01. Intro

Heyo. Je m'appelle Josh Godin. Je suis un artiste conceptuel et illustrateur basé à New York, NY. Dans cet article, je vais passer en revue un processus d'utilisation de Clip Studio et de Blender pour créer un concept art stylisé. Il s'agit d'un guide détaillé étape par étape dans lequel vous gagnerez le plus en suivant et en vous concentrant sur les objectifs généraux - bien qu'il existe de nombreuses astuces techniques / logiciels spécifiques. L'accent est également partagé entre la théorie de l'art traditionnelle, les généraux de l'art conceptuel et le savoir-faire logiciel. Je n'enseignerai pas la 3D, mais plutôt utiliser Clip Studio pour vous montrer comment tirer parti des compétences 3D lors de la conception et de la peinture. Si vous ne connaissez pas la 3D, c'est bien aussi. Vous pouvez travailler à partir d'une simple base de croquis, et je le mentionnerai au fur et à mesure. Allons-y!

 

Voici le produit final:

 

02. Pourquoi 3d?

Permettez-moi de vous expliquer rapidement pourquoi je garde la 3D à portée de main lorsque je travaille. La réponse simple est la suivante: toute quantité de connaissances 3D améliorera vos capacités. Par exemple:

Ce que j'ai, c'est essentiellement un rectangle et des cylindres. Nous parlons de compétences de niveau «premier jour dans Blender». Pourtant, juste avec cela, j'ai le sous-dessin pour n'importe quel angle que je veux. C'est super puissant! En tant qu'artiste conceptuel, je peux maintenant facilement esquisser des dessins sur cette base - et je peux le faire sous tous les angles sans partir de zéro ni me soucier de la cohérence proportionnelle. En tant qu'illustrateur, je peux maintenant déplacer la caméra et expérimenter avec des angles pour un travail supplémentaire gratuit. Mais ce n’est que le début. Que se passe-t-il si j'ajoute des matériaux et du soleil?

Maintenant, nous allons vraiment quelque part. J'ai cliqué littéralement sur un bouton qui ajoutait le ciel, qui remplissait les reflets, les ombres et la lumière ambiante. Changer les couleurs des objets est aussi simple que de les sélectionner, d'ajouter un matériau et de changer la couleur du matériau. Tout cela a pris moins d'une minute et je peux maintenant rendre une sous-peinture super robuste avec des informations de lumière / ombre et tout un spectre de couleurs à échantillonner pendant la peinture.

 

Bien que je n’ai pas eu besoin de le faire, j’ai également créé un personnage lowpoly très simple pour observer les proportions avec le véhicule et pour échantillonner les tons de peau plus tard. Il est incroyablement doofy, regarde ça

Habituellement, vous ne montriez pas cela à quelqu'un. En fait, oubliez que vous avez déjà vu ça! C’est tout pour la 3D dans ce tutoriel ... probablement. Si vous voulez voir cette partie dans la vidéo, regardez-la ici: https://www.youtube.com/watch?v=Ba3-bwI-bf8&t=48s

 

Sur Clip Studio!

03. Phase de conception: à partir de

Dans cette section, je dessinerai principalement. Pas de supercherie, prenez simplement votre pinceau préféré et mettez-vous au travail. Alors maintenant, je fais glisser les rendus 3D dans Clip Studio, où ils seront le "sous-dessin". Ensuite, j'ajoute une couche de blanc sur le dessus et j'élimine l'opacité pour qu'il soit facile de voir le dessin au trait que je vais créer.

 

(Voici où dessiner un sous-dessin si vous n'utilisez pas la 3D)

Il est facile de s’exciter et de commencer à nouilles. Ce qui est bien, j'utilise cette sensation pour faire des croquis d'échauffement. Dans ce cas, j'ai juste fait quelques gestes lâches de ce que serait le personnage, pour m'assurer que mes hypothèses pour le véhicule correspondaient à son style.

Avec le dessin de la main grogginess disparu, je m'arrête et réexamine POURQUOI ou COMMENT la conception servirait le but. Ici, je prends la référence de mon véhicule et je prends quelques notes mentales, puis je plonge dans le dessin. J'essaie d'avoir un dialogue avec moi-même et de laisser le design doit être le modérateur. AKA «et si cela allait là-bas? Ah, non, ça ne tiendrait pas le poids et ça se coincerait dans les buissons. "

 

Pour suivre la vidéo, rendez-vous ici: https://www.youtube.com/watch?v=Ba3-bwI-bf8&t=300s

Je suis assez lâche et simple ici, mais j'ai des besoins littéraux: une cage de sécurité, des phares redondants, une sorte de plate-forme externe pour le transport de matières dangereuses, et je veux garder intact le style de fourgon du début des années 80. A part ça, j'essaie juste d'être un peu ludique. Les choix de conception sont basés sur la fonction («cela doit supporter le poids») ou la «sensation» («s'incliner, cela rend la camionnette rebondissante») ou «ton» («le tube autour des phares ressemble à des lunettes»). Puisque j’ai déjà beaucoup réfléchi au personnage, nombre de ces choix servent à l’unifier lui et ce véhicule.

 

Il y a donc certaines choses qui me plaisent. J'ai trouvé cette version du fourgon de base que j'aime beaucoup, par exemple.

Mais je sens que je marcherai dans les mêmes eaux si je continue à dessiner comme ça - alors je romps mon processus. C'est quelque chose que je fais continuellement tout en travaillant. Cela vous donne une sorte de «nouveau départ» mental et le changement de technique aboutit à des conceptions qui ne se seraient peut-être pas produites autrement. Dans ce cas, je suis passé du dessin au trait aux formes.

Cela semblait être une bien meilleure façon d'observer la conception. J'utilise juste un gros pinceau à gouache épais et je bloque les formes au lieu de les dessiner au trait. La lecture est super claire et les «poids» visuels des éléments sont plus apparents. Je suis donc allé de l'avant et j'ai également ajouté des formes aux croquis de lineart précédents. J'ai ensuite aligné les deux sets pour décider d'une finale.

J'ai choisi celui-ci, mais avec quelques modifications après avoir échangé des morceaux d'autres conceptions.

Je fais également un croquis rapide pour la vue arrière. Je voulais vraiment qu'il ait une moto électrique aussi. Le décor est dans le désert et le personnage se retrouve dans toutes sortes de situations précaires. Avoir ce véhicule robuste, agile et plus petit rend certains travaux d'entretien beaucoup plus faciles (et plus amusants!) Pour lui. Je suis resté fidèle au processus lineart ici parce que je devais le rendre mécaniquement fonctionnel - ce qui signifie nouiller avec certains détails spécifiques.

 

Pour suivre la vidéo, rendez-vous ici: https://www.youtube.com/watch?v=Ba3-bwI-bf8&t=960s

04. Stade de conception: caractère

Sur l'esquisse du personnage! Nous avons notre petit gars lowpoly, mais c'est strictement pour les proportions (les blocages de personnage en 3D ne sont pas rapides et faciles, généralement). J'ai déjà mes esquisses d'échauffement antérieures, il est donc facile d'intervenir. Je commence par une esquisse d'anatomie.

 

Pour suivre la vidéo, rendez-vous ici: https://www.youtube.com/watch?v=Ba3-bwI-bf8&t=1340s

J'ai toujours une histoire pour le personnage. J'essaie de le faire en fonction de deux facteurs: le but et la personnalité. Dans ce cas, je crée un personnage pour un projet personnel Solarpunk préexistant. Il est membre d'une communauté décentralisée post-effondrement qui fonctionne sur des technologies vertes et des machines récupérées. C’est une sorte de «gourou des gadgets» qui s’efforce de réparer tout et n'importe quoi - c’est son but. Sa personnalité peut être n'importe quoi. Alors j'ai imaginé quand il était enfant qu'il avait trouvé un vieux lecteur DVD cassé. Ses parents lui ont expliqué ce que c'était (une technologie abandonnée depuis longtemps) et étant un bricoleur naturel, il a fait fonctionner la chose. Et voilà, il y avait un DVD à l'intérieur: 25e anniversaire de Grease. Il s'est immédiatement identifié à la nature bricoleuse de la culture des graisseurs et a continué à trouver du rockabilly et même du punk. Tout cela en tête, je me mets au travail. Je suis passé au pinceau à l'encre indienne brute et j'ai abordé le dessin final.

Le mélange entre le but et la personnalité s'est plutôt bien passé! C’est un homme costaud couvert de tatouages, mais sa vie est structurée autour de la communauté et de la sécurité de son peuple. Il aurait été facile de référencer certains mécanismes et de l'appeler un jour - mais serait-ce intéressant?

05. Peinture: depuis le début

Alors, en peinture! Tout comme la rupture entre le but et la personnalité de la conception des personnages, je décompose souvent la peinture en parties facilement observables. Je veux juste faire repeindre le dessin pour avoir une sorte de «canevas» pour un dernier calque de détail. Je fais cela à la fois pour la camionnette et le personnage. Je passe aussi de l'un à l'autre pendant que je travaille. Je trouve que cela m'aide à garder «un œil neuf» et à repérer les problèmes plus tôt.

 

Van d'abord. Pour commencer, je dois nettoyer les formes et les séparer en couches. Comme beaucoup de gens, j'utiliserai des calques de détourage pour le processus de peinture (il existe des centaines de didacticiels sur la méthodologie du masque de détourage, comme celui-ci: https://www.youtube.com/watch?v=AX52B_6af-A). Puisqu'il s'agit d'un objet à surface dure, je n'utiliserai pas mon outil préféré (remplissage au lasso). J'utiliserai plutôt l'outil crayon. Lorsque vous l'utilisez, vous pouvez facilement créer des lignes droites avec ce processus: 1) cliquez / appuyez sur un point de départ, 2) maintenez la touche Maj enfoncée, 3) cliquez / appuyez sur un point final, 4) relâchez la touche Maj. L'outil crayon reliera les deux points avec une ligne parfaitement droite. Cela vous permet de tracer rapidement des lignes droites.

 

Si vous trouvez que la touche Maj déclenche un raccourci de taille de pinceau, appuyez sur ce menu dans Fichier> Paramètres de la touche de modification et remplacez "shift" par "none".

Sur le travail de peinture. La camionnette est déjà peinte en grande partie, grâce au rendu. Je veux ajouter des rayures technicolor sur le côté. Je ne suis pas sûr de la forme que je souhaite, ni de la couleur. Je décide donc de travailler de manière non destructive pour permettre l'expérimentation.

 

L'édition non destructive est une ÉNORME partie de mon flux de travail. Lorsque vous travaillez dans des jeux, quelqu'un peut et demandera des changements fondamentaux qui nécessitent une tonne de travail si vous ne les attendiez pas. J'ai donc conçu cet exemple simple pour montrer le type de réflexion qui évite ce problème (c'est également idéal pour vous permettre d'expérimenter facilement). J'ai besoin de comprendre la forme des rayures et la couleur, mais je ne pourrai pas juger efficacement non plus tant que je ne les verrai pas sur la camionnette et avec des reflets / ombrages / etc. présents. Heureusement, nous avons la puissance de la 3D à notre disposition! Je peux simplement rendre la camionnette de différentes couleurs, puis peindre des masques pour la forme des rayures.

1) Je retourne dans Blender et rend le van deux fois de plus avec une nouvelle couleur de carrosserie à chaque fois (une fois rose, une fois orange). Ces images créeront les «rayures» lorsque j'aurai terminé.

2) De retour dans le clip Studio Paint, créez une forme pour la bande latérale.

3) Apportez les deux nouveaux rendus dans Clip Studio et alignez-les avec l'ancien fourgon.

4) Attachez-les à la forme de bande (voir les couches dans la capture d'écran).

5) Maintenez Contrôle / Commande et cliquez / appuyez sur le calque de forme de bande de peinture (créé à l'étape 2) pour créer une sélection à partir de celui-ci. Ensuite, allez dans Sélection> Réduire> Réduire la zone de sélection et réduisez la sélection d'environ 50 pixels. Décalez la sélection vers le bas et vers la gauche à l'aide des touches fléchées lorsqu'un outil de sélection est actif (touche M). Enfin, appuyez sur le bouton Créer un masque de calque (grisé dans la capture d'écran ci-dessous, car il est actif).

6) Appuyez sur Contrôle / Commande et "i" avant de faire quoi que ce soit d'autre pour inverser le masque, car nous voulons que la bande rose soit la petite bande.

7) Peignez dans le masque de calque pour compléter l'effet comme vous le souhaitez (j'ai ajouté une autre bande rose par exemple, en peignant une section de la bande orange en utilisant la gomme sur le masque du calque de bande orange). Utilisez le pinceau pour révéler le contenu du calque (peignez plus de zones roses) et la gomme pour masquer le contenu du calque (découvrez plus de zones orange). Si la peinture ne fonctionne pas, assurez-vous que le masque de calque n'est pas les données de calque sélectionnées - notez la vignette du masque sur le calque. Le TLDR pour peindre sur des masques est: 1) assurez-vous que le masque est sélectionné pas seulement le calque, 2) peignez avec du blanc pour révéler le contenu du calque, 3) effacez pour masquer le contenu du calque.

 

Terminé! Nous pouvons changer ces masques autant que nous le voulons et cela révélera toujours la couche de carrosserie de couleur alternative. Cette technique a des utilisations presque infinies et peut être mise en œuvre de nombreuses manières pour de nombreux effets. Vous pouvez utiliser le masque sur un calque de réglage de correction tonale pour peindre automatiquement les ombres de votre personnage, par exemple.

 

Pour suivre le processus des bandes de peinture dans la vidéo, rendez-vous ici: https://www.youtube.com/watch?v=Ba3-bwI-bf8&t=1880s

 

Ensuite, ce sont les fenêtres. Windows peut être délicat dans certains contextes, mais le désert n’en fait pas partie. Les seules choses reflétées sont un ciel bleu clair et le soleil. Le processus est donc assez simple.

 

Pour suivre le processus de fenêtre dans le didacticiel vidéo, rendez-vous ici: https://www.youtube.com/watch?v=Ba3-bwI-bf8&t=1750s

1) Créez les formes de fenêtre avec l'outil Marquee et remplissez-les de couleur afin que nous puissions les sélectionner si nécessaire en maintenant simplement Contrôle / Commande et en cliquant / appuyant sur l'aperçu du calque (mis en évidence ci-dessous). Vous pouvez même masquer les fenêtres après les avoir créées, le clic Contrôle / Commande fonctionnera toujours.

2) Peignez les objets intérieurs et regroupez-les.

3) Sélectionnez ce groupe. Maintenant Contrôle / Commande cliquez / appuyez sur le calque des fenêtres pour faire une sélection sous la forme des fenêtres. Appuyez sur le bouton Créer un masque pour créer le masque sur le groupe, en masquant tout le contenu en dehors de la zone de la fenêtre et en mettant efficacement nos objets «à l'intérieur».

4) Ajoutez également un éclairage ambiant pour l'intérieur, car il obstrue la lumière.

5) Déposez un tiret très rapidement pour que notre fenêtre ne soit pas trop étrange. Nous allons maintenant ajouter les réflexions elles-mêmes. Créez un nouveau calque au-dessus de votre groupe intérieur. Contrôle / Commande et cliquez / appuyez à nouveau sur le calque de formes de fenêtre. Appuyez sur le bouton Créer un calque de masque pour vous assurer que nous ne peignons que «à l’intérieur» des fenêtres. Maintenant, c'est aussi simple que d'ajouter une teinte bleue en haut de la fenêtre depuis le ciel, un point culminant flou pour le soleil et une légère chaleur au bas de la fenêtre du désert. Vous pouvez surestimer cela au début, puis le pousser vers le bas avec opacité ou effacement.

C'est ça!

 

Sur les tubes. J'avais une idée de comment les faire, et le garçon n'a pas fonctionné. J'ai peint une section de tube échantillon, puis je l'ai copiée sur toute la structure du tube pour «peindre» rapidement sous forme de tube. Ça avait l'air horrible. Cela fonctionne assez bien pour certaines choses. Pas ça! Vous pouvez le visionner dans les vidéos de processus si vous aimez regarder les gens échouer ha.

 

J'ai essayé quelques correctifs, mais rien n'a fonctionné. À ce stade, il est devenu clair que le problème était moi. J'ai tout fermé, mis de la musique et commencé à rassembler des références plus particulières. J'ai trouvé des images de tubes noirs sur des jeeps dans le désert et j'ai fabriqué un tube noir semi-mat dans Blender pour l'observer directement dans ma scène. Quand j'ai rouvert ma peinture, les problèmes étaient très évidents. Je suggère fortement, fortement que lorsque vous faites des nouilles depuis un certain temps, vous prenez un moment pour vérifier que vous savez ce que vous faites. Je pensais savoir à quoi ressemblerait un cylindre en métal noir dans un décor désertique. Je ne l'ai pas fait, mais maintenant je le fais. C’est encore une chose dans le vieux média visuel mental. J'ai également ajouté de la texture et de la couleur dans toute l'image pendant que je ramassais les tubes. Rien n'est encore définitif, mais l'ambiance générale y arrive définitivement.

06. Peinture: Début du personnage

Après avoir trié les tubes, je passe à quelque chose de simple: la forme traçant le personnage. Je trouve que le meilleur moment pour ralentir est en fait juste après avoir découvert une zone qui vous causait des problèmes. Pensez-y comme si vous dévaliez l'arrière d'une colline escarpée. Votre cerveau aime les pauses quoi qu'il arrive, mais une pause avec un nouvel approvisionnement en dopamine vous donne un sentiment d'énergie et est prêt à travailler.

 

J'ai utilisé l'outil de remplissage au lasso pour tout ce processus. J'utilise généralement beaucoup plus l'outil lasso lorsque je travaille dans Clip Studio. Si vous n’avez pas encore choisi ce jouet, lancez-vous! Il existe de nombreuses façons de créer des formes raster dans chaque application. Je les ai tous essayés et Lasso Fill est absolument le meilleur. Activez la stabilisation, pas de lignes tremblotantes. Activez l'anti-crénelage, pas de bords pixélisés. Vous êtes libre de tracer avec désinvolture chaque forme de votre dessin et sachez qu’elle sera propre et utilisable sans modifications et qu’elle se remplit automatiquement, juste la cerise sur le gâteau.

 

J'ai également dupliqué le dessin au trait, je l'ai flouté, puis je l'ai découpé à sa silhouette (le groupe de cette capture d'écran est toutes ses formes individuelles que j'ai tracées, qui combinées forment sa silhouette). Résultat de cette modification mineure:

C'est une astuce super facile pour ajouter une lumière et une forme suggestives instantanées. Je garde les lignes originales sur le dessus, mais je les teinte légèrement pour les abaisser. Le rend moins distrayant et ce sera une bonne base pour la phase de peinture. Nous pouvons le mettre de côté pour le moment.

07. Peinture: Terminer le van

La base de la camionnette est en place - maintenant quelques détails et nous allons en faire le sien.

 

Les phares sont étonnamment faciles à peindre. N'oubliez pas qu'il s'agit d'un miroir, mais incurvé. Imaginez un ballon de basket, mais l'intérieur est recouvert de miroirs. Coupez cette boule en deux et vous avez deux phares. Le bas du phare reflétera le ciel (il est dirigé vers le haut), s'enroulant jusqu'à ce que le haut du phare reflète le sol (et tout ce qui pourrait être directement devant le phare, comme un pare-chocs). Sinon, gardez-le un peu en désordre et laissez les coups de douleur apparaître, car la surface est en fait assez irrégulière et le verre la déforme davantage. Voici le blocage initial.

Pour voir le processus de peinture des phares dans le didacticiel vidéo, rendez-vous ici: https://www.youtube.com/watch?v=Ba3-bwI-bf8&t=2615s

 

Maintenant sur ce petit pendentif, que mon personnage a lui-même fabriqué. J'utilise ici une astuce qui est toujours pratique: peindre à plat et se déformer en perspective. Voici le processus.

 

1) J'utilise le chapiteau circulaire pour créer la forme et je la peins comme s'il s'agissait d'un morceau de chrome plat et rond (le décor reflété - donc sable et ciel).

2) Conservez la sélection mais créez un nouveau calque. Remplissez-le d'une couleur plate et réduisez-le avec l'outil Transformer (Contrôle / Commande + T).

3) Peignez quelques valeurs dans, puis dupliquez-la et réduisez-la à nouveau. Peignez-le comme du chrome concave cette fois (essentiellement l'environnement reflété mais inversé et plus subtil)

4) Peignez la forme du crâne de notre emblème (quoi? C'est un punk!)

5) Ajoutez un calque et fixez-le à la forme du crâne, puis chromez-le également.

6) Aplatissez le tout puis lancez une transformation libre (Contrôle / Commande + Maj + T). Soulevez le côté droit pour donner l'impression que l'emblème est incliné sur le côté d'un mur. Réduisez-le, placez-le à l'avant du véhicule.

7) Enfin, ajoutez de l'épaisseur et une certaine variation pour la façon dont il se connecte au véhicule. Ajoutez de l'ombre autour / en dessous et c'est terminé! Cette technique reviendra lorsque nous ferons les jantes pour les roues.

La dernière chose pour la carrosserie de la camionnette est FX. FX Je considère que tout ce qui se trouve «au-dessus» de la conception de base. Dans ce cas, des autocollants, de la poussière, des rayures, etc. Le processus pour les autocollants est super facile. Je crée juste leur forme au hasard, puis verrouille la transparence (touche «/») et peins dessus avec des couleurs aléatoires.

Pour la poussière, j'utilise une texture photo. Une recherche rapide d'images Creative Commons de filets de poussière, une simple image «poussière sur noir». Il existe plusieurs façons de séparer cela dans les modes de calque, mais je veux le simplifier en changeant le noir en transparence. Alors j'ouvre l'image de poussière et:

 

1) Dupliquez le calque d'arrière-plan. Je veux faciliter la sélection de tout le noir. Donc, je désature l'image avec Edition> Corrections tonales> Teinte / Saturation / Luminosité et fais glisser la saturation complètement vers la gauche.

2) Ensuite, allez dans Sélection> Sélectionner par gamme de couleurs et cliquez sur le noir de l'image pour sélectionner cette gamme.

3) Appuyez sur Contrôle / Commande + "i" pour inverser la sélection (afin que nous puissions dupliquer notre poussière sur la couche principale). Cachez le calque désaturé puis revenez au calque d'arrière-plan principal et appuyez sur Ctrl / Commande + C pour copier la poussière, puis bien sûr Ctrl / Commande + P pour le coller. Cachez le calque principal si vous ne voulez voir que la poussière avant de continuer.

Puis je retourne à ma peinture. Je sais que je veux peindre de la saleté sur les tubes plus tard aussi, alors je vais de l'avant et crée un groupe pour contenir à la fois la texture de la poussière et toute peinture que je pourrais ajouter. Maintenant, avec ce groupe sélectionné, je le prépare pour la poussière et laisse tomber la poussière.

 

1) Faites un Contrôle / Commande + cliquez / appuyez sur chacun des calques pour le pare-chocs / arceau pour créer une sélection de leur forme, puis appuyez sur le bouton "Créer un masque de calque" avec le groupe de poussière sélectionné.

2) Collez la texture de la poussière, copiez-la au besoin.

08. Photobash: Les roues

J'ai une sensation très spécifique en tête pour les pneus. J'ai couvert de nombreuses techniques liées à la peinture, mais Clip Studio a de nombreuses astuces dans la manche. Pour cette partie, nous utiliserons une autre approche très puissante: la photo bashing. Dans l'illustration, le dénigrement des photos est un sujet délicat. En art conceptuel, il s’agit d’une approche standard de studio mise en œuvre par tous les studios avec lesquels j’ai jamais travaillé. Je ne suis pas seulement en train de déposer une photo et de l’appeler un jour bien sûr, je l’utiliserai comme base et créerai ce dont nous avons besoin.

 

Consultez ce lien pour voir le processus dans la vidéo YouTube. L'idée générale est: 1) utilisez l'outil de transformation gratuit (Ctrl / cmd + shift + T) pour déformer la source en fonction de votre perspective, 2) utilisez la transformation de maillage pour la mettre en place davantage, 3) peignez-la dans votre configuration d'éclairage sur une couche séparée, 4) ajoutez de la crasse / de la boue / de la poussière / etc.

 

https://www.youtube.com/watch?v=Ba3-bwI-bf8&t=3145s

Lors de ma dernière étape, comme le montre la vidéo ci-dessus, je peins les jantes à la main avec l'aide occasionnelle de l'outil de sélection pour aider à garder les lignes propres. J'utilise une astuce similaire à la façon dont j'ai réalisé l'emblème du crâne à l'avant de la camionnette. C’est un bon exemple de quand et comment utiliser ce genre de pensée - et dans ce cas, je déforme avant de peindre au lieu d’après.

09. Peinture: Caractère de finition

Bien. Sur notre gars principal. En ce qui concerne les personnages, j'ai un flux de travail assez simple que je peux facilement reproduire chaque fois que j'ai besoin d'une méthodologie fiable. Avec toutes ses formes triées individuellement (veste, peau, chaussures, etc.), je peux les regrouper et y clipser des couches. Les données sur ces couches coupées n'affectent que ce qui se trouve à l'intérieur de sa silhouette, nous permettant de le baigner de lumière au-dessus de toutes ses couleurs de base locales.

 

Je discute de tout cela avec la peinture dans le didacticiel vidéo. Pour suivre, rendez-vous ici: https://www.youtube.com/watch?v=Ba3-bwI-bf8&t=3705s

Cette approche nécessite une compréhension fondamentale de la lumière par opposition à une recréation 2D de la façon dont la lumière apparaît. C'est assez simple, mais si quelque chose ne vous semble pas familier, faites certainement une étude Google pour les principes. Voici les calques que j'ai définis comme découpés et je vais vous expliquer chacun d'eux.

• ombre portée / forme

• points forts

• tomber

• couches de ton / réglage

• feu de jante

• rebond / lumière du ciel

• détails

CAST / FORM SHADOW - Je combine deux types d'ombre différents pour accélérer le processus, car cette peinture est un peu lâche. Des ombres projetées sont créées lorsque la lumière est bloquée et qu'une ombre se forme à partir de cette obscurcissement (pensez à une casquette de baseball bloquant le soleil du visage). Les ombres de forme sont créées lorsque la forme d'un objet ou d'un plan se détourne de la lumière. Ce qui se passe, c'est que la lumière devient progressivement moins dure à mesure que la forme s'en détourne jusqu'à un point où la lumière ne frappe plus directement l'objet (le bord du terminateur), à partir de là, elle roule dans une ombre pure. Voici cette couche en action.

 

POINTS FORTS - Je garde ce genre de subtilité, car j'ai l'intention de le peindre avec une intention plus délibérée plus tard. C’est une chose assez simple: ajoutez de la luminosité aux zones qui la recevraient. À ce stade, vous pouvez simplement utiliser une valeur et la définir sur un style de calque comme Superposition ou Lumière douce. Nous recherchons juste un peu de contraste dans les ombres, rien de lourd.

 

FALLOFF - Dans cette scène, cet effet est plutôt subtil. La lumière est si générale (soleil éclatant, rebond brillant du désert) que l'effet est presque imperceptible. Dans une scène où la lumière est plus directe ou moins puissante, l'atténuation sera beaucoup plus dramatique (pensez à une ampoule dans une pièce sombre).

 

TONE / ADJUSTMENT - Cette couche peut être incluse ou non et cela dépend de nombreux facteurs. Pour cette peinture, je voulais le faire tomber un peu dans l'ombre parce que 1) il se tient principalement dans l'ombre de la camionnette, et 2) je le veux dans la gamme sombre / médium quand je commence à peindre par-dessus donc j'ai plus de valeurs de lumière à jouer avec. Si vous parlez trop tôt trop tôt, il n'y a aucun moyen de faire ressortir les reflets vraiment plus tard - ils disparaîtront simplement dans vos valeurs élevées. Je fais aussi des choses subtiles aléatoires comme ajouter des tons jaunâtres sur le front, des tons rouges sur le nez / les oreilles où le sang se rassemble, des tons désaturés sur le menton où le chaume réduit la sous-surface, la chaleur dans les tons par la saleté, etc. façon de continuer la poussée pour l'intégrer à son décor ET de planifier votre étape finale.

 

RIM LIGHT - C'est la lumière juteuse. Cela peut se produire de différentes manières, mais dans ce cas, j'ai heurté les plans de son visage à peu près au même angle que les feux de jante de la camionnette elle-même. C'est un peu arbitraire et je l'ai choisi pour mon intérêt visuel. Rimlight impressionne les téléspectateurs, simple et clair. Une astuce, ne vous fiez pas uniquement aux formes légères pour faire le travail. Pensez au matériau qu'ils frappent et à leur effet. Par exemple, cette zone du visage. La diffusion souterraine inhérente à la peau (la lumière qui rebondit sous la surface) provoque une lumière intense pour créer des couleurs vibrantes en prenant la teinte du teint et du flux sanguin. Dans ce cas, je l'ai fait le plus délibérément sur son épaule pour une raison quelconque, ha.

 

BOUNCE / SKY LIGHT - Cette couche est celle que je considère comme un territoire de «sauce secrète». Il combine de nombreux effets subtils qui donnent une image beaucoup plus forte. Cela permet au personnage de s'asseoir «dans» la scène au lieu de «sur» celle-ci. Tout d'abord, la lumière de rebond. Le sable projette beaucoup de lumière, nous pouvons donc aller dans l'ombre et ajouter une lueur chaude venant d'en bas. Deuxièmement, la lucarne. Tout avion tourné vers le haut (pensez: haut des épaules) peut recevoir une teinte douce et fraîche. Nous ne le voyons pas autant dans l’ombre parce qu’il a été occulté. Ce processus ajoute des variations de tous les types, y compris chaud et froid, qui est une forme de contraste fantastique pour donner à une pièce un caractère «pop».

 

DÉTAIL OPAQUE - Une fois que les couches de lumière / ombre fonctionnent, je saute vers le haut et je peins de manière opaque sur tout. Cette étape est amusante et importante. J'essaie de penser en termes de formes, de plans, de matériaux et de flux lumineux. C'est beaucoup de jongler, mais c'est exponentiellement plus facile avec toutes les informations que nous avons bloquées avec nos couches de lumière et d'effets. Ne vous inquiétez pas si cela semble moche ou bizarre au début. Gardez toujours un œil sur la version agrandie et gardez les références à portée de main. Je prends également quelques minutes pour casser les bords avec une brosse lâche. Je suis un grand fan des bords perdus et des coups de pinceau lâches, donc je trouve toujours des moyens d'incorporer cette sensation, même dans un concept numérique croustillant comme celui-ci.

 

Enfin, j'introduis plus de lumière et je repousse un peu les valeurs. Je ne vais pas pour la réalité ici car il s'agit simplement d'un concept stylisé pour référence par un artiste 3D ou moi-même. Si l'objectif était une illustration finie pour publication ou similaire, toutes ces décisions seraient primordiales dès le départ.

10. Bonjour Moto

Dernier atout, la moto et la plateforme de chargement. Le vélo est principalement à batterie (comme les motos électriques ont tendance à l'être), donc j'étais assez libre de jouer. J'avais toutes sortes d'idées dans celui-ci depuis que j'ai une longue histoire avec les motos. J'ai modelé le look des scramblers classiques mélangés avec un peu de saveur de café racer et beaucoup d'influence de motocross.

Je crée ce genre de concept rapide lorsque je veux en quelque sorte transmettre une suggestion à l'équipe 3D ou à d'autres artistes. Ce n’est pas aussi mécaniquement compris que le concept principal, ni aussi raffiné dans la présentation. C’est cool, c’est juste une idée. S'ils le creusent, nous discuterons et je présenterai une version raffinée et finale.

 

Comme c'est assez lâche, je n'ai pas utilisé de trucs ni trop poli de zones. J'ai vraiment juste créé des formes pour les zones principales et j'ai commencé à peindre, en les inventant au fur et à mesure. C’est aussi simple que: esquisse, blocs de formes, détails opaques. Voici un lien vers l'horodatage de la vidéo YouTube pour voir le temps écoulé: https://www.youtube.com/watch?v=Ba3-bwI-bf8&t=4710s

 

Ce processus peut être utilisé pour peindre à peu près n'importe quoi, si vous êtes d'humeur à creuser et à peindre sans aucune astuce.

 

11. Présentation, récapitulation

Avec tous les éléments peints et finis, il est temps de les présenter.

 

Malgré le fait que j'ai ces choses sur des calques, j'ai tout aplati et commencé un nouveau fichier. Certainement pas ce que je ferais habituellement, mais je voulais créer un scénario commun qui peut être problématique: j'ai besoin d'ajouter des éléments d'arrière-plan, mais je n'ai pas de calques. Il existe de nombreux outils de sélection pour aider ce processus, cependant, je souhaite afficher une version manuelle afin que vous puissiez répliquer même si les outils de sélection vous échouent. C’est un processus très simple.

 

1) Le but est de diviser vos éléments pour une sélection facile à l'aide de l'outil de sélection automatique (touche W). Je sais que mon gars et ma camionnette sont plus sombres que ma glycémie, je vais donc les séparer par des valeurs (éléments sombres sur fond clair). Je commence par convertir en noir et blanc car je ne veux pas que les données de couleur interfèrent avec le processus. Dans d'autres images, d'autres méthodes peuvent mieux fonctionner. Par exemple, si votre arrière-plan est dominé par le bleu et votre premier plan est dominé par le rouge, vous pouvez sursaturer toutes les couleurs pour créer des transitions à contraste élevé entre elles.

2) Ensuite, j'exécute des niveaux pour séparer les éléments plus délibérément.

3) Si vous commencez à essayer de sélectionner avec l'outil de sélection automatique et que vous constatez que certaines zones ne se sont pas remplies comme nécessaire, la solution la plus simple consiste souvent à saisir un pinceau et à les remplir. Bien sûr, cela peut être plus compliqué que cela et en dans ces cas, vous devrez réexaminer vos besoins et réessayer. Dans mon cas, il s’agit simplement de la lumière de jante (je peux Ctrl / Commande + Cliquer / Appuyer sur mon calque de lumière de jante pour le sélectionner) et un surlignage de camionnette, que je viens de peindre très rapidement.

 

4) Je peux maintenant sélectionner ma glycémie suffisamment bien pour y peindre.

5) Avec cette sélection active, créez un nouveau groupe de calques, puis créez un nouveau masque sur ce groupe. Désormais, tous les calques que vous créez dans ce groupe de calques n'apparaîtront qu'en arrière-plan.

De là, il suffit de peindre l'arrière-plan de manière très lâche. Nous ne voulons pas beaucoup de détails. Nous ne voulons pas de formes à bords durs. Nous ne voulons pas de couleurs / valeurs à contraste élevé. Pensez-y comme un portrait avec l'arrière-plan flou. Et comme il s'agit d'une image stylisée, nous pouvons nous en tirer simplement en y jouant. J'ai utilisé un gros pinceau et j'ai choisi les couleurs principalement en fonction de ce que j'aime par rapport à ce qui est précis - en m'appuyant sur des valeurs pour s'assurer que tout est lié indépendamment. J'ai également ajouté des éléments de premier plan pour laisser les véhicules «s'asseoir» dans leur environnement, tout en restant assez lâches.

 

Et voilà, la finale!

Nous espérons que vous avez apprécié ce tutoriel! Je sais que c’est une longue, content que vous ayez réussi J'ai essayé de parler d'art autant que de technique pour que vous puissiez passer au niveau supérieur à tous les niveaux au lieu de simplement des capacités logicielles. Je vais publier une autre partie de cette série où je prends une version plus raffinée de la camionnette 3D et l'apporte pour une bonne illustration de notre gars faisant une livraison audacieuse à flanc de falaise. Merci d'avoir lu et suivez-moi via les canaux suivants!

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