Introducción

Hola, soy Siobhan (Shove Off Siobhan en las redes sociales). En este tutorial de consejos, te mostraré cómo incluir constelaciones y motivos del zodíaco en tu arte. Te explicaré qué son las constelaciones, los zodiacos y los horóscopos. Luego, le mostraré cómo dibujar constelaciones y estrellas, y cómo usarlas para crear cielos nocturnos estrellados en Clip Studio Paint. Y finalmente, mostraré mi proceso de cómo hice mi propia ilustración.

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constelaciones

¿Qué son las Constelaciones?

Las constelaciones son grupos de estrellas visibles que forman una especie de patrón y forman mapas estelares. Los humanos los han usado en la religión/mito y todavía se usan hoy para estudiar los signos del zodíaco y los horóscopos.

¿Qué es el Zodíaco?

El zodíaco es un área en forma de cinturón que es el camino visual aparente del sol a través de la esfera celeste (cielo) a lo largo de un año. El zodíaco está compuesto por 12 signos que también son constelaciones. Fueron creados por los babilonios alrededor del año 1000 a. C. y se cree que son algunas de las constelaciones conocidas más antiguas. Debido a que el eje de la Tierra está en ángulo, estos signos aparecen en diferentes épocas del año en los hemisferios norte y sur. Las doce constelaciones del zodiaco incluyen: Aries, Tauro, Géminis, Cáncer, Leo, Virgo, Libra, Escorpio, Sagitario, Capricornio, Acuario y Picses.

Los horóscopos son mapas de los planetas y los signos del zodiaco. Se utilizan para interpretar los rasgos de personalidad y la compatibilidad de relaciones en función de la fecha de nacimiento.

Cómo dibujar estrellas y constelaciones

1. Dibujar constelaciones es realmente simple y rápido de hacer. Ya sea con su propio diseño personalizado o con imágenes de mapas estelares de Internet, reduzca la opacidad del diseño.

2. (El paso 2 es en realidad opcional; puede seguir este paso o continuar con el paso 3). En una nueva capa vectorial anterior, use la herramienta de polígono o línea recta para dibujar las constelaciones, haciendo coincidir sus esquinas con las del diseño. Me gusta usar capas vectoriales para esto porque hace que sea más fácil cambiar el tamaño o cambiar el grosor de línea más adelante si es necesario.

3. En otra nueva capa vectorial, use la herramienta de forma de círculo y agregue puntos donde se encuentran las líneas. Hágalos todos del mismo tamaño o agregue una variación de tamaño. Cambie el tamaño de su dibujo de constelación si es necesario, o comience a colorear los círculos.

 

Para las estrellas, puede dibujarlas usted mismo con la herramienta de forma de círculo o usar activos de pincel con forma especial como estos:

4. En una tercera capa nueva, rellénela con el mismo color que sus líneas con un pincel, la herramienta de cubeta o esta herramienta de relleno prolijo:

Establezca el contorno que desee rellenar como capa de referencia y, a continuación, configure la herramienta de relleno en Referencia múltiple > Capa de referencia.

5. Ahora puede ocultar las capas de referencia del boceto o la imagen y tendrá un dibujo de constelación listo para usar.

Cómo hacer que las estrellas brillen

1. Recuerda hacer que tus estrellas/constelaciones sean de colores muy claros, o incluso blancos, sobre un color de fondo más oscuro para que esto funcione.

 

2. Duplica tu capa de estrellas y constelaciones. Cambie el modo de fusión de la capa duplicada a uno de los siguientes modos: Resplandor sobreexponer, Añadir brillo, Añadir, Superposición, Luz fuerte, Luz suave o Pantalla. Personalmente, me gusta más Resplandor sobreexponer y Agregar resplandor para obtener efectos brillantes y superpuestos para una iluminación suave y ajuste de color.

3. Luego, en esta nueva capa duplicada, ve a Filtro > Desenfocar > Desenfoque gaussiano. Active la vista previa y ajuste la configuración para lograr el efecto deseado.

 

4. Luego, reduzca la opacidad de sus capas de estrellas según sea necesario.

Intente experimentar con diferentes pinceles y modos de fusión de capas. Los siguientes pinceles se pueden utilizar para rellenar espacios vacíos con estrellas más alejadas y más pequeñas:

Mi proceso de ilustración

1. Composición del boceto

Como quería ilustrar a Sagitario, mi signo zodiacal, quería usar algunos temas y motivos para ese zodiaco. Sobre Sagitario:

• En la mitología griega, Sagitario está asociado con el centauro (mitad hombre, mitad caballo), Quirón. Quirón fue un personaje que fue criado por el dios Apolo y conocido por su curación, profecía, caza/tiro con arco, amabilidad e inteligencia.

• El elemento principal del signo es el fuego que significa energía, acción y motivación.

• También se asocia con el color púrpura, por astucia y creatividad.

• Sagitario está asociado con las flores de clavel.

• Se dice que las personas que son Sagitario son francas, justas, honestas, optimistas, ambiciosas y curiosas.

Usando estos motivos para Sagitario, comencé a esbozar mi idea. Quería incluir una centauro hembra (o centaurida/centaura) en lugar de un macho como el diseño habitual para ese zodíaco. Quería tener un tipo de entorno natural, para representar la caza y los animales, así como para agregar enfoque al cielo nocturno. Decidí que el entorno sería un prado y colinas, para que el cielo destacara más. El cielo acabó ocupando casi la mitad de la composición. Planeé incluir flores, específicamente claveles como motivo para el signo zodiacal. Quería que la obra de arte tuviera lugar de noche para mostrar estrellas y una lluvia de meteoritos para lograr un efecto más fantástico. Para promover eso, planeé hacer que el centauro tuviera un aspecto mágico con estrellas y una luz similar al fuego que salía de su arco y flecha. Dibujé bocetos en miniatura de cómo quería que se viera mi composición, hasta que encontré uno que me gustó, luego lo agregué a un lienzo grande con dimensiones de 16 x 9. Luego cambié el tamaño y moví el boceto para que se ajustara al lienzo. Para dibujar y líneas, usé este pincel de lápiz:

2. Modelos 3D

Después de que descubrí una idea aproximada para mi arte, comencé a usar modelos 3D para ayudarme con la pose, la iluminación y el ángulo de la cámara. Utilicé los siguientes modelos para este trabajo:

Con la herramienta Selección de objetos, edité los modelos 3D en la posición y las poses que quería. Agregué vistas de cámara adicionales para ayudar a hacer eso, para poder posar al personaje como quería que me vieran en una y editar la ubicación de los modelos en otras cámaras sin estropear la que usaría para dibujar.

 

Me aseguré de mantener mis modelos 3D en la misma capa para que se vieran afectados por las mismas fuentes de luz, perspectiva y cámara.

 

Sobre todo porque combiné un modelo de figura de dibujo normal y un modelo de un caballo. Necesitaba mover estos hasta que se cruzaran y tuvieran el tamaño exacto en relación entre sí. Cuando terminé, moví las piernas del modelo femenino fuera de la vista, dentro del modelo del caballo, y moví la cabeza y el cuello del caballo hasta que quedaron ocultos.

 

Para la pose de la modelo femenina, utilicé una pose descargable y la arrastré hasta la modelo.

Agregué algunos modelos de estrellas para mostrar la magia proveniente de la flecha, así como para los aretes del personaje y para reemplazar la punta de la flecha.

Para la cara, utilicé uno de los modelos de cabeza predeterminados, estos se encuentran en Ventana > Material > Material: Cabeza. Hay varios ajustes preestablecidos que puede usar, con rasgos faciales editables. Coloqué el modelo sobre el cuerpo del modelo 3D original y lo redimensioné para que encajara. Este es un paso opcional, pero útil.

3. Rango de valores y fuente de luz

Bajé la opacidad de la capa con los modelos 3D y la coloqué debajo de mi capa de boceto original, a la que también bajé la opacidad. En una nueva capa, entre la capa de boceto y las capas del modelo 3D, usé blanco y negro para dibujar en sombras y luz. Hice que el personaje del centauro y la colina en la que se encuentra fueran los más oscuros, ya que están más cerca del espectador. Las colinas y el cielo se vuelven más claros cuanto más lejos está el fondo. Los objetos más brillantes serían su arco/flecha, la luna y las estrellas y constelaciones.

4. Dibujar detalles y líneas

Luego oculté la capa con el boceto en escala de grises. Bajo la opacidad tanto de la capa de boceto como de la capa 3D.

 

En las nuevas capas vectoriales por encima de todo lo demás, comencé a dibujar mis líneas. Dibujar en capas vectoriales ayuda a editar líneas más tarde, como cambiar el grosor de línea o borrar líneas que se cruzan fácilmente.

5. Relleno de color

Oculté el boceto y las capas 3D. Luego reduje la opacidad del boceto en escala de grises, y en nuevas capas entre las líneas y la escala de grises, hice rellenos de color usando variaciones de gris. Mantuve el color de cada objeto/área en capas separadas. Estas serán mis máscaras de capa para más adelante. Nuevamente, aquí está el activo que usé para completar cada área:

6. renderizar

En las nuevas capas recortadas a la capa de relleno de cada área, comencé a renderizar usando gris, negro y blanco. Usé mi boceto en escala de grises como referencia para esto. Los modelos 3D y las capas de croquis estaban ocultos en este punto.

 

Para las áreas y los bordes superpuestos, utilicé nuevas capas que no estaban recortadas a las máscaras de capa en escala de grises. Usé mucho la herramienta Cuentagotas para elegir colores y dibujar esas áreas.

Actualmente, mi pincel favorito para renderizar es este:

Para las líneas, elevo el nivel de opacidad y dureza y reduzco el tamaño del pincel. Para colorear, depende del área en la que esté trabajando. O lo tengo con una opacidad alta y una dureza media para la mayoría de los colores, o bajo la dureza y la opacidad para difuminar.

También mantengo el modo de mezcla como Perceptual en la configuración de la subherramienta del pincel.

Para el follaje, la hierba y las flores, utilicé los siguientes pinceles:

7. Mapas de degradado de corrección tonal

Para este paso, utilicé mapas de degradado de corrección tonal para ayudar a colorear mi obra de arte.

Este efecto se puede encontrar en Edición > Corrección tonal > Mapa de degradado. Esto agrega color según el valor.

Primero dupliqué mis capas de escala de grises y las escondí. Esto es para poder editarlos más tarde si es necesario. Luego, en cada capa, usé la corrección tonal para agregar color. Los colores se pueden mover y cambiar dependiendo de cada zona. Por ejemplo, quería que mi césped fuera más azul, así que edité los verdes en ese mapa degradado. Esta es una manera realmente rápida y fácil de editar o agregar color a una obra de arte.

 

Además de los mapas de degradado predeterminados incluidos en Clip Studio, utilicé los siguientes recursos:

8. Pintar encima

En las nuevas capas por encima de todo lo demás, comencé a pintar sobre varias áreas para arreglar los bordes o ajustar el color. Usé pinceles duros para agregar detalles perdidos y limpiar bordes, y pinceles suaves para ajustar el color.

Conclusión

¡Gracias por mirar mi tutorial! Espero que haya sido útil y haya explicado con éxito cómo usar constelaciones en su arte cuando usa Clip Studio Paint. Abajo hay un enlace a mi Twitter en caso de que quieras ver más de mi trabajo:

Activos de Clip Studio

A continuación hay enlaces a todos los activos que utilicé para este tutorial: