INICIAR SESIÓN

Bienvenidos a todos,

 

A otro tutorial de ilustración conmigo Daniel (Ado draw). En el artículo del tutorial de hoy, me gustaría que nos sumerjiéramos en el concepto de composición y no solo para dos personajes, sino para múltiples conjuntos de personajes y objetos en una escena.

Y el artículo se titula:

Aprende a organizar tus personajes de manera compositiva.

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Muchos artistas han hablado de la composición a lo largo de los años y de sus métodos para lograr un buen resultado de agrupación, pero como sabemos que nunca es suficiente, necesitamos revisar más elementos y encontrar formas más creativas de abordar la composición, sobre lo que también compartiré mis propios conocimientos en el artículo tutorial de hoy.

 

 

Antes de adentrarnos en el concepto particular conocido como COMPOSICIÓN, debemos comprender de qué se trata el concepto y las formas en que podemos abordar el concepto de composición de múltiples conjuntos de objetos o personajes.

Ahora,

◾¿Qué entendemos como artistas por el término Composición?

Composición en el mundo del arte es un término en el que se combinan o se organizan diferentes elementos de una obra de arte, lo que en otras palabras significa que los objetos construyen una buena relación entre sí de una manera definida y única que da significado o se relaciona con otra cosa.

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El artista tiene total libertad a la hora de elegir el método de composición de su obra. Los elementos pueden estar todos agrupados hacia el centro del lienzo o la fotografía, o bien repartidos en las esquinas de la obra.

 

 

◾Nombra los elementos comunes que componen una Composición

Como artista, debes saber que la composición se ocupa de los elementos de una escena y que estos se dividen en tres secciones o aspectos (el fondo, el plano medio y el primer plano).

Toma como ejemplo la imagen de abajo, que tiene todos los diferentes sujetos colocados en los tres elementos diferentes de la escena que tiene los siguientes aspectos:

~ Para el fondo,

Podemos ver los rascacielos de la ciudad a lo lejos, a los que se les dio un color azul plano sin arte lineal para reducir el enfoque de los diversos elementos, ya que no son el centro de atención.

 

~ Mientras tanto, para el plano medio,

Podemos ver el poste de electricidad y un avión, pero para que esta parte parezca más cercana al punto de enfoque, agregué el arte lineal.

 

~ Y por último, para el primer plano,

Que es el punto de enfoque con dos personajes en la escena porque aquí es donde queremos que se concentren los espectadores, hice los personajes más grandes y llamativos. 🔸 🔸 🔸

Otra cosa que es muy importante pero que como artistas a menudo descuidamos tener en cuenta cuando queremos crear cualquier ilustración, este aspecto se conoce como ELECCIÓN DEL FORMATO.

◾ Elija un formato, entre rectángulo o cuadrado.

Este aspecto es muy crucial y exigente a veces porque los diferentes formatos implican o cuentan historias diferentes, por ejemplo:

 

 

~ El formato rectangular:

Este es un formato absolutamente clásico y extremadamente flexible. En el sentido de que,

cuando un rectángulo se muestra con su lado más corto en la parte superior se conoce como "formato vertical" y con su lado más largo en la parte superior "formato horizontal".

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~El formato cuadrado:

Esto puede funcionar muy bien o muy mal. Es muy raro ver el uso del cuadrado en una ilustración. Esto se debe a que es más difícil equilibrar una escena que tiene muchos elementos dentro.

 

Tomemos como ejemplo:

Una colección de figuras en un paisaje dentro de un formato cuadrado. Puede verse extraño muy fácilmente. Sin embargo, usar un formato cuadrado para un tema más contemporáneo, un paisaje marino abstracto o minimalista, puede ser muy efectivo.

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Conocer los distintos tipos de elementos de una escena es la parte sencilla del proceso de composición. Es divertido pero difícil, pero conocer las distintas formas o reglas, como se les puede llamar, con las que los distintos elementos de una escena se complementan o se relacionan entre sí, es lo que se conoce como TIPOS DE COMPOSICIÓN.

 

 

◾Tipos de composición

Los distintos elementos (fondo, plano medio y primer plano) desempeñan un papel único, y cuando los objetos y personajes reaccionan con ellos para contar historias diferentes de formas únicas, se conocen como TIPOS DE COMPOSICIÓN.

 

 

A continuación, se muestran algunos tipos comunes de composición en el arte que utilizan con mayor frecuencia los artistas como yo para agrupar objetos y personajes;

• Radial: los elementos se organizan alrededor de un punto central, lo que crea una sensación de movimiento o enfoque.

 

• Regla de los tercios: dividir la obra de arte en nueve secciones iguales, con elementos importantes ubicados en las intersecciones de esas líneas.

 

• Proporción áurea: una proporción matemática que crea un equilibrio visual agradable, que se utiliza a menudo en la colocación de elementos.

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• Diagonal: Líneas que crean una sensación de movimiento y energía. (Horizontal) Líneas que crean una sensación de estabilidad y calma. (Vertical) Líneas que crean una sensación de altura y grandeza.

 

• Superposición: Elementos colocados uno sobre el otro para crear profundidad e interés visual.

 

• Espacio negativo: Las áreas vacías alrededor del sujeto principal, que pueden ser tan importantes como el sujeto en sí.

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Ahora bien, los distintos tipos de composición que se mencionan arriba pueden parecer casuales para los principiantes, pero no los tomen como algo esencial en la ilustración si quieren que sus personajes, objetos y entornos tengan un impacto único o nostálgico cuando los vea el público. Por eso, les recomiendo que practiquen estos distintos aspectos con cuidado y, después, intenten aprender los otros tipos de composición que existen.

 

Ahora que ya nos hemos aclarado, me gustaría que analicemos otro aspecto llamado POSES.

◾ Pose del personaje

La pose de un personaje también puede jugar un papel muy importante al agrupar personajes, como por ejemplo las poses de las tres figuras del modelo 3D que luego transformé en tres personajes espía.

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Si como novato en el uso de CLIP STUDIO PAINT (CSP) le resulta difícil crear personajes individuales o grupos de ellos con su propia pose expresiva y dinámica única, le aconsejo que use la figura del modelo 3D, son de gran ventaja especialmente para principiantes, ayudándolos a comenzar a crear grupos de personajes con poses expresivas agradables.

También podemos obtener fácilmente diferentes conjuntos de poses con las funciones recientemente agregadas,

• Posemanaiac

• y Escáner de cámara.

1. Para obtener una pose de la función Posemaniaiac

Comience haciendo clic en [Ventana], aparecerá un pequeño panel de control y, al desplazarse hacia abajo, verá la selección [Material]; haga clic en la selección [Material].

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Se mostrará el mini panel de control [Material], en el panel de control seleccione el [modelo 3D] y arrastre la [figura de dibujo 3D ver. 2] al lienzo, al hacer eso, la importa al lienzo como podemos ver en la capa del modelo 3D en el panel de control [Capa] a la derecha.

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Ahora que el modelo 3D se ha importado al lienzo, podemos pasar a darle una pose dinámica y para ello,

 

Haga clic en el ícono con (las barras de flecha apuntan en la dirección opuesta), aparecerá un mini panel con diferentes opciones, haga clic en [Pose 3D (Posemanaiac)] y antes de hacer clic en esta opción, ENCIENDA su red.

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Porque cuando se selecciona [pose 3D (Posemanaiac)], seremos redirigidos a la página web (Posemanaiac), allí debemos registrarnos para poder recibir noticias sobre poses actualizadas y también veremos varias poses diferentes que uno puede usar, pero quiero un personaje con una posición de pose única, para obtener lo que quiero, necesito especificar y hacer clic primero en [barras de flecha que apuntan en la dirección opuesta],

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Aparecerá un mini panel con diferentes opciones, luego selecciono una opción, en este caso quiero un personaje con una pose de apuntado, hago clic en [Apuntando],

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Luego aparecerá la página [señalando], donde todos los personajes apuntan en distintas direcciones. Luego selecciono una de las poses que me llamó la atención.

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Cuando se selecciona la pose, seremos redirigidos a otra página, ahora haga clic en la barra [Abrir] en la parte inferior,

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Aparecerá un mini panel de control, haz clic nuevamente en la barra [abrir] con el logotipo de CLIP STUDIO PAINT,

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Luego seremos redirigidos al software CLIP STUDIO PAINT con la pose importada automáticamente a la [figura de dibujo 3D versión 2] anterior y usando la subherramienta [Objeto], podemos mover el modelo 3D a la posición que queremos como se muestra a continuación,

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Próximo,

2. Importación desde el modelo 3D (caja de material)

Abra el mini panel de control [Material], en el panel de control seleccione el [modelo 3D] y arrastre la [figura de dibujo 3D ver. 2] al lienzo, al hacer eso, la importa al lienzo como podemos ver en la capa del modelo 3D en el panel de control [Capa] a la derecha.

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Y puedes cambiar la pose con los distintos modelos 3D disponibles haciendo clic en el ícono [Usar material de pose 3D] en la barra debajo de la figura 3D, aparecerá un mini panel, selecciona la pose que deseas y luego haz clic en [Aceptar] para cambiar esa pose a tu [figura de dibujo 3D] importada.

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Y con la pose del segundo personaje obtenida, pasé al tercero.

2. Para obtener una pose de la función de escáner de cámara

Importo otro personaje [la figura femenina en 3D ver. 2] lo coloco al lado derecho,

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Luego hago clic en el ícono con (las barras de flecha apuntan en la dirección opuesta), aparecerá un mini panel con diferentes opciones, hago clic en [pose scanner (Photo library)],

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De la cual aparecerá un mini panel de mi galería y luego puedo seleccionar la imagen con la pose que quiero importar.

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Y una vez hecho esto, la pose se importará a la [figura femenina en 3D, versión 2],

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Luego, para poder dibujar las distintas poses sin que el contraste de la figura del modelo 3D me limite, reduciré la [Opacidad] de la capa del modelo 3D al 25 %, como se muestra en el lado derecho de la imagen a continuación.

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Después, creo diferentes capas, dibujo la forma de las diferentes poses de los personajes y les agrego un color base gris.

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Y con eso, ahora podemos ver cómo la singularidad y diversidad de los personajes cobran vida.

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Luego concluyo esta pieza añadiendo los pelos a cada uno de ellos y dándoles su nombre individual y grupal.

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Puedes aprender más sobre la pose usando los enlaces a continuación 🔗 🔗

Y para obtener más información sobre cómo utilizar el modelo 3D, utilice los enlaces que aparecen a continuación 🔗 🔗 para obtener más información.

 

 

◾ Reglas sencillas que utilizo cuando quiero crear personajes u objetos en un grupo agrupado

Explicando las reglas que utilizo, utilizaré los objetos con forma de esfera, cubo y prisma.

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Para mostrar lo que los artistas debemos HACER y EVITAR cuando creamos cualquier tema en grupo.

 

 

1. Haz que tu agrupación sea interesante

Para que tus agrupaciones sean interesantes en el arte digital, considera usar diferentes tamaños y formas de elementos. Varía el espacio entre ellos para crear un ritmo visual. Juega con la posición de los distintos objetos y deja que haya unidad entre la disposición de los objetos para agregar profundidad y contraste. También puedes usar superposiciones para crear una sensación de movimiento y profundidad.

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2. Evite dejar grandes espacios vacíos

Esto no significa simetría, sino equilibrar el espacio negativo y positivo, las luces y la oscuridad, etc., de modo que la vista se sienta cómoda. Se trata de asegurarse de que la disposición no esté demasiado cargada visualmente de un lado o del otro. Si no estás seguro, entrecierra los ojos para ver la disposición y eso te ayudará a ver un poco más fácilmente.

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3. Crea una pieza para arrastrar o mover los ojos

Al aislar un objeto de un grupo, se le otorga una atención inmediata por encima del resto del grupo. Dale un toque diferente a tus elementos. La composición será mucho más agradable si todos los elementos no están parados en fila como patitos en un estanque.

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4. Deben tener una buena superposición.

Superponer los elementos ligeramente crea formas y capas interesantes. Vincula los elementos con el resto del grupo y crea una relación entre los elementos, por así decirlo.

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5. Evitar un mal recorte

Al organizar objetos o personajes en una escena, se puede evitar un mal recorte prestando atención a la composición. Asegúrese de que el sujeto esté centrado o equilibrado dentro del marco. Evite cortar las extremidades principales o las características importantes del sujeto que lo hacen lo que es.

(Como por ejemplo, observe el cuadro cúbico en las dos imágenes siguientes, en el lado izquierdo notaremos que la parte principal del cuadro que lo define era la cubierta, lo que como artistas debemos evitar hacer. Mientras tanto, en la imagen de la derecha, el cuadro fue ligeramente recortado dejando la parte esencial que lo convierte en un cuadro).

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Deje un poco de espacio alrededor del sujeto para crear una imagen más agradable.

 

 

6. Establezca un punto focal central (énfasis o predominio)

Este es quizás el principio más importante. ¡Es ahí donde se dirige primero la mirada del espectador! Lo mejor es buscar siempre un énfasis preexistente en el tema que se está tratando y, cuando lo haya, exagerarlo y asegurarse de utilizarlo. Si no existe un punto focal dominante de forma natural, permite que un elemento sea el punto focal, ya sea manipulando el valor de la pieza, el color, el contraste, el nivel de detalle o la posición. Recuerda este consejo: ¡ten un punto focal y haz que sea interesante!

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◾ Aspecto que aporta definición a una composición ya sea para ilustración grupal o individual

Durante el año que llevo como usuario de CSP, he aprendido algunos PRECAUCIONES CLAVE o como yo los llamo PRINCIPIOS CLAVE, que me han resultado de gran ayuda para hacer que la ilustración de múltiples conjuntos de personajes o grupos de objetos sea más fácil e interesante de crear, y creo que el pequeño artículo tutorial puede ser de ayuda para principiantes jóvenes o para aquellos que son nuevos en el mundo a mejorar sus habilidades de agrupamiento.

Nota:

Los diversos conceptos que ilustraré en breve se aprenden principalmente leyendo y observando a otros grandes artistas, con la mayoría de los cuales me puedo identificar, con los que quizás te hayas topado o hayas oído hablar antes.

Kp 1: ¡Ángulo! punto de vista del público

El ángulo que elijas en tu composición de arte digital puede influir en gran medida en cómo tu audiencia percibe la pieza.

El ángulo desde el que el espectador ve el tema puede crear efectos psicológicos. Por ejemplo,

Mientras que un ÁNGULO ALTO puede hacerlos parecer vulnerables.

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Kp 2: Una composición se trata de variedad, simplemente “no hagas que dos cosas sean iguales”

La variedad es la sal de la vida, dicen que se trata de construir la Sinfonía de la Variedad. Y en el arte, es la sinfonía la que nos mantiene interesados. La regla de "no hacer dos cosas iguales" no es solo una regla, es un principio rector. Se trata de contraste, textura y movimiento.

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La variedad no consiste únicamente en evitar la repetición, sino en crear armonía a través del contraste. Se trata de encontrar el equilibrio perfecto entre lo familiar y lo inesperado, lo simple y lo complejo. Se trata de contar una historia de una manera que cautive e inspire.

Dicho esto, pasamos al siguiente principio.

Kp 3: La “regla de los tercios” puede ser clave para crear equilibrio en la pintura de paisajes

La regla de los tercios es una excelente manera de crear equilibrio en las pinturas de paisajes. Sugiere dividir el lienzo en nueve secciones iguales dibujando dos líneas horizontales y dos verticales. Colocar elementos clave del paisaje a lo largo de estas líneas o en sus intersecciones puede crear una composición visualmente más atractiva y equilibrada.

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Colocar un aspecto de la escena ligeramente sobre las líneas horizontales anteriores, alineadas con la regla de los tercios, cuenta una historia a los espectadores.

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Mientras tanto, por otro lado, si ese mismo aspecto de la escena se coloca ligeramente debajo de las segundas líneas horizontales, alineadas con la regla de los tercios, le cuenta a los espectadores una historia completamente diferente de la primera, y esta diversidad hace que la escena del paisaje sea visualmente mucho más interesante. 🔸 🔸 🔸

Próximo.

 

 

Kp 4: Asegúrate de que los espacios y las brechas entre los objetos sean todos diferentes.

¡Es una excelente manera de agregar interés visual y profundidad a su paisaje! Al asegurarse de que las formas, los espacios y los huecos entre los objetos sean todos diferentes, crea una sensación de energía dinámica y ritmo visual.

Tomemos como ejemplo:

La siguiente imagen con árboles, rocas y otros elementos de distintos tamaños para crear una sensación de escala y profundidad.

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Utilizar el espacio negativo (las áreas vacías alrededor de los objetos) para crear contraste y atraer la mirada del espectador.

Jugar con las formas de las nubes, las curvas del río y los bordes irregulares de las montañas para agregar interés visual.

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Al adoptar estas variaciones, crearás una pintura de paisaje que se sentirá viva y llena de vida.

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Kp 5: El uso de la Altura para derrotar a los diferentes personajes en una ilustración grupal

La altura es una herramienta poderosa en la ilustración. Al variar estratégicamente la altura de tus personajes, puedes crear un grupo dinámico y visualmente atractivo.

Ahora, la altura ayuda a que una ilustración artística construya lo siguiente:

 

Jerarquía:

Coloca al personaje más alto en el centro para establecerlo como el líder o la figura más importante.

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Cuando creamos un grupo de personajes es muy recomendable que utilicemos una mezcla de personajes altos y bajos para crear contraste visual y enfatizar sus diferencias.

Perspectiva:

Utiliza una perspectiva forzada para hacer que un personaje parezca más grande de lo que es real, lo que añade una sensación de poder o dominio.

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Narrativa:

La altura de un personaje puede revelar su personalidad. Una figura imponente puede ser fuerte y segura, mientras que un personaje más pequeño puede ser más tímido o vulnerable.

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Serie de anime: Ataque a los Titanes

Qué genial

Recuerde que la altura es más que una simple estatura física: es una herramienta para contar una historia visual y crear una sensación de profundidad y relación dentro de su ilustración.

 

 

Kp 6: Ponerse en negrita para enfocarse

El uso de negritas tiene como objetivo enfatizar de forma sutil. El objetivo es guiar la mirada del espectador sin que la composición parezca forzada o poco natural.

 

 

◾Adición del efecto de desenfoque

 

 

Agregar desenfoque a su arte digital puede ayudar a que el sujeto se destaque y cree una sensación de profundidad. Puede usar el desenfoque para crear un efecto de brillo suave o un efecto de neblina. Hay muchas formas diferentes de agregar desenfoque a su arte digital, incluido el uso de filtros en software como CLIP STUDIO PAINT o PHOTOSHOP, entre otros.

Ahora, para agregar el efecto azul a su ilustración en CLIP STUDIO PAINT [CSP],

 

Comience por importar la ilustración, use la [subherramienta de selección] para seleccionar el lugar donde no desea que se aplique el efecto azul, luego haga clic en el botón Invertir en la barra inferior debajo del área de selección,

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Luego, haz clic en [Filtro]>[Desenfocar]>[Desenfocar giro],

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Se mostrará un pequeño panel con algunas opciones de configuración. Para mi ilustración, ajusté las distintas configuraciones a lo siguiente:

 

• Fuerza al 2,00 %,

• Dirección a [ambas direcciones]

• Forma al 1,00 %,

• Inclinación al 0,00 % y luego hago clic en [Aceptar].

 

Pero siéntete libre de configurar estas distintas configuraciones para adaptarlas a cómo quieres que el efecto azul afecte tu ilustración.

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Y con esto, ahora podemos ver cómo el efecto azul atrae la atención de la mirada hacia el sujeto principal en foco, que es el personaje femenino en la ilustración de abajo.

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◾ Adición de efecto de desvanecimiento

Desvanecer los elementos alrededor del punto focal atrae la atención hacia él. Esta técnica es útil para resaltar detalles clave o crear una sensación de misterio.

Tomemos como ejemplo los personajes que aparecen a continuación. Usé el efecto de desvanecimiento para mostrar que los dos primeros personajes que están al frente están en primer plano, mientras que los dos que están atrás están en el fondo.

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La forma en que difuminas los elementos puede influir en el estado de ánimo y la emoción general de la pieza. Un desvanecimiento suave y gradual puede evocar una sensación de paz, mientras que un desvanecimiento más abrupto puede crear tensión o dramatismo.

Prueba a experimentar con diferentes técnicas de desvanecimiento y observa cómo afectan el impacto general de tu arte digital.

◾Tamaño:

El objeto más grande suele ser el que más llama la atención. Poner en negrita o hacer que un objeto en particular sea el centro de atención podría significar hacer que el objeto focal sea un poco más grande que los demás.

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◾ Añadir grosor a las líneas de enfoque de los bordes de los objetos

El enfoque también se puede dirigir al objeto en el que queremos que se centren nuestros espectadores, haciendo que la línea exterior del dibujo sea más gruesa que las demás.

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◾Líneas principales:

Otros objetos o elementos de la imagen pueden "apuntar" sutilmente hacia el objeto focal.

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Ahora, el último factor, pero el menos importante, que es el más importante y que rige todo lo que he explicado anteriormente, se conoce como PRÁCTICA.

 

 

Kp 6: Práctica... práctica... práctica

Una vez leí un libro que decía que para mejorar en algunas cosas hay que repetirlas una y otra vez hasta que se conviertan en un hábito y ya no será necesario volver a estresarse por ello.

 

 

DESCONECTAR

Gracias a todos por leer este artículo tutorial y por sus comentarios, y muchas gracias a quienes han seguido mi progreso a lo largo de los años 😁 🤙, estoy muy feliz por eso y siempre me ayuda saber de ustedes. Por ahora espero que este artículo los ayude a mejorar su estilo artístico, me despido de todos por ahora, los veo en el próximo.