CLIP STUDIO PAINT como herramienta de creación de cómics

Imagen: Portada de Dan Dare

 

¿Cuánto tiempo llevas trabajando en la industria del cómic?

Llevo escribiendo y dibujando cómics desde 1973, entonces son 45 años. O al menos desde que empecé a trabajar de forma profesional a tiempo completo, ya había hecho mis primeros pinitos antes. Pero respondiendo a tu pregunta, considero que mi auténtica carrera comenzó en 1973.

 

¿Qué trabajos destacarías de tu carrera?

Supongo que por lo que más se me conoce es por ser el artista y cocreador de Watchmen, obra en la que trabajé junto con Alan Moore. También dibujé con Alan el cómic de Superman llamado Para el hombre que lo tiene todo, que parece ser una de las historias favoritas de los fans.

 

Además, soy el cocreador del personaje Rogue Trooper de la revista 2000 AD y trabajé en Doctor Who durante tres o cuatro años. Cocreé y dibujé la serie Martha Washington con Frank Miller. Trabajé en Green Lantern y Green Lantern Corps para DC Comics. He escrito algunos cómics de Batman y Superman, como Batman contra Depredador. Y trabajé en una historia de Alien con Mike Mignola, el creador de Hellboy.

 

Fui galardonado un par de veces en los UK Comics Laureate de Reino Unido, lo que me ayudó a promover el estudio de los cómics en el contexto académico. Además, la Universidad de Dundee me otorgó un doctorado honorario en Escocia. En 2018, gané el Premio del Salón de la Fama Will Eisner en la Convención Internacional de Cómics de San Diego y el Premio del Salón de la Fama Harvey Kurtzman en la Convención de Cómics de Nueva York.

 

Estos son los logros que se me vienen a la mente ahora mismo.

Imagen promocional de Watchmen

 

¿En qué tipo de proyectos sueles trabajar?

Normalmente en cómics. Suelo dibujar el arte en blanco y negro. Y si hay que colorearlo, suele encargarse un colorista especializado como mi compañero Angus McKay, con quien me encanta trabajar por nuestros gustos tan similares en los colores.

 

También hago algún que otro trabajo de publicidad o de promoción y últimamente colaboro en muchos proyectos de consultoría de compañías tecnológicas como MadeFire, que publican cómics animados para iPad y otros dispositivos. También ejerzo de consultor creativo en Magic Leap, que cuentan con una tecnología 3D asombrosa. Y de vez en cuando colaboro en el desarrollo de videojuegos.

Color final de Grordbort

 

¿Con qué herramientas trabajas?

Con un MacBook Pro y una tableta gráfica Wacom Cintiq de 27 pulgadas. También utilizo mucho mi dispositivo TABMATE. Me ahorra un montón de tiempo al trabajar en CLIP STUDIO PAINT, y me encanta que sus teclas sean totalmente programables. Además, uso un monitor externo de Apple de 30 pulgadas como mi pantalla principal, un escáner de sobremesa y una impresora Epson.

 

Y no puedo dejarme a mi iPad Pro, claro. Es superútil para abocetar cualquier cosa cuando no tienes el PC a mano. Y como tengo instalada la app de CLIP STUDIO PAINT para iOS, puedo transferir en un momento los archivos desde el iPad al PC y viceversa.

 

Aunque aún dibujo de vez en cuando con lápiz y papel. Por ejemplo, si estoy trabajando en un encargo para un cliente o si necesito algo tangible, podría hacer el dibujo a lápiz en CLIP STUDIO PAINT, imprimirlo y luego entintarlo con medios más tradicionales.

 

¿Qué pasos sigues a la hora de crear tus cómics?

Si estoy trabajando mayormente con medios tradicionales, primero leo (o escribo) el guion. Después, dibujo miniaturas tamaño sello con lo que quiero en cada página para hacerme una idea del resultado del conjunto y su composición.

 

A continuación, aboceto y desarrollo más las ideas de las miniaturas en un formato algo más grande. Esto te ayuda mucho a imaginar mejor la historia y cómo fluye. Luego, preparo el line art final y lo entinto. Por último, rotulo los dibujos entintados y les doy color.

 

Ese es el flujo de trabajo usando herramientas tradicionales, y luego se puede integrar con el PC para la rotulación y el color. Actualmente, llevo a cabo todo, desde las miniaturas hasta la rotulación y las páginas a color, en CLIP STUDIO PAINT.

Tharg The Mighty

 

¿Cómo conociste CLIP STUDIO PAINT?

Llevo usando ordenadores como herramienta de trabajo desde inicios de los 90. Al principio los usaba solo para añadir el color. Solía crear los dibujos con pluma, tinta y pinceles. Luego, los escaneaba y los coloreaba en digital con Adobe Photoshop. Después, usaba Adobe Illustrator para la rotulación y demás aspectos del diseño gráfico.

 

Pero lo cierto es que desde siempre he estado buscando un programa que me facilite la creación de cómics. Me sorprendí muy gratamente cuando me topé por primera vez con Manga Studio (nombre original de la versión en inglés de CLIP STUDIO PAINT). Parecía diseñado desde cero para abordar los problemas y necesidades específicos de la producción de cómics. A partir de ese mismo momento, lo convertí en parte de mi rutina de trabajo. He podido vivir de primera mano su increíble evolución.

 

Recuerdo que una vez, en San Diego, me presenté ante los distribuidores estadounidenses del programa. Les mencioné que había trabajado en Watchmen. Parecían interesados en mí, y me preguntaron si me gustaría promocionar el software.

 

Siempre me he considerado un entusiasta. Si descubro algo nuevo que me apasiona, empiezo a aconsejar a todo el mundo que lo pruebe. Y eso fue exactamente lo que pasó cuando conocí el programa.

 

Desde entonces no he cesado en mi empeño de apoyarlo. Sigo promocionando CLIP STUDIO PAINT y utilizándolo para hacer la mayor parte de mi trabajo, ya sea en blanco y negro o a color. Sus herramientas son maravillosas y su estabilidad nunca me deja tirado, así que es lógico que se haya convertido en mi aplicación de cabecera.

Proceso creativo de la portada

 

¿Cuáles son tus funciones y herramientas favoritas de CLIP STUDIO PAINT?

La respuesta corta es que estoy prendado de todas las herramientas. Adoro la fidelidad con la que emulan las herramientas tangibles tradicionales. He personalizado mi barra de herramientas para que solo contenga las que usaría también de forma analógica. Me encanta la sensación que transmiten los lápices, las plumillas y los pinceles.

 

También utilizo mucho la regla de perspectiva, sobre todo para perspectivas oblicuas y aéreas. Es algo que también puedes hacer mano, pero consume mucho tiempo y te rompe el ritmo de trabajo. CLIP STUDIO PAINT consigue simplificar mucho las perspectivas: tan solo tienes que añadir los puntos de fuga y tus trazos se ajustarán automáticamente a estos. Y además, puedes importar modelos 3D de forma que encajen en ese espacio tridimensional del lienzo. Al final todo suma y hace que ahorres un montón de tiempo al dibujar fondos e infraestructuras mecánicas.

 

También me encanta que en CLIP STUDIO PAINT se pueda colorear utilizando el line art como capa de referencia. Esto significa que puedes pintar en una capa inferior a la del line art para que no haya ningún espacio en blanco tras imprimir la imagen. Habrá color en toda la página y las líneas negras siempre se imprimirán encima, por lo que el arte será consistente, a diferencia de si trabajaras con herramientas como las de selección o las de relleno de Photoshop.

 

Diría que esas son mis tres características favoritas.

 

¿Qué funciones de CLIP STUDIO PAINT consideras imprescindibles para que tus obras parezcan tuyas?

Intento que sea difícil distinguir si mi arte está hecho en analógico o en digital. Este objetivo me ayuda a mantener un estilo consistente que de por sí ya hace reconocible mi arte.

Imagen: Portada de Dan Dare

 

¿Eres más eficiente ahora que cuando usabas otras herramientas de producción de cómics más tradicionales?

Sin duda. Como ya he mencionado anteriormente, hay herramientas como las reglas de perspectiva que te ahorran una cantidad ingente de horas al dibujar fondos con edificaciones e infraestructuras mecánicas. Y las capas de referencia son un aliado invaluable para dar color. Además, el hecho de que puedas crear todo en el ordenador sin necesidad de escanear nada también es tiempo que no pierdes. Y encima puedes entregar los trabajos totalmente listos para la impresión. Claramente sí, soy más eficiente con las herramientas digitales.

 

Por ejemplo, agradezco mucho la existencia de la paleta Subvista, pues me permite acceder a todas mis imágenes de referencia en un mismo lugar al instante y reunirlas en la pantalla. De hecho, quizás debería haber incluido esta paleta entre mis funciones preferidas. Puedes ir cambiando las imágenes y aumentando y disminuyendo su tamaño. Además de seleccionar sus colores directamente con el cuentagotas.

Producción de una página de DR. WHO

 

¿Te ves capaz de conseguir los mismos resultados con otros programas?

Creo que sí. He trabajado mucho con Photoshop, pero no se puede comparar con las funciones de CLIP STUDIO PAINT. Estas últimas se nota que fueron desarrolladas para atajar las necesidades de los dibujantes de cómics y mangas. Y si bien podría tratar de conseguir los mismos resultados con Photoshop, ¿por qué conformarse yendo en autobús si puedes conducir un Ferrari?

 

¿Cómo es tu relación con CLIP STUDIO PAINT?

Lo considero un programa en constante evolución, y una muy positiva. Siempre se esfuerzan por añadir y mejorar las funciones que necesitamos los dibujantes de cómic y manga. No cambiaría nada del software.

 

Es muy estable y ahora mismo no recuerdo ninguna vez que haya tenido que pelearme con el programa. Agradezco que haga copias de seguridad automáticas.

 

Es una herramienta de trabajo indispensable de mi día a día como autor de cómics. De hecho, ni siquiera estoy seguro de si podría disfrutar tanto dibujando cómics si no fuera por CLIP STUDIO PAINT.

 

¿Utilizas otras herramientas como Photoshop en la fase de producción? ¿Cómo mejora el flujo de trabajo al incorporar otras herramientas que puedes combinar con CLIP STUDIO?

En ocasiones, imprimo mis trabajos para hacer el acabado en analógico. Y alguna vez he utilizado Photoshop para ajustar los colores. De vez en cuando rotulo en Illustrator por costumbre. Si, por ejemplo, estoy diseñando un logo o algo similar, me es más sencillo acudir a un programa que ya conozco en lugar de aprender a hacerlo en CLIP STUDIO PAINT.

 

También tengo Poser, que uso para trabajar la iluminación de las figuras y los objetos. Y SketchUp es muy útil para insertar elementos mecánicos 3D. Tras trabajar con estas herramientas, suelo importar el resultado a CLIP STUDIO PAINT para darle algunos retoques y usarlo como base para mi dibujo. También tengo algo de experiencia con Zbrush, pero no se me da demasiado bien.

 

Todas estas herramientas suman aproximadamente un 10 % de mi flujo de trabajo. El programa que utilizo prácticamente para todo y, por ende, el único realmente imprescindible es CLIP STUDIO PAINT.

 

¿Recomendarías CLIP STUDIO PAINT a los artistas de la industria?

Sin duda alguna. De hecho, ya lo hago cada vez que coincido con otros artistas o cuando se me presenta la oportunidad en las redes sociales. Aunque a día de hoy ya hay una cantidad enorme de creadores utilizando CLIP STUDIO PAINT. Y diría que las opiniones son muy positivas. Me he topado con muy pocos comentarios negativos, así que no me da ningún miedo recomendárselo a cualquiera que se dedique al dibujo. Si lo recomiendo es porque funciona, porque sé que el artista no se decepcionará si acepta mi consejo.

 

¿Quieres compartir algunas palabras de inspiración para quienes se están iniciando en el mundo del cómic?

Vaya, la verdad es que no sé mucho de inspiración...

Supongo que lo importante es aprender a dibujar, ya lo hagas en analógico o en digital. Ningún software, ni siquiera uno tan completo como CLIP STUDIO, te va a hacer el trabajo. Uses el programa que uses, tú eres quien tiene que hacer el dibujo y quien debe poseer la capacidad de observar y comprender todo aquello que te rodea para plasmarlo con pasión en el lienzo.

 

Les aconsejaría que intenten hacer dibujos del natural y realistas. Es un buen ejercicio para ampliar tu repertorio mental de imágenes y entender mejor el mundo.

 

En pocas palabras, trabaja de más a menos, de más general a más específico. Antes de trazar las imágenes de una página, estudia primero el diseño de esa página. Antes de dibujar los elementos de una imagen, hazte una imagen mental del conjunto. Dibuja primero los elementos más importantes, los mayores gestos, las grandes formas, y ve acercándote poco a poco a los detalles. Si sigues mi consejo, conseguirás armonizar la jerarquía de la imagen. Además, te ayudará a gestionar mejor las correcciones del dibujo y a llevarlas a cabo en una etapa temprana. De lo contrario, podrías terminar desechando dibujos ultradetallados y con muchas horas de trabajo detrás.

 

Creo que este es el consejo que les daría.