Bonjour à tous ! Dans ce tutoriel, je vais vous guider à travers mon processus de dessin et de peinture d'oiseaux dans Clip Studio Paint. Les animaux constituent un excellent sujet en illustration, surtout en combinaison avec une ambiance et un environnement particuliers, et les oiseaux sont parmi mes préférés. Nos objectifs d'apprentissage d'aujourd'hui couvriront non seulement l'anatomie générale de certains oiseaux appartenant au règne animal, mais aussi l'économie de détail dans la peinture numérique et les éléments de la théorie des couleurs. Avec la vaste bibliothèque d'actifs de Clip Studio à notre disposition, le rendu de nos amis à plumes dans un style pictural et/ou semi-réaliste peut être réalisé plus facilement. J'ai compilé un certain nombre d'images et de clips vidéo pour démontrer mon processus. Commençons !

Préparation

Les détails complexes de la nature peuvent être intimidants au début, mais avec un peu de préparation, nous pouvons développer une meilleure vision de ce que nous espérons réaliser pour une œuvre finale. C'est là que la collecte d'une pléthore de références photographiques et de matériaux bruts (par exemple, des plumes tombées) s'avère utile ; si possible, voyagez là où vos sujets peuvent être observés, prenez vos propres photos, faites quelques croquis sommaires. Je prends généralement le temps de faire quelques études détaillées à partir de références photographiques d'un sujet animal pour mieux comprendre son anatomie avant de passer à une œuvre originale, surtout s'il s'agit d'un animal que je n'ai jamais tenté de dessiner auparavant.

 

Maintenant que je suis prêt à préparer ma toile, je vais dans le menu [Fichier] > [Nouveau]. Je travaille en résolution 600ppp pour mes illustrations, j'aime travailler en zoom avant pour les détails plus fins et avec la meilleure qualité d'image possible au cas où je déciderais de faire des tirages de mon travail plus tard. Cependant, 300ppp suffiront pour la plupart des tirages et la publication en ligne, je réduirai donc ma résolution à l'étape de l'exportation. La taille de mon papier est généralement définie sur A4 (ou plus grand) pour un travail d'illustration complet, mais aux fins de ce tutoriel, la taille de ma toile sera différente. Je clique sur "OK" une fois que j'ai ajusté ces paramètres de toile.

 

1. Penser comme un artiste conceptuel

Comme une grande partie du règne animal, les oiseaux se présentent sous une immense variété ; il n'est pas surprenant que votre choix de sujet puisse être accablant. C'est là que je dis « pensez comme un artiste conceptuel » : considérez le thème ou l'ambiance et tous les éléments environnants que vous prévoyez d'incorporer dans votre œuvre. Sur la base de ces informations, vous devriez être en mesure de prendre une décision plus éclairée sur le sujet animal qui correspond le mieux à votre concept. Les oiseaux de proie comme les aigles, les faucons et les crécerelles font par exemple de parfaits compagnons pour un personnage de nomade du désert, et les corbeaux sont souvent un symbole de mauvais augure et peuvent donc être utilisés dans des décors effrayants. Je peindrai ces deux concepts pour ce tutoriel.

2. Forme de base

Je commence avec le [Crayon design] dans le panneau [Crayon] de l'outil secondaire, réglé entre 5 et 10px pour la taille du pinceau. Pour cette étape, je travaille également avec une couleur profonde et saturée, comme un bleu outremer de la [Roue chromatique].

Je trouve qu'un moyen efficace de commencer un dessin est d'identifier les formes de base de mon sujet. Je visualise le sujet comme une série de formes géométriques sans aucun détail. Dans un nouveau calque raster que j'ai nommé « construction », j'esquisse grossièrement le geste, les angles et les proportions générales. Ici, je prends également en compte la composition de l'œuvre. Ces lignes de construction deviendront la structure de base de l'oiseau.

3. Croquis

Je réduis maintenant l'opacité de mon calque de construction à 40 % ou moins et le verrouille pour ne pas dessiner dessus par accident. Je crée un nouveau calque raster au-dessus et le renomme « Croquis ». Je préfère faire mes croquis dans une couleur sépia ou brun rougeâtre foncé plutôt que noir de jais. Vous pouvez également commencer à comprendre pourquoi j'ai choisi une couleur bleue pour les lignes de construction, de cette façon il est plus facile de distinguer mes lignes de croquis des lignes de construction.

Dans mon calque de croquis, je commence à établir la position des yeux, du bec, des plumes et des serres avec le même [Crayon design]. J'adoucis également les angles vifs avec des lignes plus courbes autour de la tête. Je porte une attention plus particulière à l'anatomie et aux proportions de l'oiseau.

 

En règle générale, l'anatomie d'un oiseau se compose de :

• Un centre de masse focalisé sur la poitrine, c'est pourquoi la poitrine est dessinée en saillie vers l'extérieur

• Des chevilles qui ressemblent à des genoux inversés, leurs genoux réels sont cachés sous des couches de plumes.

• Une forme de tête circulaire ou elliptique omniprésente chez tous les oiseaux

 

À ce stade, je peux supprimer mon calque de construction. Je développe mon croquis davantage avec des lignes plus nettes et plus sûres. J'indique les couches de plumes avec quelques simples traits de crayon qui suivent la direction de la croissance des plumes, les plumes prenant une forme courbée à la pointe. Vous pouvez commencer à voir comment la forme et les contours de l'oiseau deviennent plus définis en utilisant seulement de simples marques de crayon plutôt que de dessiner chaque plume de manière complexe.

4. Couleur unie

Je réduis l'opacité de mon croquis à environ 40 % et verrouille le calque. Je crée un nouveau calque sous mon croquis pour l'étape de la coloration. Pour cette étape, je vais créer une sélection à l'aide de la fonction « Masque rapide ».

 

Je vais dans le menu [Sélection] > [Masque rapide].

 

Un nouveau calque sera créé au-dessus, appelé « Masque rapide ». Tout ce qui est peint dans ce calque apparaîtra en rouge, indiquant la zone que j'ai sélectionnée. À l'aide d'un pinceau opaque à bords durs comme le [Peinture à l'huile], je peins sur les zones que je souhaite remplir plus tard avec une couleur unie.

Une fois que j'ai peint les zones à sélectionner, je retourne dans le menu [Sélection] > [Masque rapide] pour désactiver la fonction.

Une sélection sera créée pour moi en fonction des zones que je viens de brosser, et le calque « Masque rapide » disparaît. Je sélectionne ma couleur de base, ce sera généralement la teinte moyenne de l'animal que je peins, et je clique sur l'icône [Remplir] qui apparaît sous ma sélection.

Je fais cela pour chaque élément de ma toile. À ce stade, je devrais avoir une silhouette propre et lisible de mes sujets ; en d'autres termes, lorsque je masque mes calques de croquis, la silhouette devrait toujours être instantanément reconnaissable comme celle d'un oiseau. C'est aussi pourquoi je réduis l'opacité de mon croquis avant de bloquer les couleurs, car les lignes peuvent parfois déformer ma perception d'une silhouette lisible.

 

Astuce : Bien que je préfère travailler avec le moins de calques possible, je sépare souvent les éléments plus grands de mon travail en leurs propres calques et/ou dossiers. J'ai regroupé mes calques de croquis dans un dossier, et les calques de peinture (contenant ma couleur unie) appartenant à l'oiseau/personnage/branches d'arbre dans un autre, par exemple. Cela garde mon espace de travail propre et bien rangé et facilement identifiable lorsque j'ai besoin de trouver un certain calque.

 

5. Lumière et ombre

La première chose à faire avant de tenter d'ombrer est de déterminer où se trouve la source de lumière. Si l'éclairage et les ombres de votre œuvre ne sont pas uniformes, cela peut donner l'impression que les différents éléments de votre toile ont été collés brutalement ensemble plutôt que de travailler à l'unisson. Par conséquent, il est très important de garder à l'esprit l'emplacement de votre source de lumière tout au long du reste du processus de peinture.

 

Sur mon calque de couleur unie, je clique sur [Verrouiller les pixels transparents] dans les [Paramètres de calque]. Une icône de cadenas blanc apparaît sur le côté droit de mon calque, indiquant que le verrouillage de la transparence est actif. Cela protégera l'alpha afin que je ne peigne pas en dehors des limites de ma couleur unie.

Avec la teinte moyenne que j'ai utilisée pour ma couleur unie sélectionnée comme couleur de dessin actuelle, sur la [Roue chromatique], je vais maintenant légèrement modifier ma teinte et choisir une nuance plus foncée pour mes ombres. Généralement, j'aime utiliser des tons plus chauds pour les ombres si ma source de lumière est un ton plus froid ; de même, j'utilise un ton plus froid pour les ombres lorsque ma source de lumière est chaude.

Astuce : Évitez de peindre vos ombres sans décalage de teinte. L'utilisation d'une couleur qui est simplement une nuance plus foncée que votre couleur de base donnera un résultat plat et terne, mais lorsque vous déplacez également votre teinte et votre saturation sur la [Roue chromatique] vers la gauche ou la droite, vous obtenez un aspect plus réaliste.

 

Je sélectionne l'aérographe [Doux] dans le panneau [Aérographe] de l'outil secondaire.

En tenant compte de la position de ma source de lumière, je commence à peindre à l'aérographe les zones qui devraient être dans l'ombre.

Je fais de même pour les zones éclairées par la source de lumière, cette fois avec une couleur vive qui correspond à la température de couleur que j'ai choisie pour la source de lumière. Dans mon exemple ci-dessous, la figure de gauche est éclairée par une source de lumière chaude tandis que celle de droite est éclairée par une source de lumière froide. J'appuie plus fort sur mon stylet pour obtenir une application d'aérographe plus dense lorsque je peins des zones plus proches de la source de lumière.

6. Rendu détaillé

Afin de donner une meilleure forme à l'œuvre, je dois développer davantage les valeurs et la texture. Je commence avec l'un de mes pinceaux personnalisés préférés de la bibliothèque d'actifs de Clip Studio :

Ce pinceau imite de manière réaliste la peinture à l'huile et, avec sa forme oblongue, il est excellent pour créer l'aspect doux et délicat des plumes en plus d'une variété d'autres textures. Par défaut, ce pinceau dépose une couche épaisse et opaque de peinture, mais pour créer l'illusion des plumes, je veux pouvoir superposer la peinture avec des couches plus subtiles, je procède donc aux modifications suivantes des propriétés du pinceau. Sous [Propriétés de l'outil], je clique sur l'icône [Détail de l'outil secondaire]. Dans le détail [Encre], je réduis la [Quantité de peinture] à 36 et la [Densité de peinture] à 17. Dans le détail [Bord de l'aquarelle], je réduis la valeur jusqu'à 1.

Je peux maintenant commencer à peindre le long des contours que j'ai marqués pendant la phase d'esquisse, je fais également un certain nombre de coups de pinceau longs mais rapides dans la direction de la croissance des plumes. J'utilise une couleur plus foncée pour la première application de peinture, puis je superpose une couleur plus claire pour créer une illusion de profondeur.

Ici, je considère l'environnement ; puisque j'imagine ce faucon sous un ciel bleu en plein jour, je vais brosser une teinte bleu clair sur les tons moyens. C'est ce qu'on appelle la « lumière ambiante »."

Lorsque vous regardez une forme illuminée, ce sont en réalité les ombres qui communiquent une forme tridimensionnelle. Il est donc important de différencier les bords d'ombre durs et doux. Dans les captures d'écran ci-dessous, je montre comment j'établis un bord d'ombre dur autour des serres du faucon.

Pour peindre les motifs sur l'aile du faucon, j'ai utilisé une combinaison de coups de pinceau plus larges et plus courts qui s'adaptent à la forme de l'aile. Je porte une attention particulière aux valeurs précédemment aérographe afin de pouvoir décider quand ma couleur doit être plus foncée ou plus claire avant de la brosser avec la peinture à l'huile. Mon objectif n'est pas de recréer ces motifs dans un style photoréaliste, mais plutôt une imitation lâche du design naturel en utilisant une technique picturale. Remarquez comment j'ai également créé une sélection en utilisant à nouveau la fonction [Masque rapide], cette fois j'ai inversé la sélection pour bloquer la zone à l'extérieur de l'aile de l'oiseau afin de ne pas peindre par inadvertance sur le cou, le torse et les pattes.

 

Peindre les yeux est une de mes parties préférées. Pour cette étape, je passe à un pinceau avec une application de peinture plus dense et un mélange de couleurs plus doux, comme le pinceau [Aquarelle dense] et [Aquarelle opaque]. Je recrée l'effet d'une surface brillante et très réfléchissante en peignant un contraste net entre l'ombre et la lumière avec des bords durs, ainsi qu'en ajoutant des touches de bleu de l'environnement.

J'utilise les mêmes pinceaux aquarelle pour peindre une surface plus mate pour le bec.

Pour les serres du faucon, je dois changer la couleur en une teinte jaunâtre sans perdre les valeurs que j'ai déjà établies, je fais une sélection en utilisant [Masque rapide]. Je vais ensuite dans le menu [Édition] > [Correction tonale] > [Balance des couleurs]. Je déplace les curseurs dans [Demi-ton]/[Ombre]/[Lumière] jusqu'à ce que je trouve une combinaison de couleurs qui convient.

Je profite ensuite de l'occasion pour peindre les griffes individuelles des serres.

Je répète les mêmes techniques pour les corbeaux. Les plumes noires profondes d'un corbeau ne signifient pas nécessairement que je ne dois travailler qu'avec une série de gris ternes. En fait, j'introduis un certain nombre de tons terreux, de violets et de bleu/vert sur la toile, en accord avec mon environnement imaginé. Une touche de couleur sur des gris froids et du noir donne plus d'impact visuel à l'œuvre.

 

7. Modification des lignes

Certains artistes rejettent leur croquis à ce stade, mais j'aime incorporer des parties de mon croquis dans l'œuvre car je pense que cela ajoute plus de caractère à la pièce. Je ramène l'opacité des calques de croquis à 100 % et m'assure qu'ils ont tous la fonction [Verrouiller les pixels transparents] activée. J'utilise ensuite l'outil [Pipette] pour choisir les couleurs directement adjacentes à mes lignes. À l'aide du pinceau [Aquarelle opaque], je peins maintenant sur les lignes pour les fondre dans ma peinture.

8. Éclairage avec les modes de fusion

Je vais maintenant tenter d'ajouter plus de profondeur à mon éclairage avec les modes de fusion. Pour cette étape, vous devez soit fusionner tous vos calques visibles actuels en un seul calque, soit les regrouper dans un seul dossier, ce qui est ma méthode préférée. Comme illustré à l'étape 4 de ce tutoriel, mes calques sont déjà organisés sous un dossier parent (dans mon cas « Figure 1 » pour l'illustration du faucon et « Figure 2 » pour les corbeaux). Je crée un nouveau calque raster au-dessus de mon dossier et l'appelle « Lumière » avant de le clipser au dossier inférieur à l'aide de la fonction [Écrêter sur le calque inférieur], cette étape est nécessaire car je ne veux pas que l'effet du mode de fusion ne déborde sur mon arrière-plan. À ce stade, je peux changer le mode de fusion du calque de [Normal] à [Densité couleur].

 

Je sélectionne l'aérographe [Doux] et choisis une couleur de la [Roue chromatique] qui correspond à la famille de couleurs de la source de lumière (orange/jaune chaud pour le faucon, bleu froid pour les corbeaux) avec une saturation moyenne et une faible luminosité. Je commence à appliquer l'aérographe sur les zones directement touchées par la source de lumière ainsi que sur les zones éclairées. Étant donné que [Densité couleur] produit un effet intense, je m'assure d'aérographe très légèrement et j'utilise l'outil [Mélange] et [Flou] pour estomper la concentration.

 

Je veux donner à ces corbeaux un aspect un peu fantaisiste, je vais donc utiliser un mode de fusion différent pour leurs yeux. Je crée un nouveau calque raster au-dessus de ma peinture et le clipse comme précédemment, mais cette fois je sélectionne [Ajouter un halo] comme mode de fusion.

 

J'aérographe les yeux et j'ajoute un léger coup sur le côté de l'œil pour recréer un effet de flamboiement. L'ambiance effrayante de cette pièce a déjà été considérablement améliorée !

9. Ajustement des tons avec les calques de correction

Ma dernière étape consiste à ajuster les tons de ma peinture de manière non destructive, c'est là que les « Calques de correction » sont utiles. Parfois, le contraste et la saturation de ma pièce peuvent être légèrement inférieurs à ce que j'avais initialement perçu, surtout lors de l'impression. Avec les « Calques de correction », je peux revenir et affiner les tons à ma guise à tout moment.

 

Avec le calque le plus élevé de mon projet sélectionné, je vais dans le menu [Calque] > [Nouveau calque de correction] > [Courbe de tonalité].

 

Je joue avec les courbes jusqu'à trouver une combinaison où mes ombres apparaissent plus profondes et mes couleurs plus vibrantes. Je ne déplace pas trop les nœuds que j'ai créés par rapport à la ligne centrale, car cela pourrait créer un résultat étrange. Je clique sur "Ok" pour appliquer mes modifications. L'avantage des « Calques de correction » est que mes modifications ne sont pas permanentes et je peux double-cliquer sur le calque pour ouvrir le dialogue [Courbe de tonalité] et modifier les courbes une fois de plus si je ne suis pas entièrement satisfait.

 

Voici le rendu final !

Processus vidéo

J'ai préparé une vidéo de mon processus de peinture, n'hésitez pas à la regarder pour une meilleure vue de mon flux de travail.

Postface

Merci d'avoir lu mon tutoriel ! J'espère vous avoir fourni suffisamment de conseils et d'inspiration pour vous essayer à la peinture de vos propres oiseaux. Si vous avez des questions, n'hésitez pas à laisser un commentaire ci-dessous et je vous répondrai dès que possible.