dibujar nuestro primer concepto de entorno, como en casi todas las técnicas de dibujo, comenzaremos realizando un boceto trazando volúmenes gruesos y formas en silueta, sin detenernos en los detalles. Este método nos va a ayudar a comprender mejor la perspectiva dentro de nuestra composición como la disposición de los elementos en la escena.

En cuanto a cómo interpretar o dotar de profundidad a nuestro boceto, lo que denominamos perspectiva atmosférica (4), utilizaremos una escala tonal limitada a variaciones de grises y la superposición de elementos:

 

• Los tonos más negros los usaremos para destacar elementos en primer plano. A medida que nos vamos alejando, mediante distintos planos de profundidad, la escala tonal irá pasando por distintos grises (gris oscuro, gris, gris claro, etc.) Siendo los elementos más alejados los que presentan tonos más claros. Cada plano lo dibujaremos en una nueva capa.

 

Notas:

(4) La perspectiva atmosférica es una técnica pictórica que potencia el efecto de profundidad en un paisaje

 

• Cuando dibujamos siluetas, la superposición de elementos nos ayuda a comprender que cerca o alejado se encuentran los distintos elementos que componen la escena, situando los objetos más cercanos por encima de los más alejados (profundidad).

 

Observemos por un momento las imágenes que siguen. A pesar de ser simples siluetas percibimos de forma clara que objetos se encuentran más cercanos respecto a los más alejados y entendemos el entorno en el que se sitúan las escenas.

 

Concept Art: Práctica - Una de Vikingos

1. Crear un documento nuevo

CONCEPT ART: Práctica - UNA DE VIKINGOS

 

Creamos un documento nuevo en el menú Archivo/Nuevo (Ctrl+N) (1), con los siguientes opciones:

 

• Tipo de obra: Ilustración

• Nombre de archivo: “Prueba Concept Art”

• Unidad: pixeles y tamaño Lienzo: Ancho (1600), Altura (1200) y Resolución (300)

• Hacemos clic en la muestra del color y en el cuadro de diálogo Ajustes de color añadimos los valores: H (44), S (19) y V (86), de esta manera disminuimos el brillo del color blanco. Nuestros ojos lo agradecerán.

• Aceptar

 

Notas:

(1) Ir aprendiendo una serie de atajos de teclado harán más eficaz nuestro trabajo.

2. Dejar lo necesario

Una vez creado el nuevo documento, lo guardamos. Menú Archivo/Guardar (Ctrl+S) (2). Ahora cerrad todas las ventanas que no vayáis a utilizar.

 

En nuestro caso sólo mantendremos a la vista la venta de capas. El área de trabajo se despeja y optimizaremos el tamaño del lienzo. Para ocultar las ventanas basta con desplegar su menú y ocultarla. (3)

 

Notas:

(2) Un consejo: Ctrl+S (Guardar) es uno de los atajos que siempre deberéis tener en cuenta. Os evitará más de un disgusto guardar cada vez que hagáis un cambio en vuestro trabajo. Guardad siempre que podáis.

(3) Siempre que necesitemos una ventana la encontraremos en Menú Ventana

 

Este es el aspecto que debería de tener nuestro área de trabajo, para empezar. Con el tiempo, cada uno de irá adaptando su área de trabajo atendiendo a sus necesidades. (4)

 

Notas:

(4) Por ahora solo necesitamos tener a la vista la ventana de capas y la de herramientas.

 

3. Elegir un pincel

Para este primer ejercicio os recomiendo, aunque podéis elegir otra opción con la que os encontréis más a gusto, un pincel de tinta. Concretamente el pincel de Tinta+clara(5), ya que comenzaremos nuestros bocetos trazando manchas.

 

Notas:

(5) En el menú Ventana elegimos Subherramienta (Pincel)/Tinta/Tinta+clara. Cerramos la ventana

 

Para entender el comportamiento del pincel es mejor que lo probemos antes de empezar a dibujar. Es el momento de tomar vuestro lapicero digital y trazar manchas de distintos tamaños (6) y formas. Probad su opacidad por presión de pluma, etc. En definitiva, a manera de precalentamiento.

Notas:

(6) Un consejo: Para aumentar y disminuir el tamaño de la punta del pincel mediante el teclado: Archivo/ajustes de teclado. Área de configuración/Opciones. Paleta de tamaños de pincel. Seguid las indicaciones del panel.

 

4. Tema

Como he comentado en la introducción, lo primero que tenemos que tener muy claro antes de empezar a dibujar, es saber lo que quiero representar.

 

El tema que voy a desarrollar para este tutorial es sobre el mundo de los Vikingos. Lo primero, buscar documentación (7). Para buscar documentación los recursos son casi ilimitados. Libros, revistas, banco de imágenes, etc.

 

Notas:

(7) Decidido el tema es el momento de documentarnos y buscar documentación que nos sirvan como inspiración.

 

5. Comenzamos con los primeros trazos

5.1. Hemos elegido un pincel y el tamaño de nuestro lienzo. Aquí comienzan los problemas, al denominado “horror vacui”. Nos enfrentamos a un espacio donde no hay nada. ¿Por dónde empezar?

 

Si tenemos claras las ideas, si tenemos la documentación necesaria, todo pasa por apoyar el lapicero sobre la tableta y hacer la primera mancha.

Llamamos a esta capa (8) Primer nivel. Me he decidido por una forma rocosa en primer término.

 

Notas:

(8) Utilizad una capa para cada nivel, teniendo en cuenta que la capa superior ocultará a la que tiene por debajo.

 

 

5.2. Lo siguiente que voy a añadir en este primer nivel es un barco. Un barco Vikingo, el famoso Drakkar. Lo trazaré realizando manchas, hasta obtener una silueta que se entienda, sin preocuparme, por el momento, de los detalles (9).

 

Para ir dibujando la silueta con distintos volúmenes, no olvidéis variar el tamaño de la punta del pincel (10).

 

Notas:

(9) Ya hemos comentado que debemos trabajar de manera rápida. Evitad en este proceso los detalles.

(10) Ver nota número (7)

 

 

5.3. Los barcos navegan sobre agua ¿verdad? Esta parte es más sencilla, una simple mancha que interprete la superficie del agua. Añadimos una nueva capa por debajo de la actual y la nombramos “agua” (11). Para este nivel usaremos por un tono de gris oscuro.

 

Notas.

(11) Siempre poned un nombre a las capas. De esta manera localizaremos los elementos de nuestra composición más fácilmente. Sobre todo cuando estemos manipulando un gran número de capas.

 

 

5.4. Si creemos, como en el ejemplo, que el barco nos quedó mal situado, no borramos y empezamos de nuevo. Contamos con la herramienta de selección Lazo. Nos permite una selección a mano alzada de un objeto en determinada capa para poder reubicarlo con la herramienta Mover Capa. Recolocamos la imagen y deseleccionamos (Ctrl+D).

 

6. Trabajar en conjunto

6.1. Es el momento de seguir añadiendo elementos a nuestro concept. Como comenté, tenemos que tener las ideas muy claras, paratrabajar de manera rápida y no divagar en qué nuevas formas vamos a ir añadiendo para dar sentido a la idea final. Como ejemplo, he pensado incluir un acantilado, una atalaya o torre de vigía, un cielo y nubes.

 

6.2. Seguid probando (12) las herramientas de arte que Clip Studio Paint pone a nuestra disposición.

 

Hasta ahora hemos añadido manchas a nuestro boceto utilizando el pincel de tinta. Vamos a trabajar con otro tipo de pinceles, concretamente con los pinceles de acuarela (13). Teniendo seleccionada la herramienta pincel, desplegad las ventanas de subherramienta (14) y Propiedades del Menú Ventana.(15)

 

Notas:

(12) La mejor manera de descubrir como se comportan las herramientas de un software es probarlas y jugar con ellas. La estrategia del ensayo y error.

(13) Probad los pinceles de acuarela de Clip Studio. Particularmente es una herramienta con la que más he disfrutado, tanto por su comportamiento como por su versatilidad.

(14) La ventana de subherramienta se adapta a la herramienta que tengamos seleccionada (lápiz,pincel,goma,etc). En ella encontraremos variedades de la herramienta para facilitarnos el trabajo.

(15) En esta ventana podemos configurar la herramienta seleccionada adaptando las propiedades de la herramienta a nuestras propias necesidades.

 

 

6.3. Ahora comienzo a trazar la silueta del acantilado en una nueva capa , a la que nombro ACANTILADO, y con un tono más claro de gris. Uso un pincel de acuarela.

 

Clip Studio Paint es un software muy intuitivo y sencillo de entender.Probad los pinceles, su comportamiento y decidid cual de ellos se adapta mejor a vuestros propósitos.

 

Es el momento de ser valiente y empezar a tomar decisiones. No olvidéis dar perspectiva a los elementos del entorno. (16)

 

Nptas:

(16) Una mala perspectiva arruina cualquier trabajo.

 

 

6.4. Añadimos un tono más claro al cielo.

 

7. Perfilar las manchas (añadir valor a la imagen)

7.1. Llega el momento de ir añadiendo otros tonos a las manchas para que vayan adquiriendo contraste.

 

Pequeños detalles para resaltar volúmenes y luces y perfilar las manchas.(17)

 

Notas:

(17) Mientras usamos el pincel y no abandonar la herramienta para seleccionar un tono distinto de nuestro dibujo, pulsamos ALT. La herramienta conmuta con el cuenta gotas. Seleccionamos el tono y seguimos pintando.

 

7.2. Insisto, en este punto, que el concept art se define por sí solo: es un dibujo cuya finalidad es la de asentar las primeras ideas sobre determinado proyecto y que servirán de guía para el resto del equipo creativo. Por lo tanto, el grado de acabado no es lo importante.

 

Que esto quede muy claro. Puede ser un simple boceto o estar completamente detallados.

 

7.3. Resaltamos mediante el valor (18) partes del acantilado, damos algún detalle al barco, al risco en primer término, al agua. Añadimos elementos que favorezcan visualmente a la imagen como nubes, algún elemento que ayude a dar más profundidad, etc.

 

Notas:

(18) El valor en la pintura define la luz. Blanco es un valor alto y negro un valor bajo. Los grises no se consideran valor y se utilizan para aclarar y oscurecer los tonos. Al pasar de la luz a la oscuridad, mezclando los tonos, las imágenes 2D, adquieren volumen.

 

 

7.4. Para añadir otros tonos a las siluetas de determinada capa y no salirnos por el borde podemos bloquear, en las herramientas en la parte superior de la ventana capa, la transparencia.

 

7.5. Probad la mezcla de los pinceles. Primero damos trazos con el pincel de Acuarela opaca (pestaña subherramienta pincel/Acuarela) y mezclamos los tonos con Mezcla acuarela, por ejemplo, o con el pincel Mezcla con textura (pestaña subherramienta pincel/ Acuarela realista). Las posibilidades son varias.

8. Limpiar y rematar

8.1. Añadir tonos claros en el fondo, como una niebla, favorece la ilusión de profundidad.

8.2. Limpiar los bordes de las siluetas utilizando la herramienta goma. Una buena opción es la subherramienta/Ajustar goma. Y rematar el concept para su presentación.

8.3. Tenemos un primer esbozo de la ilustración. Su aspecto aún puede mejorarse, para darle un aspecto más profesional.

Añadimos más detalles procurado dar mayor contraste y nitidez a las imágenes en primer término con respecto a las que están en el fondo.

. El resultado final lo apreciamos en la última ilustración.

Ahora llega el momento del reto. Pensad en vuestra propia propuesta de entorno, seguid los pasos expuestos y mostrad vuestros resultados. Suerte.