1. ¡Teoría de la iluminación!

La teoría de la iluminación en el arte es un elemento fundamental que influye en la percepción y representación de objetos y cuerpos dentro de una obra. La forma en que la luz interactúa con las superficies crea una variedad de efectos visuales que determinan la apariencia de los colores y la profundidad de las formas.

Reflexión y refracción.

La luz, cuando incide sobre un objeto, puede propagarse de varias maneras. La reflexión es el fenómeno por el cual la luz incide en una superficie y rebota, llegando así a nuestros ojos. Este reflejo es el que nos permite percibir los colores y texturas de los objetos. Además, la refracción, que se produce cuando la luz pasa a través de un medio y cambia de dirección, también juega un papel crucial en la percepción visual.

Propagación.

En cuanto a la difusión y reflexión de los colores, es fundamental entender que los objetos no tienen colores intrínsecos; más bien, absorben ciertas longitudes de onda de luz y reflejan otras. Un cuerpo rojo, por ejemplo, absorbe la mayor parte de la luz excepto las longitudes de onda rojas, que son reflejadas y percibidas por nuestros ojos.

Brillantez.

El brillo de un cuerpo en una obra de arte está ligado a varios factores. La textura de la superficie, la cantidad de luz incidente y la interacción entre materiales pueden influir en el nivel de brillo. Los cuerpos que tienen superficies más reflectantes tienden a brillar más, ya que reflejan una mayor cantidad de luz hacia el espectador.

2. ¡Prepara una escena!

A la hora de preparar una escena para una ilustración, gestionar la iluminación y los reflejos es fundamental para crear una representación impactante y realista. Primero, es crucial identificar la fuente de luz en su escena, ya sea luz solar natural, una lámpara o cualquier otra fuente. La dirección y la intensidad de la luz influirán en la disposición de las sombras y en la atmósfera general de la composición.

 

Puedes elegir entre varias formas de montar una escena, dependiendo de la historia que quieras contar o del estado de ánimo que busques transmitir. Establecer el tono desde el principio guiará tus decisiones de iluminación y color.

Primer ejemplo.

En este ejemplo, ilustraré cómo la iluminación entra desde una ventana, bañando la habitación y creando una escena rica en detalles visuales. La luz incidente se refracta al atravesar el cristal de la ventana, generando un espectro de colores que baila en las superficies. Este fenómeno se debe a la deflexión que experimentan los rayos de luz al pasar de un medio transparente, como el vidrio, a otro, en este caso, del aire al vidrio y viceversa.

 

Al entrar en la habitación, la luz atraviesa el medio cambiando del aire al vidrio, refractándose en el proceso. De manera similar, al salir de la ventana, la luz pasa del vidrio al aire, experimentando nuevamente un cambio de dirección. Este juego de refracción crea un prisma de colores, resaltando tonalidades específicas según el ambiente de la habitación.

 

Es así como la iluminación, al interactuar con el entorno a través del vidrio, aclara diferentes colores, dando vida a la escena. Rojos, amarillos y otros tonos se revelan y exhiben en el espacio, dando a la habitación una atmósfera única llena de expresión visual.

Segundo ejemplo.

Otra es hacer un laboratorio con luces sutiles que no resalten colores vibrantes y sean más en escala de grises. Como el azul grisáceo, especial para esa iluminación que proviene de las máquinas científicas. El ambiente puede ser muy frío pero tiene una buena sensación para el espectador.

 

También destaco que muchos reflejos pueden aparecer gracias a la iluminación de luces, añadiendo así detalles a objetos como tubos, matraces, vasos, embudos de vidrio, etc.

Tercer ejemplo.

También puedes crear una escena de una cafetería, bajo una iluminación brillante, ya sea de día o de noche. La luz, que se propaga a través de los rayos de sol que entran por las ventanas, se refleja en los vasos e incluso en las bebidas, intensificando los colores y aportando luminosidad a la escena.

 

Los colores del ambiente pueden adoptar tonalidades cálidas o frías, y en ocasiones una combinación de ambos. Por la noche, los reflejos de la luz de la luna en las ventanas añaden un tono suave y frío a la escena. Mientras tanto, en el interior del recinto, la luz artificial genera una iluminación cálida, creando un equilibrio armonioso entre las diferentes temperaturas de color.

Materiales que podrían ayudarte.

A continuación, te proporciono algunos materiales que puedes incorporar a tu ilustración para hacerla más atractiva para los espectadores. Estos elementos pueden agregar detalles visuales interesantes y enriquecer la experiencia visual de la obra.

3. Modos combinados.

Después de abordar la teoría anterior, nos sumergiremos en los modos de fusión, una herramienta esencial para nuestras ilustraciones a la hora de crear la ilusión de luces y sombras. En este contexto, exploraremos esos modos de fusión que frecuentemente incorporo en mis dibujos. La elección adecuada de estos modos no sólo influye en la intensidad de la luz y las sombras, sino que también da forma a la atmósfera general de la obra. A lo largo de esta exploración, destacaré cómo cada modo de combinación puede contribuir a la narrativa visual y cómo su implementación puede ser clave para lograr imágenes cautivadoras.

Multiplicar: Crea sombras y profundidad.

 

Brillo: Ajusta el brillo de una capa.

 

Luz intensa: Agregue reflejos brillantes en superficies expuestas a una fuente de luz intensa.

 

Luz Intensa: Similar al modo Luz Fuerte, pero con un efecto más suave.

 

Oscurecer: Realza las sombras y disminuye la intensidad de las áreas más claras.

 

Exclusión: Cree interesantes efectos de color y contraste o agregue un tono de color complementario para realzar ciertos elementos.

 

Diferencia: Resalte las diferencias entre capas o resalte detalles o cambios en la textura.

 

Luz suave: Suaviza o ilumina áreas sin eliminar detalles o agrega un toque suave de luz ambiental para calentar una escena.

 

Agregar (Brillo): Intensifica las áreas brillantes sin afectar los colores oscuros.

 

Superposición (Brillo): Aumente el contraste y los detalles o mejore los detalles finos y resalte las características de una ilustración.

4. ¡Proceso de ilustración!

Ahora me lanzaré a crear mi propia ilustración, aplicando los conceptos que hemos estudiado sobre la teoría de la iluminación. Me gustaría resaltar que los ejemplos anteriores fueron simplemente ejercicios prácticos y, a modo de experimento, extraje ideas de imágenes para luego aplicarlas en mi propio trabajo. Estos procesos particulares tomaron aproximadamente 15 minutos.

Uniendo ideas.

En mi proceso de organización creativa, tiendo a capturar mis ideas en varios cuadros. Cada vez que me viene a la mente una idea, inmediatamente la capturo en uno de esos fotogramas, que pueden variar en número dependiendo de la complejidad de la inspiración. Este enfoque se ha convertido en una herramienta invaluable para mejorar mi creatividad al crear escenas o ilustraciones complejas.

 

Al asignar cada idea a su propio espacio visual, logro mantener un flujo constante de inspiración y evito que se pierdan pensamientos valiosos. Este método no sólo organiza mis pensamientos, sino que también me brinda una perspectiva visual de cómo las ideas se conectan y complementan entre sí.

Después de organizar un conjunto de ideas en varios cuadros, mi siguiente paso es unificar todas estas piezas en una única ilustración. Este proceso consiste en añadir los detalles y objetos específicos de cada cuadro, creando así un dibujo cohesivo y completo.

 

Al integrar cada elemento evito dejar áreas vacías en la composición final y logro una ilustración que no sólo es rica visualmente, sino que también mantiene la esencia de cada idea individual. Este método no sólo simplifica el proceso creativo, sino que también asegura que cada elemento contribuya al conjunto de la manera más armoniosa posible, dando como resultado una obra final que cuenta una historia única y compleja.

Mis ideas a veces pueden parecer limitadas cuando las expreso en pinturas. Con el deseo de ser más creativo, descubrí que al intentar mezclar elementos de diferentes ideas y agregar un poco de cada una, logro encontrar una armonía que enriquece la composición final.

Bosquejo.

Para el boceto, me sumergí en la exploración visual utilizando numerosas referencias de ciudades y personas caminando. Estas referencias, que incluían fotografías de diversas ciudades y situaciones cotidianas, sirvieron de base sobre la que construí mi ilustración. Adapté y fusioné elementos de estas referencias para darle vida a la escena que tenía en mente. Aunque el boceto pueda parecer un poco sucio, su objetivo principal es comunicar la esencia de la ilustración final.

Comencé la creación del personaje principal, Argy Sánchez, un personaje original. Este personaje se posicionará como el "centro de atención" para el espectador, sentado en una de las columnas de una casa o cabaña (no estoy seguro de cómo describirlo). Además de eso también he modificado la postura, ya que me resulta incómoda y me cuesta dibujarlo.

Colores.

Después de dibujar, comencé con lo básico, aplicando colores cálidos y fríos como guía para colorear, sombras e iluminación. En este caso, el fondo será de color naranja (cálido), mientras que lo que esté en primer plano tendrá un tono azul oscuro (frío). Hago esto para mantener la coherencia en la teoría del color y tener en cuenta lo que quiero representar en este trabajo.

Al aplicar los colores base al fondo y primer plano lo que hago es reducir la opacidad de aquellos, junto con los colores ya colocados. En lugar de agregar otra capa con el modo multiplicar, que a veces no combina de manera ideal, prefiero emplear esta técnica que descubrí recientemente.

 

Además, esta técnica de ajustar la opacidad de las capas permite una mayor flexibilidad a la hora de mezclar colores, ya que puedo conseguir transiciones suaves entre las diferentes tonalidades. También he notado que hacerlo de esta manera me da más control sobre la intensidad de las sombras y luces, permitiéndome ajustar la atmósfera de la ilustración con mayor precisión. Esta práctica, aunque sencilla, ha demostrado ser eficaz para conseguir resultados más armoniosos y equilibrados en mis obras.

Posteriormente, para intensificar la iluminación en el frente, incorporo una combinación de modos de fusión, utilizando principalmente el modo "Agregar" (brillo), y ajusto cuidadosamente la opacidad para obtener el efecto deseado. Además, para agregar profundidad y realismo, aplico un degradado azul medio desaturado en la parte superior de la composición, donde se ve más sombra. Configuré este degradado en modo oscuro para aumentar el contraste y darle una mayor sensación de volumen a la escena. Estos pequeños ajustes contribuyen a la coherencia y profundidad general de la ilustración, destacando la importancia de considerar tanto la luz como las sombras al crear composiciones visualmente impactantes.

 

Lo único que queda ahora es agregar sombras e iluminación más brillante a la ilustración. Para lograr esto, utilizo la herramienta Lazo para rellenar más fácilmente áreas más pequeñas. Aunque no es necesario buscar una perfección extrema, ya que se trata de un boceto, me gusta renderizar de esta manera para obtener un estilo similar al lineart con coloreado. Este enfoque me da la flexibilidad de cubrirlo con detalles más limpios y refinados al final del proceso, aportando mayor definición y pulido al trabajo final.

(esta es la herramienta que me lo pone más fácil)

Boceto casi listo para la fase de refinamiento y la siguiente etapa de renderizado, con el objetivo de lograr una representación más pulida y detallada. En esta etapa me centraré en resaltar elementos específicos, como las texturas de los tableros de las cabañas o casas, para agregar un nivel de realismo y profundidad a la escena. Esta atención al detalle no sólo enriquecerá visualmente la composición, sino que también evitará que la ilustración se perciba como demasiado simple o básica. Al incluir estos elementos estructurales, busco ofrecer al espectador una experiencia más inmersiva, permitiéndole imaginar un entorno verdaderamente "maravilloso", lleno de matices y encanto.

 

En mi búsqueda de autenticidad y detalle, me he sumergido en el estudio de diseños característicos de las cabañas chinas. Estos diseños, ricos en simbolismo y tradición, se han integrado cuidadosamente en mi ilustración, aportando autenticidad cultural a la escena. Al incorporar estas estructuras adicionales de diseños específicos, he enriquecido la narrativa visual, dándole un toque distintivo a la composición. Ahora solo queda perfeccionar esas zonas para garantizar coherencia y armonía visual, dejando el trabajo listo para el siguiente paso: el renderizado, donde podré pulir cada detalle con mayor precisión.

(Perdón por la calidad)

El resultado, después de meticulosas adiciones y ajustes destinados a crear una armonía visual más compleja, finalmente está ante usted. He dedicado especial atención a cada detalle, desde la paleta de colores hasta la disposición de los elementos, buscando una integración armoniosa que evoque una sensación más profunda y cautivadora.

(perdón por la calidad)

Representación.

Pasamos a la fase de renderizado, punto crítico donde comenzamos a afinar y limpiar toda la ilustración para conseguir un acabado pulido. Es fundamental en esta etapa evitar que el trabajo parezca inacabado o descuidado, lo que podría dar lugar a impresiones como "¿todavía está en progreso?" o "¿no se esforzó el artista lo suficiente?" (aunque no sucede todo el tiempo).

 

Mantener los detalles en sus colores correspondientes y tener paciencia hasta completar el dibujo no sólo asegurará un resultado visualmente atractivo, sino que también resultará en una valiosa práctica aplicada a la teoría que hemos explorado hasta ahora.

 

En esta etapa del proceso no hay mucho que detallar, por lo que me concentraré en presentar el resultado final una vez que haya terminado de limpiar y refinar el dibujo. El objetivo es mostrar cómo las técnicas y teorías aplicadas se materializan en una obra acabada y pulida.

He difuminado toda la parte del fondo para llamar la atención sobre mi personaje principal. ¿No es asi? En consecuencia, me he centrado únicamente en renderizar la parte frontal, resaltando así la figura central y creando un efecto de profundidad que enfatiza la importancia del personaje en la composición.

 

Ahora solo queda añadir efectos especiales, como aumentar la iluminación de las lámparas hasta llegar al personaje. Para ello crearé varias capas que me permitirán incorporar detalles brillantes y vivos. ¿Cómo lo hago? Es bastante simple: uso modos de fusión como Saturación y Agregar (Brillo), entre otros. Estos modos me ayudan a resaltar ciertas áreas, añadiendo un toque de realismo y dimensión a la escena. Por ejemplo, con el modo Añadir (Brillo), puedo intensificar las luces de las lámparas, creando un efecto de iluminación más realista. Además, ajustaré la saturación para darle más vida a los colores y resaltar las texturas de la escena, enriqueciendo así el contraste visual y la atmósfera general de la ilustración.

5. ¡Resultado!

Con esto concluye mi proceso creativo con este dibujo. Agradezco sinceramente el tiempo que has dedicado a leer este tutorial sobre cómo iluminar tu ilustración con la teoría necesaria. Quiero aclarar que, aunque este tutorial no está dirigido exclusivamente a principiantes, cualquiera puede leerlo y encontrar inspiración.

 

Además, hacía bastante tiempo que no trabajaba en una ilustración tan compleja. Durante este proceso, me he estado desafiando y practicando para mejorar mis propias técnicas. Este ejercicio no sólo me ha permitido perfeccionar mis habilidades, sino que también me ha enseñado lecciones valiosas para aplicar en proyectos futuros.

 

Espero que este tutorial te haya resultado útil y que te haya inspirado en tu propio viaje artístico. ¡Nos vemos en futuros tutoriales y os deseo unas felices fiestas navideñas y que disfrutéis de vuestras merecidas vacaciones!