Introducción

Hola, soy Siobhan (Shove Off Siobhan en redes sociales). En este tutorial de consejos te mostraré cómo incluir motivos de constelaciones y zodiacales en tu arte. Explicaré qué son las constelaciones, los zodiacos y los horóscopos. Luego, te mostraré cómo dibujar constelaciones y estrellas, y usarlas para crear cielos nocturnos estrellados en Clip Studio Paint. Y finalmente, te mostraré mi proceso de cómo hice mi propia ilustración.

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Constelaciones

¿Qué son las constelaciones?

Las constelaciones son grupos de estrellas visibles que forman una especie de patrón y componen los mapas estelares. Los humanos las han utilizado en la religión/mitología y todavía se usan hoy para estudiar los signos del zodíaco y los horóscopos.

¿Qué es el Zodíaco?

El zodíaco es un área en forma de cinturón que constituye el camino visualmente aparente del sol a través de la esfera celeste (cielo) a lo largo de un año. El zodíaco está compuesto por 12 signos que también son constelaciones. Fueron creados por los babilonios alrededor del año 1000 a.C. y se cree que son algunas de las constelaciones más antiguas conocidas. Debido a que el eje de la Tierra está inclinado, estos signos aparecen en diferentes épocas del año en los hemisferios norte y sur. Las doce constelaciones zodiacales incluyen: Aries, Tauro, Géminis, Cáncer, Leo, Virgo, Libra, Escorpio, Sagitario, Capricornio, Acuario y Piscis.

Los horóscopos son mapas de planetas y signos zodiacales. Se utilizan para interpretar rasgos de personalidad y compatibilidad en relaciones basándose en la fecha de nacimiento.

Cómo dibujar estrellas y constelaciones

1. Dibujar constelaciones es realmente simple y rápido. Ya sea con tu propio diseño personalizado o con imágenes de mapas estelares de internet, baja la opacidad del diseño.

2. (El Paso 2 es opcional; puedes seguir este paso o ir directamente al Paso 3.) En una nueva capa vectorial superior, usa la herramienta de polígono o línea recta para dibujar las constelaciones, haciendo coincidir tus esquinas con las del diseño. Me gusta usar capas vectoriales para esto porque facilita el redimensionamiento o el cambio del grosor de línea más tarde, si es necesario.

3. En otra nueva capa vectorial, usa la herramienta de forma de círculo y añade puntos donde las líneas se unen. Haz que todos tengan el mismo tamaño o añade variación de tamaño. Redimensiona tu dibujo de constelación si es necesario, o empieza a colorear los círculos.

Para las estrellas, puedes dibujarlas tú mismo con la herramienta de forma de círculo o usar recursos de pinceles con formas especiales como estos:

4. En una tercera capa nueva, rellena con el mismo color que tus líneas, ya sea con un pincel, la herramienta de cubo o esta útil herramienta de relleno:

Establece el contorno que quieras rellenar como capa de referencia y luego configura la herramienta de relleno en Referencia múltiple > Capa de referencia.

5. Ahora puedes ocultar las capas de boceto o de referencia de imagen, y tendrás un dibujo de constelación listo para usar.

Cómo hacer que las estrellas brillen

1. Recuerda que, para que esto funcione, tus estrellas/constelaciones deben ser de colores muy claros, o incluso blancas, sobre un color de fondo más oscuro.

2. Duplica tu capa de estrellas y constelaciones. Cambia el modo de fusión de la capa duplicada a uno de los siguientes: Sobreexponer brillo, Añadir brillo, Añadir, Superponer, Luz fuerte, Luz suave o Trama. Personalmente, me gustan más Sobreexponer brillo y Añadir brillo para efectos brillantes y luminosos, y Superponer para iluminación suave y ajuste de color.

3. Luego, mientras estés en esta nueva capa duplicada, ve a Filtro > Desenfoque > Desenfoque gaussiano. Activa la previsualización y ajusta la configuración para obtener el efecto deseado.

 

4. Luego, baja la opacidad de tus capas de estrellas según sea necesario.

Experimenta con diferentes pinceles y modos de fusión de capa. Los siguientes pinceles se pueden usar para rellenar espacios vacíos con estrellas más lejanas y pequeñas:

Mi proceso de ilustración

1. Composición del boceto

Dado que quería ilustrar Sagitario, mi signo zodiacal, quise usar algunos temas y motivos para ese zodíaco. Sobre Sagitario:

• En la mitología griega, Sagitario se asocia con el centauro (mitad hombre, mitad caballo), Quirón. Quirón fue un personaje criado por el dios Apolo, y conocido por la curación, la profecía, la caza/arquería, la amabilidad y la inteligencia.

• El elemento principal del signo es el fuego, lo que significa energía, acción y motivación.

• También se asocia con el color púrpura, por la astucia y la creatividad.

• Sagitario se asocia con las flores de clavel.

• Se dice que las personas Sagitario son francas, justas, honestas, optimistas, ambiciosas y curiosas.

Usando estos motivos de Sagitario, empecé a esbozar mi idea. Quería incluir una centaura (o centáuride) en lugar de un macho como el diseño habitual de ese zodíaco. Quería un entorno natural, para representar la caza y los animales, así como para enfocar la atención en el cielo nocturno. Decidí que el entorno sería un prado y colinas, para que el cielo destacara más. El cielo terminó ocupando casi la mitad de la composición. Planeé incluir flores, específicamente claveles como motivo para el signo zodiacal. Quería que la obra se desarrollara de noche para mostrar estrellas y una lluvia de meteoros para un efecto más fantástico. Para ello, planeé que la centaura tuviera un aspecto mágico con estrellas y una luz similar al fuego que emanara de su arco y flecha. Hice bocetos en miniatura de cómo quería que se viera mi composición, hasta que encontré uno que me gustó, y luego lo añadí a un lienzo grande con dimensiones de 16 x 9. Luego redimensioné y moví el boceto para que encajara en el lienzo. Para el boceto y las líneas, usé este pincel de lápiz:

2. Modelos 3D

Una vez que tuve una idea aproximada para mi arte, empecé a usar modelos 3D para ayudarme con la pose, la iluminación y el ángulo de la cámara. Usé los siguientes modelos para este trabajo:

Usando la herramienta de Selección de objetos, edité los modelos 3D para obtener la posición y las poses que quería. Añadí vistas de cámara adicionales para ayudarme, de modo que pudiera posar al personaje como quería que se viera en una, y editar la ubicación de los modelos en otras cámaras sin estropear la que usaría para dibujar.

Me aseguré de mantener mis modelos 3D en la misma capa para que se vieran afectados por las mismas fuentes de luz, perspectiva y cámara.

 

Especialmente porque combiné un modelo de figura de dibujo normal y un modelo de caballo. Necesitaba moverlos hasta que se intersecasen y tuvieran un tamaño preciso en relación el uno con el otro. Una vez hecho esto, moví las patas del modelo femenino fuera de la vista, dentro del modelo del caballo, y moví la cabeza y el cuello del caballo hasta que quedaron ocultos.

 

Para la pose del modelo femenino, usé una pose descargable y la arrastré sobre el modelo.

Añadí algunos modelos de estrellas para mostrar magia saliendo de la flecha, así como para los pendientes del personaje y para reemplazar la punta de la flecha.

Para la cara, usé uno de los modelos de cabeza preestablecidos, que se encuentran en Ventana > Material > Material: Cabeza. Hay múltiples preajustes que puedes usar, con características faciales editables. Posé el modelo sobre el cuerpo del modelo 3D original y lo redimensioné para que encajara. Este es un paso opcional, pero útil.

3. Rango de valor y fuente de luz

Bajé la opacidad de la capa con los modelos 3D y la coloqué debajo de mi capa de boceto original, a la que también bajé la opacidad. En una nueva capa, entre la capa de boceto y las capas del modelo 3D, usé blanco y negro para esbozar sombras y luces. Hice que el personaje de la centaura y la colina en la que se encuentra fueran los más oscuros, ya que están más cerca del espectador. Las colinas y el cielo se aclaran cuanto más se alejan en el fondo. Los objetos más brillantes serían su arco/flecha, la luna y las estrellas y constelaciones.

4. Dibujar detalles y líneas

Luego oculté la capa con el boceto en escala de grises. Bajé la opacidad tanto de la capa de boceto como de la capa 3D.

En nuevas capas vectoriales, encima de todo lo demás, empecé a dibujar mis líneas. Dibujar en capas vectoriales ayuda a editar las líneas más tarde, como cambiar el grosor de línea o borrar líneas que se cruzan fácilmente.

5. Relleno de color

Oculté las capas de boceto y 3D. Luego bajé la opacidad del boceto en escala de grises, y en nuevas capas entre las líneas y la escala de grises, hice rellenos de color usando variaciones de gris. Mantuve el color de cada objeto/área en capas separadas. Estas serán mis máscaras de capa para más adelante. De nuevo, aquí está el recurso que usé para rellenar cada área:

6. Renderizado

En nuevas capas, recortadas a la capa de relleno de cada área, comencé a renderizar usando gris, negro y blanco. Usé mi boceto en escala de grises como referencia para esto. Los modelos 3D y las capas de boceto estaban ocultos en este punto.

Para las áreas superpuestas y los bordes, utilicé nuevas capas que no estaban recortadas a las máscaras de capa de escala de grises. Utilicé mucho la herramienta cuentagotas para seleccionar colores y dibujar esas áreas.

Actualmente, mi pincel favorito para renderizar es este:

Para las líneas, aumento la opacidad y el nivel de dureza y reduzco el tamaño del pincel. Para colorear, depende del área en la que esté trabajando. O lo tengo con alta opacidad y dureza media para la mayoría del coloreado, o bajo la dureza por completo, así como la opacidad para la mezcla.

También mantengo el modo de mezcla como Perceptual en la configuración de subherramienta del pincel.

Para el follaje, la hierba y las flores, usé los siguientes pinceles:

7. Mapas de degradado de corrección tonal

Para este paso, utilicé Mapas de degradado de corrección tonal para ayudar a colorear mi obra de arte.

Este efecto se encuentra en Editar > Corrección tonal > Mapa de degradado. Esto añade color según el valor.

Primero dupliqué mis capas en escala de grises y las oculté. Esto es para poder editarlas más tarde si fuera necesario. Luego, en cada capa, usé la corrección tonal para añadir color. Los colores se pueden mover y cambiar según cada área. Por ejemplo, quería que mi césped fuera más azul, así que edité los verdes en ese mapa de degradado. Esta es una forma realmente rápida y sencilla de editar o añadir color a una obra de arte.

 

Además de los mapas de degradado predeterminados incluidos en Clip Studio, utilicé los siguientes recursos:

8. Pintar encima

En nuevas capas, encima de todo lo demás, empecé a pintar sobre varias áreas para corregir bordes o ajustar el color. Usé pinceles duros para añadir detalles perdidos y limpiar bordes, y pinceles suaves para ajustar el color.

Conclusión

¡Gracias por leer mi tutorial! Espero que te haya sido útil y que haya explicado con éxito cómo usar constelaciones en tu arte al usar Clip Studio Paint. A continuación, te dejo un enlace a mi Twitter por si quieres ver más de mi trabajo:

Recursos de Clip Studio

A continuación, se encuentran los enlaces a todos los recursos que utilicé para este tutorial: