NOTA RÁPIDA

Algunos de mis dibujos aquí están relacionados con el horror, pero nada demasiado gráfico.

INTRODUCCIÓN

Siendo un artista autodidacta, gran parte de mi proceso de aprendizaje proviene de muchos tutoriales de artistas increíbles que han compartido sus propios consejos y trucos en línea. Entonces, en un esfuerzo por no repetir todos los consejos que ya se han enseñado y desarrollado mucho mejor de lo que yo podría, compartiré las 3 cosas que siempre trato de recordar al crear “Poses Dinámicas”, haciéndolas funcionar sin importar el estilo o la pose que estés usando.

 

PARTE I. PERSONAJE

Uno de los problemas que veo que la gente tiene dificultad al posar dinámicamente es mantener la esencia del personaje en sí. O muestras el diseño del personaje, sacrificando una pose increíble, o viceversa. Aquí están las 3 cosas que me ayudan a mantener la personalidad de mis personajes cuando estoy posando.

 

1. CLAVES DE CONSISTENCIA

Estoy seguro de que hay un término real para ello, pero “Claves de Consistencia” es como lo llamo por ahora. Se trata de encontrar las partes específicas de tu personaje que lo hacen reconocible al instante. Esto lo ves todo el tiempo en los personajes más icónicos de la historia, pero por razones de derechos de autor no los mostraré, ASÍ QUE, aquí están mis propios personajes en su lugar.

 

Ella es Merry, y es un personaje original que tengo desde 2017. Cuando la creé por primera vez, no había mucha idea de una historia, solo personalidad. Y aunque me da vergüenza ver las versiones originales que tenía de ella al principio, aún se podía encontrar claramente coherencia entre todas estas poses. Lo hice al centrarme en varias cosas: su sombrero de copa, su ropa y su cabello en espiral.

 

Todas estas pequeñas cosas se suman a una silueta agradable y reconocible, que es lo primero que debes tener en cuenta para el diseño de personajes. LO QUE NO DEBES HACER es priorizar el detalle sobre la silueta, como este viejo dibujo que hice en 2010.

 

LO QUE NO DEBES HACER: Detalle sobre la Silueta

PERO eso no quiere decir que el detalle sea malo. Si enfatizar los detalles es parte de tu estilo, entonces, por todos los medios, enfatízalos. De hecho, este dibujo se inspiró en uno de mis artistas favoritos de la infancia, hellobaby. Su trabajo está repleto de detalles, pero nunca le resta valor a la silueta real del tema de la pieza. Este viejo dibujo era yo tratando de emular su estilo, pero en ese momento no entendía el peso de la línea y la economía de la línea tan bien como ahora, por lo que los detalles que usaba se convirtieron en ruido, y aunque técnicamente podías ver una silueta reconocible, creo que se podría haber hecho mejor.

 

EJERCICIO RÁPIDO: Claves de Consistencia

Es mejor aprender a practicar esto también con personas reales, así que usando estas fotos de su servidor, ¿qué formas podrías identificar inmediatamente como las Claves de Consistencia? (disculpe las portadas de libros borrosas. Hay que estar bien con los dioses del copyright jajaja)

Con solo una primera mirada, tienes el cabello ondulado, las mangas abullonadas y las piernas largas. Dibuja esas 3 cosas, incluso exagéralas para estilización si quieres, ¡y seguro que serán reconocibles!

2. CONSTRUCCIÓN

A continuación, querrás adquirir tus conocimientos fundamentales sobre el dibujo de objetos 3D porque gran parte de la construcción de personajes ES solo comprender cómo funcionan las formas 3D básicas.

 

En nuestro ejemplo aquí, esto es un año después de mi primera creación de Merry. Había estado ocupado con el trabajo, pero en ese momento, aproveché la oportunidad para dedicarme a aprender anatomía Y estilización.

 

Dado que este iba a ser mi primer dibujo real de ella un año después, quise encontrar su “núcleo/centro”, así que, teniendo en cuenta las “claves” mencionadas antes, la redibujé con un enfoque más realista, pero aún estilizado. ESTA fue la Merry que finalmente me hizo pensar en una historia.

LO QUE NO DEBES HACER: "Es Mi Estilo"

ESTE es uno de mis dibujos más antiguos que pude encontrar, que data de 2009. Sí, se podía ver claramente la inspiración del estilo anime, con los ojos grandes, los rasgos faciales puntiagudos que se asientan en una cabeza desproporcionada con un cuerpo muy plano, y por supuesto, las poses muy antinaturales e innecesarias que hay por ahí.

 

Por supuesto, hay muchas áreas de mejora en este dibujo, pero lo que me gustaría que te llevaras de esto es que no uses la vieja excusa de “Es Mi Estilo”.

 

Sí, se podría argumentar que quizás este dibujo podría ser un “estilo” por sí solo, pero como yo soy quien lo hizo, digo que no. Claramente era muy joven entonces, una artista bebé que no sabía mucho, ¡y eso está bien! Porque definitivamente estaba emocionada de dibujar, y no he dejado de dibujar desde entonces.

 

Muchos artistas veteranos (y creativos en general) dan el viejo consejo de “practica, practica, practica”, pero vamos a desglosarlo un poco:

 

El tiempo nos brinda la oportunidad de aprender de nuestros errores, de “practicar, practicar, practicar”. Pero la mayoría de las veces lo consideramos como el acto físico de hacer. Por eso, para algunos artistas en ciernes, escuchar la frase podría convertirse en un elemento disuasorio en lugar de brindar esperanza. Después de todo, ¿no fue Einstein quien dijo que la locura es hacer lo mismo una y otra vez esperando un resultado diferente?

 

(No, en realidad. No fue Einstein. Fue Rita Mae Brown, una increíble novelista de misterio que escribió esta cita específica, como una de las citas de sus personajes, en su libro de 1983 llamado “Muerte Súbita”. Pensé que deberías saberlo. ;))

 

De todos modos, el punto que intento transmitir es que la otra mitad de “practica, practica, practica” es usar tu mente. Mira un objeto al azar cerca de ti. Observa cómo se ve desde ese ÚNICO punto de vista específico. Luego toma el objeto y observa cómo se ve por todos los lados y en todos los ángulos.

 

ESO, amigo mío, es observar perspectivas 2D y 3D. Tenlo en cuenta, añádelo a tu biblioteca mental y, muy pronto, al conectar tus observaciones con tus bocetos, se volverá más intuitivo con el tiempo.

 

EJERCICIO RÁPIDO: Construcción

Usando estas dos poses totalmente geniales, observa cómo funcionan las extremidades. Usando cilindros, círculos o cualquier forma que puedas encontrar, desglosa la construcción de estas poses en el espacio 3D e intenta terminar la pose usando solo tus formas.

3. CONTRASTE

Aquí viene la parte divertida. Línea de acción, todos la conocemos. La hemos oído una y otra vez. Hace que las poses dinámicas se muevan rápidamente. Pero, ¿y si no quieres que la pose se mueva rápidamente? ¿Y si quieres que la pose se quede quieta? Los cambios contrastantes de las partes del cuerpo son la clave.

Echa un vistazo a esta pose de antes. ¿Ves cómo el puño derecho sube con la pierna izquierda? Eso es contraste puro.

 

Nuestros cuerpos tienen peso, que se ve afectado por la gravedad, por lo que nuestros cuerpos compensan naturalmente los cambios en nuestro peso para que no caigamos de bruces debido a la gravedad. Por eso caminamos naturalmente con brazos y piernas opuestos, y tratar de caminar con el mismo brazo y pierna se siente inestable.

 

Curiosamente, el contraste hace que las poses dinámicas más “relajadas” sigan pareciendo dinámicas de todos modos. Se trata de encontrar la línea recta y curva natural en una pose, y aplicarlas como ocurrirían naturalmente. La mejor manera de hacerlo a veces es simplemente hacerlo tú mismo, o mirar a otros y observar si podrían hacerlo.

 

Luego, cuando domines las poses “relajadas”, puedes intentar doblar un poco las reglas. Por ejemplo, aquí hay dos más de mis personajes originales: un tritón y una mujer lince. Sus diseños tienen intencionalmente partes del cuerpo muy contrastantes, y eso es parte de por qué los amo tanto.

El tritón tiene una parte superior del cuerpo con la movilidad general de un torso masculino humano, con las limitaciones de sus huesos, articulaciones, músculos, etc. PERO, la cola es fluida, lo que brinda más oportunidades para crear formas contrastantes, tanto en acción como en reposo.

 

Y viceversa para la mujer lince. Con ella, quería que sus partes corporales fueran más angulares y, sin embargo, crearan una ilusión de curvatura. Esto lo convierte en un desafío muy divertido para posar y contrasta muy bien con el tritón.

 

HABLANDO DE ESO, otra cosa que puedes hacer es añadir contraste en personajes posando uno al lado del otro. De esa manera, da la sensación de encajar en el espacio del otro como piezas de un rompecabezas, o incluso viceversa.

 

LO QUE NO DEBES HACER: Contraste sin Contexto

A la izquierda hay un personaje original antiguo, y descartando el hecho de que tiene SEIS dedos (lo cual fue accidental), el problema principal fue que llevé el contraste al extremo. Nuestras cabezas no pueden girar de esa manera a menos que nuestros hombros giren para compensarlo. Pero en ese momento, esta pose era tan común en el anime, literalmente tengo al menos 2 dibujos de fan art antiguos que no puedo mostrar por razones de derechos de autor, PERO están haciendo el mismo movimiento de crujir el cuello.

 

A la derecha está el mismo personaje original dibujado un año después, y claro, claramente ha habido algo de aprendizaje tanto en el texto elegante como en el contraste interesante. PERO el contraste por el simple hecho del contraste no funciona tan bien en el contexto de su personaje y no tiene ningún valor, ADEMÁS de que el diseño general de su personaje sufre demasiado con detalles que, en ese momento pensé que eran geniales, pero ahora creo que son demasiados.

 

Pero no te preocupes. Las poses de alto contraste siguen funcionando, sin importar el estilo que uses. Grandes ejemplos de esto están presentes en mangas como Soul Eater, My Hero Academia y Attack on Titan. Con artistas específicos, el trabajo de Derrick Chew en todo lo relacionado con Harley Quinn o el de Artgerm en Catwoman. Enlazaré sus perfiles a continuación o puedes buscarlos tú mismo en Google.

 

Como EJERCICIO, aquí hay un fan art antiguo que hice de un personaje original, perteneciente a uno de mis artistas favoritos de mucho tiempo, Shaun Healey, también conocido como Endling. (Lo encontré durante la edad de oro de deviantArt y DEFINITIVAMENTE lo enlazaré a continuación porque acabo de enterarme de que ahora es instructor de CGMA??? ¡Eso es increíble!)

 

Estaba realmente orgulloso de esta pieza en ese momento porque fue la primera gran pose contrastante que hice, y eso también es gracias al personaje en sí. Su arsenal es esta arma de sierra gigante, por lo que requiere un GRAN balanceo para moverla.

 

Pero debajo de todo el atuendo genial, intenta ver la pose subyacente. ¿Cómo está torcido su torso en relación con la parte inferior de su cuerpo? ¿Dónde están sus brazos? ¿Sus hombros? ¿Podrías forzar más esta pose para aumentar la anticipación?

PARTE II. COMPOSICIÓN

La mayoría de ustedes ya han oído este término en el mundo del Arte Ambiental o la cinematografía, o al menos ahí es donde yo lo oí por primera vez. Pero la composición en sí misma simplemente significa “juntar”, y cuando se trata de poses dinámicas, se trata de unir todo lo mencionado anteriormente de una manera que fluya naturalmente a través de tu arte.

 

Haz que la silueta de tu personaje sea distinta con las claves de consistencia, ten en cuenta la construcción del cuerpo de tu personaje

LO QUE NO DEBES HACER: Elementos Contradictorios

Con el dibujo del chocolate, incluso sin tener en cuenta los malos valores, centrándonos en la chica, simplemente no hay forma de que se mantenga equilibrada tal como está con la forma en que sus piernas y pies están doblados, y cómo su parte superior del cuerpo se inclina mucho con los brazos recogidos. Intenté hacerlo yo mismo y, no, NO mostraré documentación de eso, pero básicamente: su pose es imposible a menos que sea naturalmente flexible con sus pies, tobillos y tenga una fuerza central IMPECABLE.

 

Y luego el segundo. Uf. Aunque todavía creo que este diseño de personaje es genial, las claves de consistencia están ahí, el contraste, la construcción (más o menos), simplemente no funciona. Igual que el del chocolate. Claro, encaja con el estilo de los viejos mangas shoujo, en los que me influencié mucho en su día, pero todas estas inconsistencias terminan haciendo que parezca una excentricidad por el mero hecho de ser excéntrico, y no quiero eso.

 

Ahora, a estas alturas, podrías estar pensando: “oye, es natural mirar hacia atrás a tus viejos dibujos de principiante y avergonzarse de todos los errores que cometiste”, eso es cierto. Pero no significa que no podamos recaer y cometer los mismos errores de nuevo. Un ejemplo, aquí hay un “autorretrato” que hice en 2019:

No me gusta nada de esto. Pero en ese momento, sí me gustaba. Tanto que incluso lo convertí en un banner de YouTube. Ahora, sin embargo, cuando lo miro no puedo evitar sentir lo mal que se ve. Sí, tienes tus claves, tu construcción, tu contraste, ¿pero la composición? ¿Todos estos elementos funcionando como una unidad? Se siente mal.

Comparado con un autorretrato mucho anterior que hice 2 años antes, ESTE se siente MUCHO mejor. Pero ¿por qué? Si acaso, hubo muchas mejoras en los fundamentos en el de 2019, pero el de 2017 todavía se siente correcto.

 

¿Por qué? Bueno, de eso se trata nuestro último tema, y creo que la parte más importante de las poses dinámicas, y sin embargo no veo que mucha gente lo discuta. Y probablemente ya lo hayas captado mencionado una o dos veces aquí, de hecho.

 

PARTE III. CONTEXTO

Por supuesto, comenzaremos con la práctica definición de Merriam-Webster, que establece que “Contexto son las partes de un discurso que rodean una palabra o pasaje y pueden arrojar luz sobre su significado” o las “condiciones interrelacionadas en las que algo existe u ocurre.”

 

Y con el dibujo de Poses Dinámicas, eso básicamente se traduce en “¿Encaja tu pose realmente en el escenario en el que se está utilizando?”

 

Sé que suena muy retórico; tu respuesta obviamente será “¡Sí!” porque es tu personaje, y nadie más lo conocerá mejor que tú. Pero esa es la cuestión: no lo haces. O al menos, no de inmediato. Cuando llegas a un punto en el que puedes pensar naturalmente en tus personajes originales cada reacción natural a las fuerzas que les sobrevienen, entonces estás en la cima de tu juego.

Por ejemplo, mira cada pieza que mencioné en las secciones “LO QUE NO DEBES HACER”. Todas ellas carecen de una cosa importante: CONTEXTO.

 

Demonios, añadiré aún más:

 

Estos fueron regalos que hice para los personajes originales de otras personas en 2020, y se ven tan planos y rectos cuando realmente pensé que se veían geniales en ese momento. Y aquí había un antiguo encargo grupal de 2014 y se suponía que todos eran superhéroes, claro, pero no todos tenían que tener UNA rodilla levantada (lo cual no fue algo que mi cliente pidiera específicamente, por cierto, y fueron muy amables)

 

Y este con aspecto de princesa fue un regalo de cumpleaños para mi mejor amiga, bendita sea, y no hay absolutamente ningún contexto más allá de que es una princesa de cumpleaños. Pero lo peor tiene que ser este de 2011, donde se supone que está en un mundo gigante de helados y está haciendo la misma pose peculiar y con los pies torcidos. Es todo simplemente jkaldjfjadjdafklj

LO QUE DEBES HACER:

1. Conoce el Propósito de tu Pose

Estas poses tenían la intención de mostrar la personalidad de cada uno de mis personajes con solo una mirada:

Y ESTAS poses estaban destinadas a mostrar la “anatomía” real detrás de sus hazañas imposibles:

Y ESTAS poses estaban destinadas a ponerte tenso y a preguntarte qué demonios va a pasar después:

Y todo eso era de 2017. Hombre, echaba de menos esos personajes originales. Avísame si quieres ver más de ellos porque ha pasado tanto tiempo desde que pensé en ellos, y verlos ahora me da una sensación cálida y agradable.

 

Pero me desvío, es bueno pensar de antemano en el razonamiento detrás de una pose. Claro, si la pose se ve increíble, el personaje tiene razones para hacerla, y el ángulo de la cámara es genial, ¡por todos los medios, hazlo! Básicamente estoy describiendo el Aterrizaje de Superhéroe en este punto, así que por supuesto tienes que hacerlo, ¿verdad?

Bueno, sí y no. Mira la pieza burbujeante anterior:

 

La razón por la que no funciona, además de la extraña composición, es porque su propósito principal era representar quién era yo, y mi vibra general de ir con la corriente, bastante relajada pero también con un poco de ansiedad por dentro en ese momento. Y aunque podría estar haciendo ese trabajo técnicamente correcto, lo que solía representar ya no es preciso porque he cambiado, y ahora esto se siente como mirar una mala interpretación de IA de lo que sería una persona artista perfecta.

 

Y lo segundo que va de la mano:

2. ¿Eleva tu Obra?

De nuevo, es algo bastante obvio, pero en mi caso, como has visto en todo el arte antiguo que te he mostrado, puede ser fácil de olvidar.

 

Podría pasar muchas horas tratando de conseguir una pose realmente genial desde un ángulo realmente genial, arrancándome el cabello para asegurarme de que el escorzo y las proporciones sean correctos. Pero al final, ¿cuánto tiempo va a pasar la gente mirando esa imagen específica, y cuánto impacto crees que causará?

 

Si tu respuesta a ambas preguntas es “No mucho”, entonces, amigo mío, quizás quieras considerar probar una pose completamente diferente. Algo que transmita la misma emoción del personaje, y también lo que quieres que sienta el espectador cuando aparte la vista.

¡Y lo contrario es cierto! Si sientes que un personaje tiene el potencial de volverse genial con una pose realmente divertida y dinámica, que sirva a su historia y sea alcanzable en tu nivel de habilidad actual, ¡ENTONCES VE! ¡HAZLO! Haz algunos bocetos, domina la anatomía de tu personaje, ¡y haz que brillen!

CONCLUSIÓN:

lo que hace que las Poses Dinámicas funcionen mejor, basándome en lo que he observado como artista autodidacta, es que, claro, dominar tus fundamentos en el arte y diseño de personajes, y comprender el contraste y la composición es vital. Pero me gustaría argumentar que el Contexto es la verdadera Clave aquí, y tu uso cuidadoso de las poses dinámicas en los mejores momentos de una historia importa.

Saber cuándo contener una pose genial si solo está haciendo sufrir el resto de tu progreso para que, cuando las USES, el momento destaque y sea mucho más memorable.

A menos que sea para un efecto cómico, o el contexto de los personajes sea que las poses dinámicas constantes son naturales. Esas también son bastante impresionantes, y creo que ya sabes de qué historias estoy hablando. En ese caso, más poder para ti.