Introduction

Il est courant de voir des versions de nos personnages préférés de dessins animés ou de personnages super déformés, où les proportions sont exagérées pour leur donner cet aspect adorable. C'est presque comme si vous dessiniez un animal en peluche!

On retrouve également dans ce style, bien que moins fréquemment, des véhicules, des robots et d’autres objets non organiques. Peu importe, nous pouvons donner ce caractère facile et amusant à tout!

Oui, c’est un style amusant à travailler. À certains égards, il est plus rapide et plus facile à réaliser qu’une illustration réaliste, mais il nécessite également un peu de pratique et de connaissances. Dans ce tutoriel, vous apprendrez tout ce que vous devez savoir pour créer une illustration Cartoon / Super Deformed. quels fonctions et outils de CLIP STUDIO PAINT vous aideront dans cette tâche.

Dans ce cas, nous prendrons comme base un véhicule militaire, quelque chose qui en principe est froid et dur, et nous en ferons un très mignon!

 

Tout d’abord quelques conseils:

 

Documentation

Bien que vous puissiez créer un motif principal, je recommande toujours, pour les débutants comme pour les plus âgés, d’utiliser la documentation pour vous inspirer. Vous pouvez choisir un type de véhicule (char, hélicoptère, avion, bateau, etc.) et rechercher quelques images avec des motifs qui attireront votre attention. N'oubliez pas que, même si votre conception ne doit pas nécessairement fonctionner de la même manière, disposer d'une documentation vous aidera à ajouter des détails à vos conceptions et à les rendre plus intéressantes et crédibles. Vous pouvez même concevoir un nouveau véhicule qui mélange deux types de véhicules. Qui a dit que les chars ne peuvent pas voler?

 

NOMMEZ VOS COUCHES

Il est très pratique de séparer les éléments d'une illustration en calques pour pouvoir les éditer de manière indépendante, mais s'il y en a beaucoup, il peut être coûteux de les identifier rapidement. Il est important de nommer vos calques pour sélectionner rapidement le calque dont vous avez besoin, vous gagnerez du temps et l'expérience sera beaucoup plus agréable.

 

Étape 1 - PERSPECTIVE

N'oubliez pas que dans le style de dessin animé, vos créations n'ont pas besoin d'être réalistes, mais crédibles. L'application d'une perspective de base aidera vos conceptions à bénéficier de la crédibilité qui leur permettra de se démarquer.

Il n’est pas nécessaire d’avoir beaucoup de détails, c’est simplement d’avoir une référence de volume, quelques simples blocs peuvent suffire.

Étape 2 - INTERPRÉTER LES FORMULAIRES DE BASE

Maintenant que nous voyons la feuille de papier comme un espace tridimensionnel au lieu d’un avion, il est temps de faire de la magie. Regardez le véhicule que vous voulez dessiner ou pensez à celui que vous pouvez imaginer. Le truc ici est de savoir quelles sont les formes de base qui composent le véhicule (principalement des sphères, des cylindres, des cubes ...).

Le corps du réservoir est comme une boîte, le canon est un cylindre allongé, certains avions ont le nez comme une demi-sphère, etc.

Un véhicule peut sembler être un objet très compliqué, plein de détails, mais le réduire à des formes de base vous aidera à mieux le comprendre. C'est important dans un style réaliste, et encore plus dans un style de bande dessinée.

Dans une couche séparée, vous pouvez étudier les véhicules dans votre documentation, en dessinant certaines de ces formes volumineuses de base, afin de réchauffer les moteurs!

 

Étape 3 - Croquis

La partie amusante! Une fois que vous savez comment visualiser les formes de base, il est temps de jouer avec elles. Vous pouvez utiliser la base de perspective et commencer à fabriquer le véhicule.

Dans cette étape, l'outil Crayon réel donne à vos traits une sensation naturelle. Dessinez en douceur et sans effort, vous n’avez pas besoin de beaucoup de précision pour l’instant.

 

C'est comme faire un dessin animé d'une personne. Lorsque vous réalisez un dessin animé, vous exagérez de façon comique les caractéristiques du modèle à mesure qu’il attire votre attention: grandes oreilles, nez exagérément petit, yeux bombés, grosse tête, etc. Vous pouvez créer différentes versions du même véhicule pour voir ce que vous préférez.

 

Pensez à ces formes de base comme quelque chose de doux et d'élastique, dessinez principalement à l'aide de lignes courbes, les lignes droites transmettent rigidité et dureté, utilisez-les uniquement lorsque cela est nécessaire.

Gardez à l'esprit la base de perspective pour capturer les formes avec un volume tridimensionnel, mais vous ne devez pas vous y ajuster fidèlement, ce n'est qu'un guide, l'essentiel est d'avoir un croquis lâche et détendu.

 

Même s'il ne s'agit que de l'esquisse, utilisez une ligne plus épaisse dans les formes du premier plan pour les séparer visuellement des autres qui sont plus à l'arrière-plan. Ainsi, votre conception sera mieux comprise et plus approfondie, nous ferons de même pour l'encrage. .

 

Paso 4 - ENTIER

Vous avez déjà la conception de votre véhicule de dessin animé, il est temps de l'encorer et de définir ces formes bien avant la coloration.

 

Pour commencer, nous allons réduire l'opacité de l'esquisse, il est également conseillé de bloquer le calque afin de ne pas dessiner dessus par erreur.

Vous pouvez masquer le calque avec la base de perspective pour le voir plus clairement.

Nous allons créer un calque vectoriel et utiliser un stylo G pour encrer. Cela nous permettra de modifier le chemin et l’épaisseur de la ligne.

 

Une technique courante dans ce style consiste à épaissir les lignes de contour des formes principales et les lignes internes. De cette façon, vous pouvez séparer les formes les plus importantes et améliorer le design.

 

CTRL + Z est votre ami! Les meilleures lignes sont celles qui sont réalisées avec facilité et sécurité. Si vous allez lentement, elles peuvent être tremblantes, vous pouvez utiliser CTRL + Z pour défaire la ligne et réessayer, mais ne le faites pas trop sinon vous finirez par vous fatiguer! Rappelez-vous que l'esquisse est aussi simplement un guide, les lignes d'encrage ne doivent pas tomber juste au-dessus de celles de l'esquisse, l'encrage n'est pas un tracé! Réinterprétez votre croquis et donnez-lui une finition nette, en veillant à ce que les lignes soient bien fermées pour faciliter la coloration ultérieure.

 

Vous pouvez utiliser des outils spécifiques pour retoucher les vecteurs, tels que Corriger la largeur de ligne, pour augmenter ou réduire l'épaisseur de la ligne sans avoir à les redessiner.

 

Étape 5 - PRÉPARATION DES COUCHES À LA COULEUR

Pour faciliter la tâche de coloration, je vous recommande de créer une silhouette du véhicule et d'utiliser la fonction Ajuster au calque dans les calques de couleur que nous y avons ajoutés.

 

Un moyen simple d’obtenir cette silhouette est de sélectionner la zone transparente autour de la ligne d’encrage:

 

1. Utilisez la sélection automatique avec les paramètres par défaut et cliquez sur la zone transparente.

2. Inversez la sélection dans le menu Sélection ou avec le raccourci clavier (ctrl + shift + i).

3. Dans un nouveau calque, remplissez la zone sélectionnée avec le pot de peinture. Pour la couleur, je recommande un gris moyen.

 

Placez le calque de silhouette (si ce n'est déjà fait) sous le calque Ligne.

Maintenant, sélectionnez le calque Ligne et activez la fonction Couche de référence

 

Vous pouvez créer un nouveau calque rastérisé et l'appeler Base de couleur. Ce calque doit se situer entre le calque encrage et le calque Silhouette, et l'option Ajuster au calque inférieur, disponible dans le panneau Calques. Vous pouvez donc peindre sans vous soucier de sortir du dessin.

 

Étape 6 - COULEUR DE BASE

Il est temps de donner de la couleur, un moyen rapide de donner la couleur de base consiste à utiliser le pot de peinture.

 

Comme nous avons défini la couche encrage en tant que couche de référence, vous pouvez utiliser la fonction Référence multiple> Couche de référence figurant dans les options Pot de peinture.

Cela vous permettra de remplir des zones de la ligne de dessin, mais dans un calque séparé, en gardant le calque de ligne intact, n'est-ce pas génial?

Et bien ce n'est pas tout! Le calque encreur étant un calque vectoriel, vous pouvez également activer la fonction Remplissage jusqu'à ce que le vecteur soit tracé dans les options de l'outil afin que la zone de couleur soit parfaitement remplie, sans bordures blanches!

Remarque: pour éviter ces bordures blanches sur les couches de lignes rasterisées, vous pouvez utiliser l'option Mise à l'échelle de la zone lors du remplissage. Mais puisque vous travaillez avec CLIP STUDIO PAINT, profitez de la puissance de la couche vectorielle lorsque vous travaillez en ligne, cela présente de nombreux avantages!

 

Étape 7 - SHADOW COAT

La première chose à faire est de décider de l’origine de la lumière, dans l’exemple celle-ci vient du coin supérieur gauche.

Ceci est important pour décider où placer les ombres et la luminosité.

 

Vous pouvez créer un nouveau calque d'ombre en créant un nouveau calque et en le plaçant en mode de multiplication.

 

Pour le moment, vous pouvez définir une opacité de 60%. Vous pouvez ensuite l’ajuster pour obtenir des ombres plus douces ou plus intenses.

Comme nous l’avons déjà fait, il est pratique d’utiliser la fonction Ajuster au niveau inférieur pour peindre l’ombre sans s’inquiéter de sortir du dessin.

 

Pour simplifier le processus, j'ai utilisé la même couleur pour toutes les ombres.

Vous pouvez varier la couleur, mais assurez-vous qu’elle est froide et pas trop saturée.

 

Vous pouvez appliquer la couleur de différentes manières. Pour commencer, j'aime utiliser l'outil Remplissage avec une boucle, car pour l'instant, je ne cherche pas à créer des ombres adoucies, mais à appliquer un ombrage avec des arêtes définies, comme celui utilisé dans l'animation.

 

Considérer les formes comme des objets tridimensionnels au lieu de zones plates vous aidera non seulement à dessiner, mais aussi à donner des ombres et des ombres; la forme de l'objet et la direction de la lumière sont ce dont vous avez besoin. Savoir où mettre l'ombre.

 

Une fois que cela est fait, vous pouvez adoucir les bords des ombres où vous avez des formes arrondies, à l'aide de l'outil Flou. Dans certains cas, vous voudrez peut-être laisser le bord de l'ombre sans flou (ou très légèrement) pour indiquer une surface non arrondie ou une ombre projetée.

Dans l'exemple, vous pouvez voir que j'ai brouillé la partie avant de l'aile, ce qui la rend plus arrondie, mais l'ombre portée par l'aile sur le reste du réservoir est plutôt nette.

 

Lorsque le profil d'ombre est trop complexe, vous pouvez effectuer une sélection avec le lasso et appliquer l'ombre avec l'aérographe, doux pour les ombres dégradées ou dur pour les ombres plus définies, comme expliqué ci-dessus.

 

Étape 8 - COUCHE DE FEUX

Cela ressemble beaucoup à la préparation de la couche d'ombre, mais au lieu de Multiplier, nous utilisons le mode de fusion Tracé. L'opacité initiale devrait être légèrement inférieure, supérieure ou inférieure à 50%. Comme pour les ombres, activez l'option Ajuster au calque inférieur.

 

Pour allumer les lumières, au lieu de l'outil Remplir la boucle, vous pouvez sélectionner la zone à l'aide de la boucle ou de la sélection automatique. N'oubliez pas que le calque Ligne a été défini comme calque de référence. Dans l'outil Sélection automatique, vous pouvez également activer l'option Référence multiple, comme nous l'avons fait avec Paint Bucket, pour pouvoir sélectionner des zones sans avoir à changer le calque).

 

Oeil! S'il y a une ombre dans la zone, nous devons la soustraire de la sélection. C'est très simple, il suffit de cliquer sur la vignette du calque Ombre tout en maintenant Ctrl + Alt.

 

Maintenant, il ne reste plus qu'à appliquer la lumière, dans ce cas avec un aérographe doux.

Un autre exemple d'ombrage:

1. Sélectionnez la zone.

 

2. On soustrait l'ombre de la sélection.

3. Nous appliquons un éclairage à l'aérographe.

Étape 9 - OCCLUSION OMBRES

Les ombres d'occlusion se trouvent dans les zones où il est difficile d'atteindre la lumière.

Techniquement, cela revient à créer un nouveau calque d’ombre, comme à l’étape 7, mais en ombrant uniquement les creux et les coins du modèle.

Ils aident à donner plus de profondeur et de volume aux formes. Les ombres d'occlusion fonctionnent mieux lorsqu'elles sont subtiles, mais elles ont un effet notable.

Les ombres d’occlusion sont essentielles pour une finition réaliste, mais même si nous travaillons dans un style de dessin animé, cela donnera à vos dessins un niveau de crédibilité supplémentaire qui leur permettra de se distinguer.

 

Dans l'exemple suivant, nous voyons comment l'ombre d'occlusion sous l'aile nous donne plus de profondeur. Nous améliorons également l'apparence du canon de premier plan.

 

Nous voyons ici un autre exemple montrant comment séparer des formes en ajoutant une petite ombre d’occlusion.

Étape 10 - LUMIÈRE LUMINEUSE ET SECONDAIRE

Créez un nouveau calque au-dessus de l'occlusion. Cette fois, nous allons utiliser le mode de fusion Ajouter (luminosité) et utiliser ce calque pour deux choses:

 - D'un côté nous ajouterons les paillettes:

La luminosité, logiquement, se trouve là où la lumière se reflète davantage sur le matériau. Comme pour les ombres, réfléchissez à la forme en trois dimensions de la zone où vous allez appliquer le lustre. La luminosité est concentrée dans les zones incurvées. Plus la courbe est arrondie, plus la luminosité est concentrée. Les bords, par exemple, sont des endroits où la luminosité est très concentrée. Utilisez la pipette pour prendre un échantillon de la couleur sur laquelle vous allez appliquer la brillance. Lorsque vous peignez dans le calque raster, vous verrez à quel point la couleur obtenue est beaucoup plus claire. Vous devrez peut-être réduire l'opacité du calque si la luminosité est très intense, selon vos préférences.

 

 - D'autre part, la lumière secondaire.

La lumière secondaire est celle qui reflète l'environnement. Dans cette scène, une lumière ambiante bleuâtre, comme le ciel, suffira. S'il y avait des objets d'une autre couleur à proximité, la lumière secondaire du modèle pourrait être teintée par la couleur de cet autre objet.

 

Pour peindre la luminosité ou la lumière secondaire, utilisez un aérographe et essayez de faire varier la dureté. Les paillettes ont généralement des bords durs et sont plus petites. Pour la lumière secondaire, il est préférable d’adoucir les bords et de couvrir une plus grande surface, sauf s’il s’agit d’un matériau poli, tel que le métal chromé. Dans ce cas, la lumière secondaire sera plus intense et plus avec des bords plus durs.

 

Nous voyons ici un exemple clair de l'endroit où et comment appliquer l'éblouissement et la lumière réfléchis par un objet sphérique et très réfléchissant.

 

Bien que le modèle soit un char volant et que nous ne voyions pas le terrain, la lumière se reflète sur le sol même et éclaire légèrement la partie inférieure.

 

Le métal étant très réfléchissant, même le cône de la turbine réfléchit la lumière, éclairant légèrement l’intérieur de la bague avant. Notez également comment l'aile réfléchit la lumière au fond de la turbine.

Voici un exemple de la manière dont les bords concentrent la lumière, en particulier si le matériau est métallique ou chromé.

 

Étape 11 - COUCHES D'AJUSTEMENT

 

Vous avez déjà vos couches de couleur, ombre, occlusion et luminosité. Vous pouvez éditer et ajuster chaque couche séparément pour augmenter le contraste, la saturation, etc. Mais il existe un moyen beaucoup plus simple de procéder à des ajustements généraux et de maintenir l’intégrité des couches.

 

Ouvrez le menu dans le coin supérieur gauche du panneau Calques ou cliquez dessus avec le bouton droit de la souris. Dans Nouveau calque de correction, vous trouverez les deux calques de réglage que nous allons utiliser à cette étape:

 

Teinte / Saturation / Luminosité et correction de niveau.

Le nom Teinte / Saturation / Luminosité parle de lui-même, dans ce cas je l'ai utilisé pour ajuster légèrement la saturation des couleurs.

 

La correction de niveau vous permet de régler l'éclairage. Vous verrez une ligne avec trois contrôleurs triangulaires sous le graphique dans la section Entrée: le triangle noir à gauche ajuste les ombres, le gris au centre les demi-teintes et le blanc à droite les lumières. Il n'y a pas de règles spécifiques pour ajuster les niveaux, cela dépend de l'illustration et de ce que vous voulez faire. Vous souhaiterez peut-être obtenir un contraste plus élevé. Vous devrez donc réduire la distance entre les gestionnaires, ou simplement assombrir ou éclaircir les demi-teintes. Jouez avec les gestionnaires et voyez comment cela affecte le résultat final. L'avantage des calques de réglage est que vous pouvez effectuer tous les tests souhaités sans modifier le reste des calques.

 

Des ajustements subtils peuvent suffire à rendre la conception plus colorée.

Étape 12 - PRÉSENTATION ET AJUSTEMENTS FINAUX

Au lieu de présenter le dessin sur un fond plat, passer quelques minutes de plus pour créer un cadre, un arrière-plan ou un autre élément de design peut vous permettre d’obtenir une meilleure présentation et de le mettre en valeur.

Cela peut suffire avec quelques touches de couleur expressives après avoir dessiné avec un pinceau aquarelle. Dans ce cas, j'ai créé un arrière-plan découpé, laissant le modèle se démarquer.

 

Pour lui donner un aspect de papier déchiré, j'ai utilisé un pinceau personnalisé et effacé les bords.

Avec la boucle de remplissage, j'ai créé des nuages simples, leur donnant du volume avec une ombre en mode multiplication, comme nous l'avons fait avec le dessin.

 

En utilisant la fonction Ajuster à la couche inférieure, nous avons intégré les nuages avec le fond de ciel bleu.

Finalement, j'ai fait un léger dégradé dans le fond lui donnant une couleur légèrement plus sombre que le ciel.

En règle générale, une couleur d'arrière-plan doit être moins saturée et moins brillante que le dessin pour être visible.

 

Il est également judicieux d’utiliser la couleur complémentaire de la couleur principale du dessin. (Comme dans ce cas sont jaune et bleu).

 

N'oubliez pas que dans CLIP STUDIO ASSETS, les membres de la communauté mettent à la disposition des autres utilisateurs des arrière-plans et des textures que vous pouvez utiliser pour les ajouter à votre conception ou pour vous inspirer.

Remerciements et liens

 

Merci d'avoir suivi ce tutoriel! J'espère que vous avez appris quelque chose de nouveau et passé un bon moment. Maintenant que vous avez terminé votre dessin, je vous encourage à le partager avec la communauté de CLIP STUDIO SHARE. Enseigne au monde ce dont tu es capable!

 

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